Cinema dos Estados Unidos -Cinema of the United States

Cinema dos Estados Unidos
(Hollywood)
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Letreiro de Hollywood (Zuschnitt).jpg
O letreiro de Hollywood em Hollywood Hills , muitas vezes considerado o símbolo da indústria cinematográfica americana
de telas 40.393 (2017)
 • Per capita 14 por 100.000 (2017)
Principais distribuidores
Longas-metragens produzidas (2016)
fictício 646 (98,5%)
Animado 10 (1,5%)
Número de admissões (2017)
Total 1.239.742.550
 • Per capita 3.9 (2010)
Bilheteria bruta (2017)
Total $ 11,1 bilhões

O cinema dos Estados Unidos , consistindo principalmente de grandes estúdios cinematográficos (também conhecidos metonimicamente como Hollywood ), juntamente com alguns filmes independentes , teve um grande efeito na indústria cinematográfica global desde o início do século XX. O estilo dominante do cinema americano é o cinema clássico de Hollywood , que se desenvolveu de 1910 a 1969 e ainda é típico da maioria dos filmes feitos lá até hoje. Enquanto os franceses Auguste e Louis Lumière são geralmente creditados com o nascimento do cinema moderno, o cinema americano logo se tornou uma força dominante na indústria emergente. A partir de 2017, produziu o terceiro maior número de filmes de qualquer cinema nacional , depois da Índia e da China , com mais de 600 filmes em inglês lançados em média todos os anos. Embora os cinemas nacionais do Reino Unido , Canadá , Austrália e Nova Zelândia também produzam filmes no mesmo idioma, eles não fazem parte do sistema de Hollywood. Por causa disso, Hollywood também foi considerado um cinema transnacional e produziu versões em vários idiomas de alguns títulos, geralmente em espanhol ou francês. A Hollywood contemporânea frequentemente terceiriza a produção para o Canadá, Austrália e Nova Zelândia.

Hollywood é considerada a indústria cinematográfica mais antiga, no sentido de ser o local onde surgiram os primeiros estúdios de cinema e produtoras. É o berço de vários gêneros do cinema - entre eles a comédia , o drama , a ação , o musical , o romance , o terror , a ficção científica e o épico de guerra - e deu o exemplo para outras indústrias cinematográficas nacionais.

Em 1878, Eadweard Muybridge demonstrou o poder da fotografia para capturar o movimento. Em 1894, a primeira exibição cinematográfica comercial do mundo foi realizada na cidade de Nova York, usando o cinetoscópio de Thomas Edison . Nas décadas seguintes, a produção do cinema mudo se expandiu muito, estúdios se formaram e migraram para a Califórnia, e os filmes e as histórias contadas tornaram-se muito mais longos. Os Estados Unidos produziram o primeiro filme musical de som sincronizado do mundo , The Jazz Singer , em 1927, e estiveram na vanguarda do desenvolvimento de filmes sonoros nas décadas seguintes. Desde o início do século 20, a indústria cinematográfica dos EUA tem se baseado principalmente na zona de trinta milhas centrada no bairro de Hollywood no condado de Los Angeles, Califórnia . O diretor DW Griffith foi fundamental para o desenvolvimento de uma gramática cinematográfica . Cidadão Kane (1941), de Orson Welles, é frequentemente citado nas pesquisas da crítica como o melhor filme de todos os tempos .

Os principais estúdios de cinema de Hollywood são a principal fonte dos filmes de maior sucesso comercial e mais vendidos no mundo. Muitos dos filmes de maior bilheteria de Hollywood geraram mais receita de bilheteria e vendas de ingressos fora dos Estados Unidos do que filmes feitos em outros lugares. Os Estados Unidos são pioneiros em engenharia e tecnologia cinematográfica .

História

1894–1907: Origens e Fort Lee

Justus D. Barnes como o líder fora da lei Bronco Billy Anderson em The Great Train Robbery (1903), o primeiro western .

A primeira instância registrada de fotografias capturando e reproduzindo movimento foi uma série de fotografias de um cavalo correndo por Eadweard Muybridge , que ele tirou em Palo Alto, Califórnia , usando um conjunto de câmeras colocadas em uma fileira. A realização de Muybridge levou inventores de todos os lugares a tentar fabricar dispositivos semelhantes. Nos Estados Unidos, Thomas Edison foi um dos primeiros a produzir tal dispositivo, o cinetoscópio .

Harold Lloyd na cena do relógio de Safety Last! (1923)

A história do cinema nos Estados Unidos pode traçar suas raízes na Costa Leste , onde, ao mesmo tempo, Fort Lee, Nova Jersey , foi a capital cinematográfica da América. A indústria teve seu início no final do século 19 com a construção de " Black Maria " de Thomas Edison, o primeiro estúdio cinematográfico em West Orange, Nova Jersey . As cidades e vilas no rio Hudson e Hudson Palisades ofereciam terras a custos consideravelmente menores do que a cidade de Nova York do outro lado do rio e se beneficiaram muito como resultado do crescimento fenomenal da indústria cinematográfica na virada do século XX.

A indústria começou a atrair capital e uma força de trabalho inovadora. Em 1907, quando a Kalem Company começou a usar Fort Lee como local de filmagem na área, outros cineastas seguiram rapidamente. Em 1909, uma precursora da Universal Studios , a Champion Film Company , construiu o primeiro estúdio. Outros seguiram rapidamente e construíram novos estúdios ou alugaram instalações em Fort Lee. Nas décadas de 1910 e 1920 , empresas cinematográficas como Independent Moving Pictures Company, Peerless Studios , The Solax Company , Éclair Studios , Goldwyn Picture Corporation , American Méliès (Star Films), World Film Company , Biograph Studios , Fox Film Corporation , Pathé Frères , Metro Pictures Corporation , Victor Film Company e Selznick Pictures Corporation estavam todas fazendo filmes em Fort Lee. Notáveis ​​como Mary Pickford começaram no Biograph Studios.

Em Nova York, o Kaufman Astoria Studios no Queens , construído durante a era do cinema mudo, foi usado pelos irmãos Marx e WC Fields . Os Edison Studios estavam localizados no Bronx. Chelsea, Manhattan , também foi usado com frequência. Outras cidades do leste, principalmente Chicago e Cleveland , também serviram como centros iniciais para a produção de filmes. No oeste, a Califórnia já estava emergindo rapidamente como um importante centro de produção de filmes. No Colorado , Denver era o lar da produtora de filmes Art-O-Graf , e o estúdio de animação Laugh-O-Gram de Walt Disney era baseado em Kansas City , Missouri . Picture City , Flórida , era um local planejado para um centro de produção de filmes na década de 1920, mas devido ao furacão Okeechobee de 1928 , a ideia desmoronou e Picture City voltou ao seu nome original de Hobe Sound . Uma tentativa de estabelecer um centro de produção de filmes em Detroit também não teve sucesso.

As guerras de patentes de filmes no início do século 20 ajudaram a facilitar a expansão das empresas cinematográficas para outras partes dos Estados Unidos, fora de Nova York. Muitos cineastas trabalharam com equipamentos dos quais não possuíam os direitos de uso. Portanto, filmar em Nova York pode ser perigoso, pois fica perto da sede da empresa de Edison e perto dos agentes que a empresa partiu para apreender as câmeras. Em 1912, a maioria das grandes empresas cinematográficas havia estabelecido instalações de produção no sul da Califórnia perto ou em Los Angeles por causa do clima favorável da região durante todo o ano.

1907–1927: Ascensão de Hollywood

A produção de 1908 da Selig Polyscope Company de O Conde de Monte Cristo, dirigida por Francis Boggs e estrelada por Hobart Bosworth , foi considerada a primeira a ser filmada em Los Angeles , em 1907, com uma placa sendo inaugurada pela cidade em 1957 na loja principal de Dearden . na esquina da Main Street com a 7th Street, para marcar a filmagem no local quando era uma lavanderia chinesa. A viúva de Bosworth sugeriu que a cidade havia errado a data e o local e que o filme foi rodado na vizinha Veneza , que na época era uma cidade independente. Boggs' In the Sultan's Power for Selig Polyscope, também estrelado por Bosworth, é considerado o primeiro filme rodado inteiramente em Los Angeles, com filmagens na 7th e Olive Streets em 1909.

