Akira Kurosawa - Akira Kurosawa

Akira Kurosawa
Akira Kurosawa no set de Seven Samurai em dezembro de 1953
Nascer	( 1910-03-23 )23 de março de 1910 Shinagawa , Tóquio , Império do Japão
Faleceu	6 de setembro de 1998 (06/09/1998)(com 88 anos) Setagaya , Tóquio, Japão
Lugar de descanso	An'yō-in , Kamakura , Kanagawa , Japão
Ocupação	Diretor de filme roteirista produtor editor
Anos ativos	1936-1993
Trabalho notável
Cônjuge (s)	Yōko Yaguchi ​ ​ ( M.  1945; morreu 1985)
Crianças	Hisao (nascido em 1945) e Kazuko (nascido em 1954)
Prêmios	Leão de Ouro (1951) Prêmio da Academia (1990, Conquista de Vida )
Nome japonês
Shinjitai	黒 沢 明
Kyūjitai	黑澤 明
Romanização	Kurosawa Akira
Assinatura

Akira Kurosawa ( japonês :黒 澤明, Hepburn : Kurosawa Akira , 23 de março de 1910 - 6 de setembro de 1998) foi um cineasta e pintor japonês que dirigiu 30 filmes em uma carreira de 57 anos. É considerado um dos cineastas mais importantes e influentes da história do cinema.

Kurosawa entrou na indústria cinematográfica japonesa em 1936, após uma breve passagem como pintor. Depois de anos trabalhando em vários filmes como assistente de direção e roteirista, ele estreou como diretor durante a Segunda Guerra Mundial com o popular filme de ação Sanshiro Sugata (também conhecido como Judo Saga ). Depois da guerra, o aclamado pela crítica Drunken Angel (1948), no qual Kurosawa escalou o então pouco conhecido ator Toshiro Mifune para o papel principal, cimentou a reputação do diretor como um dos mais importantes jovens cineastas japoneses. Os dois homens iriam colaborar em mais quinze filmes.

Rashomon , que estreou em Tóquio, se tornou o vencedor surpresa do Leão de Ouro no Festival de Cinema de Veneza de 1951. O sucesso comercial e de crítica desse filme abriu os mercados de filmes ocidentais pela primeira vez para os produtos da indústria cinematográfica japonesa, o que por sua vez levou ao reconhecimento internacional de outros cineastas japoneses. Kurosawa dirigiu aproximadamente um filme por ano ao longo dos anos 1950 e início dos 1960, incluindo vários filmes conceituados (e frequentemente adaptados), como Ikiru (1952), Seven Samurai (1954) e Yojimbo (1961). Após a década de 1960, ele se tornou muito menos prolífico; mesmo assim, seu trabalho posterior - incluindo seus dois últimos épicos, Kagemusha (1980) e Ran (1985) - continuou a receber grande aclamação, embora com mais frequência no exterior do que no Japão.

Em 1990, ele recebeu o prêmio da Academia pelo conjunto de sua obra . Postumamente, ele foi nomeado " Asiático do Século " na categoria "Artes, Literatura e Cultura" pela revista AsianWeek e pela CNN , citada ali como estando entre as cinco pessoas que mais contribuíram para o aprimoramento da Ásia no século XX. Sua carreira foi homenageada por muitas retrospectivas, estudos críticos e biografias impressas e em vídeo, e por lançamentos em muitas mídias de consumo.

Biografia

Da infância aos anos de guerra (1910-1945)

Infância e juventude (1910-1935)

Kurosawa nasceu em 23 de março de 1910, em Ōimachi, no distrito de Ōmori , em Tóquio. Seu pai Isamu (1864–1948), membro de uma família de samurai da Prefeitura de Akita , trabalhava como diretor da escola secundária do Instituto de Educação Física do Exército , enquanto sua mãe Shima (1870–1952) vinha de uma família de comerciante que vivia em Osaka . Akira era o oitavo e mais novo filho de uma família moderadamente rica, com dois de seus irmãos já crescidos na época de seu nascimento e um falecido, deixando Kurosawa para crescer com três irmãs e um irmão.

Além de promover o exercício físico, Isamu Kurosawa estava aberto às tradições ocidentais e considerava o teatro e o cinema com mérito educacional. Ele incentivou seus filhos a assistirem a filmes; o jovem Akira viu seus primeiros filmes aos seis anos. Uma importante influência formativa foi seu professor do ensino fundamental , o Sr. Tachikawa, cujas práticas educacionais progressivas acenderam em seu jovem aluno, primeiro o amor pelo desenho e depois o interesse pela educação em geral. Durante este tempo, o menino também estudou caligrafia e esgrima Kendo .

Outra grande influência da infância foi Heigo Kurosawa (1906-1933), irmão mais velho de Akira por quatro anos. Após o grande terremoto Kantō em 1923, Heigo levou Akira, de 13 anos, para ver a devastação. Quando o irmão mais novo quis desviar o olhar dos cadáveres de humanos e feras espalhados por toda parte , Heigo o proibiu de fazer isso, encorajando Akira a enfrentar seus medos confrontando-os diretamente. Alguns comentaristas sugeriram que esse incidente influenciaria a carreira artística posterior de Kurosawa, já que o diretor raramente hesitava em confrontar verdades desagradáveis ​​em seu trabalho.

Heigo era dotado academicamente, mas logo depois de não conseguir garantir uma vaga na principal escola de ensino médio de Tóquio , ele começou a se separar do resto da família, preferindo se concentrar em seu interesse pela literatura estrangeira. No final da década de 1920, Heigo tornou-se benshi (narrador de filme mudo) para os cinemas de Tóquio que exibiam filmes estrangeiros e rapidamente fez seu nome. Akira, que neste momento planejava se tornar um pintor, foi morar com ele, e os dois irmãos tornaram-se inseparáveis. Com a orientação de Heigo, Akira devorou ​​não apenas filmes, mas também apresentações de teatro e circo, enquanto exibia suas pinturas e trabalhava para a Liga Proletária de Artistas de esquerda. No entanto, nunca conseguiu ganhar a vida com a sua arte e, à medida que começou a perceber a maior parte do movimento proletário como "colocando ideais políticos não realizados diretamente na tela", perdeu o entusiasmo pela pintura.

Com a crescente produção de filmes falados no início dos anos 1930, narradores de filmes como Heigo começaram a perder o trabalho e Akira voltou a morar com seus pais. Em julho de 1933, Heigo suicidou-se. Kurosawa comentou sobre o sentimento duradouro de perda que sentiu com a morte de seu irmão e o capítulo de sua autobiografia ( Something Like an Autobiography ) que o descreve - escrito quase meio século após o evento - é intitulado "Uma história que não quero Quer dizer". Apenas quatro meses depois, o irmão mais velho de Kurosawa também morreu, deixando Akira, aos 23 anos, o único dos irmãos Kurosawa ainda vivo, junto com suas três irmãs sobreviventes.

Diretor em treinamento (1935-1941)

Kurosawa (à esquerda) e Mikio Naruse (à direita) no set de Nadare (1937)

Em 1935, o novo estúdio de cinema Photo Chemical Laboratories, conhecido como PCL (que mais tarde se tornou o grande estúdio Toho ), anunciava os diretores assistentes. Embora não tivesse demonstrado nenhum interesse anterior no cinema como profissão, Kurosawa enviou a redação exigida, que pedia aos candidatos que discutissem as deficiências fundamentais dos filmes japoneses e encontrassem maneiras de superá-las. Sua visão meio zombeteira era que, se as deficiências eram fundamentais, não havia como corrigi-las. A redação de Kurosawa rendeu-lhe um chamado para fazer os exames complementares , e o diretor Kajirō Yamamoto , que estava entre os examinadores, gostou de Kurosawa e insistiu para que o estúdio o contratasse. Kurosawa, de 25 anos, ingressou na PCL em fevereiro de 1936.

Durante seus cinco anos como assistente de direção, Kurosawa trabalhou com vários diretores, mas de longe a figura mais importante em seu desenvolvimento foi Yamamoto. De seus 24 filmes como AD , ele trabalhou em 17 com Yamamoto, muitos deles comédias apresentando o popular ator Ken'ichi Enomoto , conhecido como "Enoken". Yamamoto cultivou o talento de Kurosawa, promovendo-o diretamente de terceiro diretor assistente a diretor assistente chefe após um ano. As responsabilidades de Kurosawa aumentaram e ele trabalhou em tarefas que iam desde a construção de palco e desenvolvimento do filme até a localização, polimento do roteiro, ensaios, iluminação, dublagem, edição e direção de segunda unidade. No último filme de Kurosawa como assistente de direção de Yamamoto, Horse ( Uma , 1941) , Kurosawa assumiu a maior parte da produção, já que seu mentor estava ocupado com a filmagem de outro filme.

Yamamoto avisou Kurosawa que um bom diretor precisava dominar o roteiro. Kurosawa logo percebeu que os ganhos potenciais com seus roteiros eram muito maiores do que o que ele recebia como assistente de direção. Posteriormente, ele escreveu ou co-escreveu todos os seus filmes e freqüentemente escreveu roteiros para outros diretores, como o filme de Satsuo Yamamoto , A Triumph of Wings ( Tsubasa no gaika , 1942). Esse roteiro externo serviria a Kurosawa como uma linha lateral lucrativa que durou até os anos 1960, muito depois de ele se tornar famoso.

