Annie Hall -Annie Hall

Annie Hall
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Pôster de lançamento teatral
Dirigido por Woody Allen
Escrito por Woody Allen
Marshall Brickman
Produzido por Charles H. Joffe
Jack Rollins (sem créditos)
Estrelando
Cinematografia Gordon Willis
Editado por Ralph Rosenblum
Wendy Greene Bricmont
Música por Veja a trilha sonora
produção
empresa
Distribuído por Artistas Unidos
Data de lançamento
Tempo de execução
93 minutos
País Estados Unidos
línguas Inglês
alemão
Despesas $ 4 milhões
Bilheteria $ 38,3 milhões

Annie Hall é uma comédia-drama romântica satírica americana de 1977dirigida por Woody Allen a partir de um roteiro que ele co-escreveu com Marshall Brickman e produzido pelo empresário de Allen, Charles H. Joffe . O filme é estrelado por Allen como Alvy Singer, que tenta descobrir os motivos do fracasso de seu relacionamento com a protagonista feminina de mesmo nome, interpretada por Diane Keaton em um papel escrito especificamente para ela.

A fotografia principal do filme começou em 19 de maio de 1976, no South Fork de Long Island , e continuou periodicamente pelos dez meses seguintes. Allen descreveu o resultado, que marcou sua primeira colaboração com o cineasta Gordon Willis , como "um grande ponto de inflexão", na medida em que, ao contrário das farsas e comédias que foram seu trabalho até então, introduziu um novo nível de seriedade. Os acadêmicos notaram o contraste nos ambientes da cidade de Nova York e Los Angeles, o estereótipo das diferenças de gênero na sexualidade, a apresentação da identidade judaica e os elementos da psicanálise e do modernismo .

Annie Hall foi exibida no Festival de Cinema de Los Angeles em 27 de março de 1977, antes de seu lançamento oficial nos Estados Unidos em 20 de abril de 1977. O filme foi muito elogiado, foi indicado ao Big Five Academy Awards , ganhando quatro: a Academia Prêmio de Melhor Filme , dois de Allen ( Melhor Diretor e, com Brickman, Melhor Roteiro Original ) e Melhor Atriz por Keaton. O filme também ganhou quatro prêmios BAFTA e um Globo de Ouro , este último concedido a Keaton. A bilheteria norte-americana do filme, de US $ 38.251.425, é a quarta melhor das obras de Allen quando não ajustada pela inflação.

Considerado um dos melhores filmes de todos os tempos , ocupa o 31º lugar na Lista dos maiores filmes do cinema americano da AFI , o 4º na lista dos maiores filmes de comédia e 28º na lista dos "100 filmes mais engraçados" da Bravo. O crítico de cinema Roger Ebert chamou-o de "o filme favorito de Woody Allen de todos". O roteiro do filme também foi eleito o mais engraçado já escrito pelo Writers Guild of America em sua lista dos "101 Roteiros Mais Engraçados". Em 1992, a Biblioteca do Congresso dos Estados Unidos selecionou o filme para preservação no National Film Registry como sendo "cultural, histórica ou esteticamente significativo".

Enredo

O comediante Alvy Singer está tentando entender por que seu relacionamento com Annie Hall terminou há um ano. Tendo crescido no Brooklyn, ele irritou sua mãe com perguntas impossíveis sobre o vazio da existência, mas foi precoce com sua curiosidade sexual inocente.

Annie e Alvy, em uma linha de The Sorrow and the Pity , ouvem outro homem ridicularizando o trabalho de Federico Fellini e Marshall McLuhan ; Alvy imagina o próprio McLuhan interferindo em seu convite para criticar a compreensão do homem. Naquela noite, Annie não mostra interesse em sexo com Alvy. Em vez disso, eles discutem sua primeira esposa, cujo ardor não lhe deu prazer. Seu segundo casamento foi com um escritor nova-iorquino que não gostava de esportes e não conseguia atingir o orgasmo.

Com Annie, é diferente. Os dois se divertem fazendo uma refeição de lagosta cozida juntos. Ele a provoca sobre os homens incomuns de seu passado. Ele a conheceu jogando tênis em duplas com amigos. Após o jogo, uma conversa esquisita levou-a a oferecer-lhe primeiro uma carona até o centro da cidade e, em seguida, uma taça de vinho em sua varanda. Lá, o que parecia uma troca branda de dados pessoais triviais é revelado em "legendas mentais" como um flerte crescente. Seu primeiro encontro segue a audição de Annie para cantar em uma boate (" It Had to be You "). Depois de fazer amor naquela noite, Alvy está "um caco", enquanto ela relaxa com um baseado .

Logo Annie admite que o ama, enquanto ele compra seus livros sobre a morte e diz que seus sentimentos por ela são mais do que apenas amor. Quando ela vai morar com ele, as coisas ficam muito tensas. Eventualmente, ele a encontra de braços dados com um de seus professores da faculdade e os dois começam a discutir se essa é a "flexibilidade" que discutiram. Eles acabam se separando e ele busca a verdade dos relacionamentos, perguntando a estranhos na rua sobre a natureza do amor, questionando seus anos de formação e imaginando uma versão em quadrinhos de si mesmo discutindo com um desenho que Annie retratou como a Rainha Má em Branca de Neve .

