Barton Fink -Barton Fink

Barton Fink
Pôster de lançamento teatral
Dirigido por	Joel Coen
Escrito por	Ethan Coen Joel Coen
Produzido por	Ethan Coen
Estrelando
Cinematografia	Roger Deakins
Editado por	Roderick Jaynes
Música por	Carter Burwell
produção empresas	Circle Films Working Title Films
Distribuído por	20th Century Fox
Data de lançamento
Tempo de execução	117 minutos
País	Estados Unidos
Língua	inglês
Despesas	$ 9 milhões
Bilheteria	$ 6,2 milhões

Barton Fink é um thriller psicológico de comédia negra do período americano de 1991, escrito, produzido, editado e dirigido pelos irmãos Coen . Situado em 1941, é estrelado por John Turturro no papel-título como um jovem dramaturgo de Nova Yorkque é contratado para escrever roteiros para um estúdio de cinema em Hollywood, e John Goodman como Charlie Meadows, o vendedor de seguros que mora ao lado da corrida. pelo Hotel Earle.

Os Coens escreveram o roteiro de Barton Fink em três semanas, enquanto enfrentava dificuldades durante a escrita de Miller's Crossing . Eles começaram a filmar o primeiro logo após o término de Miller's Crossing . O filme é influenciado por obras de vários diretores anteriores, particularmente Roman Polanski 's Repulsion (1965) e The Tenant (1976).

Barton Fink teve sua estreia no Festival de Cinema de Cannes em maio de 1991. Em uma rara varredura, ganhou a Palma de Ouro , bem como os prêmios de Melhor Diretor e Melhor Ator (Turturro). Embora o filme tenha sido uma bomba de bilheteria, arrecadando apenas US $ 6 milhões contra seu orçamento de US $ 9 milhões, recebeu críticas positivas e foi indicado a três Oscars . Temas proeminentes de Barton Fink incluem o processo de escrita; escravidão e condições de trabalho nas indústrias criativas; distinções superficiais entre alta cultura e baixa cultura ; e a relação dos intelectuais com "o homem comum".

Os diversos elementos do filme levaram-no a desafiar os esforços de classificação de gênero, com o trabalho sendo referido de várias maneiras como um filme noir , um filme de terror , um Künstlerroman e um filme amigo . Ele contém várias alusões literárias e conotações religiosas, bem como referências a muitas pessoas e eventos da vida real - mais notavelmente os escritores Clifford Odets e William Faulkner , dos quais os personagens de Barton Fink e WP Mayhew, respectivamente, são frequentemente vistos como fictícios representações. Vários aspectos da narrativa do filme, particularmente a imagem de uma mulher na praia que se repete, geraram muitos comentários, com os Coens reconhecendo alguns elementos simbólicos intencionais enquanto negavam uma tentativa de comunicar qualquer mensagem única do filme.

Enredo

Em 1941, o promissor dramaturgo da Broadway Barton Fink (Turturro) aceita um contrato da Capitol Pictures em Hollywood para escrever roteiros de filmes por mil dólares por semana. Ao se mudar para Los Angeles, Fink se instala no barato Hotel Earle. A única decoração de seu quarto é uma pequena pintura de uma mulher na praia, com o braço levantado para bloquear o sol. Fink é designado para um filme de luta livre por seu novo chefe Jack Lipnick (Lerner), mas ele encontra dificuldade em escrever sobre o assunto desconhecido. Ele é distraído por sons vindos do quarto ao lado e liga para a recepção para reclamar. Seu vizinho Charlie Meadows (Goodman), a fonte do barulho, visita Fink para se desculpar. Durante a conversa, Fink proclama sua afeição pelo "homem comum" e Meadows descreve sua vida como vendedor de seguros.

Os irmãos Coen escreveram o papel de Charlie Meadows para o ator John Goodman, em parte por causa da "imagem calorosa e amigável que ele projeta para o espectador".

Ainda incapaz de ir além das primeiras linhas de seu roteiro, Fink consulta o produtor Ben Geisler (Shalhoub) para obter conselhos. Irritado, o frenético Geisler o leva para almoçar e manda que ele consulte outro escritor para obter ajuda. Fink acidentalmente encontra o romancista WP Mayhew (Mahoney) no banheiro. Eles discutem brevemente a escrita de um filme e marcam um segundo encontro no final do dia. Mais tarde, Fink fica sabendo pela secretária de Mayhew, Audrey Taylor (Davis), que Mayhew sofre de alcoolismo e que Taylor escreveu a maioria de seus roteiros. Faltando um dia para sua reunião com Lipnick para discutir o filme, Fink telefona para Taylor e implora por ajuda. Taylor o visita no Earle e eles fazem sexo. Fink acorda na manhã seguinte para descobrir que Taylor foi assassinado com violência. Horrorizado, ele convoca Meadows e pede ajuda. Meadows é repelido, mas se livra do corpo e ordena a Fink que evite entrar em contato com a polícia.

Depois que Fink tem uma reunião com Lipnick, que o apóia incomum, Meadows anuncia a Fink que vai passar vários dias em Nova York e pede a ele para cuidar de um pacote que está deixando para trás. Logo depois, Fink é visitado por dois detetives da polícia, que o informam que o nome verdadeiro de Meadows é Karl "Madman" Mundt. Mundt é um serial killer cujo modus operandi é decapitar suas vítimas. Atordoado, Fink coloca a caixa em sua mesa sem abri-la e começa a escrever febrilmente. Fink produz o roteiro inteiro de uma vez e sai para uma noite de dança comemorativa. Fink retorna para encontrar os detetives em seu quarto, que o informam do assassinato de Mayhew e o acusam de cumplicidade com Mundt.

Como o hotel é subitamente engolfado pelas chamas, Mundt aparece e mata os detetives com uma espingarda, após o que ele menciona que fez uma visita aos pais e tio de Fink em Nova York. Fink deixa o hotel ainda em chamas, carregando a caixa e seu roteiro. Pouco depois, ele tenta telefonar para sua família, mas ninguém atende. Em um encontro final com Lipnick, o roteiro de Fink é criticado como "um filme frutado sobre o sofrimento", e ele é informado de que permanecerá em Los Angeles; embora Fink continue sob contrato, a Capitol Pictures não produzirá nada que ele escreva até que ele "cresça um pouco". Atordoado, Fink vagueia até a praia, ainda carregando o pacote. Ele conhece uma mulher que se parece com a da foto em sua parede no Earle, e ela pergunta sobre a caixa. Ele diz a ela que não sabe o que contém nem de quem é. Ela então assume a pose da foto.

Elenco

Produção

Antecedentes e escrita

Em 1989, os cineastas Joel e Ethan Coen começaram a escrever o roteiro de um filme que acabou sendo lançado como Miller's Crossing . Os muitos fios da história tornaram-se complicados e, após quatro meses, eles se perderam no processo. Embora biógrafos e críticos mais tarde se referissem a isso como bloqueio de escritor , os irmãos Coen rejeitaram essa descrição. "Não é bem o caso de estarmos sofrendo de bloqueio de escritor", disse Joel em uma entrevista em 1991, "mas nossa velocidade de trabalho havia diminuído e estávamos ansiosos para nos distanciar de Miller's Crossing ." Eles foram de Los Angeles a Nova York e começaram a trabalhar em um projeto diferente.

Os irmãos Coen disseram sobre a escrita de Barton Fink : "Na verdade, não fizemos nenhuma pesquisa."

Em três semanas, os Coen escreveram um roteiro com um papel-título escrito especificamente para o ator John Turturro , com quem trabalharam em Miller's Crossing . O novo filme, Barton Fink , foi ambientado em um grande hotel aparentemente abandonado. Esse cenário, que eles chamaram de Hotel Earle , foi a força motriz por trás da história e do clima do novo projeto. Enquanto filmavam seu filme de 1984, Blood Simple, em Austin, Texas , os Coens viram um hotel que causou uma impressão significativa: “Nós pensamos, 'Uau, Motel Hell.' Você sabe, sendo condenado a viver no hotel mais estranho do mundo. "

O processo de escrita para Barton Fink foi tranquilo, disseram, sugerindo que o alívio de estar longe de Miller's Crossing pode ter sido um catalisador. Eles também se sentiram satisfeitos com a forma geral da história, o que os ajudou a avançar rapidamente pela composição. “Certos filmes vêm inteiramente na cabeça; nós meio que arrotamos Barton Fink ”. Enquanto escreviam, os Coens criaram um segundo papel principal com outro ator em mente: John Goodman, que apareceu na comédia de 1987, Raising Arizona . Seu novo personagem, Charlie, era o vizinho de Barton no hotel cavernoso. Antes mesmo de escrever, os Coen sabiam como a história terminaria e escreveram o discurso final de Charlie no início do processo de escrita.

