Birdman (filme) - Birdman (film)

Birdman ou (A Inesperada Virtude da Ignorância)
Birdman poster.png
Pôster de lançamento teatral
Dirigido por Alejandro G. Iñárritu
Escrito por
Produzido por
Estrelando
Cinematografia Emmanuel Lubezki
Editado por
Música por Antonio Sánchez
produção
empresas
Distribuído por Fox Searchlight Pictures
Data de lançamento
Tempo de execução
119 minutos
País Estados Unidos
Língua inglês
Despesas $ 18 milhões
Bilheteria $ 103,2 milhões

Birdman ou (A Virtude inesperado da ignorância) é um 2014 americano preto comedy- filme de drama dirigido por Alejandro G. Iñárritu . Foi escrito por Iñárritu, Nicolás Giacobone , Alexander Dinelaris Jr. e Armando Bó . O filme é estrelado por Michael Keaton como Riggan Thomson, um ator de Hollywood desbotado mais conhecido por interpretar o super-herói "Homem-Pássaro", enquanto ele luta para montar umaadaptaçãopara a Broadway de um conto de Raymond Carver . O filme também conta com o elenco de apoio de Zach Galifianakis , Edward Norton , Andrea Riseborough , Amy Ryan , Emma Stone e Naomi Watts .

O filme cobre o período de prévias que antecederam a abertura da peça e, com uma breve exceção, parece ter sido filmado em um único plano , ideia que Iñárritu teve desde a concepção do filme. O diretor de fotografia Emmanuel Lubezki acreditava que o tempo de gravação necessário para a abordagem longa tomada em Birdman não poderia ter sido feito com tecnologia mais antiga. O filme foi rodado na cidade de Nova York durante a primavera de 2013 com um orçamento de US $ 16,5 milhões financiado conjuntamente pela Fox Searchlight Pictures , New Regency Pictures e Worldview Entertainment . Estreou no ano seguinte em agosto, onde abriu o 71º Festival Internacional de Cinema de Veneza .

Birdman teve um lançamento limitado nos cinemas nos Estados Unidos em 17 de outubro de 2014, seguido por um amplo lançamento em 14 de novembro. Arrecadando mais de US $ 103 milhões em todo o mundo, o filme recebeu ampla aclamação da crítica, com elogios para seu roteiro, direção, cinematografia e as performances do elenco (particularmente Keaton, Norton e Stone). Birdman ganhou o Oscar de Melhor Filme , junto com Melhor Diretor , Melhor Roteiro Original e Melhor Fotografia de um total de nove indicações, empatando com The Grand Budapest Hotel como o filme mais indicado e premiado no 87º Oscar . Também ganhou Elenco de Destaque em Filme no 21º Screen Actors Guild Awards , bem como Melhor Ator em Musical ou Comédia por Keaton e Melhor Roteiro no 72º Golden Globe Awards .

Enredo

Riggan Thomson é um ator desbotado famoso por interpretar um super - herói chamado Birdman em uma trilogia de filmes na década de 1990. Ele é atormentado pela voz interna zombeteira e crítica de Birdman e frequentemente se visualiza realizando façanhas de levitação e telecinesia . Riggan está tentando reconquistar o reconhecimento escrevendo, dirigindo e estrelando uma adaptação para a Broadway do conto de Raymond Carver , " O que falamos quando falamos de amor ". No entanto, a voz de Birdman quer que Riggan volte ao cinema blockbuster e insiste que ele é uma parte essencial da identidade de Riggan.

Jake, o melhor amigo e advogado de Riggan, está produzindo a peça, que co-estrela a namorada de Riggan, Laura, e a estreante na Broadway Lesley. A filha de Riggan, Sam, uma viciada em drogas em recuperação com quem ele está tentando se reconectar, está trabalhando como sua assistente. Um dia antes da primeira prévia, uma luminária cai sobre o infeliz co-estrela de Riggan, Ralph. Por sugestão de Lesley, Riggan substitui Ralph por seu namorado, o brilhante, mas volátil e egocêntrico ator Mike Shiner. As primeiras prévias são desastrosas: Mike quebra o personagem sobre a substituição de seu gim por água, tenta estuprar Lesley durante uma cena de sexo e afirma que a arma de apoio não parece real. Riggan colide continuamente com Mike, culminando em uma briga depois que Riggan lê uma entrevista com Mike no New York Times na qual ele rouba a razão pessoal de Riggan para fazer uma peça de Raymond Carver. Jake convence Riggan a continuar com a peça. Quando Riggan repreende Sam depois de encontrá-la usando maconha, ela o repreende e castiga de forma insultuosa, dizendo que ele é irrelevante e que a peça é para sua própria vaidade.

Durante a visualização final, Riggan acidentalmente se tranca do lado de fora com seu manto preso na porta de saída de incêndio. Ele é forçado a andar pela Times Square em suas cuecas brancas e entrar no meio do público para fazer a cena final. Um Sam preocupado está esperando em seu camarim após o show. Ela acha que a performance foi muito incomum, mas interessante. Ela mostra a ele que a filmagem da Times Square está se tornando viral e explica como isso realmente o ajuda.

Riggan vai a um bar tomar um drinque e se aproxima de Tabitha Dickinson, uma crítica de teatro cínica e altamente influente. Ela promete "matar" a peça dele com uma crítica depreciativa, mesmo sem ter visto. No caminho de volta, Riggan compra meio litro de uísque, bebe e desmaia na varanda. No dia seguinte, caminhando para o teatro com uma forte ressaca, ele visualiza Birdman tentando convencê-lo a abandonar a peça e fazer um quarto filme de Birdman. Riggan então se imagina voando pelas ruas de Manhattan antes de chegar ao teatro.

Na noite de estreia, a peça vai muito bem. Em seu camarim, um Riggan estranhamente calmo confessa a sua ex-mulher, Sylvia, que há vários anos ele tentou se afogar no oceano depois que ela o pegou tendo um caso. Ele também conta a ela sobre a voz do Homem-Pássaro, que ela ignora. Depois que Sylvia sai, Riggan pega uma arma de verdade para a cena final em que seu personagem se suicida. No clímax, Riggan dá um tiro na cabeça no palco. A peça é ovacionada de pé .