Alvy volta a namorar, mas o esforço é prejudicado por neurose e sexo ruim que é interrompido quando Annie insiste que ele venha imediatamente para matar uma aranha em seu banheiro. Segue-se uma reconciliação, juntamente com um voto de permanecermos juntos aconteça o que acontecer. No entanto, suas discussões separadas com seus terapeutas tornam evidente que existe uma divisão não mencionada e intransponível. Quando Alvy aceita uma oferta para apresentar um prêmio na televisão, eles voam para Los Angeles, com o amigo de Alvy, Rob. No entanto, na viagem de volta, eles concordam que seu relacionamento não está funcionando. Depois de perdê-la para seu produtor musical, Tony Lacey, Alvy tenta, sem sucesso, reacender a chama com uma proposta de casamento. De volta a Nova York, ele encena uma peça de seu relacionamento, mas muda o final: agora ela aceita.

O último encontro para eles é uma coda melancólica no Upper West Side de Nova York, quando os dois mudaram para alguém novo. A voz de Alvy retorna com um resumo: o amor é essencial, especialmente se for neurótico . Annie canta " Seems Like Old Times " e os créditos rolam.

Elenco

Truman Capote , retratado aqui em 1959, teve uma participação especial no filme.

Truman Capote tem uma participação especial. Alvy está fazendo piadas sobre as pessoas que passam. Ele diz "Aí está o vencedor do concurso de sósias de Truman Capote" enquanto Truman Capote caminha pelo quadro. Vários atores que mais tarde ganharam um perfil mais alto tiveram pequenos papéis no filme: John Glover como o namorado ator de Annie, Jerry; Jeff Goldblum como um homem que "esqueceu [seu] mantra " na festa de Natal de Tony Lacey; Beverly D'Angelo como atriz no programa de TV de Rob; e Sigourney Weaver , em sua estreia no cinema, na sequência de encerramento como encontro de Alvy no cinema.

Estilo e técnica

Tecnicamente, o filme marcou um avanço para o diretor. Ele selecionou Gordon Willis como seu diretor de fotografia - para Allen "um professor muito importante" e um "mago técnico", dizendo: "Eu realmente considero Annie Hall como o primeiro passo para a maturidade de alguma forma na produção de filmes". Na época, foi considerado um "par estranho" por muitos, Keaton entre eles. O diretor era conhecido por suas comédias e farsas, enquanto Willis era conhecido como "o príncipe das trevas" por trabalhar em filmes dramáticos como O Poderoso Chefão . Apesar disso, os dois se tornaram amigos durante as filmagens e continuaram a colaboração em vários filmes posteriores, incluindo Zelig , que rendeu a Willis sua primeira indicação ao Oscar de Melhor Fotografia .

Willis descreveu a produção do filme como "relativamente fácil". Ele atirou em vários estilos; "luz dourada quente para a Califórnia , nublado cinza para Manhattan e uma Hollywood dos anos quarenta brilhante para ... sequências de sonhos", a maioria das quais foi cortada. Foi sua sugestão que levou Allen a filmar as cenas de terapia dupla em um cenário dividido por uma parede, em vez do método usual de tela dividida . Ele tentou tomadas longas, com algumas tomadas, inteiras, durando uma cena inteira, o que, para Ebert, aumenta o poder dramático do filme: "Poucos espectadores provavelmente notam o quanto de Annie Hall consiste em pessoas conversando, simplesmente conversando. Eles caminham e falar, sentar e conversar, ir a psiquiatras, ir almoçar, fazer amor e conversar, falar para a câmera ou lançar-se em monólogos inspirados como a associação livre de Annie enquanto ela descreve sua família para Alvy. Este discurso de Diane Keaton é tão perto da perfeição como tal discurso provavelmente pode ser ... tudo feito em uma tomada de brilhante ousadia. " Ele cita um estudo que calculou a duração média de filmagem de Annie Hall em 14,5 segundos, enquanto outros filmes feitos em 1977 tinham uma duração média de filmagem de 4-7 segundos. Peter Cowie sugere que "Allen interrompe suas tomadas estendidas com cortes mais ortodoxos para frente e para trás em peças de conversação, de modo que o impulso para a frente do filme seja sustentado". Bernd Herzogenrath observa a inovação no uso da tela dividida durante a cena do jantar para exagerar poderosamente o contraste entre a família judia e a família gentia.