No início de 1910, o diretor DW Griffith foi enviado pela Biograph Company para a costa oeste com sua trupe de atores, composta pelos atores Blanche Sweet , Lillian Gish , Mary Pickford , Lionel Barrymore e outros. Eles começaram a filmar em um terreno baldio perto da Georgia Street, no centro de Los Angeles. Enquanto estava lá, a empresa decidiu explorar novos territórios, viajando vários quilômetros ao norte até Hollywood, uma pequena vila que era amigável e gostava da empresa de cinema que filmava lá. Griffith então filmou o primeiro filme rodado em Hollywood, In Old California , um melodrama da Biograph sobre a Califórnia no século 19, quando pertencia ao México. Griffith ficou lá por meses e fez vários filmes antes de retornar a Nova York. Também em 1910, Selig Polyscope de Chicago estabeleceu o primeiro estúdio de cinema na área de Los Angeles em Edendale e o primeiro estúdio em Hollywood foi inaugurado em 1912. Depois de ouvir sobre o sucesso de Griffith em Hollywood, em 1913, muitos cineastas foram para o oeste para evitar o taxas impostas por Thomas Edison , que detinha as patentes do processo de produção de filmes. O Nestor Studios de Bayonne, Nova Jersey , construiu o primeiro estúdio no bairro de Hollywood em 1911. O Nestor Studios, de propriedade de David e William Horsley, mais tarde se fundiu com o Universal Studios; e a outra empresa de William Horsley, Hollywood Film Laboratory, é agora a mais antiga empresa existente em Hollywood, agora chamada de Hollywood Digital Laboratory. O clima mais hospitaleiro e econômico da Califórnia levou à mudança de praticamente todos os filmes para a Costa Oeste na década de 1930. Na época, Thomas Edison possuía quase todas as patentes relevantes para a produção cinematográfica e os produtores de filmes na Costa Leste agindo independentemente da Motion Picture Patents Company de Edison eram frequentemente processados ​​ou intimados por Edison e seus agentes enquanto os cineastas que trabalhavam na Costa Oeste podiam trabalhar independentemente do controle de Edison.

Em Los Angeles, os estúdios e Hollywood cresceram. Antes da Primeira Guerra Mundial , os filmes eram feitos em várias cidades americanas, mas os cineastas tendiam a gravitar para o sul da Califórnia conforme a indústria se desenvolvia. Eles foram atraídos pelo clima quente e pela luz solar confiável, que permitiam filmar seus filmes ao ar livre o ano todo e pela variedade de cenários disponíveis. Os danos da guerra contribuíram para o declínio da então dominante indústria cinematográfica européia, em favor dos Estados Unidos, onde a infraestrutura ainda estava intacta. A resposta inicial de saúde pública mais forte à epidemia de gripe de 1918 por Los Angeles em comparação com outras cidades americanas reduziu o número de casos lá e resultou em uma recuperação mais rápida, contribuindo para o crescente domínio de Hollywood sobre a cidade de Nova York. Durante a pandemia, as autoridades de saúde pública fecharam temporariamente os cinemas em algumas jurisdições, grandes estúdios suspenderam a produção por semanas seguidas e alguns atores contraíram gripe. Isso causou grandes perdas financeiras e graves dificuldades para os pequenos estúdios, mas a indústria como um todo mais do que se recuperou durante os loucos anos 20 .

Existem vários pontos de partida para o cinema (particularmente o cinema americano), mas foi o controverso épico de Griffith de 1915, O Nascimento de uma Nação , que foi pioneiro no vocabulário cinematográfico mundial que ainda domina o celulóide até hoje.

No início do século 20, quando o meio era novo, muitos imigrantes judeus encontraram emprego na indústria cinematográfica dos Estados Unidos. Eles conseguiram deixar sua marca em um negócio inédito: a exibição de curtas-metragens em vitrines de cinemas chamadas nickelodeons , após o preço de entrada de um níquel (cinco centavos). Em poucos anos, homens ambiciosos como Samuel Goldwyn , William Fox , Carl Laemmle , Adolph Zukor , Louis B. Mayer e os Warner Brothers (Harry, Albert, Samuel e Jack) mudaram para o lado da produção do negócio. Logo eles eram os chefes de um novo tipo de empresa: o estúdio de cinema . Os Estados Unidos tiveram pelo menos duas diretoras, produtoras e chefes de estúdio nesses primeiros anos: Lois Weber e a francesa Alice Guy-Blaché . Eles também prepararam o cenário para o internacionalismo da indústria; a indústria é frequentemente acusada de provincianismo amerocêntrico .

Outros cineastas chegaram da Europa após a Primeira Guerra Mundial: diretores como Ernst Lubitsch , Alfred Hitchcock , Fritz Lang e Jean Renoir ; e atores como Rudolph Valentino , Marlene Dietrich , Ronald Colman e Charles Boyer . Eles se juntaram a um suprimento local de atores - atraídos para o oeste dos palcos da cidade de Nova York após a introdução de filmes sonoros - para formar uma das indústrias de crescimento mais notáveis ​​do século XX. No auge da popularidade do cinema em meados da década de 1940, os estúdios produziam um total de cerca de 400 filmes por ano, vistos por uma audiência de 90 milhões de americanos por semana.

O som também se tornou amplamente utilizado em Hollywood no final da década de 1920. Depois de The Jazz Singer , o primeiro filme com vozes sincronizadas foi lançado com sucesso como Vitaphone talkie em 1927, as empresas cinematográficas de Hollywood responderiam à Warner Bros. e começariam a usar o som Vitaphone - que a Warner Bros. Em maio de 1928, a Electrical Research Product Incorporated (ERPI), uma subsidiária da Western Electric Company, ganhou o monopólio da distribuição de som para filmes.

Um efeito colateral dos "talkies" foi que muitos atores que fizeram carreira em filmes mudos de repente ficaram sem trabalho, pois muitas vezes tinham vozes ruins ou não conseguiam se lembrar de suas falas. Enquanto isso, em 1922, o político americano Will H. Hays deixou a política e formou a organização chefe do estúdio de cinema conhecida como Motion Picture Producers and Distributors of America (MPPDA). A organização tornou-se a Motion Picture Association of America depois que Hays se aposentou em 1945.

Nos primórdios dos talkies , os estúdios americanos descobriram que suas produções sonoras eram rejeitadas nos mercados de língua estrangeira e até mesmo entre falantes de outros dialetos do inglês. A tecnologia de sincronização ainda era muito primitiva para dublagem . Uma das soluções foi criar versões paralelas em língua estrangeira de filmes de Hollywood. Por volta de 1930, as companhias americanas abriram um estúdio em Joinville-le-Pont , na França, onde os mesmos cenários e guarda-roupas e até cenas de massa eram usados ​​para diferentes equipes de time-sharing .

Além disso, atores estrangeiros desempregados, dramaturgos e vencedores de concursos de fotogenia foram escolhidos e levados para Hollywood, onde filmaram versões paralelas dos filmes em inglês. Essas versões paralelas tinham um orçamento menor, eram filmadas à noite e dirigidas por diretores americanos de segunda linha que não falavam a língua estrangeira. As equipes de língua espanhola incluíam pessoas como Luis Buñuel , Enrique Jardiel Poncela , Xavier Cugat e Edgar Neville . As produções não tiveram muito sucesso nos mercados a que se destinavam, pelos seguintes motivos:

Brown Derby , um ícone que se tornou sinônimo da Era de Ouro de Hollywood.
  • Os orçamentos mais baixos eram aparentes.
  • Muitos atores de teatro não tinham experiência anterior em cinema.
  • Os filmes originais costumavam ser de segunda categoria, já que os estúdios esperavam que as melhores produções fossem vendidas por conta própria.
  • A mistura de sotaques estrangeiros (castelhano, mexicano e chileno, por exemplo, no caso espanhol) foi estranha para o público.
  • Alguns mercados careciam de cinemas equipados com som.

Apesar disso, algumas produções como a versão espanhola de Drácula se comparam favoravelmente com o original. Em meados da década de 1930, a sincronização havia avançado o suficiente para que a dublagem se tornasse comum.

1913–1969: Cinema clássico de Hollywood e a Era de Ouro de Hollywood

O cinema clássico de Hollywood, ou a Era de Ouro de Hollywood, é definido como um estilo técnico e narrativo característico do cinema americano de 1913 a 1969, durante o qual milhares de filmes foram lançados nos estúdios de Hollywood. O estilo Clássico começou a surgir em 1913, foi acelerado em 1917 depois que os EUA entraram na Primeira Guerra Mundial e finalmente se solidificou quando o filme The Jazz Singer foi lançado em 1927, encerrando a era do cinema mudo e aumentando os lucros de bilheteria para a indústria cinematográfica. introdução do som em longas-metragens.

A maioria dos filmes de Hollywood aderiu estreitamente a uma fórmula – faroeste , comédia pastelão , musical , desenho animado , filme biográfico (imagem biográfica) – e as mesmas equipes criativas frequentemente trabalhavam em filmes feitos pelo mesmo estúdio. Por exemplo, Cedric Gibbons e Herbert Stothart sempre trabalharam em filmes da MGM , Alfred Newman trabalhou na 20th Century Fox por vinte anos, os filmes de Cecil B. De Mille foram quase todos feitos na Paramount e os filmes do diretor Henry King foram feitos principalmente para a 20th Century Fox .