Riggan acorda em um hospital - a tentativa de suicídio apenas explodiu seu nariz, que foi reconstruído cirurgicamente. Tabitha publicou uma resenha brilhante da peça, chamando a tentativa de suicídio exatamente do que o teatro americano precisava. Sam o visita com flores e tira uma foto dele para compartilhar com o número crescente de seguidores na conta do Twitter que ela criou para ele. Enquanto ela sai para encontrar um vaso, Riggan vai ao banheiro, remove as bandagens revelando seu novo nariz inchado e se despede de Birdman, visto sentado no vaso sanitário. Fascinado pelos pássaros voando para fora de seu quarto, ele abre a janela, olha para eles e então sobe na saliência. Sam retorna para uma sala vazia e corre freneticamente para a janela aberta, examinando o chão antes de lentamente olhar para o céu e sorrir.

Elenco

Produção

Desenvolvimento

O diretor de Birdman , Alejandro G. Iñárritu, originalmente concebeu o filme como uma comédia filmada em um único plano ambientado em um teatro. A escolha original por trás do gênero do filme, que foi posteriormente readaptado para se concentrar no giro final emocional da cauda de Riggan, veio do diretor querer ver uma mudança em sua abordagem. Todos os seus filmes anteriores foram dramas, e depois de dirigir Biutiful , ele não queria abordar seu novo filme da mesma maneira trágica novamente. A decisão de fazer o filme aparecer em um único plano partiu de sua compreensão de que “vivemos nossas vidas sem edição”. Ao apresentar o filme como uma tomada contínua, ele poderia "submergir o protagonista em uma 'realidade inescapável' e levar o público com ele". Iñárritu compartilhou sua ideia com os roteiristas / primos argentinos Nicolás Giacobone e Armando Bo , além do dramaturgo Alexander Dinelaris Jr. , que já havia trabalhado com ele em seu filme anterior. A primeira reação deles foi dizer a ele que a ideia de tiro contínuo não funcionaria. Segundo Dinelaris e Giacobone, pessoas "enormes" e "importantes" disseram-lhe para nem experimentar o projecto pelo mesmo motivo. O próprio Iñárritu descreveu a técnica como "quase suicida", temendo que fosse uma distração, em vez de envolvente. Dinelaris disse mais tarde que, se eles tivessem realmente feito uma pausa e considerado a ideia, poderiam ter convencido Iñárritu a desistir.

As experiências pessoais e vocacionais dos quatro co-escritores foram fundamentais para escrever o roteiro. A exposição de Dinelaris à Broadway moldou as representações de ensaios e eventos nos bastidores, embora ele tenha admitido que exagerou. Ele também sentiu que seu background ao escrever longas cenas de diálogo ajudou, já que as cenas no filme "eram mais como cenas de brincadeira". Iñárritu próprias experiências influenciaram muitos dos Birdman ' temas s. “O que este filme fala, eu já passei”, lembrou Iñárritu. "Eu vi e experimentei tudo isso; é o que tenho vivido nos últimos anos da minha vida." Dinelaris descreveu este aspecto como "um olhar risonho de si mesmo", mas disse que tinha de ser feito de forma cómica; caso contrário, "teria sido o olhar mais incrivelmente egocêntrico sobre o assunto". Temas do conto de Raymond Carver " O que falamos quando falamos de amor ", que Riggan adapta para o palco da história, também influenciaram o roteiro. Iñárritu queria encontrar a conexão entre os temas da história de Riggan e os de Carver. Por isso, era importante para o diretor que a história de Carver fosse o tema da peça retratada no filme. Portanto, Iñárritu afirmou que seu desejo de usar o trabalho de Carver era "aterrorizante" porque os direitos de uso do material de Carver ainda estavam sujeitos à possibilidade de serem rejeitados durante o desenvolvimento do filme, mas nenhum problema surgiu. A viúva de Carver, a escritora Tess Gallagher , amou o roteiro e permitiu a adaptação, dizendo que Carver estaria rindo do filme.

Enquanto alguns aspectos do filme - o primeiro quadro com Riggan, por exemplo - permaneceram inalterados desde a concepção de Birdman até o lançamento, outros passaram por várias iterações. Uma delas foi a sequência em que o alter ego Birdman assume o controle total sobre os pensamentos de Riggan. Os escritores sabiam que isso ocorreria no ponto mais baixo de Riggan, então em um estágio planejado para que acontecesse depois que Riggan ouvisse a cobertura negativa inicial da imprensa e destruísse seu camarim. Em outra versão descartada, Riggan tenta se afogar no Central Park e sai voando para se salvar.

O final do filme também mudou, a versão final foi escrita no meio das filmagens. O original pretendia retratar Johnny Depp no camarim de Riggan com um pôster de Piratas do Caribe nas costas. Iñárritu passou a não gostar muito desse final, chamando-o de "tão embaraçoso", e o reescreveu com Dinelaris e Giacobone depois que um novo final lhe ocorreu em um sonho. Iñárritu relutou em descrever o final original, mas foi divulgado por Dinelaris. Ele disse que o final original foi ambientado no teatro, em vez de no hospital, e envolveu Depp colocar a peruca de Riggan Thomson e, na voz de Jack Sparrow , "... o pôster pergunta a Depp: 'Que porra estamos fazendo aqui, amigo ? ', e ia ser a sátira do loop infinito disso. " O diretor e os coautores descartaram o final satírico e preferiram um final novo, mais ambíguo.

O projeto de co-redação foi acelerado pela colaboração entre os quatro co-redatores da internet trabalhando em diferentes localizações geográficas. Com Iñárritu em Los Angeles , Giacobone e Bo em Buenos Aires e Dinelaris em Nova York, o roteiro foi escrito principalmente por meio de ligações via Skype e e-mails. Embora isso tenha complicado o processo de escrita, Dinelaris disse acreditar que as melhores ideias de Birdman vieram das sessões do Skype às duas da manhã, onde ele e Giacobone estavam "rindo um ao outro". Incorporar o recurso one-shot também afetou a escrita. Bo disse: "Escrevemos tudo pensando nessa única cena, e muitas decisões que seriam tomadas principalmente na sala de edição foram tomadas antes das filmagens". A abordagem one-shot significava que as cenas não podiam ser removidas ou reordenadas na pós-produção, então os escritores precisavam estar "muito, muito certos sobre o que estava na página". Como resultado, demorou cerca de um ano e meio para concluir a versão final. Como resumiu Dinelaris : "Você tem que ser um idiota para fazer tudo de uma vez. Você tem que ser um idiota para tentar. É preciso muita, muita ignorância para não prestar atenção às dificuldades e pensar que você" vamos fazer isso. Birdman parece uma boa ideia agora, mas [no momento da produção] não sabíamos como iríamos pousar. "

Casting

Michael Keaton foi a primeira escolha de Iñárritu para interpretar Riggan Thomson.