O roteiro serviu ao seu propósito diversivo, e os Coens o colocaram de lado: " Barton Fink meio que lavou nosso cérebro e fomos capazes de voltar e terminar a Travessia de Miller ." Assim que a produção do primeiro filme foi concluída, os Coens começaram a recrutar uma equipe para filmar Barton Fink . Turturro ansiava por desempenhar o papel principal e passou um mês com os Coens em Los Angeles para coordenar as opiniões sobre o projeto: "Senti que poderia trazer algo mais humano para Barton. Joel e Ethan me deram uma certa contribuição. Tentei vão um pouco mais longe do que esperavam. "

Enquanto desenhavam storyboards detalhados para Barton Fink , os Coen começaram a procurar um novo diretor de fotografia , já que seu sócio Barry Sonnenfeld  - que havia filmado seus três primeiros filmes - estava ocupado com sua própria estreia como diretor, A Família Addams . Os Coens ficaram impressionados com o trabalho do cineasta inglês Roger Deakins , principalmente com as cenas internas do filme Stormy Monday, de 1988 . Depois de exibir outros filmes em que ele havia trabalhado (incluindo Sid e Nancy e Pascali's Island ), eles enviaram um roteiro para Deakins e o convidaram para participar do projeto. Seu agente desaconselhou trabalhar com os Coens, mas Deakins se encontrou com eles em um café em Notting Hill e eles logo começaram a trabalhar juntos em Barton Fink .

filmando

Cenas de restaurantes ambientadas em Nova York no início de Barton Fink foram filmadas dentro do transatlântico RMS Queen Mary .

As filmagens começaram em junho de 1990 e duraram oito semanas (um terço a menos do que o exigido por Miller's Crossing ), e o orçamento final estimado para o filme foi de US $ 9 milhões. Os Coen trabalharam bem com Deakins e traduziram facilmente suas ideias para cada cena no filme. "Houve apenas um momento em que o surpreendemos", Joel Coen lembrou mais tarde. Uma cena estendida pedia uma tomada de rastreamento para fora do quarto e em um "buraco de tampão" de ralo no banheiro adjacente como um símbolo de relação sexual. "A foto foi muito divertida e nos divertimos muito pensando em como fazê-la", disse Joel. "Depois disso, toda vez que pedíamos a Roger para fazer algo difícil, ele levantava uma sobrancelha e dizia: 'Não me deixe rastrear qualquer buraco de plug agora.'"

Três semanas de filmagem foram passadas no Hotel Earle, um cenário criado pelo diretor de arte Dennis Gassner . O clímax do filme exigiu uma grande propagação de fogo no corredor do hotel, que os Coens planejaram originalmente adicionar digitalmente na pós-produção . Quando eles decidiram usar chamas reais, no entanto, a tripulação construiu uma grande alternativa definida em um hangar de aeronaves abandonado em Long Beach . Uma série de jatos de gás foi instalada atrás do corredor e o papel de parede foi perfurado para facilitar a penetração. Enquanto Goodman corria pelo corredor, um homem em uma passarela abriu cada jato, dando a impressão de um incêndio correndo à frente de Charlie. Cada take necessário uma reconstrução do aparelho, e um segundo corredor (sans fogo) estava pronto próxima para filmar pick-up tiros entre as tomadas. A cena final foi filmada perto da praia de Zuma , assim como a imagem de uma onda batendo contra uma rocha.

Os Coens editaram o filme sozinhos, como é seu costume. "Preferimos uma abordagem prática", explicou Joel em 1996, "em vez de sentar ao lado de alguém e dizer a eles o que cortar." Por causa das regras de adesão na produção de filmes alianças , eles são obrigados a usar um pseudónimo; "Roderick Jaynes" é responsável pela edição de Barton Fink . Apenas algumas cenas filmadas foram removidas da edição final, incluindo uma cena de transição para mostrar o movimento de Barton de Nova York a Hollywood. (No filme, isso é mostrado enigmaticamente com uma onda batendo contra uma rocha.) Várias cenas representando trabalhos em estúdios de Hollywood também foram filmadas, mas editadas por serem "muito convencionais".

Configuração

O papel de parede descascado do quarto de Barton foi projetado para imitar o pus escorrendo da orelha infectada de Charlie.

Há um grande contraste entre os aposentos de Fink e os arredores polidos e imaculados de Hollywood, especialmente a casa de Jack Lipnick. A sensação assustadora e inexplicavelmente vazia do Hotel Earle foi fundamental para a concepção do filme pelos Coens. “Queríamos uma estilização art déco ”, explicou Joel em entrevista em 1991, “e um lugar que estava caindo em ruínas depois de ter visto dias melhores”. O quarto de Barton é escassamente mobiliado, com duas grandes janelas voltadas para outro prédio. Os Coens mais tarde descreveram o hotel como um "navio fantasma flutuando à deriva, onde você percebe sinais da presença de outros passageiros, sem nunca colocar os olhos em nenhum". No filme, os sapatos dos moradores são uma indicação dessa presença invisível; outro raro sinal de outros habitantes é o som das salas adjacentes. Joel disse: "Você pode imaginar que é povoado por viajantes comerciais fracassados, com vidas sexuais patéticas, que choram sozinhos em seus quartos".

Calor e umidade são outros elementos importantes do ambiente. O papel de parede do quarto de Barton descasca e cai; Charlie experimenta o mesmo problema e adivinha que o calor é a causa. Os Coens usaram cores verdes e amarelas generosamente na concepção do hotel "para sugerir uma aura de putrefação".

A atmosfera do hotel foi feita para se conectar com o personagem de Charlie. Como Joel explicou: "Nossa intenção, além disso, era que o hotel funcionasse como uma exteriorização do personagem interpretado por John Goodman. O suor escorre de sua testa como o papel se descola das paredes. No final, quando Goodman diz que sim. prisioneiro do próprio estado mental, que isto é uma espécie de inferno, era necessário que o hotel já tivesse sugerido algo infernal. ” O papel de parede descascado e a pasta que o atravessa também refletem a infecção crônica de ouvido de Charlie e o pus resultante.

Quando Barton chega pela primeira vez ao Hotel Earle, o simpático mensageiro Chet ( Steve Buscemi ) o pergunta se ele é "trans ou res" - temporário ou residente. Barton explica que não tem certeza, mas ficará "indefinidamente". A dicotomia entre habitantes permanentes e hóspedes reaparece várias vezes, nomeadamente no lema do hotel, "Um dia ou uma vida", que Barton nota na papelaria do quarto. Essa ideia retorna no final do filme, quando Charlie descreve Barton como "um turista com uma máquina de escrever". Sua capacidade de deixar o conde (enquanto Charlie permanece) é apresentada pela crítica Erica Rowell como evidência de que a história de Barton representa o próprio processo de escrita. Barton, diz ela, representa um autor capaz de deixar uma história, enquanto personagens como Charlie não.

Os Coens escolheram definir Barton Fink no momento do ataque a Pearl Harbor para indicar que "o mundo fora do hotel estava se encontrando às vésperas do apocalipse".

Em contraste, os escritórios da Capitol Pictures e a casa de Lipnick são imaculados, ricamente decorados e extremamente confortáveis. Os quartos da empresa são banhados pela luz do sol e o escritório de Ben Geisler enfrenta uma exuberante flora. Barton conhece Lipnick em uma cena ao lado de uma piscina enorme e impecável. Isso ecoa sua posição como chefe do estúdio, conforme ele explica: "... você nem sempre pode ser honesto, não com os tubarões nadando em torno desta cidade ... se eu fosse totalmente honesto, não estaria dentro de um quilômetro desta piscina - a menos que eu estivesse limpando. " Em seu escritório, Lipnick exibe outro troféu de seu poder: estátuas de Atlas , o Titã da mitologia grega que declarou guerra aos deuses do Monte Olimpo e foi severamente punido.