Filmes de guerra e casamento (1942-1945)

Nos dois anos após o lançamento de Horse em 1941, Kurosawa procurou uma história que pudesse usar para lançar sua carreira de diretor. No final de 1942, cerca de um ano após o ataque japonês a Pearl Harbor , o romancista Tsuneo Tomita publicou seu romance de judô inspirado em Musashi Miyamoto , Sanshiro Sugata , cujos anúncios intrigaram Kurosawa. Ele comprou o livro no dia da publicação, devorou-o de uma vez e imediatamente pediu a Toho que garantisse os direitos do filme. O instinto inicial de Kurosawa provou-se correto quando, em poucos dias, três outros grandes estúdios japoneses também se ofereceram para comprar os direitos. Toho prevaleceu e Kurosawa iniciou a pré-produção de seu trabalho de estreia como diretor.

Yukiko Todoroki interpretou a protagonista feminina em Sanshiro Sugata, ao lado de Sanshiro no primeiro filme de Kurosawa. Fotografia contemporânea de 1937.

As filmagens de Sanshiro Sugata começaram nas locações em Yokohama em dezembro de 1942. A produção correu bem, mas fazer o filme completo passar pelos censores era uma questão totalmente diferente. O gabinete de censura considerou o trabalho questionavelmente "britânico-americano" pelos padrões do Japão em tempo de guerra, e foi somente por meio da intervenção do diretor Yasujirō Ozu , que defendeu o filme, que Sanshiro Sugata foi finalmente aceito para lançamento em 25 de março, 1943. (Kurosawa tinha acabado de fazer 33 anos.) O filme se tornou um sucesso de crítica e comercial. No entanto, o escritório de censura mais tarde decidiu cortar cerca de 18 minutos de filmagem, muitos dos quais agora são considerados perdidos.

Em seguida, ele voltou-se para o tema das operárias em tempo de guerra em The Most Beautiful , um filme de propaganda que ele filmou em um estilo semidocumentário no início de 1944. Para obter performances realistas de suas atrizes, o diretor as colocou ao vivo em uma fábrica real durante o tiro, comer a comida da fábrica e chamar uns aos outros pelos nomes de seus personagens. Ele usaria métodos semelhantes com seus performers ao longo de sua carreira.

Durante a produção, a atriz que interpreta a líder dos operários da fábrica, Yōko Yaguchi , foi escolhida por seus colegas para apresentar suas demandas ao diretor. Ela e Kurosawa estavam constantemente em desacordo, e foi por meio dessas discussões que as duas, paradoxalmente, tornaram-se próximas. Casaram-se em 21 de maio de 1945, com Yaguchi grávida de dois meses (ela nunca retomou a carreira de atriz), e o casal permaneceria junto até sua morte em 1985. Eles tiveram dois filhos, ambos sobrevivendo a Kurosawa em 2018: um filho, Hisao , nascida em 20 de dezembro de 1945, que atuou como produtora em alguns dos últimos projetos de seu pai, e Kazuko , uma filha, nascida em 29 de abril de 1954, que se tornou figurinista.

Pouco antes de seu casamento, Kurosawa foi pressionado pelo estúdio contra sua vontade para dirigir uma sequência de seu filme de estreia. O frequentemente propagandístico Sanshiro Sugata Parte II , que estreou em maio de 1945, é geralmente considerado um de seus quadros mais fracos.

Kurosawa decidiu escrever o roteiro de um filme que fosse compatível com os censores e menos caro de produzir. Os Homens que Pisam o Rabo do Tigre , baseado na peça Kabuki Kanjinchō e estrelando o comediante Enoken, com quem Kurosawa havia trabalhado frequentemente durante seus dias de assistente de direção, foi concluído em setembro de 1945. Nessa época, o Japão havia se rendido e a ocupação de O Japão havia começado. Os novos censores americanos interpretaram os valores supostamente promovidos na foto como excessivamente "feudais" e proibiram a obra. Não foi lançado até 1952, ano em que outro filme de Kurosawa, Ikiru , também foi lançado. Ironicamente, durante a produção, o filme já havia sido atacado pelos censores japoneses durante a guerra como muito ocidental e "democrático" (eles não gostavam do carregador cômico interpretado por Enoken), então o filme provavelmente não teria visto a luz do dia, mesmo se a guerra continuou além de seu término.

Primeiros anos do pós-guerra para Red Beard (1946–65)

Primeiras obras do pós-guerra (1946–50)

Depois da guerra, Kurosawa, influenciado pelos ideais democráticos da Ocupação, procurou fazer filmes que estabelecessem um novo respeito pelo indivíduo e por si mesmo. O primeiro filme, No Regrets for Our Youth (1946), inspirado tanto no incidente de Takigawa em 1933 quanto no caso de espionagem de Hotsumi Ozaki durante a guerra, criticou o regime de pré-guerra do Japão por sua opressão política. Atipicamente para o diretor, a heroica personagem central é uma mulher, Yukie ( Setsuko Hara ), que, nascida no privilégio da classe média alta, passa a questionar seus valores em um momento de crise política. O roteiro original teve que ser amplamente reescrito e, por causa do tema polêmico e do gênero de seu protagonista, a obra concluída dividiu os críticos. Mesmo assim, conseguiu conquistar a aprovação do público, que transformou as variações do título do filme em bordão do pós-guerra .

Seu próximo filme, One Wonderful Sunday, estreou em julho de 1947 e recebeu críticas mistas. É uma história de amor relativamente simples e sentimental que lida com um casal empobrecido do pós-guerra tentando aproveitar, na devastação da Tóquio do pós-guerra, seu único dia de folga semanal. O filme tem a influência de Frank Capra , DW Griffith e FW Murnau , cada um dos quais estava entre os diretores favoritos de Kurosawa. Outro filme lançado em 1947 com o envolvimento de Kurosawa foi o thriller de ação e aventura, Snow Trail , dirigido por Senkichi Taniguchi a partir do roteiro de Kurosawa. Marcou a estreia do intenso jovem ator Toshiro Mifune . Foi Kurosawa quem, com seu mentor Yamamoto, interveio para persuadir Toho a assinar Mifune, durante uma audição em que o jovem impressionou Kurosawa, mas conseguiu afastar a maioria dos outros juízes.

Takashi Shimura interpretou o médico dedicado ajudando o gangster doente retratado por Mifune em Drunken Angel . Shimura mais tarde também atuou nos filmes de Kurosawa, Seven Samurai , Ikiru e Rashomon .

Anjo Bêbado é frequentemente considerado o primeiro grande trabalho do diretor. Embora o roteiro, como todas as obras da era da ocupação de Kurosawa, tenha que passar por reescritas devido à censura americana, Kurosawa sentiu que este foi o primeiro filme em que ele foi capaz de se expressar livremente. A história corajosa de um médico que tenta salvar um gangster ( yakuza ) com tuberculose , foi também a primeira vez que Kurosawa dirigiu Mifune, que desempenhou papéis importantes em todos, exceto em um dos próximos 16 filmes do diretor (com exceção Ikiru ). Embora Mifune não tenha sido escalado como o protagonista de Drunken Angel , sua atuação explosiva como o gângster domina tanto o drama que ele mudou o foco do personagem-título, o médico alcoólatra interpretado por Takashi Shimura , que já havia aparecido em vários filmes de Kurosawa. No entanto, Kurosawa não queria sufocar a imensa vitalidade do jovem ator, e o personagem rebelde de Mifune eletrizou o público de uma maneira que apostura desafiadora de Marlon Brando surpreenderia o público americano alguns anos depois. O filme estreou em Tóquio em abril de 1948 e recebeu ótimas críticas e foi escolhido pela prestigiosapesquisa da crítica do Kinema Junpo como o melhor filme do ano, o primeiro de três filmes de Kurosawa a receber essa homenagem.

Kurosawa, com o produtor Sōjirō Motoki e seus colegas diretores e amigos Kajiro Yamamoto, Mikio Naruse e Senkichi Taniguchi , formaram uma nova unidade de produção independente chamada Film Art Association (Eiga Geijutsu Kyōkai). Para o trabalho de estreia desta organização e primeiro filme para os estúdios Daiei , Kurosawa recorreu a uma peça contemporânea de Kazuo Kikuta e, juntamente com Taniguchi, adaptou-a para o cinema. The Quiet Duel estrelou Toshiro Mifune como um jovem médico idealista que luta contra a sífilis , uma tentativa deliberada de Kurosawa de impedir o ator de ser rotulado de gangsters. Lançado em março de 1949, foi um sucesso de bilheteria, mas é geralmente considerado uma das menores realizações do diretor.

Seu segundo filme de 1949, também produzido pela Film Art Association e lançado pela Shintoho , foi Stray Dog . É um filme de detetive (talvez o primeiro filme japonês importante no gênero) que explora o clima do Japão durante sua dolorosa recuperação pós-guerra por meio da história de um jovem detetive, interpretado por Mifune, e sua fixação na recuperação de sua arma, que foi roubado por um veterano de guerra sem um tostão que passou a usá-lo para roubar e assassinar. Adaptado de um romance inédito de Kurosawa no estilo de seu escritor favorito, Georges Simenon , foi a primeira colaboração do diretor com o roteirista Ryuzo Kikushima , que mais tarde ajudaria no roteiro de outros oito filmes de Kurosawa. Uma sequência famosa, praticamente sem palavras, com duração de mais de oito minutos, mostra o detetive, disfarçado de veterano empobrecido, vagando pelas ruas em busca do ladrão de armas; empregou imagens reais de documentários de bairros devastados pela guerra em Tóquio, filmados pelo amigo de Kurosawa, Ishirō Honda , o futuro diretor de Godzilla . O filme é considerado um precursor dos gêneros contemporâneos de policial processual e buddy cop .