Embora o filme não seja essencialmente experimental, em vários pontos ele mina a realidade narrativa. James Bernardoni observa a maneira de Allen de abrir o filme de frente para a câmera, o que imediatamente interfere no envolvimento do público no filme. Em uma cena, o personagem de Allen, na fila para ver um filme com Annie, ouve um homem atrás dele entregar pontificações mal-informadas sobre o significado do trabalho de Fellini e Marshall McLuhan. Allen puxa o próprio McLuhan de fora da câmera para corrigir os erros do homem pessoalmente. Mais tarde no filme, quando vemos Annie e Alvy em sua primeira conversa extensa, "legendas mentais" transmitem ao público as dúvidas internas e nervosas dos personagens. Uma cena animada - com arte baseada na história em quadrinhos Inside Woody Allen - mostra Alvy e Annie sob o disfarce da Rainha Má de Branca de Neve . Embora Allen use cada uma dessas técnicas apenas uma vez, a " quarta parede " é quebrada várias outras vezes quando os personagens se dirigem diretamente à câmera. Em um, Alvy interrompe vários transeuntes para fazer perguntas sobre o amor e, em outro, ele dá de ombros e escreve um final feliz para seu relacionamento com Annie em sua primeira peça autobiográfica como uma "realização de desejo" perdoável. Allen optou por fazer com que Alvy quebrasse a quarta parede , explicou ele, "porque senti que muitas das pessoas na platéia tinham os mesmos sentimentos e os mesmos problemas. Queria falar com eles diretamente e confrontá-los".

Produção

Escrita

A ideia do que se tornaria Annie Hall foi desenvolvida enquanto Allen caminhava pela cidade de Nova York com o co-escritor Marshall Brickman . A dupla discutiu o projeto em dias alternativos, às vezes ficando frustrados e rejeitando a ideia. Allen escreveu o primeiro rascunho de um roteiro em um período de quatro dias, enviando-o a Brickman para fazer alterações. De acordo com Brickman, esse rascunho se centrava em um homem na casa dos quarenta anos, alguém cuja vida consistia em "vários fios". Um era o relacionamento com uma jovem, outro era uma preocupação com a banalidade da vida que todos vivemos e um terceiro uma obsessão em se provar e se testar para descobrir que tipo de caráter ele tinha. O próprio Allen fez quarenta anos em 1975, e Brickman sugere que a "idade avançada" e as "preocupações com a morte" influenciaram a abordagem filosófica e pessoal de Allen para complementar seu "lado comercial". Allen tomou a decisão consciente de "sacrificar algumas das risadas por uma história sobre seres humanos". Ele reconheceu que pela primeira vez teve a coragem de abandonar a segurança da ampla comédia completa e teve a vontade de produzir um filme de significado mais profundo que seria uma experiência nutritiva para o público. Ele também foi influenciado pela comédia dramática de Federico Fellini (1963), criada em um ponto de inflexão pessoal semelhante e colorido da mesma forma pela psicanálise de cada diretor .

Brickman e Allen enviaram o roteiro de um lado para outro até que estivessem prontos para pedir US $ 4 milhões à United Artists . Muitos elementos dos primeiros rascunhos não sobreviveram. Era originalmente um drama centrado em um mistério de assassinato com uma subtrama cômica e romântica. Segundo Allen, o assassinato ocorreu após uma cena que permanece no filme, sequência em que Annie e Alvy sentem saudades do filme Face to Face de Ingmar Bergman (1976). Embora tenham decidido abandonar a trama de assassinato, Allen e Brickman fizeram um mistério de assassinato muitos anos depois: Manhattan Murder Mystery (1993), também estrelado por Diane Keaton. O rascunho que Allen apresentou ao editor do filme, Ralph Rosenblum , concluiu com as palavras, "terminando em filmagem".

Allen sugeriu Anhedonia , um termo para a incapacidade de sentir prazer, como um título provisório , e Brickman sugeriu alternativas incluindo It Had to Be Jew , Rollercoaster Named Desire e Me and My Goy . Uma agência de publicidade, contratada pela United Artists, abraçou a escolha de Allen de uma palavra obscura, sugerindo que o estúdio retirasse anúncios de jornal que pareciam manchetes de tablóide falsas, como "Anhedonia Strikes Cleveland!". No entanto, Allen experimentou vários títulos em cinco exibições de teste, incluindo Anxiety e Annie and Alvy , antes de se decidir por Annie Hall .

Casting

Várias referências no filme à própria vida de Allen levaram à especulação de que ele é autobiográfico. Tanto Alvy quanto Allen eram comediantes. Seu aniversário aparece no quadro-negro em uma cena escolar, e "Alvy" era um dos apelidos de infância de Allen; certas características de sua infância são encontradas na de Alvy Singer; Allen foi para a Universidade de Nova York e Alvy também. O sobrenome verdadeiro de Diane Keaton é "Hall" e "Annie" era seu apelido, e ela e Allen já estiveram romanticamente envolvidos. No entanto, Allen é rápido em dissipar essas sugestões. "As coisas que as pessoas insistem que são autobiográficas quase invariavelmente não são", disse Allen. "É tão exagerado que virtualmente não faz sentido para as pessoas nas quais essas pequenas nuances são baseadas. As pessoas colocaram em suas cabeças que Annie Hall era autobiográfica, e eu não consegui convencê-las de que não era". Ao contrário de vários entrevistadores e comentaristas, ele diz, Alvy não é o personagem mais próximo de si mesmo; ele se identificou mais com a mãe (Eve, interpretada por Geraldine Page ) em seu próximo filme, Interiors . Apesar disso, Keaton afirmou que o relacionamento entre Alvy e Annie foi parcialmente baseado em seu relacionamento com o diretor.