Iñárritu escalou vários dos papéis principais antes do filme ser financiado. Entre eles estava o papel principal. No início do desenvolvimento do roteiro, Iñárritu não tinha Keaton em mente, mas ele mudou de ideia no final: "Quando terminei o roteiro, sabia que Michael não era a escolha ou opção, ele era o cara". Iñárritu escalou Keaton por sua profundidade em uma variedade de estilos de atuação: ele poderia lidar com as demandas do palco, trabalho de perto e comédia e empatia "com uma profundidade profunda para ambos".

Keaton sabia sobre Birdman antes que Iñárritu o contatasse. Ele estava no meio da produção de outro projeto quando soube que Iñárritu estava fazendo outro filme. Keaton, um fã de seu trabalho, voou para casa para saber mais. Iñárritu enviou-lhe o roteiro e eles o discutiram durante o jantar. A primeira coisa Keaton perguntou o diretor foi se ele estava tirando sarro dele (a respeito de seu papel na Tim Burton 's Batman filmes ), mas depois de Iñárritu explicou o papel, seus aspectos técnicos e de produção do filme, Keaton concordou em jogar Riggan.

Iñárritu qualificou sua decisão de escalar Galifianakis como Jake como "uma aposta". Galifianakis atendeu aos critérios do diretor de ser adorável e engraçado, mas Iñárritu também o considerou sensível, o que lhe rendeu o papel. Emma Stone já sabia que ela queria trabalhar com Iñárritu antes de lhe oferecerem o papel de Sam. O roteiro que Iñárritu deu a ela e ao resto do elenco veio com a foto Man on Wire , que mostrava Philippe Petit cruzando as Torres Gêmeas em uma corda bamba. Iñárritu disse ao elenco: "Estamos fazendo isso".

Assim que esses atores foram comprometidos, Iñárritu buscou financiamento. Ele primeiro convidou a Fox Searchlight Pictures para financiar o projeto, mas eles recusaram a oferta porque acharam que seu orçamento inicial era muito alto. A certa altura, Megan Ellison, da Annapurna Pictures, queria se envolver no projeto, mas desistiu porque, ao contrário de seus outros filmes, ela não tinha se envolvido desde o início. Iñárritu abordou Brad Weston, presidente da New Regency , que aceitou a oferta. Quando a executiva Claudia Lewis, da Searchlight, ouviu sobre o negócio, ela reconsiderou e pediu para ser incluída no negócio. Searchlight e New Regency já haviam trabalhado juntos para financiar 12 Years a Slave e decidiram se unir para Birdman , financiando um orçamento de $ 16,5 milhões.

Weston e Lewis desenvolveram um relacionamento próximo com Iñárritu, editando o roteiro com ele e trocando alguns dos atores. Quando eles entraram na produção, Josh Brolin foi escalado para interpretar o papel de Mike Shiner, mas os financiadores decidiram trocá-lo por Norton por causa de conflitos de agenda.

Ele disse que a experiência de Norton como ator de teatro, combinada com sua autoconfiança, significava que "de certa forma, havia algum tipo de realidade mental para Edward", mas Norton acredita que foi ele quem convenceu Iñárritu a enfrentá-lo. Norton era fã do trabalho do diretor e ficou impressionado com sua capacidade de ultrapassar os limites do cinema. Norton ouviu sobre o projeto de Iñárritu de um amigo. Assim que recebeu o roteiro, leu-o direto até as 3h da manhã. Norton disse: "Eu ri tanto que acordei as pessoas". Norton queria se encontrar com Iñárritu no dia seguinte e, assim que se encontraram, Norton disse que não poderia escalar alguém que fosse a "personificação" do objetivo do roteiro. Em vez disso, o diretor precisava escalar alguém "que tenha pelo menos um pouco de experiência autêntica neste mundo". Iñárritu concordou.

Amy Ryan, uma das últimas atrizes a ser escalada, foi convidada porque Iñárritu a tinha visto na peça Detroit . Lindsay Duncan também tinha vasta experiência no mundo do teatro e decidiu aceitar a oferta para interpretar a crítica devido à qualidade do roteiro. "É delicioso por causa da escrita." Mas, como o personagem de Shiner, Iñárritu achou difícil escalar Laura. Riseborough o encontrou em uma esquina para tomar uma xícara de chá e, relembrando o evento, disse: "Eu disse a ele que rastejaria em brasas para trabalhar com ele". Iñárritu descreveu Laura como "um papel muito maluco e peculiar", mas disse: "quando [Andrea Riseborough] fez isso, eu sabia que era ela, porque ela fez isso certo no tom, e ela entendeu quem ela era - ela era não julgando ".

Ensaio e filmagem

Michael Keaton (Riggan) ensaiando uma seqüência de ação do filme

Terminada a escrita, Iñárritu contatou o amigo e diretor de fotografia Emmanuel Lubezki para discutir sua ideia para o filme. Depois de ler o roteiro, Lubezki ficou preocupado que Iñárritu lhe oferecesse o emprego, já que Birdman "tinha todos os elementos de um filme que eu não queria fazer" - comédia, trabalho de estúdio e longas tomadas - mas mudou de ideia depois discussão posterior com o diretor. Os dois haviam trabalhado juntos em comerciais e um curta-metragem na antologia To Each His Own Cinema , mas não em nenhum longa-metragem. Lubezki queria ter certeza de que essa era uma decisão com a qual Rodrigo Prieto , diretor de fotografia de todos os quatro filmes de Iñárritu, se sentia confortável, mas depois de receber sua aprovação, os dois seguiram para a pré-produção.

