musica barroca -Baroque music

Pintura de Evaristo Baschenis de instrumentos barrocos , incluindo uma cítara , violoncelo de cinco ou seis cordas com trastes, violino e dois alaúdes

A música barroca ( UK : / b ə r ɒ k / ou US : / b ə r k / ) é um período ou estilo da música clássica ocidental de aproximadamente 1600 a 1750 originada na Europa Ocidental . Esta época seguiu a era da música renascentista , e foi seguida por sua vez pela era clássica , com o estilo galante marcando a transição entre as eras barroca e clássica. O período barroco é dividido em três grandes fases: precoce, médio e tardio. Sobrepostos no tempo, eles são convencionalmente datados de 1580 a 1650, de 1630 a 1700 e de 1680 a 1750. A música barroca constitui uma parte importante do cânone da " música clássica " , e agora é amplamente estudada, executada e ouvida. O termo “ barroco ” vem da palavra portuguesa barroco , que significa “ pérola disforme ”. As obras de Georg Friedrich Händel e Johann Sebastian Bach são consideradas o auge do período barroco. Os principais compositores da era barroca incluem Claudio Monteverdi , Domenico Scarlatti , Alessandro Scarlatti , Antonio Vivaldi , Henry Purcell , Georg Philipp Telemann , Jean-Baptiste Lully , Jean-Philippe Rameau , Marc-Antoine Charpentier , Arcangelo Corelli , François Couperin , Heinrich Schütz , Dieterich Buxtehude e outros.

O período barroco viu a criação da tonalidade de prática comum , uma abordagem para escrever música na qual uma música ou peça é escrita em uma chave específica ; este tipo de harmonia continuou a ser usado extensivamente na música clássica e popular ocidental . Durante a era barroca, esperava-se que músicos profissionais fossem improvisadores de linhas melódicas solo e partes de acompanhamento . Os concertos barrocos eram tipicamente acompanhados por um grupo de baixo contínuo (compreendendo instrumentistas que tocavam acordes, como cravistas e alaúdes improvisando acordes de uma parte de baixo figurado ) enquanto um grupo de instrumentos de baixo - viola , violoncelo , contrabaixo - tocava a linha de baixo . Uma forma barroca característica era a suíte de dança . Enquanto as peças de uma suíte de dança foram inspiradas na música de dança real, as suítes de dança foram projetadas puramente para ouvir, não para dançarinos acompanhantes.

Durante o período, os compositores experimentaram encontrar um som mais completo para cada parte instrumental (criando assim a orquestra), fizeram mudanças na notação musical (o desenvolvimento do baixo figurado como uma maneira rápida de anotar a progressão de acordes de uma música ou peça) e desenvolveu novas técnicas de execução instrumental. A música barroca expandiu o tamanho, alcance e complexidade da performance instrumental, e também estabeleceu as formas vocais/instrumentais mistas de ópera , cantata e oratório e as formas instrumentais do concerto solo e sonata como gêneros musicais. A música polifônica densa e complexa , na qual múltiplas linhas melódicas independentes eram executadas simultaneamente (um exemplo popular disso é a fuga ), foi uma parte importante de muitas obras corais e instrumentais barrocas. No geral, a música barroca foi uma ferramenta de expressão e comunicação.

Etimologia e Definição

A etimologia do barroco é provavelmente através do barroco francês (que originalmente significava uma pérola de forma irregular), e do barroco português (“pérola irregular”); também relacionado ao barrueco espanhol e ao barocco italiano . O termo é de origem última incerta, mas possivelmente do latim verrūca (“verruga”) ou possivelmente do barroco , um termo técnico da lógica escolástica.

O termo "barroco" é geralmente usado por historiadores da música para descrever uma ampla gama de estilos de uma ampla região geográfica, principalmente na Europa, compostos por um período de aproximadamente 150 anos. Embora se tenha pensado por muito tempo que a palavra como termo crítico foi aplicada pela primeira vez à arquitetura, na verdade ela aparece mais cedo em referência à música, em uma crítica anônima e satírica da estreia em outubro de 1733 de Hippolyte et Aricie de Rameau, impressa no Mercure de France em maio de 1734. O crítico insinuou que a novidade nesta ópera era "du barocque", reclamando que a música não tinha melodia coerente, estava cheia de dissonâncias incessantes, mudava constantemente de tom e métrica e rapidamente percorria todos os dispositivos composicionais.