O papel de Annie Hall foi escrito especificamente para Keaton, que havia trabalhado com Allen em Play It Again, Sam (1972), Sleeper (1973) e Love and Death (1975). Ela considerava a personagem uma "versão afável" de si mesma - ambas eram "semiarticulares, sonhavam em ser cantora e sofriam de insegurança" - e ficou surpresa ao ganhar um Oscar por sua atuação. O filme também marca a segunda colaboração cinematográfica entre Allen e Tony Roberts, seu projeto anterior sendo Play It Again, Sam .

Federico Fellini foi a primeira escolha de Allen para aparecer na cena do lobby do cinema porque seus filmes estavam em discussão, mas Allen escolheu o acadêmico cultural Marshall McLuhan depois que Fellini e Luis Buñuel recusaram a participação especial. Alguns membros do elenco, afirma o biógrafo John Baxter, ficaram magoados com o tratamento que Allen deu a eles. O diretor "agiu friamente" com McLuhan, que teve que retornar do Canadá para refilmagem, e Mordecai Lawner , que interpretou o pai de Alvy, afirmou que Allen nunca falou com ele. No entanto, durante a produção, Allen iniciou um relacionamento de dois anos com Stacey Nelkin , que aparece em uma única cena.

Filmagem, edição e música

Woody Allen viu o Coney Island Thunderbolt ao explorar locais e o escreveu no roteiro como a casa da infância de Alvy.

A fotografia principal começou em 19 de maio de 1976 no South Fork de Long Island com a cena em que Alvy e Annie cozinham lagostas vivas; as filmagens continuaram periodicamente pelos dez meses seguintes, e frequentemente se desviaram do roteiro. Não havia nada escrito sobre a casa da infância de Alvy sob uma montanha-russa, mas quando Allen estava explorando locações no Brooklyn com Willis e o diretor de arte Mel Bourne, ele "viu essa montanha-russa e ... viu a casa embaixo dela. E eu pensamento, temos que usar isso. " Da mesma forma, há o incidente em que Alvy espalha um tesouro de cocaína com um espirro acidental: embora não esteja no roteiro, a piada surgiu de um ensaio casual e ficou no filme. No teste de audiência, essa risada foi tão sustentada que uma pausa muito mais longa teve que ser adicionada para que o diálogo seguinte não fosse perdido.

A primeira montagem do filme do editor Ralph Rosenblum em 1976 deixou Brickman desapontado. “Senti que o filme estava correndo em nove direções diferentes”, lembra Brickman. "Foi como o primeiro rascunho de um romance ... do qual dois ou três filmes poderiam ser montados." Rosenblum caracterizou o primeiro corte, de duas horas e vinte minutos, como "as aventuras surrealistas e abstratas de um comediante judeu neurótico que estava revivendo sua vida altamente imperfeita e, no processo, satirizando muito de nossa cultura ... um monólogo visual, um mais versão sofisticada e mais filosófica de Take the Money and Run ". Brickman o considerou "não dramático e, em última análise, desinteressante, uma espécie de exercício cerebral". Ele sugeriu uma narrativa mais linear.

A relação no tempo presente entre Alvy e Annie não foi o foco narrativo deste primeiro corte, mas Allen e Rosenblum a reconheceram como a espinha dorsal dramática e começaram a retrabalhar o filme "na direção dessa relação". Rosenblum lembrou que Allen "não hesitou em cortar grande parte dos primeiros vinte minutos para estabelecer Keaton mais rapidamente". De acordo com Allen, “não me sentei com Marshall Brickman e disse: 'Vamos escrever uma foto sobre um relacionamento'. Quero dizer, todo o conceito da imagem mudou enquanto a cortávamos. "

Como o filme foi orçado para duas semanas de fotografia de pós-produção, o final de 1976 viu três filmagens separadas para o segmento final, mas apenas parte desse material foi usado. A narração que encerra o filme, com a piada sobre 'todos precisamos dos ovos', foi concebida e gravada apenas duas horas antes de uma exibição-teste.

Os créditos chamam o filme "A Jack Rollins e Charles H. Joffe Production"; os dois homens eram empresários de Allen e receberam o mesmo crédito em seus filmes de 1969 a 1993. No entanto, por este filme, Joffe recebeu os créditos de produtor e, portanto, recebeu o Oscar de Melhor Filme . A sequência do título apresenta um fundo preto com texto branco na fonte Windsor Light Condensed , um design que Allen usaria em seus filmes subsequentes. Stig Björkman vê alguma semelhança com o design simples e consistente do título de Ingmar Bergman , embora Allen diga que sua própria escolha é um dispositivo de economia de custos.

Muito pouca música de fundo é ouvida no filme, uma mudança para Allen influenciada por Ingmar Bergman. Diane Keaton se apresenta duas vezes no clube de jazz: "It Had to be You" e "Seems Like Old Times" (esta última é repetida em narração na cena final). As outras exceções incluem coro de um menino "Natal Medley" tocada enquanto os personagens conduzir através de Los Angeles, o Molto allegro de Mozart 's Jupiter Symphony (ouvido como unidade Annie e Alvy pelo campo), Tommy Dorsey ' desempenho s do "sonolento Lagoa ", e o cover anódino da música" A Hard Way to Go " do Savoy Brown tocando em uma festa na mansão do personagem de Paul Simon.