Lubezki estava preocupado por nenhum filme ter sido rodado da maneira que Iñárritu imaginou, o que significa que não haveria material de referência para pesquisar. Os dois decidiram que a única maneira de aprender a filmar seria filmando sozinhos, então eles contrataram um depósito no Sony Studios, em Los Angeles, e construíram um palco proxy. A configuração era mínima. Lona e C-stands foram usados ​​para paredes, enquanto fita adesiva e alguns móveis demarcaram as áreas. Usando uma câmera e alguns stand-ins, a dupla trabalhou no filme para ver se era possível. Percebendo que nenhum teatro poderia acomodar o intrincado trabalho de câmera de que precisavam, eles contrataram o Kaufman Astoria Studios em Nova York. Ainda assim, Iñárritu queria filmar em um teatro da Broadway, mas teria que esperar várias semanas para os ensaios antes de conseguir o St. James Theatre . Eles então passaram alguns meses projetando e fazendo "planos" das tomadas e bloqueando as cenas, usando os substitutos para ler e percorrer o roteiro. O planejamento foi preciso. Iñárritu disse: "Não havia espaço para improvisar. Cada movimento, cada linha, cada porta se abrindo, absolutamente tudo foi ensaiado." Os atores começaram a ensaiar assim que esse trabalho preliminar foi concluído: De acordo com Lubezki, eles fizeram as cenas com os atores "uma vez que sabíamos qual era o ritmo das cenas". Ele descreveu a abordagem atípica "como um filme de cabeça para baixo onde você faz a pós-produção antes da produção".

Eu sei que Alejandro é muito inflexível sobre manter o coelho na cartola e não ser muito específico sobre como foi filmado, mas devo dizer que exigiu muitos ensaios e foi muito específico ... Não havia o luxo de cortar fora ou editando em torno de qualquer coisa. Você sabia que cada cena ficava no filme e, como no teatro, era essa, essa era sua chance de viver essa cena.

-  Emma Stone

Os editores Douglas Crise e Stephen Mirrione estavam envolvidos no projeto nesta fase. Quando Iñárritu disse a Mirrione que planejava que Lubezki registrasse as leituras de mesa e os ensaios, ele sugeriu que os editassem imediatamente para descobrir o que estava e o que não estava funcionando desde o início. A montagem também permitiu que os editores discutissem com o diretor questões de andamento, como a posição das transições noturnas e outros momentos de descanso do filme. O desenhista de produção Kevin Thompson também estava presente e mapeou as cenas. O trabalho da câmera exigia que muitos elementos do conjunto fossem construídos de uma determinada maneira. Por exemplo, o espelho de maquiagem e a mesa de Riggan foram construídos de forma que a câmera pudesse ver seu reflexo. Thompson também levou em consideração as necessidades da tripulação, por exemplo, projetar as escadas um pouco mais largas para o tamanho dos pés do operador de Steadicam Chris Haarhoff. Ele então construiu um modelo do conjunto que eles construiriam quando estivessem em Nova York. Os escritores também estiveram envolvidos nos ensaios, ajustando o roteiro para "garantir que o filme fosse fluido e nunca parasse".

O St. James Theatre e o Kaufman Astoria Studios em Nova York foram usados ​​para filmar as cenas de palco e bastidores de Birdman , respectivamente.

Depois que a logística das cenas foi acertada e o tempo acabou, a equipe se dirigiu ao Kaufman Studios para mais ensaios, seguidos pela fotografia principal baseada exclusivamente em Nova York durante a primavera de 2013. Os estúdios foram usados ​​para filmar as áreas dos bastidores do filme, incluindo o camarim de Riggan e os corredores do teatro. O St. James Theatre foi usado por duas semanas; foi o local para as cenas do palco. Os segmentos do bar foram filmados no The Rum House na 47th Street, e a 43rd Street foi usada para a sequência de ação. O filme não pôde ser rodado cronologicamente devido a um agendamento com o teatro. Em todas as locações, inclusive no estúdio, as cenas foram iluminadas com luz natural, já que Lubezki queria que o filme "tivesse uma aparência o mais naturalista possível". As cenas noturnas foram possíveis de filmar desta forma devido ao brilho de Nova York. Lubezki descobriu que iluminar as cenas era a parte mais difícil de seu trabalho no filme. Não apenas a iluminação precisava parecer realista, mas também deveria ser projetada de forma que os movimentos contínuos da câmera não projetassem as sombras da equipe nos atores.

Ao longo das filmagens, foram utilizadas câmeras Arri Alexa ; uma Alexa M foi usada para sequências portáteis e uma Alexa XT foi anexada ao Steadicam . Nenhum matteboxes usado , no entanto. O operador da Steadicam, Chris Haarhoff, explicou esta decisão: "Não queríamos essa coisa preta grande deslizando em sua linha de visão. Dessa forma, poderíamos chegar muito perto e fazer a luz passar pelas lentes e atingir o rosto do ator." Lubezki - que fazia todo o trabalho de câmera portátil - escolheu a Alexa M porque a câmera era muito pequena e permitia que ele entrasse em espaços minúsculos e perto dos atores, às vezes filmando a cinco centímetros do rosto de Keaton. A câmera também permitiu gravar por um período tão longo - necessário para as longas tomadas do filme - que Lubezki chegou a dizer que o filme teria sido impossível de fazer anos antes. As câmeras foram fotografadas com Leica Summilux-C ou Zeiss Master Primes. Lubezki afirmou que isso deu imagens limpas, dizendo "Você pode ter todas essas luzes no quadro e elas não estão realmente causando reflexos ruins ou coisas assim". Em termos de tamanhos, eles testaram inicialmente uma 21 mm, mas isso não deu a Iñárritu a "intimidade" que ele queria. A equipe optou por uma Leica 18mm, que foi usada na maior parte do filme. Somente quando a ênfase era necessária, eles mudavam a lente para 14 mm, mas isso era raro.

Apesar de toda a preparação, um dia típico de filmagem começava com ensaios. Geralmente duravam quase toda a manhã, após o que se seguia a fotografia. O tempo meticuloso das cenas fez com que as tomadas fossem canceladas devido aos menores contratempos. Emma Stone, em uma entrevista com Jimmy Fallon , lembrou como uma tomada de seis minutos da cena em que Riggan conhece Mike foi arruinada depois que ela dobrou uma esquina rápido demais. As tomadas também eram repetidas se o ritmo de uma cena não parecesse certo para Iñárritu, ou se ele e Lubezki não estivessem satisfeitos com o enquadramento de uma cena. À medida que as filmagens avançavam, as linhas de diálogo também eram abandonadas, dando a Iñárritu mais opções durante a pós-produção. Por causa disso, o número de tomadas para uma determinada cena era alto, geralmente vinte para as cenas mais curtas, as tomadas ocorrendo suavemente por volta do décimo quinto. Chris Haarhoff descreveu como "um tipo de dança em que todos tentariam atingir o pico ao mesmo tempo". Os locais às vezes também impunham restrições às tomadas; a sequência ao vivo na Times Square foi filmada apenas duas vezes, pois não queria atrair a atenção dos turistas.

