Gótico americano -American Gothic

Este artigo é sobre a pintura. Para outros usos, veja American Gothic (disambiguation) .
gótico americano
Uma pintura de um homem e uma mulher com expressões severas, lado a lado em frente a uma casa branca. O homem segura um garfo de arremesso.
Artista Grant Wood
Ano 1930
Modelo Óleo sobre beaverboard
Dimensões 78 cm × 65,3 cm ( 30+3 ⁄ 4  pol ×  25+3 ⁄ 4  pol.)
Localização Art Institute of Chicago

American Gothic é uma pintura de 1930de Grant Wood na coleção do Art Institute of Chicago . Wood foi inspirado a pintar o que agora é conhecido como American Gothic House em Eldon, Iowa , junto com "o tipo de pessoa que [ele] imaginava que deveria morar naquela casa". Ele retrata um fazendeiro ao lado de sua filha - muitas vezes erroneamente assumido ser sua esposa. A pintura tem esse nome devido ao estilo arquitetônico da casa.

As figuras foram modeladas pela irmã de Wood, Nan Wood Graham, e seu dentista, Dr. Byron McKeeby. A mulher está vestida com um avental com estampa colonial que evoca a cultura americana rural do século 20, enquanto o homem está adornado com um macacão coberto por um paletó e carrega um forcado . As plantas na varanda da casa são língua de sogra e begônia de bife , que também aparecem no retrato de Wood de sua mãe em 1929, Mulher com Plantas .

American Gothic é uma das imagens mais conhecidas da arte americana do século 20 e foi amplamente parodiado na cultura popular americana . De 2016 a 2017, a pintura foi exposta em Paris no Musée de l'Orangerie e em Londres na Royal Academy of Arts em suas primeiras exibições fora dos Estados Unidos.

Criação

Um retrato de um homem
Grant Wood , autorretrato , 1932, Figge Art Museum

Em agosto de 1930, Grant Wood , um pintor americano com formação europeia, foi conduzido por Eldon, Iowa , por um jovem pintor local chamado John Sharp. Em busca de inspiração, ele notou a Dibble House , uma pequena casa branca construída no estilo arquitetônico gótico do Carpinteiro . O irmão de Sharp sugeriu em 1973 que foi nesta unidade que Wood fez o primeiro esboço da casa no verso de um envelope. O primeiro biógrafo de Wood, Darrell Garwood, observou que Wood "considerou uma forma de pretensão emprestada, um absurdo estrutural, colocar uma janela de estilo gótico em uma casa de estrutura tão frágil ".

The Dibble House , Eldon, Iowa
Nan Wood Graham e Dr. Byron McKeeby na Galeria da Biblioteca Pública de Cedar Rapids , setembro de 1942

Na época, Wood classificou-a como uma das "casas de estrutura de papelão nas fazendas de Iowa" e a considerou "muito pintável". Após obter permissão dos proprietários da casa, Selma Jones-Johnston e sua família, Wood fez um esboço no dia seguinte em tinta a óleo sobre papel cartão do jardim da frente. Este esboço representava um telhado mais íngreme e uma janela mais longa com uma ogiva mais pronunciada do que na casa real - características que acabaram enfeitando a obra final.

Wood decidiu pintar a casa junto com, em suas palavras, "o tipo de pessoa que [ele] imaginava que morasse naquela casa". Ele recrutou sua irmã, Nan (1899–1990), para ser a modelo da filha, vestindo-a com um avental com estampa colonial que imitava a cultura americana rural do século XX . O modelo do pai foi o dentista da família Wood, Dr. Byron McKeeby (1867–1950) de Cedar Rapids, Iowa . Nan disse às pessoas que seu irmão havia imaginado o casal como pai e filha, não marido e mulher, o que o próprio Wood confirmou em sua carta a uma Sra. Nellie Sudduth em 1941: "A senhora afetada com ele é sua filha adulta."

Elementos da pintura enfatizam a vertical associada à arquitetura gótica . O forcado vertical de três pontas ecoa na costura do macacão e na camisa do homem, na janela gótica de arco pontiagudo da casa sob o telhado inclinado e na estrutura do rosto do homem. No entanto, Wood não adicionou figuras ao seu esboço até retornar ao seu estúdio em Cedar Rapids. Além disso, ele não voltaria a Eldon novamente, embora tenha pedido uma fotografia da casa para completar sua pintura.

Recepção e interpretação

Wood entrou para a pintura em um concurso no Art Institute of Chicago . Um juiz considerou isso um "dia dos namorados cômico", mas um patrocinador do museu persuadiu o júri a conceder à pintura a medalha de bronze e um prêmio em dinheiro de $ 300. O mesmo patrono também convenceu o Art Institute a comprar a pintura, que continua fazendo parte da coleção do museu de Chicago. A imagem logo começou a ser reproduzida em jornais, primeiro pelo Chicago Evening Post e depois em Nova York , Boston , Kansas City e Indianápolis . No entanto, quando a imagem finalmente apareceu na Cedar Rapids Gazette , houve uma reação negativa. Os habitantes de Iowa ficaram furiosos com sua descrição como "magoadores da Bíblia, de rosto severo e puritano". Wood protestou, dizendo que não havia pintado uma caricatura de Iowa, mas uma representação de sua apreciação , declarando "Eu tive que ir à França para apreciar Iowa." Em uma carta de 1941, Wood disse que, "Em geral, descobri que as pessoas que se ressentem da pintura são aquelas que sentem que elas mesmas se parecem com a representação."