Jean-Jacques Rousseau , que era músico e compositor, além de filósofo, escreveu em 1768 na Encyclopédie : "A música barroca é aquela em que a harmonia é confusa e carregada de modulações e dissonâncias. entonação difícil, e o movimento limitado. Parece que o termo vem da palavra 'barroco' usada pelos lógicos." Rousseau estava se referindo ao termo filosófico barroco , em uso desde o século 13 para descrever um tipo de argumento acadêmico elaborado e, para alguns, desnecessariamente complicado.

A aplicação sistemática por historiadores do termo "barroco" à música deste período é um desenvolvimento relativamente recente. Em 1919, Curt Sachs tornou-se o primeiro a aplicar sistematicamente à música as cinco características da teoria barroca de Heinrich Wölfflin . Os críticos foram rápidos em questionar a tentativa de transpor as categorias de Wölfflin para a música, no entanto, e no segundo quartel do século 20 tentativas independentes foram feitas por Manfred Bukofzer (na Alemanha e, após sua imigração, na América) e por Suzanne Clercx-Lejeune (na Bélgica) a utilizar análises técnicas autónomas em vez de abstrações comparativas, a fim de evitar a adaptação de teorias baseadas nas artes plásticas e na literatura à música. Todos esses esforços resultaram em apreciável discordância sobre os limites temporais do período, especialmente quanto ao seu início. Em inglês o termo adquiriu moeda apenas na década de 1940, nos escritos de Bukofzer e Paul Henry Lang .

Ainda em 1960, ainda havia uma disputa considerável nos círculos acadêmicos, particularmente na França e na Grã-Bretanha, se era significativo reunir músicas tão diversas quanto a de Jacopo Peri , Domenico Scarlatti e Johann Sebastian Bach sob uma única rubrica. No entanto, o termo tornou-se amplamente utilizado e aceito para essa ampla gama de músicas. Pode ser útil distinguir o barroco dos períodos anteriores ( Renascimento ) e seguintes ( clássicos ) da história musical.

História

Ao longo da era barroca, novos desenvolvimentos na música se originaram na Itália, após o que levou até 20 anos antes de serem amplamente adotados no resto da prática da música clássica ocidental . Por exemplo, os compositores italianos mudaram para o estilo galante por volta de 1730, enquanto compositores alemães como Johann Sebastian Bach continuaram a escrever no estilo barroco até 1750.

Fases da música barroca
Subperíodo Tempo Na Itália Em outro lugar
Barroco primitivo 1580–1650
Barroco médio 1630–1700
barroco tardio 1680–1750

Música barroca precoce (1580-1650)

A Camerata Florentina foi um grupo de humanistas, músicos, poetas e intelectuais no final da Renascença de Florença que se reuniram sob o patrocínio do Conde Giovanni de' Bardi para discutir e orientar as tendências das artes, especialmente música e drama . Em referência à música, eles basearam seus ideais em uma percepção do drama musical clássico (especialmente grego antigo ) que valorizava o discurso e a oração. Assim, eles rejeitaram o uso de polifonia (linhas melódicas múltiplas e independentes) e música instrumental por seus contemporâneos, e discutiram dispositivos de música grega antiga como monodia , que consistia em um canto solo acompanhado por um kithara (um antigo instrumento de cordas dedilhado). As primeiras realizações dessas idéias, incluindo Dafne e L'Euridice de Jacopo Peri , marcaram o início da ópera, que foi um catalisador para a música barroca.

No que diz respeito à teoria musical, o uso mais difundido do baixo figurado (também conhecido como baixo completo ) representa a importância crescente da harmonia como a base linear da polifonia. A harmonia é o resultado final do contraponto , e o baixo figurado é uma representação visual daquelas harmonias comumente empregadas na performance musical. Com baixo figurado, números, acidentes ou símbolos eram colocados acima da linha de baixo que era lida por jogadores de instrumentos de teclado , como cravistas ou organistas de tubos (ou alaúde ). Os números, acidentes ou símbolos indicam ao tecladista quais intervalos devem ser tocados acima de cada nota grave. O tecladista improvisava uma voz de acorde para cada nota de baixo. Os compositores começaram a se preocupar com progressões harmônicas , e também empregaram o trítono , percebido como um intervalo instável, para criar dissonância (era usado no acorde de sétima dominante e no acorde diminuto ). O interesse pela harmonia também existia entre certos compositores do Renascimento, notadamente Carlo Gesualdo ; No entanto, o uso da harmonia direcionada para a tonalidade (um foco em uma chave musical que se torna a "nota inicial" de uma peça), em vez de modalidade , marca a mudança do período renascentista para o barroco. Isso levou à ideia de que certas sequências de acordes, em vez de apenas notas, poderiam fornecer uma sensação de fechamento no final de uma peça – uma das ideias fundamentais que ficou conhecida como tonalidade .