Sempre que as filmagens aconteciam, havia pressão sobre todos os envolvidos, mas o elenco teve uma experiência positiva. Norton disse que normalmente na produção de filmes metade das pessoas pode "dar check out" devido a aspectos repetitivos, mas durante as filmagens de Birdman , "todo mundo está ligado, a coisa toda, e você está todo preso porque todos estão confiando em quarenta outras pessoas para não deixar a bola cair ". Por causa disso, Stone disse que o diretor conseguiu tirar o melhor do elenco, dizendo que o processo de Iñárritu "cria esse tipo de fúria em você, e então você acaba percebendo que ele tirou tanto de você que você não nem sei que você tinha ". Naomi Watts comentou que a atmosfera "parecia emblemática de como é no palco - pelo menos minhas memórias de muito tempo atrás". Andrea Riseborough, por sua vez, descreveu o processo como "maravilhoso", mencionando como foi possível ouvir a filmagem de uma sequência de longe antes da chegada da câmera, e então "a mágica acontece com você, e aí tudo te deixa, e tudo fica silencioso ". Assim que concluíram com sucesso uma tomada, ela ficou óbvia para todos os envolvidos. Norton disse: "Eu nunca, nunca estive em um set onde todos os dias terminassem com uma enorme e autêntica alegria de ter feito isso. Você está esperando o grito de [Iñárritu] e todos estavam genuinamente animados."

Música e trilha sonora

Os segmentos musicais originais do filme são uma trilha sonora composta inteiramente por apresentações de percussão de jazz solo de Antonio Sánchez . A pontuação é compensada por uma série de peças de música clássica conhecidas, incluindo Mahler e Tchaikovsky . Iñárritu não considerava importante a escolha particular de peças clássicas. No entanto, a escolha da música clássica foi fortemente orientada para partituras altamente melódicas retiradas predominantemente do repertório clássico do século 19 (Mahler, Tchaikovsky, Rachmaninov, Ravel). Iñárritu afirmou que os componentes clássicos vêm do mundo da peça, citando o rádio na sala de Riggan e o próprio show como duas fontes da música. Os segmentos de música clássica também incluíram duas composições do compositor americano John Adams . Várias composições de jazz de Victor Hernández Stumpfhauser e Joan Valent contrabalançam a composição musical original de Sánchez. As seções de bateria compreendem a maioria da partitura, no entanto, e foram compostas por Sánchez. Iñárritu explicou a escolha dizendo que ajudaram a estruturar as cenas, e que “A bateria, para mim, foi uma ótima maneira de encontrar o ritmo do filme ... Na comédia, o ritmo é rei, e não ter as ferramentas de edição para determinar o tempo e o espaço, eu sabia que precisava de algo para me ajudar a encontrar o ritmo interno do filme. "

O baterista de jazz Antonio Sánchez compôs e gravou a trilha sonora do filme.

Iñárritu contatou o amigo e baterista de jazz Antonio Sánchez em janeiro de 2013, convidando-o a compor a trilha do filme. Sua reação ao escrever uma trilha sonora usando apenas bateria foi semelhante aos pensamentos de Lubezki de filmar o filme como uma única tomada: "Foi uma proposta assustadora porque eu não tinha um ponto de referência de como fazer isso. Não há nenhum outro filme que eu conheça que tenha uma pontuação como esta. " Sánchez também não havia trabalhado em um filme antes, no entanto, após receber o roteiro, ele compôs "temas rítmicos" para cada um dos personagens. Iñárritu estava procurando a abordagem oposta, no entanto, preferindo a espontaneidade e a improvisação. Sánchez então esperou até que a produção mudasse para Nova York antes de compor mais, onde visitou o set por alguns dias para ter uma ideia melhor do filme. Em seguida, uma semana antes da fotografia principal, ele e Iñárritu foram a um estúdio para gravar algumas demos. Durante essas sessões, o diretor primeiro falava com ele sobre a cena, depois, enquanto Sánchez estava improvisando, o guiava levantando a mão para indicar um evento - como um personagem abrindo uma porta - ou descrevendo o ritmo com sons verbais. Eles gravaram cerca de setenta demos, que Iñárritu usou para informar o ritmo das cenas no set e, quando a filmagem foi concluída, juntou-as ao corte bruto. Sánchez resumiu o processo dizendo: "O filme se alimentou da bateria, e a bateria se alimentou da imagem". A trilha sonora oficial foi lançada em CD (77 min) em outubro de 2014 e como LP (69 min) em abril de 2015.

Quando a Academia de Artes e Ciências Cinematográficas lançou sua longa lista para o Oscar de Melhor Trilha Sonora Original em dezembro de 2014, Birdman estava ausente da lista. No dia anterior, Sánchez recebeu uma nota do comitê de premiação explicando a decisão, citando a regra quinze das Regras do 87º Prêmio da Academia, observando "o fato de que o filme também contém mais de meia hora de pistas de música não originais (principalmente clássica) que são apresentados de forma muito proeminente em vários momentos cruciais do filme, dificultaram para o comitê aceitar sua inscrição ". Sánchez lançou um apelo e, junto com Iñárritu e o vice-presidente executivo da Fox Music , enviaram cartas a Charles Fox, presidente do comitê executivo do ramo musical da Academia, pedindo que o comitê reconsiderasse sua decisão. Um dos pontos que levantaram foi que o comitê calculou incorretamente a relação entre a música clássica e a original, que após ser esclarecido Sánchez pensou que estava "em terreno realmente sólido". Uma resposta da Fox em 19 de dezembro, no entanto, explicou que uma reunião especial do comitê de música foi realizada, e embora seus membros tivessem "grande respeito" pela trilha e a considerassem "excelente", eles achavam que a música clássica "também era usado como trilha sonora "," contribui igualmente para a eficácia do filme ", sendo que a identidade musical do filme foi criada tanto pela bateria quanto pela música erudita. No final das contas, eles não anularam sua decisão. Sánchez disse que ele e Iñárritu não ficaram satisfeitos com a explicação.