Barton assiste a jornais diários de outro filme de luta livre feito pela Capitol Pictures; a data na claquete é 9 de dezembro, dois dias após o ataque a Pearl Harbor . Mais tarde, quando Barton comemora o roteiro completo dançando em um show USO , ele é cercado por soldados. Na próxima aparição de Lipnick, ele veste um uniforme de coronel, que na verdade é uma fantasia de sua empresa. Lipnick não entrou de fato nas forças armadas, mas se declara pronto para lutar contra os "pequenos bastardos amarelos". Originalmente, esse momento histórico logo após os Estados Unidos entrarem na Segunda Guerra Mundial teria um impacto significativo no Hotel Earle. Como explicam os Coens: “[Estávamos] pensando em um hotel onde os hóspedes fossem idosos, loucos, deficientes físicos, porque todos os outros haviam partido para a guerra. Quanto mais se desenvolvia o roteiro, mais esse tema ficou para trás, mas nos levou, no início, a nos fixarmos naquele período. "

A imagem

Ethan Coen disse em uma entrevista de 1991 que a mulher na praia no quarto de Barton (acima) deveria dar "uma sensação de consolo". Um crítico chama sua presença na cena final (abaixo) de "uma paródia da forma".

A imagem de uma mulher na praia no quarto de Barton é um foco central tanto para o personagem quanto para a câmera. Ele o examina freqüentemente enquanto está em sua mesa, e depois de encontrar o cadáver de Audrey em sua cama, ele vai ficar perto dele. A imagem se repete no final do filme, quando ele conhece uma mulher de aparência idêntica em uma praia de aparência idêntica, que faz uma pose idêntica. Depois de elogiar sua beleza, ele pergunta a ela: "Você está em fotos?" Ela cora e responde: "Não seja boba."

Os Coens decidiram no início do processo de escrita incluir a imagem como um elemento-chave na sala. "Nossa intenção", explicou Joel mais tarde, "era que a sala tivesse muito pouca decoração, que as paredes ficassem nuas e que as janelas não oferecessem nenhuma vista de qualquer interesse particular. Na verdade, queríamos a única abertura para o exterior mundo para ser esta imagem. Pareceu-nos importante criar um sentimento de isolamento. "

Mais tarde no filme, Barton coloca em cena uma pequena foto de Charlie, vestido com um terno fino e segurando uma pasta. A justaposição do vizinho com uniforme de corretor de seguros e a imagem escapista da mulher na praia confunde realidade e fantasia para Barton. O crítico Michael Dunne observa: "[V] erspectadores só podem se perguntar o quão 'real' Charlie é. ... Na cena final do filme ... os espectadores devem se perguntar o quão 'real' [a mulher] é. A pergunta leva a outras: Quão real é Fink? Lipnick? Audrey? Mayhew? Quão reais são os filmes, afinal? "

A importância da imagem tem sido objeto de ampla especulação. O crítico do Washington Post , Desson Howe, disse que, apesar de seu impacto emocional, a cena final "parece mais uma piada por causa da piada, uma coda inventada". Em sua análise da duração de um livro dos filmes dos irmãos Coen, Rowell sugere que a fixação de Barton no filme é irônica, considerando seu status de baixa cultura e suas próprias pretensões para a alta cultura (apesar dos discursos em contrário). Ela observa ainda que a câmera focaliza o próprio Barton tanto quanto a imagem enquanto ele a observa. Em um ponto, a câmera passa por Barton para preencher o quadro com a mulher na praia. Essa tensão entre os pontos de vista objetivo e subjetivo reaparece no final do filme, quando Barton se encontra - em certo sentido - dentro da imagem.

O crítico M. Keith Booker chama a cena final de "comentário enigmático sobre a representação e a relação entre arte e realidade". Ele sugere que as imagens idênticas apontam para o absurdo da arte que reflete a vida diretamente. O filme transpõe a mulher diretamente da arte para a realidade, gerando confusão no espectador; Booker afirma que tal descrição literal leva inevitavelmente à incerteza.

Muitos críticos notaram que " The Law of Non-Contradiction ", um episódio da série de TV Fargo, produzida por Coen, baseada em seu filme homônimo de 1996 , apresenta uma referência à imagem, já que a personagem principal do episódio, Gloria, senta-se na praia durante uma filmagem e posição semelhante à da imagem . Os temas do episódio também foram comparados aos de Barton Fink .

Gênero

Os Coens são conhecidos por fazer filmes que desafiam uma classificação simples. Embora se refiram ao seu primeiro filme, Blood Simple (1984), como um exemplo relativamente direto de ficção policial , os Coens escreveram seu próximo roteiro, Raising Arizona (1987), sem tentar se encaixar em um gênero particular. Eles decidiram escrever uma comédia, mas intencionalmente adicionaram elementos sombrios para produzir o que Ethan chama de "um filme bastante selvagem". Seu terceiro filme, Miller's Crossing (1990), inverteu essa ordem, misturando pedaços de comédia em um filme policial . No entanto, também subverte a identidade de gênero único usando convenções do melodrama , histórias de amor e sátira política .

Essa tendência de misturar gêneros continuou e se intensificou com Barton Fink (1991); os Coens insistem que o filme "não pertence a nenhum gênero". Ethan o descreveu como "um filme de amigos dos anos 90". Ele contém elementos de comédia, filme noir e terror , mas outras categorias de filmes estão presentes. O ator Turturro se referiu a isso como uma história de amadurecimento , enquanto o professor de literatura e analista de cinema R. Barton Palmer o chama de Künstlerroman , destacando a importância da evolução do personagem principal como escritor. O crítico Donald Lyons descreve o filme como "uma visão retro- surrealista ".

Por cruzar gêneros, fragmentar as experiências dos personagens e resistir à resolução narrativa direta, Barton Fink é frequentemente considerado um exemplo de filme pós-moderno . Em seu livro Postmodern Hollywood , Booker diz que o filme mostra o passado com uma técnica impressionista , não com uma precisão precisa. Essa técnica, observa ele, é "típica do filme pós-moderno, que vê o passado não como a pré-história do presente, mas como um depósito de imagens a serem vasculhadas em busca de material". Em sua análise dos filmes de Coens, Palmer chama Barton Fink de um "pastiche pós-moderno" que examina de perto como as eras passadas se representaram. Ele compara com The Hours (2002), um filme sobre Virginia Woolf e duas mulheres que liam sua obra. Ele afirma que ambos os filmes, longe de rejeitar a importância do passado, aumentam nossa compreensão dele. Ele cita a teórica literária Linda Hutcheon : o tipo de pós-modernismo exibido nesses filmes "não nega a existência do passado; ele questiona se algum dia poderemos conhecer esse passado a não ser por meio de seus vestígios de textualização".

Certos elementos em Barton Fink destacam o verniz do pós-modernismo: o escritor é incapaz de resolver seu foco modernista na alta cultura com o desejo do estúdio de criar filmes estereotipados de alto lucro; a colisão resultante produz um arco de história fragmentado emblemático do pós-modernismo. O estilo cinematográfico dos Coens é outro exemplo; quando Barton e Audrey começam a fazer amor, a câmera vai até o banheiro, depois se move em direção à pia e desce pelo ralo. Rowell chama isso de "atualização pós-moderna" da notória imagem sexualmente sugestiva de um trem entrando em um túnel, usada pelo diretor Alfred Hitchcock em seu filme North by Northwest (1959).

Estilo

A influência do cineasta Alfred Hitchcock aparece várias vezes no filme. Em uma cena, os óculos de Barton refletem uma cena de luta livre; isso ecoa um tiro do filme Notorious de Hitchcock (1946).

Barton Fink usa várias convenções estilísticas para acentuar o clima da história e dar ênfase visual a temas específicos. Por exemplo, os créditos de abertura rolam sobre o papel de parede do Hotel Earle, conforme a câmera se move para baixo. Esse movimento é repetido muitas vezes no filme, especialmente de acordo com a afirmação de Barton de que seu trabalho é "sondar as profundezas" enquanto escreve. Suas primeiras experiências no Hotel Earle dão continuidade a esse tropo ; o carregador Chet emerge de baixo do chão, carregando um sapato (que ele provavelmente esteve engraxando) sugerindo que a atividade real é subterrânea. Embora o andar de Barton seja provavelmente seis andares acima do saguão, o interior do elevador é mostrado apenas enquanto ele está descendo. Esses elementos - combinados com muitas pausas dramáticas, diálogo surreal e ameaças implícitas de violência - criam uma atmosfera de extrema tensão. Os Coens explicaram que "todo o filme deveria parecer uma catástrofe ou desgraça iminente. E nós definitivamente queríamos que terminasse com um sentimento apocalíptico".