Trilha sonora

Liberar

Bilheteria e lançamento

Annie Hall foi exibida no Festival de Cinema de Los Angeles em 27 de março de 1977, antes de seu lançamento oficial nos Estados Unidos em 20 de abril de 1977. O filme acabou ganhando $ 38.251.425 ($ 163 milhões em dólares de 2020) nos Estados Unidos contra um $ 4- orçamento de um milhão de dólares, tornando-se o 11º filme de maior bilheteria de 1977. Em números brutos, atualmente é classificado como o quarto filme de maior bilheteria de Allen, depois de Manhattan , Hannah and Her Sisters and Midnight in Paris ; quando ajustado pela inflação, o valor bruto torna-o o maior sucesso de bilheteria de Allen. Foi lançado pela primeira vez em Blu-ray em 24 de janeiro de 2012 ao lado do filme Manhattan (1979) de Allen . Ambos os lançamentos incluem trailers originais dos filmes.

Recepção

resposta crítica

Diane Keaton recebeu aclamação da crítica e vários elogios por sua atuação.

Annie Hall foi recebida com ampla aclamação da crítica após seu lançamento. Tim Radford, do The Guardian, chamou o filme de "o filme de Allen mais focado e ousado até hoje". Vincent Canby, do New York Times , preferiu Annie Hall ao segundo trabalho de direção de Allen, Take the Money and Run , uma vez que o primeiro é mais "humano", enquanto o último é mais um "desenho animado". Vários críticos compararam o filme favoravelmente a Scenes from a Marriage (1973), de Bergman , incluindo Joseph McBride em Variety , que o considerou o "filme mais tridimensional até hoje" de Allen, com uma ambição igual à de Bergman, mesmo quando as co-estrelas se tornam o "equivalente contemporâneo de ... Tracy - Hepburn ."

Mais criticamente, Peter Cowie comentou que o filme "sofre com a profusão de referências e apartes culturais". Escrevendo para a revista New York , John Simon chamou o filme de "comédia sem graça, péssima produção cinematográfica e auto-revelação embaraçosa" e escreveu que a atuação de Keaton era "de mau gosto de assistir e indecência de exibir", dizendo que o papel deveria ter sido interpretada por Robin Mary Paris, a atriz que aparece brevemente na cena em que Alvy Singer escreveu uma peça de dois personagens nua e crua baseada em si mesmo e Annie Hall. A crítica de Simon sobre Annie Hall "É um filme tão sem forma, extenso, repetitivo e sem objetivo que parece implorar pelo esquecimento. Nisso, é um sucesso."

O filme continuou recebendo críticas positivas. Em seu retrospecto de 2002, Roger Ebert adicionou-o à sua lista de Grandes Filmes e comentou com surpresa que o filme tinha "uma familiaridade instantânea" apesar de sua idade, e o escritor de Slant Jaime N. Christley descobriu que as frases de efeito "ainda estão doendo depois dos 35 anos". Um crítico posterior do Guardian , Peter Bradshaw , considerou-o o melhor filme de comédia de todos os tempos, comentando que "este filme maravilhosamente engraçado e insuportavelmente triste é um milagre da escrita cômica e da produção cinematográfica inspirada". John Marriott, do Radio Times, acreditava que Annie Hall foi o filme onde Allen "encontrou sua própria voz singular, uma voz que ecoa pelos eventos com uma mistura de exuberância e introspecção", referindo-se ao "deleite cômico" derivado da "atuação espirituosa de Diane Keaton como a inocente excêntrica do Meio-Oeste e o próprio Woody como o desastrado neurótico de Nova York ". A revista Empire classificou o filme com cinco de cinco estrelas, chamando-o de "clássico". Em 2017, Claire Dederer escreveu: " Annie Hall é o maior filme de quadrinhos do século vinte [...] porque reconhece o niilismo irreprimível que se esconde no centro de toda comédia."

O cineasta japonês Akira Kurosawa citou Annie Hall como um de seus filmes favoritos.

No agregador de resenhas Rotten Tomatoes , o filme tem uma avaliação de 96% com base em 83 resenhas, com uma avaliação média de 9,1 / 10. O consenso crítico do site diz: "Cheio de performances comoventes e humor devastador, Annie Hall representa um salto quântico para Woody Allen e permanece um clássico americano." O Metacritic deu ao filme uma pontuação de 92 em 100 com base em 20 análises críticas, indicando "aclamação universal".