Pós-produção e efeitos visuais

Birdman foi editado por Douglas Crise e Stephen Mirrione , que já haviam trabalhado com o diretor em 21 Grams e Babel . Juntar tomadas foi, claro, um componente crucial da edição, mas Crise e Mirrione já tinham experiência nisso. O diretor incluiu tomadas que foram reunidas em filmes anteriores, mas nestes, se os editores não achassem que a costura funcionou, eles teriam a capacidade de introduzir cortes. Mirrione disse que em Birdman Iñárritu tinha "deixado ir essa rede de segurança". Por causa disso, os editores precisaram estar envolvidos no projeto desde o início, e durante a fotografia principal, Crise estava no set todos os dias. (Mirrione estava ocupado e não podia estar em Nova York.) Crise não estava acostumado a estar no set e fornecer feedback, mas disse que estava feliz por Iñárritu "ter arrancado tudo" dele, sabendo que eles não teriam muito espaço para consertar cenas mais tarde, então eles precisavam acertar. Para costurar, além do diretor, Crise também discutiu estratégias com Lubezki e Thompson, e as técnicas para colar tomadas incluíam panorâmicas em paredes e corpos de atores. Os editores estavam acostumados a poder ajustar o ritmo de uma cena pelo posicionamento dos cortes, então, sem essa ferramenta, usaram a música de Sánchez. O diretor deu as gravações de Nova York para Crise logo no início para ajudá-lo com o ritmo, pedindo-lhe que cortasse a música para o filme. Ainda assim, em termos de fluxo de trabalho de edição, Crise o descreveu como "bastante tradicional". Os editores montaram o filme juntos em Los Angeles. Algumas semanas depois de filmar, eles estavam bem adiantados no corte em si e passaram para o modo de efeitos visuais, onde ajustaram as tomadas.

Eles sempre falam sobre como quando você está cortando uma cena de dança, uma coreógrafa não iria querer nenhum corte porque ela está desenhando algo para ver todo o movimento, e era isso que Alejandro estava fazendo aqui.

-  Stephen Mirrione

Os efeitos visuais do filme foram criados pelo estúdio Rodeo FX, de Montreal . Eles passaram quatro meses trabalhando no filme e, de acordo com o supervisor de efeitos visuais Ara Khanikian, "os efeitos visuais tocaram 90% dos frames do filme". Muito do trabalho era sutil. Por exemplo, costurar fotos ou criar o plano de fundo para as janelas na cena do hospital. Muitas tomadas nos espelhos do filme, e muito trabalho foi gasto para remover os reflexos da equipe deles. Para conseguir isso, o estúdio criou uma pintura digital fosca 2,5D do ambiente refletido. Eles então rotoscopearam as partes do espelho que não continham os atores em primeiro plano e seus reflexos, e os substituíram pelo ambiente digital. Algumas das fotos originais capturaram manchas e sujeira nos espelhos, então o estúdio desenvolveu uma maneira de extraí-los para que pudessem colá-los de volta no filme. Uma pintura fosca foi construída para os lapsos noturnos do filme também, criada por matchmoving e reprojetando fotos dos prédios que ele apresenta, capturadas em diferentes momentos do dia, juntas. O Rodeo FX também ajustou o ritmo das cenas. Iñárritu exigiu um "ritmo e fluxo muito precisos" para o filme, então o estúdio teve que acelerar muito com curvas de redução do tempo para se adequar ao ritmo que o diretor desejava.

Ao contrário de alguns dos ajustes menores, a sequência de voo exigiu uma preparação extensa. Iñárritu passou três semanas com a Halon Entertainment para pré - visualizar a sequência. Em Nova York, Lubezki usou a coreografia da pré-visualização para filmar as placas de fundo da sequência, usando um guindaste com câmera em um caminhão. Quando estas foram filmadas, Lubezki montou quatro câmeras GoPro na lente da câmera de filme para capturar o ambiente de luz ao seu redor. Mais tarde, em um palco verde em Montreal, usando uma técnica que havia desenvolvido em Gravity , Lubezki iluminou Keaton com painéis de LED apresentando imagens de alto alcance dinâmico das filmagens de Nova York ao redor. Os painéis iluminaram Keaton de forma realista. Khanikian descreveu o efeito do processo, dizendo: "Em vez de usar iluminação padrão na tela verde, [estávamos obtendo] o reflexo vermelho adequado dos tijolos vermelhos e a mesma cor do céu refletida na cabeça de Michael. Funcionou muito bem. " O Rodeo FX então completou as tacadas finais. A sequência foi a última peça que os editores inseriram no filme. Mirrione comentou que antes de a sequência terminar, eles "tinham apenas imaginado como seria a sensação", mas uma vez que foi concluída, "levou o filme a um nível de êxtase que absolutamente me surpreendeu".

A criação de som do filme ficou a cargo de Martín Hernández, que trabalhou em todos os longas-metragens do diretor. O som de produção que sua equipe recebeu era "surpreendentemente perfeito e limpo", então eles não precisaram perder muito tempo organizando-o. A falta de cortes visuais no filme significou um desvio da maneira usual como Hernández editava o som. “Normalmente, Alejandro gosta, como ele chama, de 'o choque dos sons'. A câmera muda o ângulo dentro da cena e há uma mudança de tudo - planos de fundo, textura, diálogo. Obviamente, isso não funcionaria em Birdman porque aqui , tudo está fluindo. " Além disso, o som dos objetos no filme precisava ser coordenado com sua posição na tela, uma tarefa nada trivial, já que a câmera quase sempre estava em movimento. Hernández também ajudou a cortar as faixas de Sánchez, selecionando e editando momentos das gravações nova-iorquinas do filme. Quando as faixas foram regravadas em Los Angeles, para "ter distância, proximidade e ressonância", a equipe usou trinta e dois microfones para cada tomada. Hernández descreveu o trabalho como "louco". Um grande desafio do trabalho sonoro de pós-produção foi projetar o som do público do teatro, principalmente na cena em que Mike está bêbado e sai do personagem. Iñárritu sabia como queria que o público respondesse, mas descobrir o som de sua reação levou quatro meses de trabalho de cinco designers de som. Hernández disse pensar, para um filme em geral, que a narrativa criada pelo som "provoca mais 'explosões'" do que a criada pelas imagens, e que em Birdman , "Alejandro tem som explodindo ao longo de todo o filme".