Toshiro Mifune , protagonista frequente dos filmes de Kurosawa, no pôster de Scandal dos anos 1950

Scandal , lançado pela Shochiku em abril de 1950, foi inspirado nas experiências pessoais do diretor e na raiva contra o jornalismo amarelo japonês. O trabalho é uma mistura ambiciosa de drama de tribunal e filme de problema social sobre liberdade de expressão e responsabilidade pessoal, mas até Kurosawa considerou o produto final dramaticamente desfocado e insatisfatório, e quase todos os críticos concordam. No entanto, seria o segundo filme de Kurosawa de 1950, Rashomon , que acabaria conquistando para ele, e para o cinema japonês, um novo público internacional.

Reconhecimento internacional (1950–58)

Depois de terminar Scandal , Kurosawa foi abordado pelos estúdios Daiei para fazer outro filme para eles. Kurosawa escolheu um roteiro de um jovem aspirante a roteirista, Shinobu Hashimoto , que viria a trabalhar em nove de seus filmes. O primeiro esforço conjunto foi baseado no conto experimental de Ryūnosuke Akutagawa " In a Grove ", que narra o assassinato de um samurai e o estupro de sua esposa de vários pontos de vista diferentes e conflitantes. Kurosawa viu potencial no roteiro e, com a ajuda de Hashimoto, o poliu e expandiu e então o apresentou à Daiei, que ficou feliz em aceitar o projeto devido ao seu baixo orçamento.

As filmagens de Rashomon começaram em 7 de julho de 1950 e, após extensos trabalhos de locação na floresta primitiva de Nara , encerradas em 17 de agosto. Apenas uma semana foi gasta em uma pós-produção apressada, prejudicada por um incêndio no estúdio, e o filme final estreou no Imperial Theatre de Tóquio em 25 de agosto, com expansão nacional no dia seguinte. O filme foi recebido por críticas mornas, com muitos críticos intrigados com seu tema e tratamento únicos, mas mesmo assim foi um sucesso financeiro moderado para a Daiei.

Dostoievski escreveu O Idiota , que Kurosawa adaptou para uma versão cinematográfica japonesa em 1951. Retrato de Perov dos anos 1800.

O próximo filme de Kurosawa, para Shochiku, foi O Idiota , uma adaptação do romance do escritor favorito do diretor, Fyodor Dostoyevsky . A história é transferida da Rússia para Hokkaido , mas por outro lado segue de perto o original, um fato visto por muitos críticos como prejudicial à obra. Uma edição obrigatória do estúdio encurtou do corte original de Kurosawa de 265 minutos para apenas 166 minutos, tornando a narrativa resultante extremamente difícil de seguir. A versão cinematográfica severamente editada é amplamente considerada uma das obras de menor sucesso do diretor e a versão original completa não existe mais. As resenhas contemporâneas da versão editada, muito abreviada, foram muito negativas, mas o filme foi um sucesso moderado de bilheteria, em grande parte por causa da popularidade de uma de suas estrelas, Setsuko Hara.

Enquanto isso, sem o conhecimento de Kurosawa, Rashomon foi inscrito no Festival de Cinema de Veneza , devido aos esforços de Giuliana Stramigioli , uma representante japonesa de uma produtora de cinema italiana, que viu e admirou o filme e convenceu Daiei a apresentá-lo. Em 10 de setembro de 1951, Rashomon recebeu o maior prêmio do festival, o Leão de Ouro , chocando não apenas a Daiei, mas o mundo do cinema internacional, que na época desconhecia em grande parte as décadas de tradição cinematográfica do Japão.

Depois que a Daiei exibiu brevemente uma cópia legendada do filme em Los Angeles, a RKO comprou os direitos de distribuição para a Rashomon nos Estados Unidos. A empresa estava fazendo uma aposta considerável. Ela havia lançado apenas um filme com legenda anterior no mercado americano, e o único talkie japonês anterior lançado comercialmente em Nova York foi a comédia de Mikio Naruse , Wife! Be Like a Rose , em 1937: um fracasso de crítica e bilheteria. No entanto, Rashomon ' s run comercial, muito ajudado por fortes comentários de críticos e até mesmo o colunista Ed Sullivan , ganhou US $ 35.000 em suas primeiras três semanas em um único teatro de Nova York, uma quase inédita soma no momento.

Esse sucesso, por sua vez, levou à moda dos filmes japoneses na América e no Ocidente ao longo dos anos 1950, substituindo o entusiasmo pelo cinema neorrealista italiano . No final de 1952, Rashomon foi lançado no Japão, nos Estados Unidos e na maior parte da Europa. Entre os cineastas japoneses cujo trabalho, como resultado, começou a ganhar prêmios em festivais e lançamento comercial no Ocidente estavam Kenji Mizoguchi ( The Life of Oharu , Ugetsu , Sansho the Bailiff ) e, um pouco mais tarde, Yasujirō Ozu ( Tokyo Story , Uma tarde de outono ) - artistas altamente respeitados no Japão, mas, antes desse período, quase totalmente desconhecidos no Ocidente. A crescente reputação de Kurosawa entre o público ocidental na década de 1950 tornaria o público ocidental mais simpático à recepção das gerações posteriores de cineastas japoneses como Kon Ichikawa , Masaki Kobayashi , Nagisa Oshima e Shohei Imamura a Juzo Itami , Takeshi Kitano e Takashi Miike .

Sua carreira impulsionada por sua repentina fama internacional, Kurosawa, agora reunido com seu estúdio de cinema original, Toho (que iria produzir seus próximos 11 filmes), começou a trabalhar em seu próximo projeto, Ikiru . O filme é estrelado por Takashi Shimura no papel do burocrata de Tóquio cheio de câncer, Watanabe, em uma busca final por um significado antes de sua morte. Para o roteiro, Kurosawa trouxe Hashimoto, bem como o escritor Hideo Oguni, que viria a co-escrever doze filmes de Kurosawa. Apesar do assunto sombrio da obra, os roteiristas adotaram uma abordagem satírica, que alguns compararam à obra de Brecht , tanto ao mundo burocrático de seu herói quanto à colonização cultural do Japão pelos Estados Unidos. (As canções pop americanas figuram com destaque no filme.) Por causa dessa estratégia, os cineastas costumam ter o crédito de salvar o filme do tipo de sentimentalismo comum aos dramas sobre personagens com doenças terminais. Ikiru estreou em outubro de 1952 com ótimas críticas - ganhou a Kurosawa seu segundo prêmio de "Melhor Filme" do Kinema Junpo - e enorme sucesso de bilheteria. Continua a ser o mais aclamado de todos os filmes do artista ambientados na era moderna.

Em dezembro de 1952, Kurosawa levou seus roteiristas de Ikiru , Shinobu Hashimoto e Hideo Oguni, para uma residência isolada de 45 dias em uma pousada para criar o roteiro de seu próximo filme, Seven Samurai . O trabalho em conjunto foi o primeiro filme de samurai de verdade de Kurosawa , o gênero pelo qual ele se tornaria mais famoso. A história simples, sobre uma aldeia agrícola pobre no período Sengoku no Japão que contrata um grupo de samurais para defendê-la contra um ataque iminente de bandidos, recebeu um tratamento épico completo, com um elenco enorme (em grande parte consistindo de veteranos de produções anteriores de Kurosawa) e ação meticulosamente detalhada, estendendo-se por quase três horas e meia de tempo na tela.

Três meses foram gastos na pré-produção e um mês nos ensaios. As filmagens duraram 148 dias ao longo de quase um ano, interrompidas por problemas de produção e financiamento e problemas de saúde de Kurosawa. O filme finalmente estreou em abril de 1954, meio ano antes da data de lançamento original e cerca de três vezes acima do orçamento, tornando-se na época o filme japonês mais caro já feito. (No entanto, para os padrões de Hollywood, foi uma produção com orçamento bastante modesto, mesmo para aquela época.) O filme recebeu uma reação crítica positiva e se tornou um grande sucesso, rapidamente recuperando o dinheiro investido nele e fornecendo ao estúdio um produto que eles poderia, e fez, comercializar internacionalmente - embora com edições extensas. Com o tempo - e com os lançamentos nos cinemas e nos vídeos caseiros da versão sem cortes - sua reputação cresceu constantemente. Agora é considerado por alguns comentaristas como o maior filme japonês já feito e, em 1979, uma pesquisa de críticos de cinema japoneses também o elegeu o melhor filme japonês já feito. Na versão mais recente (2012) da muito respeitada pesquisa "Os Melhores Filmes de Todos os Tempos" do British Film Institute (BFI) Sight & Sound , Seven Samurai ficou em 17º lugar entre todos os filmes de todos os países nas pesquisas da crítica e dos diretores , recebendo um lugar no Top Ten listas de 48 críticos e 22 diretores.