O estilo de Barton Fink também evoca - e representa - os filmes das décadas de 1930 e 1940. Como aponta o crítico Michael Dunne: "O sobretudo pesado de Fink, seu chapéu, seus ternos escuros e desbotados vêm de forma realista dos anos 30, mas vêm ainda mais dos filmes dos anos 30". O estilo do Hotel Earle e a atmosfera de várias cenas também refletem a influência do cinema anterior à Segunda Guerra Mundial. Até a cueca de Charlie combina com a usada por seu herói cinematográfico, Jack Oakie . Ao mesmo tempo, as técnicas de câmera usadas pelos Coens em Barton Fink representam uma combinação do clássico com o original. Capturas de rastreamento cuidadosas e close-ups extremos distinguem o filme como um produto do final do século XX.

Desde o início, o filme se move continuamente entre a visão subjetiva de Barton do mundo e uma visão objetiva. Após a rolagem dos créditos iniciais, a câmera se inclina para baixo para Barton, observando o final de sua peça. Logo vemos o público do seu ponto de vista, torcendo descontroladamente por ele. Conforme ele caminha para frente, ele entra na cena e o visualizador retorna a um ponto de vista objetivo. Essa confusão entre o subjetivo e o objetivo retorna na cena final.

A mudança de ponto de vista coincide com o tema do filme: a produção de filmes. O filme começa com o final de uma peça e a história explora o processo de criação. Essa abordagem metanarrativa é enfatizada pelo foco da câmera na primeira cena em Barton (que está balbuciando as palavras faladas pelos atores fora da tela), não na peça que está assistindo. Como diz Rowell: "[E] enquanto ouvimos uma cena, assistimos a outra. ... A separação de som e imagem mostra uma dicotomia crucial entre duas 'visões' do artifício: o mundo criado pelo protagonista (sua peça) e o mundo fora dela (o que faz parte da criação de uma performance) ".

O filme também emprega várias técnicas de prenúncio . Significando o provável conteúdo do pacote que Charlie deixa com Barton, a palavra "cabeça" aparece 60 vezes no roteiro original. Em um aceno severo para eventos posteriores, Charlie descreve sua atitude positiva em relação ao seu "trabalho" de vendedor de seguros : "Incêndio, roubo e sinistro não são coisas que acontecem apenas a outras pessoas."

Simbolismo

Muito já foi escrito sobre os significados simbólicos de Barton Fink . Rowell propõe que se trata de "um inchaço da cabeça figurativa de ideias que todas remetem ao artista". A proximidade da cena de sexo com o assassinato de Audrey leva Lyons a insistir: "Sexo em Barton Fink é morte". Outros sugeriram que a segunda metade do filme é uma sequência prolongada de sonho .

Os Coens, no entanto, negaram qualquer intenção de criar uma unidade sistemática a partir dos símbolos do filme. "Nunca, jamais entramos em nossos filmes com algo assim em mente", disse Joel em uma entrevista em 1998. "Nunca há nada que se aproxime desse tipo de colapso intelectual específico. É sempre um monte de coisas instintivas que parecem certas, por qualquer motivo". Os Coen notaram seu conforto com a ambigüidade não resolvida. Ethan disse em 1991: " Barton Fink acaba contando a você o que está acontecendo, na medida em que é importante saber ... O que não é muito claro não tem a intenção de se tornar muito claro, e é bom deixar por isso mesmo . " Sobre fantasias e sequências de sonhos, ele disse:

É correto dizer que queríamos que o espectador compartilhasse da vida interior de Barton Fink e também de seu ponto de vista. Mas não havia necessidade de ir longe demais. Por exemplo, teria sido incongruente para Barton Fink acordar no final do filme e para nós sugerir assim que ele realmente habitava uma realidade maior do que a que é retratada no filme. Em todo caso, é sempre artificial falar de "realidade" em relação a um personagem de ficção.

Os tons homoeróticos do relacionamento de Barton com Charlie não são involuntários. Embora um detetive exija saber se eles tiveram "alguma coisa sexual doentia", sua intimidade é apresentada como qualquer coisa, menos desviante, e encoberta pelas convenções da sexualidade dominante. A primeira abertura amigável de Charlie para com o vizinho, por exemplo, vem na forma de uma frase padrão de pick-up : "Eu me sentiria melhor com a maldita inconveniência se você me deixasse pagar uma bebida para você". A cena de luta livre entre Barton e Charlie também é citada como exemplo de afeição homoerótica. “Consideramos isso uma cena de sexo”, disse Joel Coen em 2001.

Som e musica

Muitos dos efeitos sonoros em Barton Fink são carregados de significado. Por exemplo, Barton é convocado por um sino enquanto jantava na cidade de Nova York; seu som é leve e agradável. Em contraste, a sinistra campainha contínua do Hotel Earle toca interminavelmente no saguão, até que Chet a silencia. Os quartos próximos do hotel emitem um coro constante de gritos guturais, gemidos e diversos ruídos não identificáveis. Esses sons coincidem com o estado mental confuso de Barton e pontuam a afirmação de Charlie de que "Eu ouço tudo o que se passa neste lixão". Os aplausos da primeira cena prenunciam a tensão do movimento de Barton para o oeste, misturado que está com o som de uma onda do mar quebrando - uma imagem que é mostrada na tela logo em seguida.

Os irmãos Coen foram contatados pela " ASPCA ou alguma coisa animal" antes do início das filmagens. "Eles conseguiram uma cópia do roteiro e queriam saber como iríamos tratar os mosquitos . Não estou brincando."

Outro som simbólico é o zumbido de um mosquito . Embora seu produtor insista que esses parasitas não vivam em Los Angeles (já que "mosquitos se reproduzem em pântanos; este é um deserto"), seu som distinto é ouvido claramente enquanto Barton observa um círculo de insetos em seu quarto de hotel. Mais tarde, ele chega às reuniões com picadas de mosquito no rosto. O inseto também aparece com destaque na revelação da morte de Audrey; Barton dá um tapa em um mosquito que se alimenta de seu cadáver e de repente percebe que ela foi assassinada. O tom agudo do zumbido do mosquito é ecoado nas cordas agudas usadas para a trilha do filme. Durante as filmagens, os Coens foram contatados por um grupo de direitos dos animais que expressou preocupação sobre como os mosquitos seriam tratados.

A trilha sonora foi composta por Carter Burwell , que trabalha com os Coens desde seu primeiro filme. Ao contrário de projetos anteriores, no entanto - a música folk irlandesa usada para Miller's Crossing e uma música folk americana como base para Raising Arizona  - Burwell escreveu a música para Barton Fink sem uma inspiração específica. A trilha foi lançada em 1996 em um CD, combinada com a trilha do filme Fargo (1996) de Coens .

Várias canções usadas no filme são carregadas de significado. Em um ponto Mayhew tropeça para longe de Barton e Audrey, bêbado. Enquanto vagueia, ele grita a canção folclórica " Old Black Joe " (1853). Composta por Stephen Foster , conta a história de um escravo idoso que se prepara para se juntar a seus amigos em "uma terra melhor". A interpretação de Mayhew da música coincide com sua condição de funcionário oprimido da Capitol Pictures e prenuncia a situação de Barton no final do filme.

Quando termina de escrever seu roteiro, Barton comemora dançando em um show da United Service Organizations (USO). A música usada nesta cena é uma versão de "Down South Camp Meeting", uma melodia de swing . Sua letra (inédita no filme) diz: "Pronto (cantar) / Lá vem eles! O coro está pronto". Essas linhas ecoam o título da peça de Barton, Coros em ruínas . À medida que a celebração irrompe em uma confusão, a intensidade da música aumenta e a câmera dá um zoom na cavidade cavernosa de uma trombeta. Esta sequência reflete o zoom da câmera em um ralo antes de Audrey ser assassinada no início do filme.

Fontes, inspirações e alusões

A inspiração para o filme veio de várias fontes e contém alusões a muitas pessoas e eventos diferentes. Por exemplo, o título da peça de Barton, Bare Ruined Choirs , vem da linha quatro do Soneto 73 de William Shakespeare . O foco do poema no envelhecimento e na morte se conecta à exploração do filme das dificuldades artísticas.

Mais tarde, em um ponto da cena do piquenique, enquanto Mayhew se afasta bêbado de Barton e Audrey, ele grita: "Silencioso sobre um pico em Darien!" Esta é a última linha do soneto de John Keats " On First Looking into Chapman's Homer " (1816). A referência literária não apenas demonstra o conhecimento do personagem de textos clássicos, mas a referência do poema ao Oceano Pacífico coincide com o anúncio de Mayhew de que ele "apenas caminhará até o Pacífico, e de lá eu vou ... improvisar".

