Doris Salcedo - Doris Salcedo

Doris Salcedo
GUGG Doris Salcedo.jpg
Salcedo em 2015
Nascer 1958
Nacionalidade colombiano
Educação Jorge Tadeo Lozano University ( BA )
New York University ( MA )
Movimento Arte como Ativismo
Prêmios Guggenheim Fellowship (1995)
The Ordway Prize, da Penny McCall Foundation (2005)
Commission from Tate Modern, Londres (2007)
Velázquez Visual Arts Prize (2010)
Hiroshima Art Prize (2014)
Shibboleth na Tate Modern

Doris Salcedo (nascido em 1958) é um colombiano -born artista visual e escultor . Seu trabalho é influenciado por suas experiências de vida na Colômbia e geralmente é composto de itens comuns, como móveis de madeira, roupas, concreto, grama e pétalas de rosa. A obra de Salcedo dá forma à dor, ao trauma e à perda, ao mesmo tempo que cria espaço para o luto individual e coletivo. Esses temas derivam de sua própria história pessoal. Membros de sua própria família estavam entre as muitas pessoas que desapareceram na Colômbia politicamente problemática. Grande parte de seu trabalho trata do fato de que, embora a morte de um ente querido possa ser lamentada, seu desaparecimento deixa um vazio insuportável. Salcedo vive e trabalha em Bogotá , Colômbia .

Infância e educação

Doris Salcedo nasceu em 1958 em Bogotá , Colômbia . Salcedo concluiu o bacharelado em Belas Artes na Universidade Jorge Tadeo Lozano em 1980, antes de viajar para a cidade de Nova York , onde concluiu o mestrado em Belas Artes na Universidade de Nova York em 1984. Em seguida, voltou a Bogotá para lecionar na Universidad Nacional de Colômbia .

Arte como reparo

Doris Salcedo aborda a questão do esquecimento e da memória em sua obra de instalação. Em peças como Unland: The Orphan's Tunic de 1997 e a série La Casa Viuda do início dos anos 1990, Salcedo pega utensílios domésticos comuns, como cadeira e mesa, e os transforma em memoriais para as vítimas da Guerra Civil na Colômbia.

Em seu livro Passados ​​presentes: Passados ​​presentes: Palimpsestos urbanos e a política da memória , Andreas Huyssen dedica um capítulo a Doris Salcedo e Unland: a túnica do órfão , apresentando seu trabalho como “Escultura da memória”. Huyssen oferece uma descrição detalhada da peça, uma mesa aparentemente mundana que, quando considerada de perto, "captura a imaginação do espectador em sua presença visual e material inesperada e assustadora". Uma peça de mobília aparentemente cotidiana é, na verdade, feita de duas mesas destruídas unidas e cobertas por um véu de tecido esbranquiçado, presumivelmente a túnica original do órfão. Olhando ainda mais de perto, centenas de pequenos fios de cabelo humanos parecem ser o fio que prende a túnica à mesa. Huyssen equipara a estrutura das tabelas ao corpo. “Se a túnica é como uma pele ... então a mesa ganha uma presença metafórica como corpo, agora não de um órfão individual, mas de uma comunidade órfã.” A Unland de Salcedo é uma escultura de memória que apresenta o passado de seu próprio país, a Colômbia, ao público internacional da arte.

Durante uma conversa com Carlos Basualdo , Salcedo discute sua própria abordagem na produção de arte:

“A forma como uma obra de arte reúne os materiais é incrivelmente poderosa. A escultura é sua materialidade. Trabalho com materiais que já estão carregados de significado, de sentido que eles exigiram na prática da vida cotidiana ... então, eu trabalho até o ponto em que se torna outra coisa, onde se chega à metamorfose ”.

Novamente, em uma entrevista de 1998 com Charles Merewether, Salcedo expõe essa noção de metamorfose, descrevendo a experiência do espectador com seu próprio reparo artístico ou restauração do passado.

“A contemplação silenciosa de cada espectador permite que a vida vista na obra reapareça. A mudança acontece, como se a experiência da vítima se estendesse ... A escultura apresenta a experiência como algo presente - uma realidade que ressoa no silêncio de cada ser humano que a contempla ”.

Salcedo emprega objetos do passado, objetos imbuídos de um importante sentido da história e, por meio dessas esculturas de memória contemporâneas, ilustra o fluxo do tempo. Ela junta o passado e o presente, repara o que vê como incompleto e, aos olhos de Huyssen, apresenta “a memória à beira do abismo… a memória no sentido literal… e a memória como processo”.

Instalações

O trabalho de Salcedo tornou-se cada vez mais baseado na instalação. Ela usa espaços de galeria ou locais incomuns para criar arte e ambientes que são politicamente e historicamente carregados. Noviembre 6 y 7 (2002) é uma obra que comemora o décimo sétimo aniversário da violenta apreensão da Suprema Corte em Bogotá em 6 e 7 de novembro de 1985. Salcedo colocou esta peça no novo Palácio da Justiça. Ela levou ao longo de 53 horas (a duração do cerco original) para colocar cadeiras de madeira contra a fachada do prédio sendo baixado de diferentes pontos de seu telhado. Salcedo fez isso criando “um ato de memória”. Seu objetivo era habitar novamente o espaço que foi esquecido.

Em 2003, na obra que chamou de Instalação para a 8ª Bienal de Istambul , fez uma instalação em uma rua comum composta por 1.500 cadeiras de madeira empilhadas precariamente no espaço entre dois prédios.