Ao mesmo tempo, geralmente era possível adivinhar qual estúdio fez qual filme, principalmente por causa dos atores que apareceram nele; A MGM , por exemplo, afirmou ter contraído "mais estrelas do que há no céu". Cada ateliê tinha um estilo próprio e toques característicos que permitiam saber disso – traço que hoje raramente existe.

Por exemplo, To Have and Have Not (1944) é notável não apenas pela primeira dupla dos atores Humphrey Bogart (1899–1957) e Lauren Bacall (1924–2014), mas porque foi escrito por dois futuros vencedores do Prêmio Nobel em Literatura : Ernest Hemingway (1899–1961), autor do romance no qual o roteiro foi nominalmente baseado, e William Faulkner (1897–1962), que trabalhou na adaptação para a tela.

Depois que The Jazz Singer foi lançado em 1927, a Warner Bros. obteve grande sucesso e conseguiu adquirir sua própria cadeia de cinemas, depois de comprar os Stanley Theatres e a First National Productions em 1928. Em contraste, os cinemas de Loews eram donos da MGM desde sua formação em 1924, enquanto a Fox Film Corporation era dona do Fox Theatre . A RKO (uma fusão de 1928 entre Keith-Orpheum Theatres e a Radio Corporation of America ) também respondeu ao monopólio da Western Electric/ERPI sobre o som em filmes e desenvolveu seu próprio método, conhecido como Photophone , para colocar som em filmes.

A Paramount, que adquiriu Balaban e Katz em 1926, responderia ao sucesso da Warner Bros. e RKO, e também compraria vários cinemas no final dos anos 1920, e deteria o monopólio dos cinemas em Detroit, Michigan . Na década de 1930, quase todos os primeiros cinemas metropolitanos dos Estados Unidos pertenciam aos estúdios Big Five - MGM , Paramount Pictures , RKO , Warner Bros. e 20th Century Fox .

1927–1948: Ascensão e declínio do sistema de estúdio

Estúdios de cinema de Hollywood, 1922

As empresas cinematográficas operavam sob o sistema de estúdio . Os grandes estúdios mantinham milhares de pessoas com salário — atores, produtores, diretores, roteiristas, dublês, artesãos e técnicos. Eles possuíam ou alugavam Movie Ranches na zona rural do sul da Califórnia para filmagens de faroeste e outros filmes de gênero em larga escala, e os principais estúdios possuíam centenas de cinemas em cidades e vilas em todo o país em 1920, salas de cinema que exibiam seus filmes e que estavam sempre em cartaz. precisando de material novo.

Spencer Tracy foi o primeiro ator a ganhar o prêmio de Melhor Ator em dois anos consecutivos por seus papéis em Captains Courageous (1937) e Boys Town (1938) (e recebeu outras sete indicações).

Em 1930, o presidente do MPPDA, Will Hays, criou o Código Hays (de Produção) , que seguiu as diretrizes da censura e entrou em vigor depois que as ameaças de censura do governo se expandiram em 1930. No entanto, o código nunca foi aplicado até 1934, depois que a organização católica de vigilância The Legion of A decência - horrorizada com alguns dos filmes provocativos e propaganda chocante da época mais tarde classificada como pré-código de Hollywood - ameaçou um boicote aos filmes se não entrasse em vigor. Os filmes que não obtivessem o selo de aprovação do Production Code Administration tinham que pagar uma multa de $ 25.000 e não podiam lucrar nos cinemas, já que o MPPDA controlava todos os cinemas do país por meio dos estúdios Big Five.

Ao longo da década de 1930, assim como na maior parte da idade de ouro, a MGM dominou a tela do cinema e teve as principais estrelas de Hollywood, e também foi creditada por criar o sistema estelar de Hollywood . Algumas estrelas da MGM incluíram "King of Hollywood" Clark Gable , Lionel Barrymore , Jean Harlow , Norma Shearer , Greta Garbo , Joan Crawford , Jeanette MacDonald , Gene Raymond , Spencer Tracy , Judy Garland e Gene Kelly . Mas a MGM não estava sozinha.

Outra grande conquista do cinema americano nessa época veio por meio da empresa de animação de Walt Disney . Em 1937, Disney criou o filme de maior sucesso de sua época, Branca de Neve e os Sete Anões . Essa distinção foi prontamente superada em 1939, quando a Selznick International criou o que ainda é, quando ajustado pela inflação, o filme de maior sucesso de todos os tempos em E o Vento Levou .

Muitos historiadores do cinema comentaram sobre as muitas grandes obras do cinema que emergiram desse período de filmagem altamente regulamentado. Uma das razões pelas quais isso foi possível é que, com tantos filmes sendo feitos, nem todos precisavam ser um grande sucesso. Um estúdio poderia apostar em um longa de orçamento médio com um bom roteiro e atores relativamente desconhecidos: Cidadão Kane , dirigido por Orson Welles (1915–1985) e muitas vezes considerado o maior filme de todos os tempos , se encaixa nessa descrição. Em outros casos, diretores obstinados como Howard Hawks (1896–1977), Alfred Hitchcock (1899–1980) e Frank Capra (1897–1991) lutaram contra os estúdios para alcançar suas visões artísticas.

O apogeu do sistema de estúdio pode ter sido o ano de 1939, que viu o lançamento de clássicos como O Mágico de Oz , E o Vento Levou , Diligência , Mr. Smith Goes to Washington , Wuthering Heights , Only Angels Have Wings , Ninotchka e Meia-noite . Entre os outros filmes do período da Era de Ouro que hoje são considerados clássicos: Casablanca , It's a Wonderful Life , It Happened One Night , o King Kong original , Mutiny on the Bounty , Top Hat , City Lights , Red River , The Lady de Xangai , Rear Window , On the Waterfront , Rebel Without a Cause , Some Like It Hot e The Manchurian Candidate .

Porcentagem da população dos EUA que foi ao cinema em média, semanalmente, 1930–2000
Walt Disney apresenta cada um dos sete anões em uma cena do trailer original do filme Branca de Neve de 1937 .

O sistema de estúdio e a Era de Ouro de Hollywood sucumbiram a duas forças que se desenvolveram no final dos anos 1940:

Em 1938, Branca de Neve e os Sete Anões de Walt Disney foi lançado durante uma série de filmes medíocres dos grandes estúdios, e rapidamente se tornou o filme de maior bilheteria lançado até então. Embaraçosamente para os estúdios, foi um filme de animação produzido de forma independente que não apresentava nenhuma estrela contratada pelo estúdio. Isso alimentou a frustração já generalizada com a prática de block-booking , na qual os estúdios vendiam apenas a programação de um ano inteiro de filmes por vez para os cinemas e usavam o lock-in para cobrir lançamentos de qualidade medíocre.

O procurador-geral assistente Thurman Arnold — um notável " destruidor de confiança " do governo Roosevelt — aproveitou a oportunidade para iniciar um processo contra os oito maiores estúdios de Hollywood em julho de 1938 por violações da Lei Sherman Antitruste . O processo federal resultou em cinco dos oito estúdios (os "Cinco Grandes": Warner Bros. , MGM , Fox , RKO e Paramount ) chegando a um acordo com Arnold em outubro de 1940 e assinando um decreto de consentimento concordando em, dentro de três anos:

  • Elimine a reserva em bloco de assuntos de curta-metragem, em um arranjo conhecido como reserva em bloco de "uma tomada" ou "força total".
  • Elimine a reserva em bloco de mais de cinco recursos em seus cinemas.
  • Não se envolva mais em compras cegas (ou na compra de filmes por distritos de teatro sem ver os filmes de antemão) e, em vez disso, faça exibições comerciais , nas quais todos os 31 distritos de teatro nos EUA assistiriam a filmes a cada duas semanas antes de exibi-los nos cinemas.
  • Crie um conselho de administração em cada distrito teatral para fazer cumprir esses requisitos.

Os "Três Pequenos" ( Universal Studios , United Artists e Columbia Pictures ), que não possuíam nenhum cinema, se recusaram a participar do decreto de consentimento. Vários produtores de filmes independentes também ficaram insatisfeitos com o acordo e formaram um sindicato conhecido como Society of Independent Motion Picture Producers e processaram a Paramount pelo monopólio que ainda detinham sobre os teatros de Detroit - já que a Paramount também estava ganhando domínio por meio de atores como Bob Hope. , Paulette Goddard, Veronica Lake, Betty Hutton, cantor Bing Crosby, Alan Ladd e ator de longa data do estúdio Gary Cooper também - em 1942. Os estúdios Big Five não atenderam aos requisitos do Consentimento do Decreto durante a Segunda Guerra Mundial, sem grandes consequências, mas depois que a guerra acabou, eles se juntaram à Paramount como réus no caso antitruste de Hollywood, assim como os estúdios Little Three.

A Suprema Corte acabou decidindo que a propriedade dos grandes estúdios de cinemas e distribuição de filmes era uma violação da Lei Sherman Antitruste . Com isso, os estúdios começaram a liberar atores e equipe técnica de seus contratos com os estúdios. Isso mudou o paradigma da produção cinematográfica dos grandes estúdios de Hollywood, já que cada um poderia ter um elenco e uma equipe criativa totalmente diferentes.