Outras alusões acadêmicas são apresentadas em outros lugares, muitas vezes com extrema sutileza. Por exemplo, um breve tiro da página de título de um romance de Mayhew indica a editora de "Swain e Pappas". Esta é provavelmente uma referência a Marshall Swain e George Pappas , filósofos cujo trabalho se preocupa com temas explorados no filme, incluindo as limitações do conhecimento e da natureza do ser. Um crítico observa que a fixação de Barton na mancha no teto de seu quarto de hotel corresponde ao comportamento do protagonista no conto de Flannery O'Connor "The Enduring Chill".

Os críticos sugeriram que o filme referencia indiretamente o trabalho dos escritores Dante Alighieri (por meio do uso de imagens da Divina Comédia ) e Johann Wolfgang von Goethe (por meio da presença de barganhas faustianas ). Estruturas burocráticas confusas e personagens irracionais, como os dos romances de Franz Kafka , aparecem no filme, mas os Coens insistem que a conexão não foi intencional. "Não o leio desde a faculdade", admitiu Joel em 1991, "quando devorei obras como A Metamorfose . Outros mencionaram O Castelo e" Na Colônia Penal ", mas nunca os li."

Clifford Odets

O personagem de Barton Fink é vagamente baseado em Clifford Odets , um dramaturgo de Nova York que nos anos 1930 se juntou ao Group Theatre , uma reunião de dramaturgos que incluía Harold Clurman , Cheryl Crawford e Lee Strasberg . Seu trabalho enfatizou as questões sociais e empregou o sistema de atuação de Stanislavski para recriar a experiência humana da forma mais verdadeira possível. Várias das peças de Odets foram apresentadas com sucesso na Broadway, incluindo Awake and Sing! e Waiting for Lefty (ambos em 1935). Quando o gosto do público se afastou do teatro politicamente engajado em direção ao realismo familiar de Eugene O'Neill , Odets teve dificuldade em produzir trabalhos de sucesso, então ele se mudou para Hollywood e passou 20 anos escrevendo roteiros de filmes.

A semelhança de Clifford Odets com o ator John Turturro é "impressionante", segundo o crítico R. Barton Palmer.

Os Coens escreveram com Odets em mente; eles imaginaram Barton Fink como "um dramaturgo sério, honesto, politicamente engajado e um tanto ingênuo". Como disse Ethan em 1991: "Parecia natural que ele viesse do Group Theatre e da década de trinta." Como Odets, Barton acredita que o teatro deve celebrar as provações e triunfos das pessoas comuns; como Barton, Odets era altamente egoísta. No filme, uma crítica da peça Bare Ruined Choirs de Barton indica que seus personagens enfrentam uma "luta bruta pela existência ... nos cantos mais esquálidos". Essa formulação é semelhante ao comentário do biógrafo Gerald Weales de que os personagens de Odets "lutam pela vida em meio a condições mesquinhas". Linhas de diálogo da obra de Barton são uma reminiscência da peça de Odets, Awake and Sing! . Por exemplo, um personagem declara: "Estou acordado agora, acordo pela primeira vez". Outro diz: "Pegue aquele coro arruinado. Faça-o cantar".

No entanto, existem muitas diferenças importantes entre os dois homens. Joel Coen disse: "Os dois escritores escreveram o mesmo tipo de peças com os heróis proletários, mas suas personalidades eram bem diferentes. Odets era muito mais extrovertido; na verdade, ele era bastante sociável mesmo em Hollywood, e este não é o caso de Barton Fink! " Embora estivesse frustrado com o declínio de sua popularidade em Nova York, Odets teve sucesso durante sua estada em Hollywood. Várias de suas peças posteriores foram adaptadas - por ele e outros - para filmes. Um deles, The Big Knife (1955), combina muito mais com a vida de Barton do que com a de Odets. Nele, o ator é dominado pela ganância de um estúdio cinematográfico que o contrata e acaba por se suicidar. Outra semelhança com o trabalho de Odets é a morte de Audrey, que espelha uma cena em Deadline at Dawn (1946), um filme noir escrito por Odets. Nesse filme, um personagem acorda ao descobrir que a mulher com quem ele se deitou na noite anterior foi inexplicavelmente assassinada.

Odets narrou sua difícil transição da Broadway para Hollywood em seu diário, publicado como The Time Is Ripe: The 1940 Journal of Clifford Odets (1988). O diário explorou as deliberações filosóficas de Odets sobre a escrita e o romance. Freqüentemente, ele convidava mulheres para entrar em seu apartamento e descreve muitos de seus casos no diário. Essas experiências, como os longos discursos sobre a escrita, ecoam em Barton Fink quando Audrey visita e seduz Barton no Hotel Earle. Turturro foi o único membro da produção que leu Odets ' Journal , no entanto, e os irmãos Coen pedem que o público "leve em conta a diferença entre o personagem e o homem".

William Faulkner

O ator John Mahoney foi selecionado para o papel de WP Mayhew "por causa de sua semelhança com William Faulkner " (foto).

Existem algumas semelhanças entre o personagem de WP Mayhew e o romancista William Faulkner . Como Mayhew, Faulkner tornou-se conhecido como um escritor proeminente da literatura sulista e mais tarde trabalhou na indústria cinematográfica. Como Faulkner, Mayhew bebe muito e fala com desprezo sobre Hollywood. O nome de Faulkner apareceu no livro de história de Hollywood dos anos 1940, City of Nets , que os Coen leram durante a criação de Barton Fink . Ethan explicou em 1998: "Eu li uma história de passagem que Faulkner foi designado para escrever um filme de luta livre ... Isso foi parte do que nos levou a seguir em frente com Barton Fink ." Faulkner trabalhou em um filme de luta livre chamado Flesh (1932), estrelado por Wallace Beery , o ator para quem Barton está escrevendo. O foco no wrestling foi fortuito para os Coens, pois eles participaram do esporte no ensino médio.

No entanto, os Coens negam uma conexão significativa entre Faulkner e Mayhew, chamando as semelhanças de "superficiais". "No que diz respeito aos detalhes do personagem", disse Ethan em 1991, "Mayhew é muito diferente de Faulkner, cujas experiências em Hollywood não foram as mesmas." Ao contrário da incapacidade de Mayhew de escrever devido à bebida e problemas pessoais, Faulkner continuou a escrever romances depois de trabalhar no ramo do cinema, ganhando vários prêmios de ficção concluída durante e após sua estada em Hollywood.

Jack Lipnick

O personagem do magnata do estúdio Jack Lipnick, indicado ao Oscar de Lerner, é uma composição de vários produtores de Hollywood, incluindo Harry Cohn , Louis B. Mayer e Jack L. Warner  - três dos homens mais poderosos da indústria cinematográfica na época em que Barton O Fink está ativado . Como Mayer, Lipnick é originário da capital da Bielorrússia , Minsk . Quando a Segunda Guerra Mundial estourou, Warner pressionou por uma posição no exército e ordenou que seu departamento de guarda-roupa criasse um uniforme militar para ele; Lipnick faz o mesmo em sua cena final. Warner uma vez se referiu aos escritores como "idiotas com Underwoods", levando ao uso de Barton no filme de uma máquina de escrever Underwood .

Ao mesmo tempo, os Coens enfatizam que o labirinto de engano e dificuldade que Barton enfrenta não se baseia em sua própria experiência. Embora Joel tenha dito que os artistas tendem a "se encontrar com os filisteus ", ele acrescentou: " Barton Fink está muito longe de nossa própria experiência. Nossa vida profissional em Hollywood tem sido especialmente fácil, e isso é sem dúvida extraordinário e injusto". Ethan sugeriu que Lipnick - assim como os homens nos quais ele se baseia - é, de certa forma, um produto de seu tempo. “Não sei mais se esse tipo de personagem existe. Hollywood é um pouco mais branda e corporativa do que isso agora”.

Cinema

Os Coens reconheceram várias inspirações cinematográficas para Barton Fink . Entre eles, destacam-se três filmes do cineasta polonês-francês Roman Polanski : Repulsion (1965), Cul-de-Sac (1966) e The Tenant (1976). Esses filmes empregam um clima de incerteza psicológica juntamente com ambientes misteriosos que aumentam a instabilidade mental dos personagens. O isolamento de Barton em seu quarto no Hotel Earle é freqüentemente comparado ao de Trelkovsky em seu apartamento no The Tenant . Ethan disse sobre o gênero de Barton Fink : "[I] t é uma espécie de filme de Polanski. Está mais próximo disso do que qualquer outra coisa." Por coincidência, Polanski foi o chefe do júri no Festival de Cinema de Cannes em 1991, onde Barton Fink estreou. Isso criou uma situação embaraçosa. "Obviamente", disse Joel Coen mais tarde, "fomos influenciados por seus filmes, mas nessa época estávamos muito hesitantes em falar com ele sobre isso porque não queríamos dar a impressão de que estávamos sugando".