O intermediário digital foi concluído por uma equipe da Technicolor liderada por Steven Scott. Eles já haviam colaborado com Lubezki em Gravity , mas precisavam abordar Birdman de maneira diferente por causa da abordagem de tiro contínuo. Segundo Scott, “nunca fizemos nada parecido antes”. O timing das cores tinha que ser feito de forma que as transições entre ambientes com correção de cores fossem invisíveis, ao contrário de um filme comum onde as transições coincidem com cortes visíveis. Para fazer isso, a equipe inseriu seus próprios cortes sempre que a câmera estava parada e no meio de panelas e outros movimentos da câmera. Eles então criaram uma maneira de corrigir a cor dos cortes estacionários e transformar os cortes móveis em uma forma de dissolução, permitindo-lhes "fazer todas essas correções de cor independentes, malucas e complicadas que fluiriam organicamente de um para o outro". A inserção dos dissolves exigia métodos de rotoscopia que o software que Scott e sua equipe estavam usando não possuíam, mas um acordo empresarial entre a Technicolor e o desenvolvedor do software levou à criação de uma ferramenta que Scott exigia. Para o tempo de cor em si, uma das prioridades da equipe era tornar os rostos o mais dimensionais e legíveis possível. Isso exigia, entre outras coisas, que os rostos fossem destacados, mas o trabalho da câmera em movimento significava que os mates usados ​​neste processo tinham que ser animados à mão. Lubezki forneceria notas sobre as áreas que ele queria rastrear e, em seguida, a equipe realizaria as animações. De todo o processo, Iñárritu observou que "todos estavam fora de sua zona de conforto", enquanto Scott disse que foi o projeto DI mais desafiador de sua carreira.

Análise e temas

O diretor enfatizou e defendeu as várias ambigüidades intencionalmente incluídas no filme: "No final do filme, [ele] pode ser interpretado de tantas maneiras quantas forem as poltronas no teatro." Muitos aspectos da teoria do cinema foram debatidos em relação ao filme por críticas críticas que incluíram, entre outros assuntos, (a) gênero cinematográfico ; (b) ambiguidades da trama intencionais e não resolvidas ; e (c) a complexa interação da vida pessoal de Riggan com sua vida profissional como ator . Uma pequena lista das diversas formas de gênero de filme associado com o filme tenha incluído a ser referido alternativamente como um filme preto-humor, um filme de saúde mental, a / realismo surrealismo / realismo mágico filme, um filme de paródia escuro-humor , um filme de realismo psicológico, um drama de reconciliação doméstica fracassado ou um filme sobre realismo teatral e naturalismo. Iñárritu manteve sua tendência, bem conhecida pelos seguidores de seus filmes anteriores, de incluir deliberadamente vários enredos neste filme, que são intencionalmente deixados sem solução no final. Críticas separadas na imprensa também resumiram o filme como intimamente associado ao tema da queda final de uma crise de meia-idade na vida de um ator que já se foi em busca de um fechamento e uma solução em sua vida pública e privada.

Os temas pai-filha do filme, retratados através da relação de Riggan e Samantha, foram as partes "mais difíceis" e importantes do filme para os co-roteiristas Dinelaris e Giacobone, já que ambos tiveram experiências semelhantes em suas famílias envolvendo seus próprios relacionamentos com suas filhas. Quando os escritores foram questionados sobre o significado do final ambíguo sobre o qual o diretor se recusou a comentar, eles afirmaram que qualquer final cômico estava completamente descartado. Os escritores também afirmaram que as reflexões sobre a conclusão do filme não se concentraram diretamente em Riggan ou no personagem de Birdman, tanto quanto nas vidas dos personagens sobreviventes retratados no filme, em particular o retrato da filha de Riggan, Samantha.

Observando a atração temática entre a insanidade de Riggan ou os superpoderes reais, Travis LaCouter, do First Things, escreve que "a importância desses poderes - reais ou imaginários - é aparente: eles são para Riggan o que está além dos rótulos, o cerne de seu gênio e, porque ele vê sacar sobre eles como uma venda, a fonte de sua grande angústia. " LaCouter conclui que "a profundidade peculiar deste filme está em como ele ousa o espectador a considerar a magia cotidiana que tendemos a ignorar, reprimir ou ressentir".

Os críticos Barbara Schweizerhof e Matthew Pejkovici vêem o tema central do filme como uma crítica satírica do realismo teatral contemporâneo, com Pejkovici comparando-o com louvor ao filme (1963) de Fellini . Como afirma Pejkovici: "Muito parecido com o clássico 8½ de Fellini de 1960 [sic] , Birdman de Iñárritu é um filme muito íntimo sobre o mal-estar de um artista, mas é épico, inovador e ambicioso na abordagem. Iñárritu captura a batalha do artista entre ambição, admiração e celebridade com alcance e habilidade impressionantes na forma de um formato de tomada única, enquanto sua câmera varre os corredores dos bastidores, através do palco, nas movimentadas ruas de Nova York e de volta de uma forma de tirar o fôlego. "

Tematicamente, Richard Brody também o comparou com a Noite de Abertura (1977) de John Cassavetes . Brody disse que os atores representavam "o tipo de naturalismo moderno, sem excentricidade de gesto, excesso de expressão ou precisão formalista e exacerbada, que é o business-casual do cinema contemporâneo". Caryn James, do Wall Street Journal , comparou a história com a de Dom Quixote (que se acredita um cavaleiro), já que o personagem principal acredita que ele é um super-herói (o equivalente a um cavaleiro no século 21). Essa relação também foi destacada pela literatura acadêmica.

Liberar

Birdman foi escolhido como o filme de abertura do 71º Festival Internacional de Cinema de Veneza junto com o novo filme de Mohsen Makhmalbaf . Um lançamento limitado começou em quatro cinemas norte-americanos em 17 de outubro de 2014, seguido por um lançamento nacional em 857 cinemas em 14 de novembro de 2014.

Bilheteria

Birdman arrecadou $ 42,3 milhões na América do Norte e $ 60,9 milhões em outros territórios, para um total mundial de $ 103,2 milhões, contra um orçamento de cerca de $ 17 milhões.

O filme arrecadou $ 424.397 durante sua estreia limitada na América do Norte em quatro cinemas em Nova York e Los Angeles no fim de semana de 17 de outubro de 2014, uma média por sala de $ 106.099, tornando-se o 18º ganhador de todos os tempos (o oitavo entre os filmes ao vivo filmes) e classificação 20. No segundo fim de semana de 24 de outubro de 2014, Birdman expandiu para 50 cinemas e ganhou US $ 1,38 milhão, o que se traduz em uma média de US $ 27.593 por sala. O filme se expandiu nacionalmente para 857 cinemas no fim de semana de 14 de novembro de 2014, arrecadando $ 2.471.471, com uma média por sala de $ 2.884, e ocupando a posição n ° 10. No mesmo fim de semana, Birdman arrecadou $ 11,6 milhões.