Ao incorporar esses novos aspectos da composição, Claudio Monteverdi promoveu a transição do estilo de música renascentista para o do período barroco. Ele desenvolveu dois estilos individuais de composição - a herança da polifonia renascentista ( prima pratica ) e a nova técnica de baixo contínuo do barroco ( seconda pratica ). Com o baixo contínuo, um pequeno grupo de músicos tocava a linha de baixo e os acordes que formavam o acompanhamento de uma melodia . O grupo de baixo contínuo normalmente usava um ou mais tecladistas e um alaúde que tocava a linha de baixo e improvisava os acordes e vários instrumentos de baixo (por exemplo, viola baixo , violoncelo , contrabaixo ) que tocava a linha de baixo. Com a escrita das óperas L'Orfeo e L'incoronazione di Poppea , entre outras, Monteverdi chamou bastante atenção para este novo gênero. Este estilo veneziano foi levado com folga para a Alemanha por Heinrich Schütz , cujo estilo diversificado também evoluiu no período subsequente.

As texturas instrumentais idiomáticas tornaram-se cada vez mais proeminentes. Em particular, o estilo luthé - a quebra irregular e imprevisível de progressões de acordes, em contraste com o padrão regular de acordes quebrados - referido desde o início do século 20 como estilo brisé , foi estabelecido como uma textura consistente na música francesa por Robert Ballard , em seus livros de alaúde de 1611 e 1614, e por Ennemond Gaultier . Esta figuração idiomática do alaúde foi posteriormente transferida para o cravo, por exemplo na música para teclado de Louis Couperin e Jean-Henri D'Anglebert , e continuou a ser uma influência importante na música para teclado ao longo do século XVIII e início do século XIX (em, por exemplo, , a música de Johann Sebastian Bach e Frédéric Chopin ).

Música barroca média (1630-1700)

A ascensão da corte centralizada é uma das características econômicas e políticas do que muitas vezes é rotulado de Era do Absolutismo , personificado por Luís XIV da França. O estilo do palácio e o sistema de costumes e artes da corte que ele promoveu tornaram-se o modelo para o resto da Europa. As realidades do crescente patrocínio da igreja e do estado criaram a demanda por música pública organizada, pois a crescente disponibilidade de instrumentos criou a demanda por música de câmara , que é música para um pequeno conjunto de instrumentistas.

Um exemplo proeminente de um compositor de estilo da corte é Jean-Baptiste Lully . Ele comprou patentes da monarquia para ser o único compositor de óperas para o rei francês e para impedir que outros tivessem óperas encenadas. Ele completou 15 tragédias líricas e deixou Achille et Polyxène inacabado . Lully foi um dos primeiros exemplos de maestro ; ele batia o tempo com um grande bastão para manter seus conjuntos juntos.

Musicalmente, ele não estabeleceu a norma dominada pelas cordas para orquestras, que foi herdada da ópera italiana, e a disposição caracteristicamente francesa de cinco vozes (violinos, violas - em tamanhos de hautes-contre, tailles e quintes - e violinos baixos ) usado no balé desde a época de Luís XIII. Ele, no entanto, introduziu esse conjunto no teatro lírico, com as partes superiores muitas vezes dobradas por flautas, flautas e oboés, e o baixo por fagotes. Trombetas e tímpanos eram frequentemente adicionados para cenas heróicas.