A decisão resultou na perda gradual das características que tornavam os filmes Metro-Goldwyn-Mayer, Paramount Pictures, Universal Studios, Columbia Pictures, RKO Pictures e 20th Century Fox imediatamente identificáveis. Certos cineastas, como Cecil B. DeMille , permaneceram como artistas contratados até o final de suas carreiras ou usaram as mesmas equipes criativas em seus filmes, de modo que um filme de DeMille ainda parecesse um, independentemente de ter sido feito em 1932 ou 1956.

Além disso, o número de filmes produzidos anualmente caiu à medida que o orçamento médio disparou, marcando uma grande mudança na estratégia da indústria. Os estúdios agora visavam produzir entretenimento que não poderia ser oferecido pela televisão: produções espetaculares e grandiosas. Os estúdios também começaram a vender partes de suas bibliotecas de filmes teatrais para outras empresas venderem para a televisão. Em 1949, todos os grandes estúdios de cinema desistiram da propriedade de seus cinemas.

Isso foi complementado com a Decisão Milagrosa de 1952 no caso Joseph Burstyn Inc. v. Wilson , no qual a Suprema Corte dos Estados Unidos reverteu sua posição anterior, do caso Mutual Film Corporation v. as pinturas eram uma forma de arte e tinham direito à proteção da Primeira Emenda ; As leis dos Estados Unidos não podiam mais censurar filmes. Em 1968, com os estúdios de cinema tornando-se cada vez mais desafiadores de sua função de censura, a Motion Picture Association of America (MPAA) havia substituído o Código Hays – que agora era bastante violado após o fim da ameaça governamental de censura que justificava a origem do código – com o sistema de classificação de filmes.

1965–1983: New Hollywood e cinema pós-clássico

Diretor e produtor Steven Spielberg , co-fundador da DreamWorks Studios .

O cinema pós-clássico é a mudança dos métodos de contar histórias na Nova Hollywood. Argumentou-se que novas abordagens para o drama e a caracterização jogaram com as expectativas do público adquiridas no período clássico: a cronologia pode ser embaralhada, as histórias podem apresentar " finais de reviravolta " e as linhas entre o antagonista e o protagonista podem ser borradas. As raízes da narrativa pós-clássica podem ser vistas no filme noir , em Rebel Without a Cause (1955) e em Psycho , de Hitchcock .

A Nova Hollywood é o surgimento de uma nova geração de diretores formados em escolas de cinema que absorveram as técnicas desenvolvidas na Europa na década de 1960 como resultado da Nouvelle Vague francesa após a Revolução Americana; o filme Bonnie e Clyde de 1967 também marcou o início da recuperação do cinema americano, já que uma nova geração de filmes também faria sucesso nas bilheterias. Cineastas como Francis Ford Coppola , Steven Spielberg , George Lucas , Brian De Palma , Stanley Kubrick , Martin Scorsese , Roman Polanski e William Friedkin produziram filmes que homenagearam a história do cinema e se desenvolveram a partir de gêneros e técnicas existentes. Inaugurado pelo lançamento de 1969 de Blue Movie de Andy Warhol , o fenômeno dos filmes eróticos adultos sendo discutido publicamente por celebridades (como Johnny Carson e Bob Hope ), e levado a sério pela crítica (como Roger Ebert ), um desenvolvimento referido, por Ralph Blumenthal do The New York Times , como " porno chic ", e mais tarde conhecido como a Era de Ouro da Pornografia , começou, pela primeira vez, na cultura americana moderna. De acordo com o premiado autor Toni Bentley , o filme de Radley Metzger de 1976, The Opening of Misty Beethoven , baseado na peça Pygmalion de George Bernard Shaw (e seu derivado, My Fair Lady ), e devido a atingir um nível mainstream no enredo e conjuntos, é considerada a "jóia da coroa" desta ' Era de Ouro '.

No auge de sua fama no início dos anos 1970, Charles Bronson era a atração de bilheteria número 1 do mundo, arrecadando US$ 1 milhão por filme. Na década de 1970, os filmes dos cineastas da Nova Hollywood eram frequentemente aclamados pela crítica e bem-sucedidos comercialmente. Enquanto os primeiros filmes da Nova Hollywood, como Bonnie e Clyde e Easy Rider , foram casos de orçamento relativamente baixo com heróis amorais e aumento da sexualidade e da violência, o enorme sucesso de Friedkin com O Exorcista , Spielberg com Jaws , Coppola com O Poderoso Chefão e Apocalypse Now , Scorsese com Taxi Driver , Kubrick com 2001: A Space Odyssey , Polanski com Chinatown e Lucas com American Graffiti e Star Wars , respectivamente ajudaram a dar origem ao moderno " blockbuster " e induziram os estúdios a se concentrar cada vez mais na tentativa de produzir enormes sucessos.

A crescente indulgência desses jovens diretores não ajudou. Freqüentemente, eles ultrapassavam o cronograma e o orçamento, levando à falência a si mesmos ou ao estúdio. Os três exemplos mais notáveis ​​disso são Apocalypse Now e One From The Heart de Coppola e particularmente Heaven's Gate de Michael Cimino , que sozinho levou a United Artists à falência . No entanto, Apocalypse Now acabou recuperando seu dinheiro e ganhou amplo reconhecimento como uma obra-prima, ganhando a Palma de Ouro em Cannes .

1975–2008: Ascensão do blockbuster moderno e filmes independentes

ator Tom Hanks
Alguns dos heróis de ação de grande sucesso de Hollywood das décadas de 1970 a 2000. A partir da esquerda: (linha superior) Sylvester Stallone , Arnold Schwarzenegger , Bruce Willis , Steven Seagal (linha inferior) Dolph Lundgren , Jean-Claude Van Damme , Wesley Snipes , Jackie Chan .

Os épicos espetaculares que tiravam vantagem dos novos processos widescreen tornaram-se cada vez mais populares a partir da década de 1950. As décadas de 1980 e 1990 viram outro desenvolvimento significativo. A aceitação total do vídeo doméstico pelos estúdios abriu um vasto novo negócio a ser explorado. Filmes que podem ter tido um desempenho ruim em sua exibição teatral agora são capazes de obter sucesso no mercado de vídeo. Também viu surgir a primeira geração de cineastas com acesso a fitas de vídeo. Diretores como Quentin Tarantino e Paul Thomas Anderson puderam ver milhares de filmes e produzir filmes com um grande número de referências e conexões com trabalhos anteriores. Tarantino teve várias colaborações com o diretor Robert Rodriguez . Rodriguez dirigiu o filme de ação de 1992 El Mariachi , que foi um sucesso comercial depois de arrecadar $ 2 milhões contra um orçamento de $ 7.000.

Isso, junto com a explosão do cinema independente e os custos cada vez menores para a produção de filmes, mudou o cenário da produção cinematográfica americana mais uma vez e levou a um renascimento da produção cinematográfica entre as classes baixa e média de Hollywood - aqueles sem acesso a recursos financeiros de estúdio. Com a ascensão do DVD no século 21, os DVDs rapidamente se tornaram ainda mais lucrativos para os estúdios e levaram a uma explosão de cenas extras de embalagem, versões estendidas e faixas de comentários com os filmes.

Nos EUA, a classificação PG-13 foi introduzida em 1984 para acomodar filmes que se situavam na linha entre PG e R, devido principalmente às controvérsias em torno do conteúdo violento dos filmes PG Indiana Jones e o Templo da Perdição e Gremlins ( ambos de 1984).

Die Hard , de 1988 , estabeleceu o que se tornaria uma fórmula comum para muitos filmes de ação dos anos 1990, apresentando um homem comum solitário contra um personagem terrorista pitoresco, que geralmente mantém reféns, em um cenário isolado. Esses filmes e suas sequências são freqüentemente chamados de " Die Hard on a _____": Under Siege (encouraçado), Cliffhanger (montanha), Speed ​​(ônibus), The Rock (ilha prisão), Con Air (avião prisão), Força Aérea Um (avião presidencial), etc.