Em 1954, testes nucleares no Pacífico estavam causando tempestades radioativas no Japão e um incidente em particular em março expôs um barco de pesca japonês à precipitação nuclear , com resultados desastrosos. É nessa atmosfera de ansiedade que o próximo filme de Kurosawa, Record of a Living Being , foi concebido. A história dizia respeito a um idoso proprietário de fábrica (Toshiro Mifune) tão apavorado com a perspectiva de um ataque nuclear que se torna determinado a transferir toda a sua família extensa (legal e extraconjugal) para o que ele imagina ser a segurança de uma fazenda no Brasil . A produção foi muito mais tranquila do que o filme anterior do diretor, mas alguns dias antes do final das filmagens, o compositor, colaborador e amigo próximo de Kurosawa, Fumio Hayasaka, morreu (de tuberculose) aos 41 anos. A trilha do filme foi finalizada pelo aluno de Hayasaka, Masaru Sato , que faria a trilha sonora de todos os próximos oito filmes de Kurosawa. Record of a Living Being estreou em novembro de 1955 com críticas mistas e reação silenciosa do público, tornando-se o primeiro filme de Kurosawa a perder dinheiro durante sua exibição teatral original. Hoje, é considerado por muitos como um dos melhores filmes que tratam dos efeitos psicológicos do impasse nuclear global.

O próximo projeto de Kurosawa, Throne of Blood , uma adaptação de Macbeth de William Shakespeare - definido, como Seven Samurai , na Era Sengoku - representou uma transposição ambiciosa da obra inglesa para um contexto japonês. Kurosawa instruiu sua atriz principal, Isuzu Yamada , a considerar a obra como se fosse uma versão cinematográfica de um japonês, em vez de um clássico literário europeu. Dada a apreciação de Kurosawa pela tradicional atuação teatral japonesa, a atuação dos jogadores, particularmente de Yamada, baseia-se fortemente nas técnicas estilizadas do teatro Noh . Foi filmado em 1956 e lançado em janeiro de 1957, com uma reação doméstica um pouco menos negativa do que no caso do filme anterior do diretor. No exterior, Trono de Sangue , independentemente das liberdades que toma com seu material original, rapidamente ganhou um lugar entre as adaptações de Shakespeare mais celebradas.

Outra adaptação de uma obra teatral europeia clássica ocorreu quase imediatamente, com a produção de The Lower Depths , baseada em uma peça de Maxim Gorky , ocorrendo em maio e junho de 1957. Em contraste com a varredura shakespeariana de Throne of Blood , The Lower Depths foi filmado em apenas dois sets confinados, a fim de enfatizar a natureza restrita da vida dos personagens. Embora fiel à peça, esta adaptação de material russo para um cenário completamente japonês - neste caso, o final do período Edo - ao contrário de seu anterior O Idiota , foi considerada um sucesso artístico. O filme estreou em setembro de 1957, recebendo uma resposta mista semelhante à de Throne of Blood . No entanto, alguns críticos o classificam entre os trabalhos mais subestimados do diretor.

Os três próximos filmes de Kurosawa depois de Seven Samurai não conseguiram capturar o público japonês da maneira que aquele filme. O humor do trabalho do diretor foi ficando cada vez mais pessimista e sombrio, com a possibilidade de redenção por meio da responsabilidade pessoal agora muito questionada, particularmente em Throne of Blood e The Lower Depths . Ele reconheceu isso e deliberadamente buscou um filme mais alegre e divertido para sua próxima produção, enquanto mudava para o novo formato widescreen que vinha ganhando popularidade no Japão. O filme resultante, The Hidden Fortress , é uma comédia-drama de ação e aventura sobre uma princesa medieval, seu leal general e dois camponeses que precisam viajar pelas linhas inimigas para chegar à sua região natal. Lançado em dezembro de 1958, The Hidden Fortress se tornou um enorme sucesso de bilheteria no Japão e foi calorosamente recebido pela crítica no Japão e no exterior. Hoje, o filme é considerado um dos esforços mais leves de Kurosawa, embora continue popular, até porque é uma das principais influências na ópera espacial de George Lucas de 1977 , Guerra nas Estrelas .

Nascimento de uma empresa e Red Beard (1959-65)

Começando com Rashomon , as produções de Kurosawa tinham se tornado cada vez mais extensas, assim como os orçamentos do diretor. Preocupado com este desenvolvimento, Toho sugeriu que ajudasse a financiar os seus próprios trabalhos, diminuindo assim as perdas potenciais do estúdio, ao mesmo tempo que se permitia mais liberdade artística como co-produtor. Kurosawa concordou, e a Kurosawa Production Company foi fundada em abril de 1959, com Toho como acionista majoritário.

Apesar de arriscar seu próprio dinheiro, Kurosawa escolheu uma história que criticava mais diretamente os negócios japoneses e as elites políticas do que qualquer trabalho anterior. The Bad Sleep Well , baseado em um roteiro do sobrinho de Kurosawa, Mike Inoue, é um drama de vingança sobre um jovem que consegue se infiltrar na hierarquia de uma empresa japonesa corrupta com a intenção de expor os responsáveis ​​pela morte de seu pai. O tema provou ser atual: enquanto o filme estava em produção, os protestos massivos da Anpo foram realizados contra o novo tratado de segurança EUA-Japão , que foi visto por muitos japoneses, especialmente os jovens, como uma ameaça à democracia do país ao dar muito poder às corporações e políticos. O filme estreou em setembro de 1960 com uma reação positiva da crítica e um modesto sucesso de bilheteria. A sequência de abertura de 25 minutos representando uma recepção de casamento corporativa é amplamente considerada como uma das cenas mais habilmente executadas de Kurosawa, mas o restante do filme é frequentemente visto como decepcionante em comparação. O filme também foi criticado por empregar o herói convencional de Kurosawan para combater um mal social que não pode ser resolvido por meio de ações individuais, por mais corajosas ou astutas que sejam.

Yojimbo ( The Bodyguard ), o segundo filme da Kurosawa Production, é centrado em um samurai sem mestre, Sanjuro, que entra em uma cidade do século 19 governada por duas facções violentas opostas e as provoca para que se destruam. O diretor usou esse trabalho para brincar com muitas convenções de gênero, especialmente o faroeste , ao mesmo tempo em que oferecia um retrato gráfico sem precedentes (para a tela japonesa) da violência. Alguns comentaristas viram o personagem Sanjuro neste filme como uma figura de fantasia que reverte magicamente o triunfo histórico da classe dos mercadores corruptos sobre a classe dos samurais. Apresentando Tatsuya Nakadai em seu primeiro papel importante em um filme de Kurosawa e com fotografias inovadoras de Kazuo Miyagawa (que filmou Rashomon ) e Takao Saito , o filme estreou em abril de 1961 e foi um empreendimento de sucesso comercial e crítico, ganhando mais do que qualquer Kurosawa anterior filme. O filme e seutom sombrio e cômico também foram amplamente imitados no exterior. Sergio Leone 's Um Punhado de Dólares era um virtual refilmagem (não autorizada) de cena por cena com Toho uma ação judicial em nome de Kurosawa e prevalecia.

Kurosawa baseou seu filme policial de 1963, High and Low, no romance King's Ransom de Ed McBain . Imagem de Ed McBain c. 2001.

Após o sucesso de Yojimbo , Kurosawa se viu sob pressão de Toho para criar uma sequência. Kurosawa voltou-se para um roteiro que havia escrito antes de Yojimbo , retrabalhando-o para incluir o herói de seu filme anterior. Sanjuro foi o primeiro de três filmes de Kurosawa a ser adaptado do trabalho do escritor Shūgorō Yamamoto (os outros seriam Barba Vermelha e Dodeskaden ). É mais leve e mais próximo de um filme de época convencional do que Yojimbo , embora sua história de uma luta pelo poder dentro de um clã de samurai seja retratada com tons fortemente cômicos. O filme estreou em 1 de Janeiro de 1962, superando rapidamente Yojimbo " sucesso de bilheteria s e ganhando críticas positivas.

Enquanto isso, Kurosawa instruíra Toho a comprar os direitos do filme King's Ransom , um romance sobre um sequestro escrito pelo escritor e roteirista americano Evan Hunter , sob seu pseudônimo de Ed McBain, como um de seus livros policiais do 87º Distrito . O diretor pretendia criar uma obra de condenação ao sequestro, que considerava um dos piores crimes. O filme de suspense, intitulado High and Low , foi rodado durante a segunda metade de 1962 e lançado em março de 1963. Quebrou o recorde de bilheteria de Kurosawa (o terceiro filme consecutivo a fazê-lo), tornando-se o filme japonês de maior bilheteria do ano , e ganhou críticas elogiosas. No entanto, seu triunfo foi um tanto maculado quando, ironicamente, o filme foi responsabilizado por uma onda de sequestros ocorridos no Japão nessa época (ele próprio recebeu ameaças de sequestro dirigidas a sua filha, Kazuko). High and Low é considerado por muitos comentaristas como um dos trabalhos mais fortes do diretor.

Kurosawa passou rapidamente para seu próximo projeto, Red Beard . Baseado em uma coleção de contos de Shūgorō Yamamoto e incorporando elementos do romance de Dostoievski, Os Insultados e Feridos , é um filme de época, ambientado em uma clínica para pobres de meados do século XIX, em que os temas humanistas de Kurosawa talvez recebam sua declaração mais completa. Um jovem médico presunçoso e materialista treinado no estrangeiro, Yasumoto, é forçado a se tornar um interno na clínica sob a severa tutela do Dr. Niide, conhecido como "Akahige" ("Barba Vermelha"), interpretado por Mifune. Embora inicialmente resista a Barba Vermelha, Yasumoto passa a admirar sua sabedoria e coragem, e a perceber os pacientes da clínica, que ele a princípio desprezou, como dignos de compaixão e dignidade.