O período barroco médio na Itália é definido pelo surgimento dos estilos vocais de cantata , oratório e ópera durante a década de 1630, e um novo conceito de melodia e harmonia que elevou o status da música a um status de igualdade com as palavras, que antigamente tinha sido considerado como preeminente. A florida monodia coloratura do início do barroco deu lugar a um estilo melódico mais simples e polido. Estas melodias foram construídas a partir de ideias curtas, cadencialmente delimitadas, muitas vezes baseadas em padrões de dança estilizados extraídos da sarabande ou do courante . As harmonias também podem ser mais simples do que no início da monodia barroca, para mostrar expressão de uma maneira mais leve na corda e crescendos e diminuendos em notas mais longas. As linhas de baixo acompanhantes foram mais integradas à melodia, produzindo uma equivalência contrapontística das partes que posteriormente levaram ao dispositivo de uma antecipação inicial do baixo da melodia da ária. Essa simplificação harmônica também levou a um novo dispositivo formal de diferenciação entre recitativo (uma parte mais falada da ópera) e ária (uma parte da ópera que usava melodias cantadas). Os inovadores mais importantes deste estilo foram os romanos Luigi Rossi e Giacomo Carissimi , que eram principalmente compositores de cantatas e oratórios, respectivamente, e o veneziano Francesco Cavalli , que era principalmente um compositor de ópera. Mais tarde, importantes praticantes deste estilo incluem Antonio Cesti , Giovanni Legrenzi e Alessandro Stradella .

Arcangelo Corelli é lembrado como influente por suas realizações no outro lado da técnica musical - como violinista que organizou a técnica e a pedagogia do violino - e na música puramente instrumental, particularmente sua defesa e desenvolvimento do concerto grosso . Enquanto Lully estava abrigado na corte, Corelli foi um dos primeiros compositores a publicar amplamente e ter sua música executada em toda a Europa. Tal como acontece com a estilização e organização da ópera de Lully, o concerto grosso é construído em fortes contrastes - seções alternadas entre aquelas tocadas pela orquestra completa e aquelas tocadas por um grupo menor. Seções rápidas e seções lentas foram justapostas umas às outras. Entre seus alunos está Antonio Vivaldi , que mais tarde compôs centenas de obras baseadas nos princípios dos trio sonatas e concertos de Corelli.

Em contraste com esses compositores, Dieterich Buxtehude não era uma criatura da corte, mas sim um músico de igreja, ocupando os cargos de organista e Werkmeister na Marienkirche de Lübeck. Suas funções como Werkmeister envolviam atuar como secretário, tesoureiro e gerente comercial da igreja, enquanto sua posição como organista incluía tocar para todos os serviços principais, às vezes em colaboração com outros instrumentistas ou vocalistas, que também eram pagos pela igreja. Totalmente fora de seus deveres oficiais da igreja, ele organizou e dirigiu uma série de concertos conhecida como Abendmusiken , que incluía apresentações de obras dramáticas sagradas consideradas por seus contemporâneos como equivalentes a óperas.

França:

Música barroca tardia (1680-1750)

O trabalho de George Frideric Handel, Johann Sebastian Bach e seus contemporâneos, incluindo Domenico Scarlatti, Antonio Vivaldi , Jean-Philippe Rameau, Georg Philipp Telemann e outros avançaram a era barroca ao seu clímax.

  • também conhecido como alto barroco

Início

Itália:

Marc-Antoine Charpentier
Marc-Antoine Charpentier

França:

Adoção mais ampla

Itália:

Proliferação:

França:

Europa Central :

Transição para a era clássica

Música galante :

Os filhos mais velhos e alunos de Bach :

Escola de Manheim :


Linha do tempo dos compositores

Giovanni Battista Pergolesi Baldassare Galuppi Carlos Seixas Johann Adolf Hasse Riccardo Broschi Johann Joachim Quantz Pietro Locatelli Giuseppe Tartini Leonardo Vinci Johann Friedrich Fasch Francesco Geminiani Nicola Porpora Silvius Leopold Weiss George Frideric Handel Domenico Scarlatti Johann Sebastian Bach Johann Gottfried Walther Jean-Philippe Rameau Johann David Heinichen Georg Philipp Telemann Jan Dismas Zelenka Antonio Vivaldi Tomaso Albinoni Johann Caspar Ferdinand Fischer Antonio Caldara Francois Couperin Alessandro Scarlatti Henry Purcell Marin Marais Arcangelo Corelli Johann Pachelbel Heinrich Ignaz Biber Dieterich Buxtehude Marc Antoine Charpentier Jean-Baptiste Lully Jean-Henri d'Anglebert Johann Heinrich Schmelzer Barbara Strozzi Johann Jakob Froberger Giacomo Carissimi Antonio Bertali William Lawes Francesco Cavalli Samuel Scheidt Heinrich Schütz Girolamo Frescobaldi Gregorio Allegri Claudio Monteverdi Jan Pieterszoon Sweelinck Jacopo Peri

Instrumentos

Cordas

Cravo manual duplo por Vital Julian Frey, depois de Jean-Claude Goujon (1749)
Partituras individuais para uma harpa do século XVII.