Os cineastas  da década de 1990 tiveram acesso a inovações tecnológicas, políticas e econômicas que não estavam disponíveis nas décadas anteriores. Dick Tracy (1990) tornou-se o primeiro longa-metragem em 35 mm com trilha sonora digital . Batman Returns (1992) foi o primeiro filme a fazer uso do som estéreo de seis canais Dolby Digital que desde então se tornou o padrão da indústria. As imagens geradas por computador foram muito facilitadas quando se tornou possível transferir imagens de filme para um computador e manipulá-las digitalmente. As possibilidades se tornaram aparentes em Terminator 2: Judgment Day (1991), do diretor James Cameron , em imagens do personagem que muda de forma T-1000 . A computação gráfica ou CG avançou a um ponto em que Jurassic Park (1993) foi capaz de usar as técnicas para criar animais de aparência realista. Jackpot (2001) se tornou o primeiro filme rodado inteiramente em digital. No filme Titanic , Cameron queria ultrapassar os limites dos efeitos especiais com seu filme e recrutou a Digital Domain e a Pacific Data Images para continuar os desenvolvimentos em tecnologia digital que o diretor foi pioneiro enquanto trabalhava em The Abyss e Terminator 2: Judgment Day . Muitos filmes anteriores sobre o RMS Titanic filmaram água em câmera lenta , o que não parecia totalmente convincente. Cameron encorajou sua tripulação a filmar sua miniatura de 14 m (45 pés) de comprimento do navio como se "estivéssemos fazendo um comercial para a White Star Line".

Indústria cinematográfica americana (1995–2017)
Todos os valores em bilhões
Ano Ingressos Receita
1995 1.22 $ 5,31
1996 1.31 $ 5,79
1997 1.39 $ 6,36
1998 1.44 $ 6,77
1999 1.44 $ 7,34
2000 1,40 $ 7,54
2001 1,48 $ 8,36
2002 1,58 $ 9,16
2003 1.52 $ 9,20
2004 1,50 US$ 9,29
2005 1.37 $ 8,80
2006 1,40 $ 9,16
2007 1.42 $ 9,77
2008 1.36 $ 9,75
2009 1.42 $ 10,64
2010 1.33 $ 10,48
2011 1.28 $ 10,17
2012 1,40 $ 11,16
2013 1.34 $ 10,89
2014 1.26 $ 10,27
2015 1.32 $ 11,16
2016 13h30 $ 11,26
2017 1.23 $ 10,99
Compilado por The Numbers

Mesmo The Blair Witch Project (1999), um filme de terror independente de baixo orçamento de Eduardo Sanchez e Daniel Myrick , foi um enorme sucesso financeiro. Filmado com um orçamento de apenas $ 35.000, sem grandes estrelas ou efeitos especiais, o filme arrecadou $ 248 milhões com o uso de modernas técnicas de marketing e promoção online. Embora não na escala do prequel de US$ 1 bilhão de George Lucas para a trilogia Star Wars , The Blair Witch Project ganhou a distinção de ser o filme mais lucrativo de todos os tempos, em termos de porcentagem bruta.

O sucesso de Blair Witch como um projeto independente permanece entre as poucas exceções, no entanto, e o controle dos estúdios The Big Five sobre  a produção de filmes continuou a aumentar na década de 1990. As Seis Grandes empresas desfrutaram de um período de expansão na década de 1990. Cada um deles desenvolveu maneiras diferentes de se ajustar aos custos crescentes da indústria cinematográfica, especialmente os salários crescentes das estrelas de cinema, impulsionados por agentes poderosos. As maiores estrelas como Sylvester Stallone , Russell Crowe , Tom Cruise , Nicole Kidman , Sandra Bullock , Arnold Schwarzenegger , Mel Gibson e Julia Roberts receberam entre US $ 15 e US $ 20 milhões por filme e, em alguns casos, até receberam uma parte dos lucros do filme.

Os roteiristas, por outro lado, geralmente recebiam menos do que os principais atores ou diretores, geralmente menos de US $ 1 milhão por filme. No entanto, o maior fator isolado impulsionando o aumento dos custos foram os efeitos especiais. Em 1999, o custo médio de um filme de grande sucesso era de US$ 60 milhões antes do marketing e da promoção, que custavam outros US$ 80 milhões. Desde então, os filmes americanos têm se dividido cada vez mais em duas categorias: sucessos de bilheteria e filmes independentes .

Os estúdios complementam esses filmes com produções independentes , feitas com pequenos orçamentos e muitas vezes independentemente da corporação do estúdio. Os filmes feitos dessa maneira geralmente enfatizam a alta qualidade profissional em termos de atuação, direção, roteiro e outros elementos associados à produção, e também à criatividade e inovação. Esses filmes geralmente contam com elogios da crítica ou marketing de nicho para angariar audiência. Por causa do baixo orçamento de um filme independente, um filme independente de sucesso pode ter uma alta relação lucro-custo, enquanto um fracasso incorrerá em perdas mínimas, permitindo que os estúdios patrocinem dezenas de tais produções, além de seus lançamentos de alto risco.

O cinema independente americano foi revitalizado no final dos anos 1980 e início dos anos 1990, quando outra nova geração de cineastas, incluindo Spike Lee , Steven Soderbergh , Kevin Smith e Quentin Tarantino fizeram filmes como, respectivamente: Do the Right Thing , Sex, Lies e Videotape , Clerks e cães de reserva . Em termos de direção, roteiro, edição e outros elementos, esses filmes eram inovadores e muitas vezes irreverentes, brincando e contradizendo as convenções dos filmes de Hollywood. Além disso, seus consideráveis ​​sucessos financeiros e cruzamento na cultura popular restabeleceram a viabilidade comercial do filme independente. Desde então, a indústria cinematográfica independente tornou-se mais claramente definida e mais influente no cinema americano. Muitos dos grandes estúdios capitalizaram isso desenvolvendo subsidiárias para produzir filmes semelhantes; por exemplo, Fox Searchlight Pictures .

A essa altura, Harvey Weinstein era um jogador poderoso de Hollywood, encomendando filmes aclamados pela crítica, como Shakespeare in Love , Good Will Hunting e o vencedor do Oscar The English Patient . Sob TWC Weinstein lançou quase uma cadeia ininterrupta de filmes de sucesso. Os vencedores de Melhor Filme O Artista e O Discurso do Rei foram lançados sob a comissão de Weinstein.

Hollywood Boulevard do Dolby Theatre , antes de 2006

A década de 2000 envolveu muitos desenvolvimentos significativos nas indústrias cinematográficas em todo o mundo, especialmente na tecnologia utilizada. Com base nos desenvolvimentos da década de 1990, os computadores foram usados ​​para criar efeitos que antes seriam mais caros, desde o apagamento sutil das ilhas vizinhas em Náufrago (deixando o personagem de Tom Hanks perdido sem nenhuma outra terra à vista) até as vastas cenas de batalha. como os das sequências de Matrix e 300 .

Os anos 2000 viram o ressurgimento de vários gêneros. As franquias de filmes de fantasia dominaram as bilheterias com O Senhor dos Anéis , Harry Potter , Piratas do Caribe , a trilogia prequela de Star Wars ( começando em 1999), As Crônicas de Nárnia , etc. os lançamentos de Blade , X-Men , Unbreakable e Spider-Man . Gladiator também provocou o renascimento de filmes épicos , enquanto o Moulin Rouge! inspirado em Bollywood ! fez o mesmo para filmes musicais . A animação por computador substituiu a animação tradicional como o meio dominante para longas-metragens de animação no cinema americano. Embora Hollywood ainda produza alguns filmes para o público familiar, principalmente animações, a grande maioria dos filmes é voltada principalmente para o público jovem adulto .

2008–presente: Cinema contemporâneo

Desde o final dos anos 2000, o mercado teatral tem sido dominado pelo gênero super-herói , particularmente desde o surgimento do Universo Cinematográfico Marvel (2008-presente) e do Universo Estendido DC (2013-presente). Em 2022, eles são as produções mais bem pagas para atores, porque os contracheques em outros gêneros diminuíram até mesmo para os principais atores.

Em 2020, o filme de fantasia de 2019 Frozen II foi originalmente planejado para ser lançado no Disney + em 26 de junho de 2020, antes de ser transferido para 15 de março. O CEO da Disney, Bob Chapek , explicou que isso ocorreu por causa dos "temas poderosos de perseverança" do filme. e a importância da família, mensagens de extrema relevância". Em 16 de março de 2020, a Universal anunciou que The Invisible Man , The Hunt e Emma - todos os filmes nos cinemas na época - estariam disponíveis por meio de vídeo premium sob demanda já em 20 de março a um preço sugerido de US $ 19,99 cada. Depois de sofrer uma bilheteria ruim desde seu lançamento no início de março, Onward foi disponibilizado para compra digital em 21 de março e foi adicionado ao Disney + em 3 de abril. A Paramount anunciou em 20 de março que Sonic the Hedgehog também planeja ter uma estreia antecipada. lançamento para vídeo sob demanda, em 31 de março. Em 16 de março, a Warner Bros. anunciou que Birds of Prey seria lançado antecipadamente para vídeo sob demanda em 24 de março . livro de mesmo nome, iria direto para Disney + em 12 de junho, pulando totalmente o lançamento nos cinemas.

Em 2021, apesar da pandemia de COVID-19 nos Estados Unidos , os estúdios que produziram vários filmes como Black Widow , F9 , Death on the Nile e West Side Story foram forçados a adiar ou atrasar seus lançamentos para depois de 2020.