Outras obras citadas como influências para Barton Fink incluem o filme The Shining (1980), produzido e dirigido por Stanley Kubrick , e a comédia Sullivan's Travels (1941), escrita e dirigida por Preston Sturges . Situado em um hotel vazio, o filme de Kubrick é sobre um escritor incapaz de prosseguir com seu último trabalho. Embora os Coens aprove as comparações com O Iluminado , Joel sugere que o filme de Kubrick "pertence em um sentido mais global ao gênero de filmes de terror". Sullivan's Travels , lançado no ano em que Barton Fink se passa, segue o diretor de sucesso John Sullivan, que decide criar um filme de profunda importância social - não muito diferente do desejo de Barton de criar entretenimento para "o homem comum". Sullivan finalmente decide que o entretenimento cômico é um papel fundamental para os cineastas, semelhante à afirmação de Jack Lipnick no final de Barton Fink de que "o público quer ver ação, aventura".

Alusões adicionais aos filmes e à história do cinema abundam em Barton Fink . Em um ponto, um personagem discute "Victor Soderberg"; o nome é uma referência a Victor Sjöström , um diretor sueco que trabalhou em Hollywood com o nome de Seastrom. A linha de Charlie sobre como seus problemas "não chegam a um monte de feijão" é uma provável homenagem ao filme Casablanca (1942). Outra semelhança é a cena da praia de Barton Fink com o momento final em La Dolce Vita (1960), em que a linha final do diálogo de uma jovem é obliterada pelo barulho do oceano. O vazio inquietante do Hotel Earle também foi comparado aos espaços de convivência em Key Largo (1948) e Sunset Boulevard (1950).

Temas

Dois dos temas centrais do filme - a cultura da produção de entretenimento e o processo de escrita - estão interligados e se relacionam especificamente com a natureza autorreferencial da obra (bem como com a obra dentro da obra). É um filme sobre um homem que escreve um filme baseado em uma peça, e no centro de toda a obra de Barton está o próprio Barton. O diálogo em sua peça Bare Ruined Choirs (também as primeiras falas do filme, algumas das quais são repetidas no final do filme como falas no roteiro de Barton, The Burlyman ) nos dá um vislumbre da arte autodescritiva de Barton. A mãe da peça chama-se "Lil", que mais tarde foi revelado ser o nome da própria mãe de Barton. Na peça, "The Kid" (uma representação do próprio Barton) se refere à sua casa "seis andares acima" - o mesmo andar onde Barton reside no Hotel Earle. Além disso, os processos de escrita dos personagens em Barton Fink refletem diferenças importantes entre a cultura da produção de entretenimento no distrito da Broadway de Nova York e Hollywood.

Broadway e Hollywood

Embora Barton fale com frequência sobre seu desejo de ajudar a criar "um teatro novo e vivo, do e sobre e para o homem comum", ele não reconhece que tal teatro já foi criado: o cinema. Na verdade, ele desdenha essa forma autenticamente popular. Por outro lado, o mundo do teatro da Broadway em Barton Fink é um lugar de alta cultura , onde o criador acredita mais plenamente que seu trabalho incorpora seus próprios valores. Embora pretenda desprezar seu próprio sucesso, Barton acredita que alcançou uma grande vitória com Coros em ruínas . Ele busca elogios; quando seu agente Garland pergunta se ele viu a crítica brilhante no Herald , Barton diz "Não", embora seu produtor tenha acabado de ler para ele. Barton sente-se próximo do teatro, confiante de que este pode ajudá-lo a criar obras que homenageiam "o homem comum". Os homens e mulheres que financiaram a produção - "aquelas pessoas", como Barton os chama - demonstram que a Broadway está tão preocupada com o lucro quanto Hollywood; mas sua intimidade e menor escala permitem ao autor sentir que sua obra tem valor real.

No filme, Hollywood demonstra muitas formas do que a autora Nancy Lynn Schwartz descreve como "formas de manipulação econômica e psicológica usadas para manter o controle absoluto".

Barton não acredita que Hollywood oferece a mesma oportunidade. No filme, Los Angeles é um mundo de frentes falsas e pessoas falsas. Isso é evidente em uma das primeiras linhas do roteiro (filmado, mas não incluído no lançamento teatral); ao informar Barton sobre a oferta da Capitol Pictures, seu agente lhe diz: "Só estou pedindo que sua decisão seja informada por um pouco de realismo - se posso usar essa palavra e Hollywood no mesmo fôlego". Mais tarde, enquanto Barton tenta explicar por que está hospedado no Earle, o chefe do estúdio Jack Lipnick termina sua frase, reconhecendo que Barton quer um lugar que seja "menos Hollywood". A suposição é que Hollywood é falsa e o Earle é genuíno. O produtor Ben Geisler leva Barton para almoçar em um restaurante que exibe um mural do "New York Cafe", um sinal do esforço de Hollywood para replicar a autenticidade da costa leste dos Estados Unidos . A exuberância avassaladora inicial de Lipnick também é uma fachada. Embora ele comece dizendo a Barton: "O escritor é rei aqui na Capitol Pictures", na penúltima cena ele insiste: "Se sua opinião importasse, então acho que eu pedia demissão e deixava você comandar o estúdio. Não importa, e você não vai, e os lunáticos não vão comandar esse manicômio em particular ”.

Deception in Barton Fink é emblemático do foco de Hollywood na baixa cultura , seu desejo implacável de produzir entretenimento de forma eficiente com o único propósito de ganho econômico. A Capitol Pictures designa Barton para escrever um filme de luta livre com o astro Wallace Beery no papel principal . Embora Lipnick declare o contrário, Geisler garante a Barton que "é apenas uma imagem B ". Audrey tenta ajudar o escritor em dificuldades, dizendo-lhe: "Olha, é apenas uma fórmula. Você não tem que digitar sua alma nela". Esta fórmula é deixada clara por Lipnick, que pergunta a Barton em seu primeiro encontro se o personagem principal deve ter um interesse amoroso ou cuidar de uma criança órfã. Barton mostra sua iconoclastia respondendo: "Ambos, talvez?" No final, sua incapacidade de se conformar com as normas do estúdio destrói Barton.

Uma representação semelhante de Hollywood aparece no romance de Nathanael West , The Day of the Locust (1939), que muitos críticos vêem como um importante precursor de Barton Fink . Situado em um complexo de apartamentos degradado, o livro descreve um pintor reduzido a decorar sets de filmagem. Ele retrata Hollywood como grosseira e exploradora, devorando indivíduos talentosos em sua busca incessante pelo lucro. Tanto no romance de West quanto em Barton Fink , os protagonistas sofrem sob a opressiva máquina industrial do estúdio cinematográfico.

Escrita

O filme contém mais material autorreferencial, como um filme sobre um escritor com dificuldade em escrever (escrito pelos irmãos Coen enquanto eles estavam tendo dificuldade em escrever Miller's Crossing ). Barton está preso entre seu próprio desejo de criar arte significativa e a necessidade da Capitol Pictures de usar suas convenções padrão para obter lucros. O conselho de Audrey sobre seguir a fórmula teria salvado Barton, mas ele não deu ouvidos a ele. No entanto, quando ele coloca o pacote misterioso em sua escrivaninha (que pode ter contido a cabeça dela), ela pode tê-lo ajudado postumamente, de outras maneiras. O próprio filme brinca com fórmulas de roteiro padrão. Tal como acontece com os scripts de Mayhew, Barton Fink contém um "bom lutador" (Barton, ao que parece) e um "lutador ruim" (Charlie) que "se confrontam" no final. Mas, da maneira típica de Coen, as linhas do bem e do mal são borradas, e o suposto herói de fato se revela surdo às súplicas de seu vizinho "homem comum". Ao confundir os limites entre a realidade e a experiência surreal, o filme subverte os "contos de moralidade simples" e os "roteiros" oferecidos a Barton como caminhos fáceis para o escritor seguir.

No entanto, os cineastas ressaltam que Barton Fink não foi feito para representar os próprios Coen. "Nossa vida em Hollywood tem sido particularmente fácil", disseram uma vez. “O filme não é um comentário pessoal”. Ainda assim, temas universais do processo criativo são explorados ao longo do filme. Durante a cena do piquenique, por exemplo, Mayhew pergunta a Barton: "Não está escrevendo a paz?" Barton faz uma pausa e diz: "Não, sempre achei que escrever vem de uma grande dor interior." Essas trocas levaram o crítico William Rodney Allen a chamar Barton Fink de "uma autobiografia da vida das mentes dos Coens, não de fato literal". O comentário de Allen é em si uma referência à frase "vida da mente", usada repetidamente no filme em contextos totalmente diferentes.

