Edição de continuidade - Continuity editing
A edição de continuidade é o processo, na criação de filme e vídeo, de combinar tomadas mais ou menos relacionadas, ou diferentes componentes cortados de uma única tomada, em uma sequência para direcionar a atenção do espectador para uma consistência pré-existente da história em ambos os tempos e localização física. Freqüentemente usado em longas-metragens, a edição de continuidade, ou "corte para a continuidade", pode ser contrastada com abordagens como a montagem , com a qual o editor visa gerar, na mente do espectador, novas associações entre as várias tomadas que podem então ser de assuntos inteiramente diferentes, ou pelo menos de assuntos menos intimamente relacionados do que seria necessário para a abordagem de continuidade.
Técnicas comuns de edição de continuidade
A edição de continuidade pode ser dividida em duas categorias: continuidade temporal e continuidade espacial. Dentro de cada categoria, técnicas específicas funcionarão contra um senso de continuidade. Em outras palavras, as técnicas podem fazer com que uma passagem seja contínua, dando ao espectador uma narração física concreta a seguir, ou descontínua, causando desorientação, ponderação ou mesmo interpretação ou reação subliminar, como no estilo de montagem.
As formas importantes de preservar a continuidade temporal são evitar a elipse , usar som diegético contínuo e utilizar a técnica de combinação em ação .
Uma elipse é uma aparente quebra na continuidade natural do tempo, conforme está implícita na história do filme. A maneira mais simples de manter a continuidade temporal é filmar e usar toda a ação envolvida na suposta duração da história, seja ela pertinente ou não. Também seria necessário rodar o filme inteiro de uma só vez para não ter que editar juntos diferentes planos, causando desorientação temporal do espectador. No entanto, em uma história que vai ocupar longos períodos de tempo, o espectador terá que gastar muito tempo assistindo ao filme. Assim, embora em muitos casos a elipse se mostre necessária, sua eliminação total preservaria melhor a continuidade temporal de qualquer filme.
O som diegético é aquele que deve ter ocorrido dentro da história durante a ação vista. É o som que vem de dentro do mundo narrativo de um filme (incluindo o som fora da tela). O som diegético contínuo ajuda a suavizar cortes temporalmente questionáveis, sobrepondo as imagens. Aqui, a lógica é que, se uma ocorrência sônica dentro da ação da cena não tem interrupções no tempo, então seria impossível que a cena e seus visuais correspondentes fossem qualquer coisa, exceto temporalmente contínuos.
A técnica de correspondência na ação pode preservar a continuidade temporal onde há um movimento físico uniforme e não repetido ou mudança dentro de uma passagem. Uma correspondência na ação é quando alguma ação que ocorre antes do corte temporalmente questionável é iniciada onde o corte a deixou pelo tiro imediatamente seguinte. Por exemplo, uma cena de alguém jogando uma bola pode ser editada para mostrar duas visualizações diferentes, enquanto mantém a continuidade temporal, certificando-se de que a segunda cena mostra o braço do sujeito no mesmo estágio de seu movimento em que foi deixado ao cortar o primeiro tiro.
A descontinuidade temporal pode ser expressa pelo uso deliberado de elipses. As técnicas de corte úteis para mostrar a natureza das elipses específicas são dissolver e desvanecer. Outros estilos de edição podem mostrar uma reversão do tempo ou mesmo um abandono total dele. Estas são as técnicas de flashback e montagem, respectivamente.
Um esmaecimento é uma transformação gradual de uma imagem de preto ou para trás. Uma dissolução é uma transição simultânea de sobreposição de uma tomada para outra que não envolve um corte instantâneo ou mudança no brilho. Ambas as formas de transição (esmaecimento e dissolução) criam uma medida ambígua de elipse que pode constituir dias, meses, anos ou mesmo séculos (narrativas) diagéticos. Através do uso de dissolve ou fade , pode-se aludir à duração relativa das elipses em que o dissolve mantém uma ligação visual, mas o fade para preto não. Não se pode argumentar que uma constitui reticências curtas e a outra longa, pois isso nega a própria ambigüidade funcional criada por tais transições. A ambiguidade é removida com o uso de legendas e intertítulos, como "três semanas depois", se desejado.
O flashback é uma relocação do tempo dentro de uma história, ou mais precisamente, uma janela através da qual o espectador pode ver o que aconteceu em um momento antes considerado (ou assumido) como a história presente. Um flashback torna seu quadro de tempo evidente por meio da ação da cena ou do uso de arquétipos comuns, como tonalidade sépia, o uso de filmagens no estilo home-movie, roupas de época ou até mesmo por meio de dispositivos óbvios, como relógios e calendários ou vinculação direta de personagens. Por exemplo, se depois de ver um homem adulto na história presente, ocorre um corte para um menino sendo chamado pelo nome do homem, o observador pode presumir que a cena do menino retrata um tempo anterior à história presente. A cena do menino seria um flashback.
A técnica de montagem é aquela que não implica nenhuma continuidade temporal real. A montagem é realizada com uma coleção de imagens simbolicamente relacionadas, cortadas juntas de uma forma que sugere relações psicológicas em vez de um continuum temporal.
Tão importante quanto a continuidade temporal para a continuidade geral de um filme é a continuidade espacial. E, como a continuidade temporal, pode ser alcançada de várias maneiras: o tiro de estabelecimento , a regra de 180 graus , a correspondência na linha do olho e a correspondência em ação .
A tomada de estabelecimento é aquela que fornece uma visão de todo o espaço em que a ação está ocorrendo. Sua teoria é que é difícil para um espectador ficar desorientado quando todo o espaço da história é apresentado diante dele. A tomada de estabelecimento pode ser usada a qualquer momento como uma tomada de restabelecimento. Isso pode ser necessário quando uma sequência complexa de cortes pode ter servido para desorientar o observador.
Uma maneira de evitar a desorientação do visualizador na edição é aderir à regra dos 180 graus . A regra evita que a câmera cruze a linha imaginária conectando os objetos da foto. Outro método é a combinação da linha dos olhos. Ao filmar um assunto humano, ele ou ela pode olhar para o próximo assunto a ser cortado, usando assim o eu do primeiro como uma referência para o observador usar enquanto localiza o novo assunto dentro do cenário.
Com o estabelecimento do tiro, regra de 180 graus, combinação da linha dos olhos e a combinação discutida anteriormente em ação, a continuidade espacial é alcançável. No entanto, se desejar transmitir um espaço desarticulado, ou descontinuidade espacial, além de contradizer propositalmente as ferramentas de continuidade, pode-se aproveitar o crosscutting e o jump cut .
O corte transversal é uma técnica que transmite uma descontinuidade espacial inegável. Isso pode ser alcançado cortando para frente e para trás entre tomadas de lugares não relacionados espacialmente. Nestes casos, o espectador entenderá claramente que os lugares devem ser separados e paralelos. Portanto, nesse sentido, o espectador pode não ficar particularmente desorientado, mas sob o princípio da edição de continuidade espacial, o crosscutting é considerado uma técnica de descontinuidade espacial.
O corte de salto é, sem dúvida, um dispositivo de desorientação. O corte de salto é um corte entre duas fotos que são tão semelhantes que ocorre um salto perceptível na imagem. A regra dos 30 graus foi formulada para eliminar cortes em salto. A regra dos 30 graus exige que nenhuma edição junte duas fotos cujos pontos de vista da câmera estejam a menos de 30 graus um do outro.
Veja também
Referências
Leitura adicional
- Bordwell, David; Thompson, Kristin (2006). Film Art: uma introdução . Nova York: McGraw-Hill. ISBN 0-07-331027-1 .