Yūzō Kayama , que interpreta Yasumoto, era uma estrela do cinema e da música extremamente popular na época, especialmente por sua série de comédias musicais "Young Guy" ( Wakadaishō ), então contratá- lo para aparecer no filme praticamente garantiu a Kurosawa uma bilheteria forte. A filmagem, a mais longa do cineasta, durou bem mais de um ano (após cinco meses de pré-produção) e terminou na primavera de 1965, deixando o diretor, sua equipe e seus atores exaustos. Red Beard estreou em abril de 1965, tornando-se a produção japonesa de maior bilheteria do ano e o terceiro (e último) filme de Kurosawa a liderar a prestigiosa pesquisa anual da crítica Kinema Jumpo. Continua a ser uma das obras mais conhecidas e amadas de Kurosawa em seu país natal. Fora do Japão, os críticos estão muito mais divididos. A maioria dos comentaristas reconhece seus méritos técnicos e alguns o elogiam como um dos melhores de Kurosawa, enquanto outros insistem que falta complexidade e poder narrativo genuíno, com outros ainda afirmando que representa um retrocesso do compromisso anterior do artista com a mudança social e política.

O filme marcou o fim de uma era para seu criador. O próprio diretor reconheceu isso na época de seu lançamento, dizendo ao crítico Donald Richie que um ciclo de algum tipo acabara de chegar ao fim e que seus futuros filmes e métodos de produção seriam diferentes. Sua previsão se mostrou bastante precisa. A partir do final da década de 1950, a televisão passou a dominar cada vez mais o tempo de lazer da outrora grande e fiel audiência do cinema japonês. E, à medida que as receitas das empresas cinematográficas caíam, também diminuía seu apetite pelo risco - principalmente o risco representado pelos caros métodos de produção de Kurosawa.

Red Beard também marcou o ponto médio, cronologicamente, na carreira do artista. Durante seus vinte e nove anos anteriores na indústria cinematográfica (o que inclui seus cinco anos como assistente de direção), ele dirigiu vinte e três filmes, enquanto durante os vinte e oito anos restantes, por muitas e complexas razões, ele completou apenas sete mais. Além disso, por razões nunca explicadas adequadamente, Red Beard seria seu último filme estrelado por Toshiro Mifune. Yu Fujiki, um ator que trabalhou em The Lower Depths , observou, a respeito da proximidade dos dois homens no set: "O coração do Sr. Kurosawa estava no corpo do Sr. Mifune." Donald Richie descreveu o relacionamento entre eles como uma "simbiose" única.

Ambições de Hollywood para últimos filmes (1966-98)

Desvio de Hollywood (1966–68)

Quando o contrato exclusivo de Kurosawa com Toho terminou em 1966, o diretor de 56 anos estava pensando seriamente em mudar. Observando o conturbado estado da indústria cinematográfica nacional e já tendo recebido dezenas de ofertas do exterior, a ideia de trabalhar fora do Japão o atraiu como nunca.

Para seu primeiro projeto estrangeiro, Kurosawa escolheu uma história baseada em um artigo da revista Life . O thriller de ação da Embassy Pictures , a ser filmado em inglês e chamado simplesmente de Runaway Train , teria sido seu primeiro em cores. Mas a barreira do idioma provou ser um grande problema, e a versão em inglês do roteiro ainda não estava concluída quando as filmagens deveriam começar no outono de 1966. A filmagem, que exigia neve, foi transferida para o outono de 1967, depois cancelada em 1968. Quase duas décadas depois, outro diretor estrangeiro trabalhando em Hollywood, Andrei Konchalovsky , finalmente fez Runaway Train (1985), embora a partir de um novo roteiro vagamente baseado no de Kurosawa.

Enquanto isso, o diretor se envolveu em um projeto muito mais ambicioso de Hollywood. Tora! Tora! Tora! , produzido pela 20th Century Fox e pela Kurosawa Production, seria um retrato do ataque japonês a Pearl Harbor tanto do ponto de vista americano quanto do japonês, com Kurosawa comandando a metade japonesa e um cineasta anglofônico dirigindo a metade americana. Ele passou vários meses trabalhando no roteiro com Ryuzo Kikushima e Hideo Oguni, mas logo o projeto começou a se desenrolar. O diretor das sequências americanas acabou não sendo David Lean , como planejado originalmente, mas o americano Richard Fleischer . O orçamento também foi cortado, e o tempo de tela alocado para o segmento japonês não seria superior a 90 minutos - um grande problema, considerando que o roteiro de Kurosawa durava mais de quatro horas. Após várias revisões com o envolvimento direto de Darryl Zanuck , um roteiro de corte mais ou menos finalizado foi acertado em maio de 1968.

As filmagens começaram no início de dezembro, mas Kurosawa duraria pouco mais de três semanas como diretor. Ele lutou para trabalhar com uma equipe desconhecida e os requisitos de uma produção de Hollywood, enquanto seus métodos de trabalho intrigavam seus produtores americanos, que no final das contas concluíram que o diretor devia ter problemas mentais. Kurosawa foi examinado no Hospital da Universidade de Kyoto por um neuropsicólogo, Dr. Murakami, cujo diagnóstico foi encaminhado a Darryl Zanuck e Richard Zanuck nos estúdios da Fox, indicando um diagnóstico de neurastenia, afirmando que, "Ele está sofrendo de distúrbios do sono, agitado com sentimentos de ansiedade e na excitação maníaca causada pela doença acima mencionada. É necessário que ele tenha repouso e tratamento médico por mais de dois meses. " Na véspera do Natal de 1968, os americanos anunciaram que Kurosawa havia deixado a produção por "cansaço", efetivamente despedindo-o. Ele acabou sendo substituído, nas sequências japonesas do filme, por dois diretores, Kinji Fukasaku e Toshio Masuda .

Tora! Tora! Tora! , finalmente lançado com críticas pouco entusiasmadas em setembro de 1970, foi, como disse Donald Richie, uma "tragédia quase absoluta" na carreira de Kurosawa. Ele havia passado anos de sua vida em um projeto logístico de pesadelo, para o qual ele acabou não contribuindo com um pé de filme rodado sozinho. (Seu nome foi removido dos créditos, embora o roteiro usado para a metade japonesa ainda fosse seu e de seus co-escritores.) Ele se afastou de seu colaborador de longa data, o escritor Ryuzo Kikushima, e nunca mais trabalhou com ele. O projeto inadvertidamente expôs a corrupção em sua própria produtora (uma situação que lembrava seu próprio filme, The Bad Sleep Well ). Sua própria sanidade foi questionada. Pior de tudo, a indústria cinematográfica japonesa - e talvez o próprio homem - começou a suspeitar que ele nunca faria outro filme.

Uma década difícil (1969-1977)

Saber que sua reputação estava em jogo após o tão divulgado Tora! Tora! Tora! desastre, Kurosawa mudou-se rapidamente para um novo projeto para provar que ainda era viável. Em seu auxílio vieram amigos e famosos diretores Keisuke Kinoshita , Masaki Kobayashi e Kon Ichikawa, que juntamente com Kurosawa fundaram em julho de 1969 uma produtora chamada Clube dos Quatro Cavaleiros (Yonki no kai). Embora o plano fosse que os quatro diretores criassem um filme cada, foi sugerido que a verdadeira motivação para os outros três diretores era tornar mais fácil para Kurosawa concluir um filme com sucesso e, portanto, encontrar seu caminho de volta ao negócio.

O primeiro projeto proposto e trabalhado foi um filme de época a ser chamado de Dora-heita , mas quando este foi considerado muito caro, a atenção se voltou para Dodesukaden , uma adaptação de mais uma obra de Shūgorō Yamamoto, novamente sobre os pobres e destituídos. O filme foi rodado rapidamente (para os padrões de Kurosawa) em cerca de nove semanas, com Kurosawa determinado a mostrar que ainda era capaz de trabalhar com rapidez e eficiência com um orçamento limitado. Para seu primeiro trabalho em cores, a edição dinâmica e as composições complexas de seus quadros anteriores foram deixadas de lado, com o artista se concentrando na criação de uma paleta de cores primárias ousada, quase surreal, a fim de revelar o ambiente tóxico em que os personagens viver. Foi lançado no Japão em outubro de 1970, mas apesar de um pequeno sucesso de crítica, foi recebido com indiferença do público. A imagem perdeu dinheiro e fez com que o Clube dos Quatro Cavaleiros se dissolvesse. A recepção inicial no exterior foi um pouco mais favorável, mas Dodesukaden tem sido considerado um experimento interessante, não comparável ao melhor trabalho do diretor.

Depois de se esforçar na produção de Dodesukaden , Kurosawa voltou-se para o trabalho na televisão no ano seguinte pela única vez em sua carreira com Song of the Horse, um documentário sobre cavalos de corrida puro-sangue. Apresentava uma narração narrada por um homem fictício e uma criança (dublada pelos mesmos atores que o mendigo e seu filho em Dodesukaden ). É o único documentário da filmografia de Kurosawa; a pequena equipe incluía seu colaborador frequente Masaru Sato , que compôs a música. Canção do Cavalo também é única na obra de Kurosawa por incluir o crédito de um editor, sugerindo que é o único filme de Kurosawa que ele não cortou.