Sopros

Latão

Teclados

Percussão

Estilos e formas

Suíte de dança

Desempenho de um grande conjunto instrumental no pródigo Teatro Argentina , conforme descrito por Panini (1747)

Uma característica da forma barroca era a suíte de dança . Algumas suítes de dança de Bach são chamadas de partitas , embora este termo também seja usado para outras coleções de peças. Enquanto as peças de uma suíte de dança foram inspiradas na música de dança real, as suítes de dança foram projetadas para ouvir, não para dançarinos acompanhantes. Os compositores usaram uma variedade de movimentos de dança diferentes em suas suítes de dança. Uma suíte de dança geralmente consiste nos seguintes movimentos :

  • Abertura  - A suíte barroca muitas vezes começava com uma abertura francesa ("Ouverture" em francês), um movimento lento que era seguido por uma sucessão de danças de diferentes tipos, principalmente as quatro seguintes:
  • Allemande  – Muitas vezes a primeira dança de uma suíte instrumental , a allemande era uma dança muito popular que teve suas origens na era do Renascimento alemão . A allemande foi tocada em um ritmo moderado e poderia começar em qualquer batida do compasso.
  • Courante  – A segunda dança é o courante, uma animada dança francesa em compasso triplo . A versão italiana é chamada de corrente.
  • Sarabande  – A sarabande, uma dança espanhola, é a terceira das quatro danças básicas, e é uma das mais lentas das danças barrocas. É também em compasso triplo e pode iniciar em qualquer tempo do compasso, embora haja ênfase no segundo tempo, criando o característico 'parar', ou ritmo iâmbico da sarabanda.
  • Gigue  – O gigue é uma dança barroca animada e animada em compasso composto, tipicamente o movimento final de uma suíte instrumental, e o quarto de seus tipos básicos de dança. A giga pode começar em qualquer batida do compasso e é facilmente reconhecida por sua sensação rítmica. A giga se originou nas Ilhas Britânicas . Sua contraparte na música folclórica é o gabarito .

Esses quatro tipos de dança (allemande, courante, sarabande e gigue) compõem a maioria das suítes do século XVII; suítes posteriores interpolam uma ou mais danças adicionais entre a sarabanda e a gigue:

  • Gavota  – A gavota pode ser identificada por uma variedade de características; está dentro4
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    tempo e sempre começa na terceira batida do compasso, embora isso possa soar como a primeira batida em alguns casos, pois a primeira e a terceira batida são as batidas fortes em tempo quádruplo. A gavota é tocada em um ritmo moderado, embora em alguns casos possa ser tocada mais rápido.
  • Bourrée  – O bourrée é semelhante ao gavotte, pois é em2
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    tempo, embora comece na segunda metade da última batida do compasso, criando uma sensação diferente para a dança. O bourrée é comumente tocado em um ritmo moderado, embora para alguns compositores, como Handel, possa ser tocado em um ritmo muito mais rápido.
  • Minueto  – O minueto é talvez a mais conhecida das danças barrocas em compasso triplo. Não possui anacruse. Em algumas suítes pode haver um Minueto I e II, tocados sucessivamente, com o Minueto I repetido mas sem as repetições internas.
  • Passepied  – O passepied é uma dança rápida em forma binária e métrica tripla que se originou como uma dança de corte na Bretanha . Exemplos podem ser encontrados em suítes posteriores, como as de Bach e Handel.
  • Rigaudon  – O rigaudon é uma animada dança francesa em métrica dupla, semelhante ao bourrée, mas ritmicamente mais simples. Originou-se como uma família de danças folclóricas do sul da França intimamente relacionadas, tradicionalmente associadas às províncias de Vavarais, Languedoc , Dauphiné e Provence .