Análise crítica

Amor e sexualidade

As sociólogas Virginia Rutter e Pepper Schwartz consideram o relacionamento de Alvy e Annie um estereótipo de diferenças de gênero na sexualidade. A natureza do amor é um assunto recorrente para Allen e o co-astro Tony Roberts descreveu este filme como "a história de todo mundo que se apaixona, e depois se deixa de amar e segue em frente". Alvy busca o propósito do amor por meio de seu esforço para superar sua depressão devido ao fim de seu relacionamento com Annie. Às vezes ele vasculha suas memórias do relacionamento, em outro ponto ele para as pessoas na calçada, com uma mulher dizendo que "Nunca é algo que você faz. É assim que as pessoas são. O amor desvanece", uma sugestão de que não era culpa de ninguém, eles apenas se distanciaram e o fim era inevitável. No final do filme, Alvy aceita isso e decide que o amor é em última instância "irracional e louco e absurdo", mas uma necessidade da vida. Christopher Knight acredita que a busca de Alvy ao conhecer Annie é carnal, enquanto a dela é emocional.

Richard Brody, do The New Yorker, observa a "autoconsciência da arte eurocêntrica" ​​do filme e a "obsessão psicanalítica de Alvy Singer em expor seus desejos e frustrações sexuais, desastres românticos e inibições neuróticas".

Identidade judaica

Singer é identificado com o estereótipo do homem judeu neurótico, e as diferenças entre Alvy e Annie costumam estar relacionadas às percepções e realidades da identidade judaica. Vincent Brook observa que "Alvy janta com a família WASP -y Hall e imagina que eles devem vê-lo como um judeu hassídico , completo com payot (travas nas orelhas) e um grande chapéu preto." Robert M. Seltzer e Norman J. Cohen destacam a cena em que Annie observa que a avó de Annie "odeia judeus. Ela acha que eles só ganham dinheiro, mas ela é a única. Será que ela nunca?", Revelando a hipocrisia na visão americana estereotipada de sua avó sobre os judeus, argumentando que "nenhum estigma atribui ao amor ao dinheiro na América". Bernd Herzogenrath também considera a piada de Allen, "Eu gostaria, mas precisamos dos ovos", para o médico no final, quando ele sugere colocá-lo em um hospício, um paradoxo não apenas da personalidade do judeu neurótico urbano, mas também do próprio filme.

Woody Allen persona

Christopher Knight aponta que Annie Hall é enquadrada pelas experiências de Alvy. "Geralmente, o que sabemos sobre Annie e sobre o relacionamento vem filtrado por Alvy, um narrador intrusivo capaz de interromper a narrativa e sair dela a fim de implorar o favor interpretativo do público." Ele sugere que, como os filmes de Allen confundem o protagonista com "protagonistas passados ​​e futuros, bem como com o próprio diretor", "faz diferença se somos mais receptivos ao enquadramento dos eventos do diretor ou do personagem". Apesar do enquadramento da narrativa, "a piada está no Alvy". Emanuel Levy acredita que Alvy Singer se tornou sinônimo da percepção pública de Woody Allen nos Estados Unidos. Annie Hall é vista como o filme definitivo de Woody Allen por exibir humor neurótico.

Localização

Annie Hall "é uma canção de amor tanto para a cidade de Nova York quanto para o personagem", refletindo a adoração de Allen pela ilha de Manhattan . Foi uma relação que ele explorou repetidamente, particularmente em filmes como Manhattan (1979) e Hannah and Her Sisters (1986). O apartamento de Annie Hall, que ainda existe na East 70th Street entre a Lexington Avenue e a Park Avenue, é, segundo a própria confissão de Allen, seu quarteirão favorito na cidade. Peter Cowie argumenta que o filme mostra "uma visão romantizada" do bairro, com a câmera "demorando-se [no] Upper East Side [... e onde] o medo do crime não incomoda seus personagens". Em contraste, a Califórnia é apresentada de forma menos positiva, e David Halle observa a óbvia "comparação intelectual invejosa" entre a cidade de Nova York e Los Angeles. Enquanto os cinemas de Manhattan exibem filmes clássicos e estrangeiros, os cinemas de Los Angeles exibem programas de menor prestígio, como A Casa do Exorcismo e O Messias do Mal . A demonstração de Rob de adicionar risadas enlatadas à televisão demonstra o "artifício cínico do meio". A cidade de Nova York serve como um símbolo da personalidade de Alvy ("sombria, claustrofóbica e socialmente fria, mas também um paraíso intelectual cheio de energia nervosa"), enquanto Los Angeles é um símbolo de liberdade para Annie.

Psicanálise e modernismo

Annie Hall foi citada como um filme que usa terapia e análise para efeitos cômicos. Sam B. Girgus considera Annie Hall uma história sobre memória e retrospecção, que "dramatiza um retorno via desejo narrativo ao reprimido e ao inconsciente de uma forma semelhante à psicanálise". Ele argumenta que o filme constitui uma afirmação autoconsciente de como o desejo narrativo e o humor interagem no filme para reformar idéias e percepções e que a implantação de conceitos freudianos e humor forma um "padrão de ceticismo em relação ao significado superficial que obriga a uma interpretação posterior". Girgus acredita que a prova da difusão de Sigmund Freud no filme é demonstrada no início por meio de uma referência a uma piada em Piadas e sua relação com o inconsciente , e faz outra piada sobre um psiquiatra e paciente, que Girgus afirma ser também um símbolo de a dinâmica entre o humor e o inconsciente no filme. Outros conceitos freudianos são posteriormente abordados no filme com a lembrança de Annie de um sonho a seu psicanalista, no qual Frank Sinatra a sufoca com um travesseiro, o que alude à crença de Freud nos sonhos como "representações visuais de palavras ou idéias".