Incapaz de garantir o financiamento para trabalhos futuros e supostamente sofrendo de problemas de saúde, Kurosawa aparentemente atingiu o ponto de ruptura: em 22 de dezembro de 1971, ele cortou os pulsos e a garganta várias vezes. A tentativa de suicídio não teve sucesso e a saúde do diretor se recuperou rapidamente, com Kurosawa refugiando-se na vida doméstica, sem saber se um dia dirigiria outro filme.

No início de 1973, o estúdio soviético Mosfilm abordou o cineasta para perguntar se ele estaria interessado em trabalhar com eles. Kurosawa propôs uma adaptação do trabalho autobiográfico do explorador russo Vladimir Arsenyev , Dersu Uzala . O livro, sobre um caçador Goldi que vive em harmonia com a natureza até ser destruído pela invasão da civilização, era o que ele queria fazer desde os anos 1930. Em dezembro de 1973, Kurosawa, de 63 anos, partiu para a União Soviética com quatro de seus assessores mais próximos, começando uma estada de um ano e meio no país. As filmagens começaram em maio de 1974 na Sibéria, com as filmagens em condições naturais extremamente adversas se revelando muito difíceis e exigentes. O filme terminou em abril de 1975, com Kurosawa completamente exausto e com saudades de casa retornando ao Japão e sua família em junho. Dersu Uzala teve sua estreia mundial no Japão em 2 de agosto de 1975, e se saiu bem nas bilheterias. Embora a recepção da crítica no Japão tenha sido silenciosa, o filme foi melhor criticado no exterior, ganhando o Prêmio de Ouro no 9º Festival Internacional de Cinema de Moscou , bem como um Oscar de Melhor Filme Estrangeiro . Hoje, os críticos continuam divididos sobre o filme: alguns o veem como um exemplo do suposto declínio artístico de Kurosawa, enquanto outros o consideram um de seus melhores trabalhos.

Embora lhe tenham sido apresentadas propostas de projetos para a televisão, não tinha interesse em trabalhar fora do mundo do cinema. Mesmo assim, o diretor beberrão concordou em aparecer em uma série de anúncios de televisão para o uísque Suntory , que foi ao ar em 1976. Embora temesse nunca mais conseguir fazer outro filme, o diretor continuou trabalhando em vários projetos, escrevendo roteiros e a criação de ilustrações detalhadas, com a intenção de deixar um registro visual de seus planos caso ele nunca pudesse filmar suas histórias.

Dois épicos (1978-86)

Em 1977, o diretor americano George Lucas lançou Star Wars , um filme de ficção científica de grande sucesso influenciado por The Hidden Fortress , de Kurosawa , entre outras obras. Lucas, como muitos outros diretores de New Hollywood , reverenciou Kurosawa e o considerou um modelo a seguir, e ficou chocado ao descobrir que o cineasta japonês era incapaz de garantir financiamento para qualquer novo trabalho. Os dois se encontraram em São Francisco em julho de 1978 para discutir o projeto que Kurosawa considerava mais viável financeiramente: Kagemusha , a história épica de um ladrão contratado como dublê de um senhor japonês medieval de um grande clã. Lucas, encantado com o roteiro e as ilustrações de Kurosawa, alavancou sua influência sobre a 20th Century Fox para coagir o estúdio que havia demitido Kurosawa apenas dez anos antes a produzir Kagemusha , então recrutou seu colega fã Francis Ford Coppola como coprodutor.

A produção começou no mês de abril seguinte, com Kurosawa muito animado. As filmagens duraram de junho de 1979 a março de 1980 e foram repletas de problemas, entre os quais a demissão do ator principal original, Shintaro Katsu - criador do popular personagem Zatoichi - devido a um incidente no qual o ator insistiu, contra os desejos do diretor, ao gravar sua própria performance. (Ele foi substituído por Tatsuya Nakadai, em seu primeiro de dois papéis principais consecutivos em um filme de Kurosawa.) O filme foi concluído apenas algumas semanas antes do previsto e estreou em Tóquio em abril de 1980. Rapidamente se tornou um grande sucesso no Japão. O filme também foi um sucesso de crítica e bilheteria no exterior, ganhando a cobiçada Palma de Ouro no Festival de Cannes de 1980 em maio, embora alguns críticos, então e agora, culpem o filme por sua suposta frieza. Kurosawa passou grande parte do resto do ano na Europa e na América promovendo Kagemusha , colecionando prêmios e elogios e exibindo como arte os desenhos que havia feito para servir de storyboard para o filme.

Sidney Lumet solicitou com sucesso que Kurosawa fosse indicado como Melhor Diretor por seu filme Ran no 58º Oscar . O prêmio foi finalmente ganho por Sydney Pollack .

O sucesso internacional de Kagemusha permitiu que Kurosawa continuasse com seu próximo projeto, Ran , outro épico no mesmo estilo. O script, em parte baseado em William Shakespeare 's Rei Lear , mostrava um cruel, sanguinário daimyō (senhor da guerra), interpretado por Tatsuya Nakadai, que, depois tolamente banindo seu único filho leal, rende seu reino para seus outros dois filhos, que então trair ele, mergulhando assim todo o reino na guerra. Como os estúdios japoneses ainda se preocupavam com a produção de outro filme que figuraria entre os mais caros já feitos no país, a ajuda internacional voltou a ser necessária. Desta vez, veio do produtor francês Serge Silberman , que havia produzido os últimos filmes de Luis Buñuel . As filmagens não começaram até dezembro de 1983 e duraram mais de um ano.

Em janeiro de 1985, a produção de Ran foi interrompida quando a esposa de 64 anos de Kurosawa, Yōko, adoeceu. Ela morreu em 1º de fevereiro. Kurosawa voltou para terminar seu filme e Ran estreou no Festival de Cinema de Tóquio em 31 de maio, com um grande lançamento no dia seguinte. O filme teve um sucesso financeiro moderado no Japão, mas maior no exterior e, como havia feito com Kagemusha , Kurosawa embarcou em uma viagem pela Europa e América, onde assistiu às estreias do filme em setembro e outubro.

Ran ganhou vários prêmios no Japão, mas não foi tão homenageado lá quanto muitos dos melhores filmes do diretor nas décadas de 1950 e 1960. O mundo do cinema ficou surpreso, entretanto, quando o Japão abandonou a seleção de Ran em favor de outro filme como sua entrada oficial para concorrer a uma indicação ao Oscar na categoria Melhor Filme Estrangeiro , que acabou sendo rejeitado para concorrer ao 58º Oscar . Tanto o produtor quanto o próprio Kurosawa atribuíram o fracasso em enviar Ran para a competição a um mal-entendido: por causa das regras misteriosas da Academia, ninguém tinha certeza se Ran se qualificava como um filme japonês , um filme francês (devido ao seu financiamento) ou ambos , portanto, não foi enviado. Em resposta ao que pelo menos parecia ser uma afronta flagrante de seus próprios compatriotas, o diretor Sidney Lumet liderou uma campanha bem-sucedida para que Kurosawa recebesse uma indicação ao Oscar de Melhor Diretor naquele ano ( Sydney Pollack acabou ganhando o prêmio por dirigir Fora da África ) . Ran ' s figurinista, Emi Wada , ganhou o filme só Oscar.

Kagemusha e Ran , especialmente o último, são freqüentemente considerados entre as melhores obras de Kurosawa. Depois de Ran " libertação s, Kurosawa seria apontar para ele como seu melhor filme, uma grande mudança de atitude para o diretor que, quando perguntado qual de suas obras foi o seu melhor, sempre tinha anteriormente respondeu 'o meu próximo'.

Trabalhos finais e últimos anos (1987-98)

Para seu próximo filme, Kurosawa escolheu um tema muito diferente de qualquer um que ele já havia filmado antes. Embora alguns de seus filmes anteriores (por exemplo, Anjo Bêbado e Kagemusha ) incluíssem breves sequências de sonhos , Sonhos seria inteiramente baseado nos próprios sonhos do diretor. Significativamente, pela primeira vez em mais de quarenta anos, Kurosawa, para esse projeto profundamente pessoal, escreveu o roteiro sozinho. Embora seu orçamento estimado fosse menor do que o dos filmes imediatamente anteriores, os estúdios japoneses ainda não estavam dispostos a apoiar uma de suas produções, então Kurosawa recorreu a outro famoso fã americano, Steven Spielberg , que convenceu a Warner Bros. a comprar os direitos internacionais do filme . filme. Isso tornou mais fácil para o filho de Kurosawa, Hisao, como co-produtor e futuro chefe da produção de Kurosawa, negociar um empréstimo no Japão que cobriria os custos de produção do filme. A filmagem levou mais de oito meses para ser concluída, e Dreams estreou em Cannes em maio de 1990 com uma recepção educada, mas silenciosa, semelhante à reação que o filme geraria em outras partes do mundo. Em 1990, ele recebeu o prêmio da Academia pelo conjunto de sua obra . Em seu discurso de aceitação, ele disse a famosa frase: "Estou um pouco preocupado porque ainda não sinto que entendo o cinema".

Steven Spielberg ajudou a financiar a produção de vários filmes finais de Kurosawa. Spielberg em sua masterclass na Cinémathèque Française em 2012.