Fascismo

Vários dos elementos do filme, incluindo o cenário no início da Segunda Guerra Mundial , levaram alguns críticos a destacar paralelos com a ascensão do fascismo na época. Por exemplo, os detetives que visitam Barton no Hotel Earle são chamados de "Mastrionatti" e "Deutsch" - nomes italianos e alemães, evocativos dos regimes de Benito Mussolini e Adolf Hitler . Seu desprezo por Barton é claro: "Fink. Esse é um nome judeu, não é? ... Não pensei que esse depósito fosse restrito." Mais tarde, pouco antes de matar sua última vítima, Charlie diz: " Heil Hitler ". Jack Lipnick vem originalmente do bielorrusso capital Minsk , que foi ocupada desde 1941 por Alemanha nazista , após a Operação Barbarossa .

"Não estou forçando a questão a sugerir que o Holocausto paira sobre Barton Fink ", escreve o biógrafo Ronald Bergan . Outros vêem uma mensagem mais específica no filme, particularmente a indiferença de Barton às tendências homicidas de Charlie. O crítico Roger Ebert escreveu em sua crítica de 1991 que os Coens pretendiam criar uma alegoria para a ascensão do nazismo . "Eles pintam Fink como um intelectual de esquerda ineficaz e impotente, que se vende enquanto diz a si mesmo que está fazendo a coisa certa, que pensa que entende o 'homem comum', mas não entende que, para muitos homens comuns, o fascismo teve uma apelo sedutor ". No entanto, ele prossegue: "Seria um erro insistir demais neste aspecto do filme ..."

Outros críticos são mais exigentes. M. Keith Booker escreve:

O fracasso de Fink em "ouvir" parece ter a intenção de nos dizer que muitos intelectuais de esquerda como ele estavam ocupados demais perseguindo seus próprios interesses egoístas para se opor efetivamente à ascensão do fascismo, um ponto que é historicamente totalmente incorreto ... Que os Coens escolheriam nivelar uma acusação de irresponsabilidade contra o único grupo na América que ativamente procurou se opor à ascensão do fascismo é em si altamente irresponsável e mostra uma completa ignorância (ou talvez falta de interesse na) realidade histórica. Essa ignorância e apatia, é claro, são típicas do cinema pós-moderno ....

Por sua vez, os Coens negam qualquer intenção de apresentar uma mensagem alegórica . Eles escolheram os nomes dos detetives deliberadamente, mas "nós só queríamos que eles representassem as potências mundiais do Eixo na época. Parecia meio divertido. É uma provocação. Todas aquelas coisas com Charlie - o negócio de" Heil Hitler! " - claro, está tudo lá, mas é uma espécie de provocação. " Em 2001, Joel respondeu a uma pergunta sobre os críticos que fornecem uma análise abrangente e extensa: "É assim que eles foram treinados para assistir a filmes. Em Barton Fink , podemos ter encorajado isso - como brincar com animais no zoológico. O filme é intencionalmente ambíguo de maneiras que eles podem não estar acostumados a ver ".

Escravidão

Embora moderado no diálogo e nas imagens, o tema da escravidão aparece várias vezes no filme. O canto de Mayhew da canção de salão "Old Black Joe" o descreve como um escravo do estúdio de cinema, não muito diferente do narrador da canção que anseia por "meus amigos dos campos de algodão de distância". Uma breve foto da porta do espaço de trabalho de Mayhew mostra o título do filme que ele supostamente está escrevendo: Navio Escravo . Esta é uma referência a um filme de 1937 escrito pela inspiração de Mayhew, William Faulkner, e estrelado por Wallace Beery, para quem Barton está compondo um roteiro do filme.

O símbolo do navio negreiro é promovido por cenários específicos, incluindo a janela redonda no escritório de Ben Geisler que se assemelha a uma vigia , bem como a passagem que leva ao bangalô de Mayhew, que se assemelha à rampa de embarque de uma embarcação. Várias linhas de diálogo deixam claro no final do filme que Barton se tornou um escravo do estúdio: "[O] conteúdo de sua cabeça", diz a assistente de Lipnick, "é propriedade da Capitol Pictures". Depois que Barton entrega seu roteiro, Lipnick oferece uma punição ainda mais brutal: "Qualquer coisa que você escrever será propriedade da Capitol Pictures. E a Capitol Pictures não produzirá nada que você escreva". Esse desprezo e controle são representativos das opiniões expressas por muitos escritores de Hollywood na época. Como Arthur Miller disse em sua crítica de Barton Fink : "A única coisa sobre Hollywood de que tenho certeza é que sua mastigação de escritores nunca pode ser exagerada demais".

"O Homem Comum"

Durante o primeiro terço do filme, Barton fala constantemente de seu desejo de escrever uma obra centrada e apelando para "o homem comum". Em um discurso, ele declara: "As esperanças e sonhos do homem comum são tão nobres quanto os de qualquer rei. É a matéria da vida - por que não deveria ser a matéria do teatro? Caramba, por que deveria ser uma pílula difícil de engolir? Não chame de novo teatro, Charlie; chame de teatro de verdade . Chame de nosso teatro. " No entanto, apesar de sua retórica, Barton é totalmente incapaz (ou não quer) de apreciar a humanidade do "homem comum" que vive ao lado dele. Mais tarde no filme, Charlie explica que trouxe vários horrores sobre ele porque "você não escuta !" Em sua primeira conversa com Charlie, Barton constantemente interrompe Charlie enquanto ele está dizendo "Eu poderia te contar algumas histórias-", demonstrando que apesar de suas belas palavras, ele realmente não está interessado nas experiências de Charlie; em outra cena, Barton demonstra simbolicamente sua surdez para o mundo enchendo os ouvidos com algodão para bloquear o som de seu telefone tocando.

A posição de Barton como roteirista é de particular importância para sua relação com "o homem comum". Ao se recusar a ouvir seu vizinho, Barton não pode validar a existência de Charlie em sua escrita - com resultados desastrosos. Charlie não está apenas preso a um trabalho que o rebaixa, mas também não pode (pelo menos no caso de Barton) ter sua história contada. Mais centralmente, o filme traça a evolução da compreensão de Barton do "homem comum": No início, ele é uma abstração a ser elogiada de uma vaga distância. Então ele se torna um indivíduo complexo com medos e desejos. Finalmente, ele se mostra um indivíduo poderoso por seus próprios méritos, capaz de formas extremas de destruição e, portanto, temido e / ou respeitado.

A complexidade do "homem comum" também é explorada por meio da tão mencionada "vida da mente". Ao expor seu dever como escritor, Barton diz: "Tenho que te dizer, a vida da mente ... Não há nenhum roteiro para esse território ... e explorá-lo pode ser doloroso. O tipo de dor que a maioria das pessoas experimenta não sei nada sobre. " Barton presume que ele está a par de considerações criativas ponderadas, enquanto Charlie não. Essa ilusão compartilha o clímax do filme, quando Charlie corre pelo corredor do Earle, atirando nos detetives com uma espingarda e gritando: " Olhem para mim! Eu vou te mostrar a vida da mente !! " A vida da mente de Charlie " "não é menos complexo do que o de Barton; na verdade, alguns críticos o consideram mais.

A compreensão de Charlie sobre o mundo é descrita como onisciente, como quando ele pergunta a Barton sobre "os dois pombinhos ao lado", apesar de estarem a várias portas de distância. Quando Barton pergunta como ele sabe sobre eles, Charlie responde: "Parece que ouço tudo o que se passa neste lixão. Canos ou algo assim." Sua consciência total dos eventos no Earle demonstra o tipo de compreensão necessária para mostrar empatia real, conforme descrito por Audrey. Este tema retorna quando Charlie explica em sua cena final: "A maioria dos caras, eu sinto pena. Sim. Me dilacera por dentro, pensar sobre o que eles estão passando. Como eles estão presos. Eu entendo. Eu sinto por Tento ajudá-los. "

Religião

Temas de salvação religiosa e alusões à Bíblia aparecem apenas brevemente em Barton Fink , mas sua presença permeia a história. Enquanto Barton passa por seu momento mais desesperador de confusão e desespero, ele abre a gaveta de sua escrivaninha e encontra uma Bíblia de Gideão . Ele abre "ao acaso" no capítulo 2 do livro de Daniel e lê: "E o rei, Nabucodonosor, respondeu e disse aos caldeus: Não me recordo do meu sonho; se não me fizerdes conhecer o meu sonho e sua interpretação, sereis feitos em pedaços, e de vossas tendas sereis transformados em monturo. " Esta passagem reflete a incapacidade de Barton de dar sentido às suas próprias experiências (em que Audrey foi "cortada em pedaços"), bem como as "esperanças e sonhos" do "homem comum". Nabucodonosor é também o título de um romance que Mayhew dá a Barton como um "pequeno entretenimento" para "diverti-lo em sua estada entre os filisteus".