Vários estúdios responderam à crise com decisões controversas de renunciar à janela do cinema e dar a seus filmes lançamentos no dia e na data . A NBCUniversal lançou Trolls World Tour diretamente para aluguel de vídeo sob demanda em 10 de abril, ao mesmo tempo em que recebia exibições teatrais domésticas limitadas em cinemas drive-in; O CEO Jeff Shell afirma que o filme alcançou quase US $ 100 milhões em receita nas primeiras três semanas. A decisão foi contestada pela AMC Theatres , que então anunciou que suas exibições de filmes da Universal Pictures cessariam imediatamente, embora as duas empresas acabassem concordando com uma janela teatral de 2 semanas. Em dezembro de 2020, a Warner Bros. Pictures anunciou sua decisão de lançar simultaneamente sua lista de filmes de 2021 em ambos os cinemas e seu site de streaming HBO Max por um período de um mês para maximizar a audiência. A mudança foi veementemente criticada por várias figuras da indústria, muitas das quais não foram informadas da decisão antes do anúncio e se sentiram enganadas pelo estúdio.

Comentaristas da indústria notaram o crescente tratamento de filmes como " conteúdo " por corporações que se correlacionam com o surgimento de plataformas de streaming como Netflix , Disney+ , Paramount+ e Apple TV+ . Isso envolve a diluição das fronteiras entre filmes, televisão e outras formas de mídia, à medida que mais pessoas os consomem juntos de várias maneiras, com filmes individuais definidos mais por sua identidade de marca e potencial comercial do que por seu meio, histórias e arte. O crítico Matt Zoller Seitz descreveu o lançamento de Avengers: Endgame em 2019 como "representando a derrota decisiva do 'cinema' pelo 'conteúdo'" devido ao seu grande sucesso como uma "peça de entretenimento" definida pela marca Marvel que culmina uma série de filmes de grande sucesso que tem traços de televisão seriada. Os filmes Space Jam: A New Legacy e Red Notice foram citados como exemplos desse tratamento, com o primeiro sendo descrito por muitos críticos como "um longo infomercial para HBO Max", apresentando cenas e personagens que lembram várias propriedades da Warner Bros., como Casablanca , The Matrix e Austin Powers , enquanto o último é um filme de roubo de US $ 200 milhões da Netflix que os críticos descreveram como "um filme que parece mais processado por uma máquina [...] em vez de qualquer intenção artística ou mesmo um desejo honesto de entreter ." Alguns expressaram que o Space Jam demonstra o tratamento cada vez mais cínico da indústria aos filmes como mera propriedade intelectual (IP) a ser explorada, uma abordagem que o crítico Scott Mendelson chamou de "IP por causa da IP".

Hollywood e política

81ª Apresentações do Oscar , Dolby Theatre , Hollywood, 2009

Na década de 1930, os democratas e os republicanos viram dinheiro em Hollywood. O presidente Franklin Roosevelt viu uma grande parceria com Hollywood. Ele usou o primeiro potencial real das estrelas de Hollywood em uma campanha nacional. Melvyn Douglas viajou por Washington em 1939 e conheceu os principais New Dealers.

endossos políticos

Cartas de endosso de atores principais foram assinadas, aparições no rádio e anúncios impressos foram feitos. Estrelas de cinema foram usadas para atrair um grande público para a visão política do partido. Na década de 1960, John F. Kennedy era um novo rosto jovem para Washington, e sua forte amizade com Frank Sinatra exemplificava essa nova era de glamour. Os últimos magnatas de Hollywood se foram e os executivos e produtores mais jovens começaram a promover ideias mais liberais .

Celebridades e dinheiro atraíram políticos para o estilo de vida luxuoso e brilhante de Hollywood. Como Ron Brownstein escreveu em seu livro The Power and the Glitter , a televisão nas décadas de 1970 e 1980 foi uma nova mídia extremamente importante na política e Hollywood ajudou nessa mídia com atores fazendo discursos sobre suas crenças políticas, como Jane Fonda contra a Guerra do Vietnã. Apesar da maioria das celebridades e produtores serem de esquerda e tenderem a apoiar o Partido Democrata , esta era produziu alguns atores e produtores republicanos . O ex-ator Ronald Reagan tornou-se governador da Califórnia e, posteriormente, tornou-se o 40º presidente dos Estados Unidos . Continuou com Arnold Schwarzenegger como governador da Califórnia em 2003 .

Doações políticas

Hoje, as doações de Hollywood ajudam a financiar a política federal. Em 20 de fevereiro de 2007, por exemplo, o então candidato presidencial democrata Barack Obama teve uma gala de $ 2.300 por prato em Hollywood, sendo apresentada pelos fundadores da DreamWorks David Geffen , Jeffrey Katzenberg e Steven Spielberg no Beverly Hilton.

Críticas

Publicidade encoberta

A publicidade nativa é uma informação projetada para persuadir de maneiras mais sutis do que a propaganda clássica . Um exemplo moderno comum nos Estados Unidos é a copaganda , na qual os programas de TV exibem retratos irrealisticamente lisonjeiros da aplicação da lei, em parte para emprestar equipamentos e obter sua ajuda no bloqueio de ruas para filmar com mais facilidade no local. Outras acusações de lavagem de reputação foram levantadas na indústria do entretenimento, incluindo o polimento da imagem da máfia.

A colocação de produtos também tem sido um ponto de crítica, com a indústria do tabaco promovendo o fumo na tela. Os Centros de Controle de Doenças citam que 18% dos fumantes adolescentes não começariam a fumar se os filmes com fumo recebessem automaticamente uma classificação 'R', o que salvaria 1 milhão de vidas.

Censura

Os produtores de Hollywood geralmente procuram cumprir os requisitos de censura do governo chinês em uma tentativa de acessar o restrito e lucrativo mercado de cinema do país, com a segunda maior bilheteria do mundo em 2016. Isso inclui priorizar representações simpáticas de personagens chineses em filmes, como mudar os vilões em Red Dawn de chineses para norte-coreanos. Devido a muitos tópicos proibidos na China, como Dalai Lama e Winnie-the-Pooh envolvidos no episódio " Band in China " de South Park , South Park foi totalmente banido na China após a transmissão do episódio. O filme de 2018, Christopher Robin , o novo filme do Ursinho Pooh, teve seu lançamento negado na China.

Embora o Tibete fosse anteriormente uma cause célèbre em Hollywood, aparecendo em filmes como Kundun e Seven Years in Tibet , no século 21 esse não é mais o caso. Em 2016, a Marvel Entertainment atraiu críticas por sua decisão de escalar Tilda Swinton como "A Anciã" na adaptação cinematográfica Doutor Estranho , usando uma mulher branca para interpretar um personagem tradicionalmente tibetano. O ator e importante apoiador do Tibete, Richard Gere, afirmou que não era mais bem-vindo para participar de filmes convencionais de Hollywood depois de criticar o governo chinês e pedir um boicote aos Jogos Olímpicos de 2008 em Pequim.

exemplos históricos

Hollywood também autocensurou quaisquer representações negativas de nazistas durante a maior parte da década de 1930, a fim de manter o acesso ao público alemão. Naquela época, a censura econômica resultou na autocensura do conteúdo para agradar o grupo que exercia sua influência econômica. O Código Hays foi um esforço liderado pela indústria de 1930-1967 para autocensura estrita, a fim de apaziguar as objeções religiosas a determinado conteúdo e evitar qualquer censura do governo que pudesse resultar.

hollywood mundial

O Teatro Chinês antes de 2007
Teatro El Capitan
Entrada principal do Teatro Egípcio

Os pesquisadores da economia política da comunicação há muito se concentram na presença internacional ou global, poder, lucratividade e popularidade dos filmes de Hollywood. Livros sobre Hollywood global de Toby Miller e Richard Maxwell, Janet Wasko e Mary Erickson, Kerry Segrave, John Trumpbour e Tanner Mirrlees examinam a economia política internacional do poder de Hollywood.

De acordo com Tanner Mirrlees, Hollywood conta com quatro estratégias capitalistas "para atrair e integrar produtores, exibidores e audiências de filmes não americanos em seu âmbito: propriedade, produções transfronteiriças com provedores de serviços subordinados, acordos de licenciamento de conteúdo com exibidores e sucessos de bilheteria projetados para viajar pelo globo."

Em 1912, as empresas cinematográficas americanas estavam amplamente imersas na competição pelo mercado doméstico. Foi difícil satisfazer a enorme demanda por filmes criada pelo boom da Nickelodeon . Os membros da Motion Picture Patents Company , como Edison Studios , também procuraram limitar a concorrência de filmes franceses, italianos e outros importados. A exportação de filmes, então, tornou-se lucrativa para essas empresas. A Vitagraph Studios foi a primeira empresa americana a abrir seus próprios escritórios de distribuição na Europa, estabelecendo uma filial em Londres em 1906 e uma segunda filial em Paris logo depois.