Kurosawa agora se voltou para uma história mais convencional com Rapsódia em agosto - o primeiro filme do diretor totalmente produzido no Japão desde Dodeskaden, mais de vinte anos antes - que explorou as cicatrizes do bombardeio nuclear que destruiu Nagasaki no final da Segunda Guerra Mundial. Foi adaptado de um romance de Kiyoko Murata , mas as referências do filme ao bombardeio de Nagasaki vieram do diretor, e não do livro. Este foi seu único filme a incluir um papel para uma estrela de cinema americana: Richard Gere, que desempenha um pequeno papel como sobrinho da velha heroína. As filmagens aconteceram no início de 1991, com a estréia do filme em 25 de maio daquele ano, com uma reação crítica amplamente negativa, especialmente nos Estados Unidos, onde o diretor foi acusado de promulgar ingenuamente sentimentos antiamericanos, embora Kurosawa rejeitasse essas acusações.

Kurosawa não perdeu tempo e passou para seu próximo projeto: Madadayo , or Not Yet . Baseado em ensaios autobiográficos de Hyakken Uchida , o filme acompanha a vida de um professor japonês de alemão durante a Segunda Guerra Mundial e depois. A narrativa gira em torno das comemorações anuais do aniversário de seus ex-alunos, durante as quais o protagonista declara que ainda não está disposto a morrer - um tema que está se tornando cada vez mais relevante para o criador do filme, de 81 anos. As filmagens começaram em fevereiro de 1992 e terminaram no final de setembro. Seu lançamento em 17 de abril de 1993 foi recebido por uma reação ainda mais decepcionante do que havia sido com seus dois trabalhos anteriores.

Mesmo assim, Kurosawa continuou a trabalhar. Ele escreveu os roteiros originais The Sea is Watching em 1993 e After the Rain em 1995. Enquanto dava os retoques finais no último trabalho em 1995, Kurosawa escorregou e quebrou a base da espinha. Após o acidente, ele usaria uma cadeira de rodas pelo resto da vida, acabando com qualquer esperança de dirigir outro filme. Seu desejo de longa data - morrer no set enquanto filmava - nunca se concretizou.

Após o acidente, a saúde de Kurosawa começou a piorar. Enquanto sua mente permanecia aguçada e viva, seu corpo estava desistindo e, durante o último meio ano de sua vida, o diretor ficou em grande parte confinado à cama, ouvindo música e assistindo televisão em casa. Em 6 de setembro de 1998, Kurosawa morreu de um derrame em Setagaya, Tóquio , aos 88 anos. No momento de sua morte, Kurosawa tinha dois filhos, seu filho Hisao Kurosawa que se casou com Hiroko Hayashi e sua filha Kazuko Kurosawa que se casou com Harayuki Kato, junto com vários netos. Um de seus netos, o ator Takayuki Kato e neto de Kazuko , tornou-se ator coadjuvante em dois filmes desenvolvidos postumamente a partir de roteiros escritos por Kurosawa que permaneceram não produzidos durante sua própria vida, Takashi Koizumi 's After the Rain (1999) e Kei Kumai ' s O mar está observando (2002).

Trabalhos criativos / filmografia

Embora Kurosawa seja conhecido principalmente como cineasta, ele também trabalhou no teatro e na televisão, e escreveu livros. Uma lista detalhada, incluindo sua filmografia completa, pode ser encontrada na lista de trabalhos criativos de Akira Kurosawa .

Estilo e temas principais

Trono de Sangue (Kumonosu-jō) foto do elenco e da equipe tirada em 1956, mostrando (da esquerda para a direita) Shinjin Akiike, Fumio Yanoguchi, Kuichiro Kishida, Samaji Nonagase, Takao Saito, Toshiro Mifune (no jipe), Minoru Chiaki , Takashi Shimura , Teruyo Saito (escritor), Yoshirō Muraki , Akira Kurosawa, Hiroshi Nezu, Asakazu Nakai e Sōjirō Motoki .

Kurosawa exibia um estilo ousado e dinâmico, fortemente influenciado pelo cinema ocidental, mas distinto dele; ele estava envolvido com todos os aspectos da produção cinematográfica . Ele era um roteirista talentoso e trabalhou em estreita colaboração com seus co-roteiristas desde o desenvolvimento do filme em diante para garantir um roteiro de alta qualidade, que ele considerava a base sólida de um bom filme. Ele freqüentemente atuou como editor de seus próprios filmes. Sua equipe, conhecida como "Kurosawa-gumi" (grupo Kurosawa), que incluía o cineasta Asakazu Nakai , o assistente de produção Teruyo Nogami e o ator Takashi Shimura , era notável por sua lealdade e confiabilidade.

O estilo de Kurosawa é marcado por uma série de dispositivos e técnicas. Em seus filmes das décadas de 1940 e 1950, ele frequentemente emprega o " corte axial ", no qual a câmera se move em direção ou para longe do assunto por meio de uma série de cortes em salto combinados , em vez de rastrear tomadas ou dissolver . Outro traço estilístico é o "corte em movimento", que exibe o movimento na tela em duas ou mais tomadas em vez de uma ininterrupta. Uma forma de pontuação cinematográfica fortemente identificada com Kurosawa é o wipe , um efeito criado por meio de uma impressora ótica : uma linha ou barra parece se mover pela tela, apagando o final de uma cena e revelando a primeira imagem da próxima. Como um dispositivo de transição, é usado como um substituto para o corte reto ou o dissolve ; em seu trabalho maduro, o wipe tornou-se a assinatura de Kurosawa.

Na trilha sonora do filme, Kurosawa privilegiou o contraponto som-imagem, em que a música ou os efeitos sonoros pareciam comentar ironicamente a imagem em vez de enfatizá-la. As memórias de Teruyo Nogami fornecem vários exemplos de Drunken Angel e Stray Dog . Kurosawa também se envolveu com vários compositores contemporâneos notáveis ​​do Japão, incluindo Fumio Hayasaka e Tōru Takemitsu .

Kurosawa empregou uma série de temas recorrentes em seus filmes: a relação mestre-discípulo entre um mentor geralmente mais velho e um ou mais novatos, que freqüentemente envolve tanto domínio espiritual quanto técnico e autodomínio; o campeão heróico, o indivíduo excepcional que emerge da massa de pessoas para produzir algo ou consertar algo errado; a representação de extremos de clima como dispositivos dramáticos e símbolos da paixão humana; e a recorrência de ciclos de violência selvagem na história. Segundo Stephen Prince, o último tema, que ele chama de "a contra-tradição ao modo heróico e comprometido do cinema de Kurosawa", começou com Throne of Blood (1957) e voltou a aparecer nos filmes dos anos 1980.

Legado

Legado de crítica geral

Jacques Rivette , um crítico proeminente da New Wave francesa que avaliou o trabalho de Mizoguchi como sendo mais totalmente japonês em comparação com o de Kurosawa.

Kenji Mizoguchi , o aclamado diretor de Ugetsu (1953) e Sansho, o Meirinho (1954), era onze anos mais velho que Kurosawa. Depois de meados da década de 1950, alguns críticos da New Wave francesa começaram a favorecer Mizoguchi para Kurosawa. O crítico e cineasta da New Wave Jacques Rivette , em particular, achava que Mizoguchi era o único diretor japonês cujo trabalho era ao mesmo tempo inteiramente japonês e verdadeiramente universal; Em contraste, Kurosawa era considerado mais influenciado pelo cinema e pela cultura ocidentais, uma visão que tem sido contestada.

No Japão, alguns críticos e cineastas consideraram Kurosawa elitista. Eles o viam centrar seu esforço e atenção em personagens excepcionais ou heróicos. Em seu comentário em DVD sobre Seven Samurai , Joan Mellen argumentou que certas tomadas dos personagens samurais Kambei e Kyuzo, que mostram que Kurosawa concedeu maior status ou validade a eles, constituem evidência desse ponto de vista. Esses críticos japoneses argumentaram que Kurosawa não era suficientemente progressista porque os camponeses não conseguiam encontrar líderes dentro de suas fileiras. Em entrevista a Mellen, Kurosawa se defendeu, dizendo:

Queria dizer que afinal os camponeses eram os mais fortes, agarrados à terra ... Eram os samurais que eram fracos porque estavam sendo soprados pelos ventos do tempo.

Desde o início dos anos 1950, Kurosawa também foi encarregado de atender aos gostos ocidentais devido à sua popularidade na Europa e na América. Na década de 1970, o diretor de esquerda Nagisa Oshima , conhecido por sua reação crítica ao trabalho de Kurosawa, acusou Kurosawa de favorecer as crenças e ideologias ocidentais. O autor Audie Block, no entanto, avaliou Kurosawa como nunca tendo brincado com um público estrangeiro e denunciado os diretores que o faziam.

Reputação entre cineastas

Ingmar Bergman , mostrado aqui em um busto localizado em Kielce , Polônia, era um admirador do trabalho de Kurosawa.