Mayhew alude à "história da mamãe de Salomão", uma referência a Bate - Seba , que deu à luz Salomão depois que seu amante David mandou matar seu marido Urias . Embora Audrey interrompa Mayhew elogiando seu livro (que a própria Audrey pode ter escrito), a referência prenuncia o triângulo amoroso que se desenvolve entre os três personagens de Barton Fink . Rowell aponta que Mayhew é assassinado (provavelmente por Charlie) logo depois que Barton e Audrey fazem sexo. Outra referência bíblica ocorre quando Barton folheia a frente da Bíblia na gaveta de sua escrivaninha e vê suas próprias palavras transpostas para o livro do Gênesis . Isso é visto como uma representação de sua arrogância como um autoconcebido mestre onipotente da criação ou, alternativamente, como uma justaposição lúdica que demonstra o estado de espírito alucinatório de Barton.

Recepção

Desempenho de bilheteria

O filme estreou nos Estados Unidos em onze telas em 23 de agosto de 1991 e arrecadou US $ 268.561 durante o fim de semana de estreia. Durante seu lançamento nos cinemas, Barton Fink arrecadou US $ 6.153.939 nos Estados Unidos. O fato de o filme não ter recuperado as despesas de produção divertiu o produtor cinematográfico Joel Silver , com quem os Coen mais tarde trabalhariam em The Hudsucker Proxy (1994): “Não acho que tenha arrecadado $ 5 milhões, e custou $ 9 milhões para ser feito. [Os irmãos Coen têm] a reputação de serem estranhos, descentrados, inacessíveis. "

Recepção critica

Barton Fink recebeu críticas positivas dos críticos. No Rotten Tomatoes , o filme tem 90% de classificação "Certified Fresh", com base em 60 resenhas, com uma classificação média de 7,8 / 10. O consenso crítico do site diz: "Twisty e inquietante, o conto satírico dos irmãos Coen de um dramaturgo dos anos 1940 lutando contra o bloqueio do escritor está repleto de seu senso de humor e performances fantásticas de seu elenco." No Metacritic , o filme tem uma pontuação de 69 em 100, com base em 19 críticos, indicando "críticas geralmente favoráveis".

A crítica do Washington Post , Rita Kempley, descreveu Barton Fink como "certamente um dos melhores e mais intrigantes filmes do ano". O crítico do New York Times , Vincent Canby, chamou-o de "um vencedor absoluto" e "uma bela comédia de humor negro de estilo extravagante e técnica imensa, embora aparentemente sem esforço". O crítico Jim Emerson chamou Barton Fink de "a imagem mais deliciosa e provocativamente indescritível dos irmãos Coen".

Alguns críticos não gostaram do enredo obscuro e do final deliberadamente enigmático. O crítico do Chicago Reader , Jonathan Rosenbaum, alertou sobre a "esperteza adolescente e cinismo dos quadrinhos" dos Coens, e descreveu Barton Fink como "um filme da meia-noite nojento com roupas de arte de domingo à tarde". John Simon, da National Review, descreveu Barton Fink como "estúpido e insuportável".

Em uma entrevista de 1994, Joel rejeitou as críticas a elementos obscuros em seus filmes: "As pessoas têm problemas em lidar com o fato de que nossos filmes não são diretos. Eles prefeririam que a última metade de Barton Fink fosse apenas sobre a escrita de um roteirista- bloquear problemas e como eles são resolvidos no mundo real ". O apresentador de talk show Larry King expressou aprovação do filme, apesar de sua conclusão incerta. Ele escreveu no USA Today : "O final é algo em que ainda estou pensando e se eles conseguiram isso, acho que funcionou." Em uma entrevista de 2016, o roteirista Charlie Kaufman disse depois de ser questionado sobre qual filme ele gostaria de ter com ele em uma ilha deserta: "Um filme que eu realmente amo é Barton Fink . Não sei se esse é o filme que eu levaria para o deserto ilha, mas eu sinto que tem tanto lá dentro, você poderia assistir de novo e de novo. Isso é importante para mim, especialmente se esse fosse o único filme que eu teria comigo para o resto da minha vida. "

Barton Fink foi classificado por Greg Cwik da IndieWire como o quinto melhor filme dos Coens. Foi eleito o 11º melhor filme dos anos 1990 em uma votação dos colaboradores do The AV Club , e foi descrito como "um dos trabalhos mais profundos e dolorosos [dos Coen]".

Prêmios e indicações

Ganhar três prêmios importantes em Cannes era extremamente raro, e alguns críticos achavam que o júri era generoso demais para excluir outras inscrições dignas. Temendo que a tripla vitória pudesse abrir um precedente que desvalorizaria outros filmes, Cannes decidiu, depois do festival de 1991, limitar cada filme a no máximo dois prêmios.

Formatos

O filme foi lançado em formato de vídeo doméstico VHS em 5 de março de 1992, e uma edição em DVD foi disponibilizada em 20 de maio de 2003. O DVD contém uma galeria de fotos, trailers teatrais e oito cenas excluídas. O filme também está disponível em Blu-ray Disc , no Reino Unido, em um formato sem região que funcionará em qualquer reprodutor de Blu-ray.

Possível sequela

Os irmãos Coen expressaram interesse em fazer uma sequência de Barton Fink chamada Old Fink , que aconteceria na década de 1960. "É o verão do amor e [Fink está] ensinando em Berkeley . Ele denunciou muitos de seus amigos para o Comitê de Atividades Antiamericanas da Câmara ", disse Joel Coen. Os irmãos afirmaram que conversaram com John Turturro sobre reprisar seu papel como Fink, mas estavam esperando "até que ele tivesse idade suficiente para interpretar o papel".

Falando ao The AV Club em junho de 2011, Turturro sugeriu que a sequência seria ambientada na década de 1970, e Fink seria um hippie com um grande Jewfro . Ele disse "você terá que esperar mais 10 anos para isso, pelo menos".

Referências

Fontes

• Allen, William Rodney, ed. Os Irmãos Coen: Entrevistas . Jackson: University Press of Mississippi, 2006. ISBN  1-57806-889-4 .
• Bergan, Ronald. Os irmãos Coen . Nova York: Thunder's Mouth Press, 2000. ISBN  1-56025-254-5 .
• Booker, M. Keith. Hollywood pós-moderna: o que há de novo no cinema e por que isso nos faz sentir tão estranhos . Westport, Connecticut: Praeger Publishers, 2007. ISBN  0-275-99900-9 .
• Ciment, Michel e Hubert Niogret. "Os irmãos Coen entrevistados". Trans. R. Barton Palmer. Em Palmer, R. Barton. Joel e Ethan Coen . Urbana: University of Illinois Press, 2004. ISBN  0-252-07185-9 . pp. 159–192.
• Coen, Joel e Ethan Coen. Barton Fink & Miller's Crossing . London: Faber e Faber, 1991. ISBN  0-571-16648-2 .
• Dunne, Michael. "Barton Fink, a intertextualidade e a riqueza (quase) insuportável da visão". Literature / Film Quarterly 28.4 (2000). pp. 303–311.
• Lyons, Donald. Visões independentes: uma introdução crítica ao filme americano independente recente . New York: Ballantine Books, 1994. ISBN  0-345-38249-8 .
• Palmer, R. Barton. Joel e Ethan Coen . Urbana: University of Illinois Press, 2004. ISBN  0-252-07185-9 .
• Rowell, Erica. Os Irmãos Grim: Os Filmes de Ethan e Joel Coen . Lanham, Maryland: The Scarecrow Press, Inc., 2007. ISBN  0-8108-5850-9 .

links externos

• Barton Fink na IMDb
• Barton Fink na AllMovie
• Barton Fink da Metacritic
• Barton Fink no Rotten Tomatoes
• Roteiro de Barton Fink nofansite You Know, For Kids
• "Nietzsche: The Darkness of Life and Barton Fink ", de Jorn K. Bramann, do livro The Educating Rita Workbook . ISBN  0-945073-25-9 .
• Escrevendo para as fotos: perguntas sobre Barton Fink - análise de animação em flash