Os críticos de arte que tinham opiniões favoráveis ​​sobre a pintura, como Gertrude Stein e Christopher Morley , da mesma forma presumiram que a pintura era para ser uma sátira da vida de uma pequena cidade rural. Assim, foi visto como parte da tendência de representações cada vez mais críticas da América rural ao longo das linhas de, na literatura, o romance de Sherwood Anderson de 1919 Winesburg, Ohio , Sinclair Lewis 's 1920 Main Street , e Carl Van Vechten 's 1924 The Condessa tatuada .

No entanto, com o aprofundamento da Grande Depressão não muito depois de a pintura ter sido feita, o estilo gótico americano passou a ser visto como uma representação do firme espírito pioneiro americano . Wood ajudou nessa transição interpretativa renunciando a sua juventude boêmia em Paris e agrupando-se com pintores populistas do meio-oeste, como John Steuart Curry e Thomas Hart Benton , que se revoltaram contra o domínio dos círculos de arte da Costa Leste. Wood foi citado neste período como afirmando: "Todas as boas idéias que já tive vieram a mim enquanto eu estava ordenhando uma vaca." A historiadora de arte americana Wanda M. Corn insiste que Wood não estava pintando um casal moderno, mas sim do passado, apontando para o fato de que Wood dirigia as modelos a vestir roupas antiquadas, para as quais ele encontrou inspiração consultando seu álbum de fotos de família . Wood até mesmo posou as figuras de uma forma que se assemelhava a fotografias de longa exposição de famílias do Meio-Oeste anteriores à Primeira Guerra Mundial.

Em 2005, a historiadora de arte Sue Taylor sugeriu que as figuras no retrato podem realmente representar os pais de Wood. Ela afirmou que devido ao pai de Wood falecer quando Wood tinha apenas 10 anos de idade, Wood não desenvolveu um relacionamento próximo com ele, mas observou que ele passou o resto de sua vida intimamente ligado à sua mãe. Ela teoriza que Wood pode ter desenvolvido um complexo de Édipo e inconscientemente expressou isso na pintura. Taylor cita a falta de cordialidade entre as duas figuras, bem como a classificação de Wood deles como “pai e filha” foi uma maneira de Wood remover qualquer conotação sexual para que Wood não tivesse que enfrentar seus próprios medos e inseguranças. Taylor também aponta semelhanças entre outros retratos da mãe de Wood e a mulher do estilo gótico americano, incluindo o broche que ela usa.

O historiador da arte Tripp Evans interpretou-o em 2010 como um " retrato de luto à moda antiga  ... Notavelmente, as cortinas penduradas nas janelas da casa, tanto no andar de cima quanto na de baixo, são fechadas no meio do dia, um costume do luto em América vitoriana. A mulher usa um vestido preto por baixo do avental e desvia o olhar como se estivesse segurando as lágrimas. Imagina-se que ela está de luto pelo homem ao lado dela. " Wood tinha apenas 10 anos quando seu pai morreu e, mais tarde, viveu por uma década "acima de uma garagem reservada para carros funerários ", então provavelmente a morte estava em sua mente.

Em 2019, o escritor cultural Kelly Grovier o descreveu como um retrato de Plutão e Prosérpina , os deuses romanos do submundo . Ele interpreta o pequeno globo no cata-vento no topo da pintura como representando a descoberta então recente do planeta anão Plutão , o fazendeiro empunhando um forcado como o guardião dos portões do inferno, e aponta para o broche de camafeu da mulher , contendo uma representação clássica da deusa mitológica, e o fio de cabelo pendurado na orelha direita da mulher representando o arrebatamento no mito da deusa.

Paródias e outras referências

A Depressão - uma compreensão da pintura como retratando uma cena autenticamente americana levou à primeira paródia conhecida, uma foto de Gordon Parks da faxineira Ella Watson, de 1942 , tirada em Washington, DC

American Gothic é uma imagem freqüentemente parodiada. Foi satirizado em shows da Broadway , como The Music Man , filmes como The Rocky Horror Picture Show e programas de televisão como Green Acres (na cena final dos créditos de abertura), The Dick Van Dyke Show ("A Obra-prima" episódio), e o episódio "FarmerBob" do Bob Esponja . Também foi parodiado em campanhas de marketing, pornografia e por casais que recriam a imagem fotograficamente olhando para uma câmera da mesma forma, um deles segurando um forcado ou outro objeto em seu lugar. A pintura aparece nos títulos de abertura do programa de televisão Desperate Housewives (2004-2012).

Veja também

Referências

Fontes

Leitura adicional

links externos

Vídeo externo
2007-06-04-Gothic House.jpg
ícone de vídeo Smarthistory: American Gothic de Grant Wood
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