Outras empresas americanas também estavam entrando em mercados estrangeiros, e a distribuição americana no exterior continuou a se expandir até meados da década de 1920. Originalmente, a maioria das empresas vendia seus filmes indiretamente. No entanto, como eram inexperientes no comércio exterior, eles simplesmente venderam os direitos estrangeiros de seus filmes para empresas de distribuição estrangeiras ou agentes de exportação. Gradualmente, Londres tornou-se um centro de circulação internacional de filmes americanos.

Muitas empresas britânicas obtiveram lucro atuando como agentes desse negócio e, ao fazê-lo, enfraqueceram a produção britânica ao transferir grande parte do mercado do Reino Unido para filmes americanos. Em 1911, aproximadamente 60 a 70% dos filmes importados para a Grã-Bretanha eram americanos. Os Estados Unidos também estavam indo bem na Alemanha, Austrália e Nova Zelândia.

Mais recentemente, à medida que a globalização começou a se intensificar e o governo dos Estados Unidos tem promovido ativamente agendas de livre comércio e comércio de produtos culturais, Hollywood tornou-se uma fonte cultural mundial. O sucesso nos mercados de exportação de Hollywood pode ser conhecido não apenas pelo boom das empresas de mídia multinacionais americanas em todo o mundo, mas também pela capacidade única de fazer filmes de grande orçamento que atraem fortemente o gosto popular em muitas culturas diferentes.

Com a globalização, a produção de filmes se concentrou em Hollywood por vários motivos: os Estados Unidos têm o maior mercado interno em termos de dólares, os filmes divertidos e altamente visíveis de Hollywood têm apelo global e o papel do inglês como língua universal contribui para compensar a maiores custos fixos de produção.

Hollywood entrou mais profundamente nos mercados chineses, embora influenciado pela censura chinesa. Os filmes feitos na China são censurados, evitando estritamente temas como "fantasmas, violência, assassinato, horror e demônios". Esses elementos da trama correm o risco de serem cortados. Hollywood teve que fazer filmes "aprovados", correspondentes aos padrões oficiais chineses, mas com padrões estéticos sacrificados aos lucros de bilheteria. Até o público chinês achava chato esperar pelo lançamento de grandes filmes americanos dublados em sua língua nativa.

papel das mulheres

Meryl Streep é citada como uma das mulheres mais influentes de Hollywood e Katharine Hepburn recebeu quatro Oscars de Melhor Atriz - um recorde para qualquer artista.

A representação das mulheres no cinema tem sido considerada um problema quase desde que o cinema se tornou uma indústria. As representações femininas foram criticadas como dependentes de outros personagens, figuras maternais e domésticas que ficam em casa, excessivamente emocionais e confinadas a empregos de baixo status quando comparadas a personagens masculinos empreendedores e ambiciosos. Com isso, as mulheres são sub-representadas e continuamente elencadas e presas em estereótipos de gênero.

As mulheres estão estatisticamente sub-representadas em cargos criativos no centro da indústria cinematográfica dos EUA, Hollywood. Essa sub-representação foi chamada de " teto de celulóide ", uma variante do termo de discriminação no emprego " teto de vidro ". Em 2013, os "atores mais bem pagos ... fizeram 2+12 vezes mais dinheiro do que as atrizes mais bem pagas. aos 34 anos, enquanto as estrelas masculinas ganham mais aos 51."

O Celluloid Ceiling Report de 2013 conduzido pelo Centro para o Estudo de Mulheres na Televisão e Cinema da Universidade Estadual de San Diego coletou uma lista de estatísticas coletadas de "2.813 indivíduos empregados pelos 250 filmes de maior bilheteria doméstica de 2012".

As mulheres representaram apenas 36% dos personagens principais do cinema em 2018 - uma queda de 1% em relação aos 37% registrados em 2017. Em 2019, esse percentual aumentou para 40%. As mulheres representam 51% dos espectadores. No entanto, quando se trata de cargos importantes como diretor e diretor de fotografia, os homens continuam a dominar. Para as indicações ao Oscar, apenas cinco mulheres já foram indicadas para Melhor Diretor, mas nenhuma ganhou nessa categoria nos últimos 92 anos. Embora a representação feminina tenha melhorado, ainda há trabalho a ser feito no que diz respeito à diversidade entre essas mulheres. A porcentagem de personagens femininas negras passou de 16% em 2017 para 21% em 2018. A representatividade de atrizes latinas, no entanto, caiu para 4% no ano passado, três pontos percentuais abaixo dos 7% alcançados em 2017.

As mulheres representam:

  • "18% de todos os diretores, produtores executivos, produtores, escritores, diretores de fotografia e editores. Isso não refletiu nenhuma mudança em relação a 2011 e apenas um aumento de 1% em relação a 1998."
  • "9% de todos os diretores."
  • "15% dos escritores."
  • "25% de todos os produtores."
  • "20% de todos os editores."
  • "2% de todos os diretores de fotografia."
  • "38% dos filmes empregavam 0 ou 1 mulher nos papéis considerados, 23% empregavam 2 mulheres, 28% empregavam 3 a 5 mulheres e 10% empregavam 6 a 9 mulheres."

Um artigo do New York Times afirmou que apenas 15% dos principais filmes de 2013 tinham mulheres como protagonistas. O autor do estudo observou que "a porcentagem de papéis femininos com fala não aumentou muito desde a década de 1940, quando girava em torno de 25% a 28%". "Desde 1998, a representação feminina em papéis de bastidores, além de dirigir, aumentou apenas 1%." As mulheres "dirigiram a mesma porcentagem dos 250 filmes de maior bilheteria em 2012 (9 por cento) do que em 1998".

Raça e etnia

Michael Peña foi o mestre de cerimônias da entrada do Movimento dos Trabalhadores Agrícolas no Hall da Fama do Trabalho e inauguração do Auditório do Memorial Cesar E. Chavez no Departamento do Trabalho dos EUA em março de 2012. Durante esse período, ele foi escalado para o Filme César Chávez .

Em 10 de maio de 2021, a NBC anunciou que não iria transmitir o 79º Golden Globe Awards em 2022, em apoio a um boicote ao HFPA por várias empresas de mídia devido a esforços inadequados para lidar com a falta de representação da diversidade entre os membros da associação com pessoa . de cor , mas que estaria aberto para televisionar a cerimônia em 2023 se o HFPA tivesse sucesso em seus esforços de reforma.

Desde os últimos dias da indústria cinematográfica, as representações em celulóide de irlandeses americanos têm sido abundantes. Filmes com temas irlandeses-americanos incluem dramas sociais como Little Nellie Kelly e The Cardinal , épicos trabalhistas como On the Waterfront e filmes de gângsteres como Angels with Dirty Faces , The Friends of Eddie Coyle e The Departed . Embora a era clássica do cinema americano seja dominada predominantemente por pessoas caucasianas na frente e atrás das câmeras, minorias e pessoas de cor conseguiram abrir seus próprios caminhos para colocar seus filmes na tela.

O cinema americano muitas vezes refletiu e propagou estereótipos negativos em relação a estrangeiros e minorias étnicas. Por exemplo, russos e russos-americanos geralmente são retratados como mafiosos brutais, agentes implacáveis ​​e vilões. De acordo com a professora russo-americana Nina L. Khrushcheva , "Você não pode nem ligar a TV e ir ao cinema sem se referir aos russos como horríveis". Italianos e ítalo-americanos geralmente são associados ao crime organizado e à máfia . Hispânicos e latino-americanos são amplamente retratados como figuras sexualizadas, como o macho latino ou a megera latina , membros de gangues , imigrantes (ilegais) ou artistas . No entanto, a representação em Hollywood aumentou nos últimos tempos, ganhando impulso notável na década de 1990 e não enfatiza a opressão, a exploração ou a resistência como temas centrais. Segundo Ramírez Berg, os filmes da terceira onda "não acentuam a opressão ou a resistência chicana ; a etnia nesses filmes existe como um fato entre vários que moldam a vida dos personagens e marcam suas personalidades". Cineastas como Edward James Olmos e Robert Rodriguez foram capazes de representar a experiência dos hispânicos e latino-americanos como ninguém havia feito antes na tela, e atores como Hilary Swank , Jordana Brewster , Jessica Alba , Camilla Belle , Al Madrigal , Alexis Bledel , Alexa PenaVega , Ana de Armas e Rachel Zegler fizeram sucesso. Na última década, cineastas minoritários como Chris Weitz , Alfonso Gomez-Rejon e Patricia Riggen receberam narrativas aplicadas. Os primeiros retratos em filmes deles incluem La Bamba (1987), Selena (1997), A Máscara do Zorro (1998), Gol II (2007), Ao Mar (2018), Pai da Noiva (2022) e Real de Josefina López Women Have Curves , originalmente uma peça que estreou em 1990 e mais tarde foi lançada como filme em 2002.