Além disso, existem inúmeras outras formas de dança, bem como outras peças que podem ser incluídas em uma suíte, como Polonaise , Loure , Scherzo , Air , etc.

Outras características

  • Prelúdio  – uma suíte pode ser iniciada por um prelúdio, uma peça lenta escrita em estilo improvisado. Alguns prelúdios barrocos não foram totalmente escritos; em vez disso, uma sequência de acordes foi indicada, com a expectativa de que o instrumentista pudesse improvisar uma parte melódica usando o quadro harmônico indicado. O prelúdio não foi baseado em um tipo de dança.
  • Entrée  – Às vezes uma entrée é composta como parte de uma suíte; mas lá é música puramente instrumental e nenhuma dança é executada. É uma introdução, uma peça tipo marcha tocada durante a entrada de um grupo de dança, ou tocada antes de um balé. Normalmente em4
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    Tempo. Está relacionado com o italiano 'intrada'.
  • Baixo contínuo  - um tipo de acompanhamento contínuo notado com um novo sistema de notação musical, baixo figurado , geralmente para um ou mais instrumentos de baixo de sustentação (por exemplo, violoncelo ) e um ou mais instrumentos de acordes (por exemplo, instrumentos de teclado, como cravo , tubo órgão ou alaúde )
  • O concerto (uma peça solo com acompanhamento orquestral) e o concerto grosso
  • Monody  - uma conseqüência da música
  • Homofonia  – música com uma voz melódica e acompanhamento de acordes ritmicamente semelhante (e subordinado) (esta e a monodia são contrastadas com a textura típica do Renascimento , a polifonia )
  • Formas musicais dramáticas como ópera, dramma per musica
  • Formas instrumentais-vocais combinadas, como o oratório e a cantata , ambas com cantores e orquestra
  • Novas técnicas instrumentais, como tremolo e pizzicato
  • A ária da capo "gozou de certeza".
  • A ária ritornello – repetidas interrupções instrumentais curtas de passagens vocais.
  • O estilo concertato – contraste de som entre grupos de instrumentos.
  • Extensa ornamentação , que era tipicamente improvisada por cantores e instrumentistas (por exemplo, trinados , mordentes , etc.)

Gêneros

Vocal

Instrumental

Notas

Referências

Leitura adicional

  • Christensen, Thomas Street e Peter Dejans. Rumo a Aspectos Tonalísticos da Teoria Musical Barroca . Leuven: Leuven University Press, 2007. ISBN  978-90-5867-587-3
  • Ciro, Maria. Ensaios sobre a Performance da Música Barroca Ópera e Música de Câmara na França e na Inglaterra . Série de estudos coletados Variorum, 899. Aldershot, Hants, Inglaterra: Ashgate, 2008. ISBN  978-0-7546-5926-6
  • Capataz, Eduardo. Um Método Bel Canto, ou Como Cantar a Música Barroca Italiana Corretamente Baseada nas Fontes Primárias . Obras-primas do século XX sobre canto, v. 12. Minneapolis, Minn: Pro Musica Press, 2006. ISBN  978-1-887117-18-0
  • Hebson, Audrey (2012). "Dança e sua importância nas suítes de Bach para violoncelo solo", Oferendas Musicais: Vol. 1: No. 2, Artigo 2. Disponível em http://digitalcommons.cedarville.edu/musicalofferings/vol1/iss2/2 .
  • Hoffer, Brandi (2012). "Música Sagrada Alemã na Guerra dos Trinta Anos", Ofertas Musicais: Vol. 3: No. 1, Artigo 1. Disponível em http://digitalcommons.cedarville.edu/musicalofferings/vol3/iss1/1 .
  • Schubert, Peter e Christoph Neidhöfer. Contraponto Barroco . Upper Saddle River, NJ: Pearson Prentice Hall, 2006. ISBN  978-0-13-183442-2
  • Schulenberg, David. Música do Barroco . Nova York: Oxford UP, 2001. ISBN  978-0-19-512232-9
  • Stauffer, George B. O Mundo da Música Barroca Novas Perspectivas . Bloomington: Indiana University Press, 2006. ISBN  978-0-253-34798-5
  • Strunk, Oliver. Fontes de leitura na história da música. Da Antiguidade Clássica à Era Romântica . Londres: Faber & Faber, 1952.

links externos