Peter Bailey, em seu livro The Reluctant Film Art of Woody Allen , argumenta que Alvy exibe uma "difamação genial da arte" que contém um "equívoco significativo", em que em sua autodepreciação ele convida o público a acreditar que ele está nivelando com eles. Bailey argumenta que os dispositivos de Allen no filme, incluindo as legendas que revelam os pensamentos de Annie e Alvy "estendem e reforçam o etos cativante de Annie Hall de franqueza e ingenuidade". Ele pondera que o filme está cheio de emblemas antimiméticos, como a aparência mágica de McLuhan, que fornece um humor peculiar e que a "disparidade entre as projeções mentais da realidade e da realidade" impulsiona o filme. Sua opinião é que dispositivos cinematográficos auto-reflexivos dramatizam de forma inteligente a diferença entre superfície e substância, com emblemas visuais "destilando incessantemente a distinção entre o mundo construído mentalmente e a realidade".

Em sua discussão sobre a relação do filme com o modernismo , Thomas Schatz considera o filme um "exame não resolvido do processo de interação humana e comunicação interpessoal" e "imediatamente estabelece [uma] postura autorreferencial" que convida o espectador "a ler a narrativa como algo diferente de um desenvolvimento sequencial em direção a alguma verdade transcendente ". Para ele, Alvy "é vítima de uma tendência à sobredeterminação do significado - ou em termos modernistas 'a tirania do significado' - e seu envolvimento com Annie pode ser visto como uma tentativa de estabelecer uma relação espontânea e intelectualmente desimpedida, uma tentativa que está fadado ao fracasso. "

Prêmios e elogios

Prêmios da Academia
1. Melhor Filme , Charles H. Joffe
2. Melhor Diretor , Woody Allen
3. Melhor Atriz em Papel Principal , Diane Keaton
4. Melhor Roteiro Original , Woody Allen e Marshall Brickman
Golden Globe Awards
1. Melhor Atriz - Filme Musical ou Comédia , Diane Keaton
Prêmio BAFTA
1. Melhor Filme
2. Melhor direção , Woody Allen
3. Melhor atriz , Diane Keaton
4. Melhor Edição , Ralph Rosenblum e Wendy Greene Bricmont
5. Melhor Roteiro , Woody Allen e Marshall Brickman

Annie Hall ganhou quatro Oscars no 50º Oscar em 3 de abril de 1978 e foi indicada para cinco (os Cinco Grandes ) no total. O produtor Charles H. Joffe recebeu a estátua de Melhor Filme, Allen de Melhor Diretor e, com Brickman, de Melhor Roteiro Original , e Keaton de Melhor Atriz . Allen também foi indicado para Melhor Ator. Muitos esperavam que Star Wars ganhasse os principais prêmios, incluindo Brickman e o produtor executivo Robert Greenhut .

O filme também foi homenageado cinco vezes no prêmio BAFTA. Junto com o prêmio principal de Melhor Filme e o prêmio de Edição de Filme , Keaton ganhou de Melhor Atriz , Allen ganhou de Melhor Direção e Melhor Roteiro Original ao lado de Brickman. O filme recebeu apenas um Globo de Ouro de Melhor Atriz de Filme em Musical ou Comédia (Diane Keaton), apesar das indicações para três outros prêmios: Melhor Filme (Musical ou Comédia), Melhor Diretor e Melhor Ator de Filme em Musical ou Comédia (Woody Allen).

Em 1992, a Biblioteca do Congresso dos Estados Unidos selecionou o filme para preservação em seu Registro Nacional de Filmes, que inclui filmes "culturalmente, historicamente ou esteticamente significativos". O filme é frequentemente citado entre as maiores comédias de todos os tempos. O American Film Institute é o 31º na história do cinema americano. Em 2000, eles a consideraram a segunda maior comédia romântica do cinema americano. A performance de Keaton em "Seems Like Old Times" ficou em 90º lugar em sua lista das melhores canções incluídas em um filme, e sua linha "La-dee-da, la-dee-da". foi eleita a 55ª maior citação de um filme. O roteiro foi eleito o sexto maior roteiro pelo Writers Guild of America, West, enquanto IGN o considerou o sétimo maior filme de comédia de todos os tempos. Em 2000, os leitores da revista Total Film votaram nele o quadragésimo segundo maior filme de comédia de todos os tempos e o sétimo maior filme de comédia romântica de todos os tempos. Várias listas classificando os melhores filmes de Allen colocaram Annie Hall entre seus maiores trabalhos.