A representação afro-americana em Hollywood melhorou drasticamente no final do século 20, após a queda do sistema de estúdio, pois cineastas como Spike Lee e John Singleton foram capazes de representar a experiência afro-americana como ninguém havia feito antes na tela, enquanto atores como Halle Berry e Will Smith se tornaram grandes sucessos de bilheteria. Nas últimas décadas, cineastas minoritários como Ryan Coogler , Ava DuVernay e F Gary Gray receberam as rédeas criativas de grandes produções de sustentação. Na velha Hollywood, quando os preconceitos raciais eram socialmente aceitos, não era incomum que atores brancos usassem rostos negros . Em Moonlight , a masculinidade é retratada como rígida e agressiva, entre o comportamento de jovens negros do grupo adolescente de Chiron. A expressão da hipermasculinidade entre os homens negros tem sido associada à aceitação pelos pares e à comunidade. Ser homossexual dentro da comunidade negra, por outro lado, tem sido associado à alienação social e ao julgamento homofóbico por parte dos colegas, porque os gays negros são vistos como fracos ou efeminados. No filme, Chiron é colocado nessa divisão como um gay negro e altera sua apresentação da masculinidade como uma estratégia para evitar o ridículo porque a homossexualidade é vista como incompatível com as expectativas masculinas negras. Quando criança, Kevin esconde sua sexualidade para evitar ser escolhido como Quíron. À medida que Chiron envelhece, ele reconhece a necessidade de se conformar a um ideal heteronormativo de masculinidade negra para evitar abusos e homofobia. Quando adulto, Quíron escolhe abraçar o desempenho estereotipado do gênero masculino negro, tornando-se musculoso e traficante de drogas.

encruzilhada do mundo

De acordo com o ator coreano-americano Daniel Dae Kim , os homens asiáticos e asiático-americanos "têm sido retratados como vilões inescrutáveis ​​e uma espécie de eunucos assexuados". Visto como extremamente educado e sumbissivo. A Media Action Network para asiático-americanos acusou o diretor e o estúdio de branquear o elenco do filme Aloha , e Crowe se desculpou por Emma Stone ter sido mal interpretada como uma personagem que deveria ser descendente de um quarto de chinês e um quarto de havaiano. Ao longo do século 20, os papéis de atuação no cinema eram relativamente poucos, e muitos papéis disponíveis eram de personagens limitados. Mais recentemente, jovens comediantes e cineastas asiático-americanos encontraram uma saída no YouTube , permitindo-lhes ganhar uma base de fãs forte e leal entre seus colegas asiático-americanos. Embora mais recentemente o filme Crazy Rich Asians tenha sido elogiado nos Estados Unidos por apresentar um elenco predominantemente asiático, ele foi criticado em outros lugares por escalar atores birraciais e não chineses como personagens etnicamente chineses. Outro filme, Always Be My Maybe , que foi elogiado recentemente, usa batidas familiares de rom-com e habilmente coloca camadas em comentários sociais inteligentes para encontrar seu próprio ritmo doce." de acordo com o Rotten Tomatoes

Antes do 11 de setembro, árabes e árabes americanos eram frequentemente retratados como terroristas . A decisão de contratar Naomi Scott , no filme Aladdin , filha de pai inglês e mãe gujarati ugandense-indiana , para interpretar a protagonista da princesa Jasmine , também atraiu críticas, bem como acusações de colorismo , já que alguns comentaristas esperavam a papel para ir para uma atriz de origem árabe ou do Oriente Médio. Em janeiro de 2018, foi noticiado que extras brancos estavam sendo aplicados maquiagem marrom durante as filmagens para "se misturar", o que causou protestos e condenação entre fãs e críticos, classificando a prática como "um insulto a toda a indústria" enquanto acusa os produtores de não recrutar pessoas com herança do Oriente Médio ou Norte da África. A Disney respondeu à controvérsia dizendo: "A diversidade de nosso elenco e artistas de fundo era um requisito e apenas em alguns casos, quando se tratava de habilidades especiais, segurança e controle (equipamentos de efeitos especiais, dublês e manejo de animais) foram tripulação composta para se misturar." O campo da comédia americana inclui muitos judeus . O legado também inclui compositores e autores, por exemplo, o autor da música "Viva Las Vegas" Doc Pomus, ou o compositor de Billy the Kid Aaron Copland. Muitos judeus têm estado na vanguarda das questões femininas.

No século 20, as primeiras representações de nativos americanos em filmes e papéis na televisão foram realizadas pela primeira vez por europeus americanos vestidos com trajes tradicionais simulados. Exemplos incluem The Last of the Mohicans (1920), Hawkeye and the Last of the Mohicans (1957) e F Troop (1965–67). Nas décadas posteriores, atores nativos americanos como Jay Silverheels na série de televisão The Lone Ranger (1949–57) ganharam destaque. Os papéis dos nativos americanos eram limitados e não refletiam a cultura nativa americana. Na década de 1970, alguns papéis de filmes de nativos americanos começaram a mostrar mais complexidade, como os de Little Big Man (1970), Billy Jack (1971) e The Outlaw Josey Wales (1976), que retratavam nativos americanos em papéis coadjuvantes menores.

Condições de trabalho

O fluxo de trabalho de Hollywood é único porque grande parte de sua força de trabalho não se reporta à mesma fábrica todos os dias, nem segue a mesma rotina dia após dia, mas filma em locações distantes ao redor do mundo, com uma programação ditada pelas cenas sendo filmado em vez do que faz mais sentido para a produtividade. Por exemplo, um filme urbano rodado inteiramente em locações à noite exigiria que a maior parte de suas equipes trabalhasse no turno da noite, enquanto uma série de comédia situacional que roda principalmente no palco com apenas um ou dois dias por semana no local seguiria um método mais tradicional. horário de trabalho. Os faroestes costumam ser filmados em locais desérticos, longe das casas da equipe, em áreas com hotéis limitados que exigem longas viagens antes e depois de um dia de filmagem, que aproveitam o máximo de horas de luz solar disponíveis, exigindo que os trabalhadores coloquem 16 ou 17 horas por dia, desde o momento em que saem de casa até o momento em que retornam.

Embora o papel do trabalho na América tenha diminuído em muitas partes do país, os sindicatos mantiveram um controle firme em Hollywood desde seu início durante a Grande Depressão, quando os trabalhadores faziam fila do lado de fora dos prósperos estúdios de cinema em busca do único emprego na cidade. Condições terríveis aguardavam esses trabalhadores enquanto os estúdios exploravam a força de trabalho ansiosa com salários escassos e a sempre presente ameaça de centenas de outros esperando do lado de fora dos portões para substituí-los se eles expressassem alguma reclamação.

Devido à natureza casual do emprego em Hollywood, é apenas por meio de negociação coletiva que os trabalhadores individuais podem expressar seus direitos a garantias de salário mínimo e acesso a planos de pensão e saúde que transitam de filme para filme ou série de TV para série de TV e oferecem aos estúdios acesso a uma força de trabalho treinada capaz de entrar em um set no primeiro dia com o conhecimento e a experiência para lidar com o equipamento altamente técnico que eles devem operar.

A maioria dos trabalhadores de Hollywood é representada por vários sindicatos e associações. Os 150.000 membros da International Alliance of Theatrical Stage Employees (IATSE) representam a maioria dos ofícios , como os cabos, eletricistas e câmeras, bem como editores, engenheiros de som e cabeleireiros e maquiadores. O Screen Actors Guild (SAG) é o segundo maior grupo representando cerca de 130.000 atores e performers, o Directors Guild of America (DGA) representa os diretores e gerentes de produção, o Writers Guild of America (WGA) representando escritores e a International Brotherhood of Teamsters (IBT) representa os motoristas.

Os sindicatos e associações servem como unidade de negociação coletiva para seus membros, negociando em intervalos regulares (a maioria atualmente em contratos de 3 anos) com a Alliance of Motion Picture and Television Producers (AMPTP), uma aliança comercial que representa os estúdios de cinema e as redes de televisão que contratar as equipes para criar seu conteúdo.

Embora a relação entre trabalho e administração tenha sido geralmente amigável ao longo dos anos, trabalhando em conjunto com o estado para desenvolver protocolos seguros para continuar trabalhando durante o Covid-19 e fazendo lobby em favor de incentivos fiscais , sabe-se que as negociações contratuais são controversas em relação às mudanças. na indústria e como resposta à crescente desigualdade de renda . O relacionamento até se tornou sangrento em 1945, quando uma greve de seis meses dos decoradores de set se transformou em uma confusão sangrenta em um dia sufocante de outubro entre grevistas, fura-greves, fura-greves e seguranças do estúdio.

Veja também

Em geral

Referências

Notas

Leitura adicional

  • Hallett, Hilary A. Vá para o Oeste, Moças! A ascensão do início de Hollywood . Berkeley, CA: University of California Press, 2013.
  • Ragan, David. Quem é quem em Hollywood, 1900–1976 . New Rochelle, NY: Arlington House, 1976. Eu estava pensando em

links externos