O filme estreou no México em 13 de novembro de 2014, arrecadando $ 628.915 em seu fim de semana de estreia, e estreou no Reino Unido em 2 de janeiro de 2015, arrecadando $ 2.337.407 no fim de semana. No Reino Unido, Austrália e Itália, o filme arrecadou $ 7,6 milhões, $ 3,97 milhões e $ 1,97 milhões, respectivamente.

resposta crítica

No site de agregação de resenhas Rotten Tomatoes , o filme tem uma taxa de aprovação de 91%, com base em 351 resenhas, e uma classificação média de 8.50 / 10. O consenso crítico do site diz: "Um salto emocionante para o diretor Alejandro González Iñárritu, Birdman é uma vitrine técnica ambiciosa alimentada por uma história em camadas e atuações excepcionais de Michael Keaton e Edward Norton." No Metacritic , o filme recebeu uma pontuação média ponderada de 87 em 100, com base em 58 críticos, indicando "aclamação universal". O público pesquisado pela CinemaScore deu ao filme uma nota média de "A–" em uma escala de A + a F. Em 2015, o filme foi eleito um dos 50 melhores filmes da década até agora pelo The Guardian .

As atuações de (da esquerda para a direita) Michael Keaton , Edward Norton e Emma Stone foram elogiadas pela crítica e indicadas ao Oscar .

Margaret Pomeranz e David Stratton de At the Movies elogiaram a escrita, direção, performances e cinematografia do filme. Stratton também descreveu a implementação da partitura de percussão como "realmente empolgante", enquanto Pomeranz resumiu: "É realmente muito bem escrita e incrivelmente executada e belamente feita." A dupla deu ao filme cinco estrelas, fazendo de Birdman o único filme a receber tal classificação dos apresentadores em 2014. No The New York Times , Manohla Dargis comparou o personagem principal a Ícaro , a figura mitológica grega que caiu para a morte após voando muito perto do sol. Ela também notou uma referência a Contra a Interpretação, de Susan Sontag , no espelho do camarim.

Richard Kolker comparou o filme a Alfred Hitchcock 's Rope (1948) e Alexander Sokurov 's Russian Ark (2002). Kolker conclui que Birdman é "um filme sobre atuação, identidade, transformação e os efeitos misteriosos de super-heróis, (e) é filmado para criar a ilusão de ser feito em uma tomada contínua. Como em Rope , as edições são ocultadas, e o o resultado é um deslizar rítmico pela vida de um ator em busca de si mesmo, uma busca condenada desde o início. "

A recepção internacional do filme também foi muito elogiada. Na Alemanha, uma classificação agregada do filme na EPD Film deu ao filme uma classificação de 3,4 em 5, com base em sete críticas. A crítica alemã Barbara Schweizerhof deu ao filme 4 de 5 estrelas possíveis, elogiando o virtuosismo satírico do diretor ao fazer o filme. Em sua crítica, Schweizerhof falou do filme como um convite ao espectador para assisti-lo "uma segunda e terceira vez" e elogiou a realização técnica de representar um enredo que descreve "o fluxo febril de consciência" de seu personagem principal ao longo do filme .

O trabalho de câmera, que retrata a maior parte do filme como uma tomada contínua, foi recebido com grande aclamação por sua execução e uso. A atuação foi amplamente elogiada, especialmente a de Keaton, com Peter Debruge of Variety chamando a performance de "o retorno do século". Debruge descreveu o filme como "uma sátira autoconsciente do showbiz" e chamou-o de "um triunfo em todos os níveis criativos". Robbie Collin do The Daily Telegraph avaliou o filme em 5/5 e elogiou especialmente o uso de tomadas longas por Emmanuel Lubezki , diretor de fotografia. Richard Roeper deu ao filme um "A" e escreveu que Keaton fez um caso sério para uma indicação ao Oscar de Melhor Ator (que Keaton conseguiu mais tarde).

Escrevendo para The New Yorker , Richard Brody chamou o filme de "Godardian", comparando-o a Pierrot le Fou (1965), Every Man for Himself (1980), Alphaville (1965) e Germany Year 90 Nine Zero (1991), quatro clássicos filmes do diretor francês Jean-Luc Godard . No entanto, ele sugeriu que o filme ficou aquém de atingir o mesmo domínio cinematográfico, acrescentando, "não é uma boa ideia para um cineasta entrar no ringue com o Sr. Godard". Em seus comentários críticos sobre o filme, ele concluiu que o filme "trocou dicotomias casuais e fáceis de teatro versus cinema e arte versus comércio" e "entregou [ed] uma obra de drama totalmente familiar e não original". Em outra resenha na The New Yorker suplementando separadamente a resenha de Brody, Anthony Lane rejeitou a sugestão do filme de que os críticos de cinema estão decididos a destruir filmes, explicando: "Alguém poderia ter dito a Iñárritu que os críticos, embora muitas vezes desejem dizer, não o são preventivamente, e que qualquer pessoa que dissesse, como faz Tabitha, 'Vou destruir sua peça', antes de realmente vê-la, não ficaria muito no trabalho. "

Alguns comentários foram negativos. Richard Lawson, da Vanity Fair , chamou o filme de "antigo" e "aparentemente simples". Scott Tobias, escrevendo para The Dissolve , deu ao filme 1,5 estrelas. Ele elogia a cinematografia de Lubezki por ter conseguido "prender os espectadores em uma atmosfera de panela de pressão enquanto Riggan e seus jogadores lutam para mantê-la juntos", mas sugere que Iñárritu é "incapaz de modulação" e que existe "uma amargura para Birdman que Iñárritu não pode se transformar em sagacidade ".

Elogios

No 87º Oscar , Birdman ganhou quatro Oscars: Melhor Filme , Melhor Diretor , Melhor Roteiro Original e Melhor Fotografia . Michael Keaton foi indicado para Melhor Ator , Edward Norton e Emma Stone foram indicados para as categorias de Melhor Atuação Coadjuvante, e também recebeu indicações para Edição de Som e Mixagem de Som.

Keaton recebeu seu primeiro Globo de Ouro , ganhando de Melhor Ator em um Filme - Musical ou Comédia no 72º Globo de Ouro . O filme também ganhou o Globo de Ouro de Melhor Roteiro.

Dez principais listas

Birdman foi listado nas dez listas principais de muitos críticos.

Notas

Referências

links externos