Muitos cineastas foram influenciados pelo trabalho de Kurosawa. Ingmar Bergman chamou seu próprio filme The Virgin Spring de "turística ... péssima imitação de Kurosawa" e acrescentou: "Naquela época, minha admiração pelo cinema japonês estava no auge. Eu mesmo era quase um samurai!" Federico Fellini considerou Kurosawa "o maior exemplo vivo de tudo que um autor de cinema deve ser". Satyajit Ray , que foi postumamente premiado com o Prêmio Akira Kurosawa pelo conjunto de sua obra de direção no Festival Internacional de Cinema de São Francisco em 1992, havia dito anteriormente sobre Rashomon :

"O efeito do filme em mim [ao vê-lo pela primeira vez em Calcutá em 1952] foi elétrico. Eu o vi três vezes em dias consecutivos e me perguntei a cada vez se havia outro filme em qualquer lugar que desse uma prova tão duradoura e deslumbrante de um diretor comandar todos os aspectos da produção de filmes. "

Roman Polanski considerou Kurosawa um dos três cineastas que ele mais gostava, junto com Fellini e Orson Welles , e escolheu Sete Samurais , Trono de Sangue e A Fortaleza Oculta para elogios. Bernardo Bertolucci considerou a influência de Kurosawa como seminal: "Os filmes de Kurosawa e La Dolce Vita de Fellini são as coisas que me empurraram, me sugaram para ser um diretor de cinema." Andrei Tarkovsky citou Kurosawa como um de seus favoritos e nomeou Seven Samurai como um de seus dez filmes favoritos. Sidney Lumet chamou Kurosawa de "Beethoven dos diretores de cinema". Werner Herzog refletiu sobre os cineastas pelos quais sente afinidade e os filmes que admira:

Griffith - especialmente seu nascimento de uma nação e Broken Blossoms - Murnau , Buñuel , Kurosawa e Eisenstein de Ivan, o Terrível , ... todos vêm à mente. ... Gosto Dreyer é A Paixão de Joana d'Arc , Pudovkin ‘s Tempestade sobre a Ásia e Dovzhenko da Terra , ... de Mizoguchi Ugetsu Monogatari , de Satyajit Ray sala de música ... Eu sempre quis saber como Kurosawa fez algo tão bom quanto Rashomon ; o equilíbrio e o fluxo são perfeitos e ele usa o espaço de maneira bem equilibrada. É um dos melhores filmes já feitos.

De acordo com um assistente, Stanley Kubrick considerava Kurosawa "um dos grandes diretores de cinema" e falava dele "com consistência e admiração", a tal ponto que uma carta sua "significava mais do que um Oscar" e o fazia sofrer por meses depois de redigir uma resposta. Robert Altman, ao ver Rashomon pela primeira vez, ficou tão impressionado com a sequência de quadros do sol que começou a filmar as mesmas sequências em seu trabalho no dia seguinte, afirmou ele. Kurosawa ficou em 3º lugar na pesquisa dos diretores e 5º na pesquisa da crítica na lista da Sight & Sound de 2002 dos maiores diretores de todos os tempos.

Roteiros póstumos

Após a morte de Kurosawa, várias obras póstumas baseadas em seus roteiros não filmados foram produzidas. After the Rain , dirigido por Takashi Koizumi , foi lançado em 1999, e The Sea Is Watching , dirigido por Kei Kumai , estreou em 2002. Um roteiro criado por Yonki no Kai ("Clube dos Quatro Cavaleiros") (Kurosawa, Keisuke Kinoshita, Masaki Kobayashi e Kon Ichikawa), na época em que Dodeskaden foi feito, finalmente foi filmado e lançado (em 2000) como Dora-heita , pelo único membro fundador sobrevivente do clube, Kon Ichikawa. Huayi Brothers Media e CKF Pictures na China anunciaram em 2017 planos para produzir um filme do roteiro póstumo de Kurosawa de A Máscara da Morte Vermelha de Edgar Allan Poe para 2020, com o título de A Máscara da Peste Negra . Patrick Frater, escrevendo para a revista Variety em maio de 2017, afirmou que outros dois filmes inacabados de Kurosawa estavam planejados, com Silvering Spear para começar a filmar em 2018.

Kurosawa Produtora

Em setembro de 2011, foi relatado que os direitos de remake da maioria dos filmes e roteiros não produzidos de Kurosawa foram atribuídos pelo Projeto Akira Kurosawa 100 à empresa Splendent, com sede em Los Angeles. O chefe da Splendent, Sakiko Yamada, afirmou que seu objetivo era "ajudar os cineastas contemporâneos a apresentar essas histórias inesquecíveis a uma nova geração de cinéfilos".

Kurosawa Production Co., fundada em 1959, continua a supervisionar muitos dos aspectos do legado de Kurosawa. O filho do diretor, Hisao Kurosawa, é o atual chefe da empresa. Sua subsidiária americana, Kurosawa Enterprises, está localizada em Los Angeles. Os direitos das obras de Kurosawa passaram a ser detidos pela Kurosawa Production e pelos estúdios de cinema sob os quais ele trabalhava, principalmente Toho . Esses direitos foram então atribuídos ao Projeto Akira Kurosawa 100 antes de serem reatribuídos em 2011 à empresa Splendent, com sede em LA. A Kurosawa Production trabalha em estreita colaboração com a Akira Kurosawa Foundation, criada em dezembro de 2003 e também administrada por Hisao Kurosawa. A fundação organiza uma competição anual de curtas-metragens e lidera projetos relacionados a Kurosawa, incluindo um recentemente arquivado para construir um museu memorial para o diretor.

Estúdios de cinema e prêmios

Em 1981, o Kurosawa Film Studio foi inaugurado em Yokohama; desde então, dois locais adicionais foram lançados no Japão. Uma grande coleção de material de arquivo, incluindo roteiros digitalizados, fotos e artigos de notícias, foi disponibilizada por meio do Akira Kurosawa Digital Archive, um site proprietário japonês mantido pelo Ryukoku University Digital Archives Research Center em colaboração com a Kurosawa Production. A Escola de Cinema Akira Kurosawa da Universidade de Anaheim foi lançada na primavera de 2009 com o apoio da Kurosawa Production. Oferece programas online de produção de filmes digitais, com sede em Anaheim e um centro de aprendizagem em Tóquio.

Dois prêmios de cinema também foram nomeados em homenagem a Kurosawa. O Prêmio Akira Kurosawa de Realização de Cinema é concedido durante o Festival Internacional de Cinema de São Francisco , enquanto o Prêmio Akira Kurosawa é concedido durante o Festival Internacional de Cinema de Tóquio .

Kurosawa é freqüentemente citado como um dos maiores cineastas de todos os tempos. Em 1999, ele foi nomeado " Asiático do Século " na categoria "Artes, Literatura e Cultura" pela revista AsianWeek e CNN , citada como "uma das [cinco] pessoas que mais contribuíram para a melhoria da Ásia nos últimos 100 anos". Em comemoração ao 100º aniversário do nascimento de Kurosawa em 2010, um projeto chamado AK100 foi lançado em 2008. O Projeto AK100 visa "expor os jovens que são os representantes da próxima geração, e todas as pessoas em todos os lugares, à luz e ao espírito de Akira Kurosawa e o mundo maravilhoso que ele criou ".

A Universidade Anaheim, em cooperação com a Família Kurosawa, estabeleceu a Escola de Cinema Akira Kurosawa da Universidade Anaheim para oferecer programas de aprendizagem online e combinados sobre Akira Kurosawa e produção de filmes. O filme animado de Wes Anderson , Ilha dos Cães, é parcialmente inspirado nas técnicas de filmagem de Kurosawa. No 64º Festival de Cinema de Sydney, houve uma retrospectiva de Akira Kurosawa, onde filmes seus foram exibidos para lembrar o grande legado que ele criou com seu trabalho.

Documentários

Um número significativo de documentários completos e curtos sobre a vida e os filmes de Kurosawa foram feitos durante sua vida e após sua morte. AK foi filmado em 1985 e é um documentário francês dirigido por Chris Marker . Embora tenha sido filmado enquanto Kurosawa estava trabalhando em Ran , o filme se concentra mais na personalidade remota, mas educada, de Kurosawa do que na realização do filme. O documentário às vezes é visto como um reflexo do fascínio de Marker pela cultura japonesa , que ele também inspirou em um de seus filmes mais conhecidos, Sans Soleil . O filme foi exibido na seção Un Certain Regard do Festival de Cannes de 1985 . Outros documentários sobre a vida e as obras de Kurosawa produzidos postumamente incluem:

• Kurosawa: o último imperador (Alex Cox, 1999)
• Uma mensagem de Akira Kurosawa: For Beautiful Movies (Hisao Kurosawa, 2000)
• Kurosawa (Adam Low, 2001)
• Akira Kurosawa: É maravilhoso criar (Toho Masterworks, 2002)
• Akira Kurosawa: The Epic and the Intimate (2010)
• O Caminho de Kurosawa (Catherine Cadou, 2011)

Notas

Referências

Fontes

Leitura adicional

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• Selvagem, Peter. (2014) Akira Kurosawa Reaktion Books ISBN  978-1-78023-343-7

links externos

• Akira Kurosawa na IMDb
• Akira Kurosawa no TCM Movie Database
• Akira Kurosawa na coleção de critérios
• Akira Kurosawa: notícias, informações e discussão
• Sentidos do Cinema: Banco de Dados Crítico dos Grandes Diretores
• Akira Kurosawa no guia do túmulo de uma celebridade japonesa (em japonês)
• Akira Kurosawa no banco de dados de filmes japoneses (em japonês)
• Vários trailers
• Escola de Cinema Akira Kurosawa da Universidade de Anaheim
• Akira Kurosawa no Rotten Tomatoes