Em junho de 2008, a AFI revelou seus 10 Top 10 - os dez melhores filmes em dez gêneros de filmes americanos clássicos - depois de entrevistar mais de 1.500 pessoas da comunidade criativa e Annie Hall foi colocada em segundo lugar no gênero de comédia romântica. AFI também classificou Annie Hall em várias outras listas. Em novembro de 2008, Annie Hall foi eleita em 68º lugar na lista dos 500 maiores filmes de todos os tempos da revista Empire . É também classificado em # 2 nas 25 melhores comédias românticas do Rotten Tomatoes, perdendo apenas para The Philadelphia Story . Em 2012, o filme foi listado como o 127º melhor filme de todos os tempos pela pesquisa da crítica do Sight & Sound . O filme também foi eleito o 132º melhor filme pela pesquisa dos diretores da Sight & Sound . Em outubro de 2013, o filme foi eleito pelos leitores do Guardian como o segundo melhor filme dirigido por Woody Allen. Em novembro de 2015, o filme foi eleito o roteiro mais engraçado pelo Writers Guild of America em sua lista de 101 roteiros mais engraçados .

Reconhecimento do American Film Institute

O filme é reconhecido pelo American Film Institute nestas listas:

1992 - Registro Nacional de Filmes .

Em 2006, a revista Premiere classificou Keaton em Annie Hall como 60º em sua lista das "100 maiores performances de todos os tempos", e observou:

É difícil bancar o idiota. ... A genialidade de Annie é que, apesar de seu backhand maluco, direção horrível e tiques nervosos, ela também é uma mulher inteligente e complicada. Keaton exibe brilhantemente essa dicotomia de seu personagem, especialmente quando ela tagarela em um primeiro encontro com Alvy (Woody Allen), enquanto o subtítulo diz: "Ele provavelmente pensa que eu sou um ioiô". Yo-yo? Dificilmente.

Legado e influência

O estilo de vestir de Diane Keaton como Annie Hall; uma influência no mundo da moda no final dos anos 1970

Embora o filme tenha recebido aclamação da crítica e vários prêmios, o próprio Allen ficou desapontado com ele e disse em uma entrevista: "Quando Annie Hall começou, aquele filme não era para ser o que eu fiz. O filme era para ser o que acontece na mente de um cara ... Ninguém entendeu nada do que aconteceu. A relação entre mim e Diane Keaton era tudo que importava. Não era isso que me importava ... No final, tive que reduzir o filme a apenas eu e Diane Keaton, e essa relação, então fiquei bastante decepcionado com aquele filme ". Allen se recusou várias vezes a fazer uma sequência e, em uma entrevista de 1992, afirmou que "O sequelismo se tornou uma coisa chata. Não acho que Francis Coppola deveria ter feito o Padrinho III porque Padrinho II foi ótimo. Quando eles fazem uma sequência, é só uma sede de mais dinheiro, então não gosto muito dessa ideia ".

Diane Keaton afirmou que Annie Hall era seu papel favorito e que o filme significava tudo para ela. Quando questionada se o fato de estar mais associada ao papel a preocupava como atriz, ela respondeu: "Não sou assombrada por Annie Hall. Estou feliz por ser Annie Hall. Se alguém quiser me ver assim, por mim está tudo bem " A figurinista Ruth Morley , trabalhando com Keaton, criou um look que influenciou o mundo da moda no final dos anos 70, com as mulheres adotando o estilo: blazers superdimensionados, masculinos sobre coletes, calças ou saias longas largas, gravata masculina, e botas. O visual era frequentemente referido como o " look Annie Hall ". Algumas fontes sugerem que a própria Keaton foi a principal responsável pelo visual, e Ralph Lauren sempre reivindicou o crédito, mas apenas uma jaqueta e uma gravata foram compradas de Ralph Lauren para usar no filme. Allen lembrou que o estilo de vestir de Lauren e Keaton quase não acabou no filme. “Ela entrou”, lembrou ele em 1992, “e a figurinista do Annie Hall disse: 'Diga a ela para não usar isso. Ela não pode usar isso. É uma loucura'. E eu disse: 'Deixe-a. Ela é um gênio. Vamos apenas deixá-la em paz, deixe-a vestir o que ela quiser. ' "

O roteiro do filme liderou a lista do Writers Guild of America dos 101 roteiros mais engraçados de todos os tempos, superando Some Like it Hot (1959), Groundhog Day (1993), Airplane! (1980) e Tootsie (1982). James Bernardoni afirma que o filme é "uma das poucas comédias-dramas românticas da era de Nova Hollywood e que com razão ocupou seu lugar entre os clássicos desse gênero revertido", comparando a meditação seriocômica sobre o relacionamento do casal a George Cukor é costela de Adão (1949), estrelado por Katharine Hepburn e Spencer Tracy . Desde seu lançamento, outras comédias românticas inspiraram comparação. When Harry Met Sally ... (1989), Chasing Amy (1997), Burning Annie (2007), 500 Days of Summer (2009) e o filme de Allen de 2003, Anything Else , estão entre eles, enquanto o diretor de cinema Rian Johnson disse em um entrevista para o livro, O Filme Que Mudou Minha Vida , que Annie Hall o inspirou a se tornar um diretor de cinema. Karen Gillan afirmou que assistiu Annie Hall como parte de sua pesquisa para seu papel principal em Not Another Happy Ending . Em 2018, Matt Starr e Ellie Sachs lançaram um remake de curta-metragem estrelado por idosos.

Observação

Referências

Bibliografia

links externos