Em 2005, no Castello di Rivoli , Salcedo reformulou uma das principais salas da instituição, ampliando o teto abobadado de tijolos existente da galeria. Transformando sutilmente o espaço existente, Abyss foi projetado para evocar pensamentos de encarceramento e sepultamento.

Em 2007, Salcedo se tornou a oitava artista a ter sido contratada para produzir trabalhos para o salão de turbinas Unilever da galeria Tate Modern em Londres, para o qual ela criou Shibboleth , uma fenda de 167 metros de comprimento ao longo do chão do salão ( foto acima ) que Salcedo diz "representa as fronteiras, a experiência dos imigrantes, a experiência da segregação, a experiência do ódio racial. É a experiência de uma pessoa do Terceiro Mundo que chega ao coração da Europa". Dessa forma, sua instalação representou exclusão, separação e alteridade.

Exposições

Salcedo expôs internacionalmente em exposições coletivas, incluindo Carnegie International (1995), XXIV Bienal de São Paulo (1998), Trace , The Liverpool Biennial of Contemporary Art (1999), Documenta XI, Kassel (2002), 8th Istanbul Biennial (2003), ' NeoHooDoo ', PS1 Contemporary Art Centre, Nova York, The Menil Collection, Houston (2008),' The New Décor ', Hayward Gallery, Londres (2010) e o Allen Memorial Art Museum em Oberlin College (2014–15). As exposições individuais incluem The New Museum of Contemporary Art , Nova York (1998), Museu de Arte Moderna de São Francisco (1999 e 2005), Tate Britain , Londres (1999), Camden Arts Centre, Londres (2001), White Cube , Londres ( 2004), Tate Modern , Londres (2007), The 80's: A Topology (2007), e Inhotim, Centro de Arte Contemporânea, Belo Horizonte, (2008). De abril de 2010 a fevereiro de 2013, a instalação da artista “plegaria Muda” viajou para museus em toda a Europa e América do Sul, incluindo MUAC, México; Moderna Museet, Malmö e CAM Gulbenkian, Lisboa (2011); MAXXI Roma e Pinacoteca de São Paulo (2012), o Museu de Arte Contemporânea de Chicago (2015) e o Museu Solomon R. Guggenheim. (2015); e Harvard Art Museums (2016).

Reconhecimento

Análise de obras de arte individuais

Istambul é uma instalação composta por 1.550 cadeiras empilhadas entre dois prédios urbanos altos. A ideia de Salcedo com esta peça era criar o que ela chamou de "uma topografia de guerra". Ela esclarece isso dizendo que o objetivo é "representar a guerra em geral e não um evento histórico específico". Salcedo é citado dizendo "ao ver essas 1.550 cadeiras de madeira empilhadas entre dois edifícios no centro de Istambul, lembro-me de valas comuns. De vítimas anônimas. Penso no caos e na ausência, dois efeitos da violência do tempo de guerra." Salcedo explica: “O que estou tentando extrair dessas peças é aquele elemento que é comum em todos nós”. “E em uma situação de guerra, todos nós a vivenciamos da mesma maneira, seja como vítima ou agressor. Portanto, não estou narrando uma história em particular. Estou apenas falando sobre experiências. ” Em 2007, quatro anos após a instalação de Salcedo em Istambul, outro artista, o dissidente chinês Ai Weiwei , usou cadeiras para criar um efeito de memória em sua obra Fairytale . Ele instalou o conjunto de 1.001 cadeiras das dinastias Ming e Qing na Documenta 12 em Kassel, Alemanha , uma cadeira para cada um dos 1.001 viajantes chineses deslocados. Sua peça se concentrava no deslocamento chinês, um tema semelhante a Salcedo.

Atrabiliarios é uma instalação que incorpora compensado, calçado, fibra animal, fio e pele de carneiro em seis nichos distintos. Em sua peça, sapatos velhos, em pares e solteiros, são envoltos por lâminas de pele translúcida de animal dentro de alcovas ou nichos na parede da galeria. A pele é grosseiramente costurada à parede com suturas médicas. No chão, embaixo, estão algumas caixinhas feitas da mesma pele de animal. Os sapatos usados ​​pertenciam a mulheres que 'desapareceram' e foram doados a Salcedo pelas famílias das vítimas. O uso destes sapatos nos Atrabiliarios pretende fazer ecoar a memória daqueles cujo destino e paradeiro são desconhecidos. Salcedo descreve isso como um ser "permanentemente suspenso entre o presente e o passado". Portanto, Atrabiliarios é "não apenas um retrato do desaparecimento, mas um retrato da condição mental de incerteza, saudade e luto dos sobreviventes". Salcedo busca não só expressar o horror à violência, mas também investigar como as pessoas prevalecem em tempos de tortura, reparando suas feridas físicas e psicológicas, além de levantar resistências e relembrar os desaparecidos.

Shibboleth foi sua instalação no Turbine Hall na Tate Modern em Londres. Salcedo foi o primeiro artista a mudar o edifício físico. Salcedo usou esta peça para dar voz às vítimas de todas as injustiças que separaram as pessoas e as armaram umas contra as outras. Em vez de preencher o Turbine Hall com uma instalação, ela abriu uma ferida subterrânea no chão que se estendia por toda a extensão da antiga estação de energia. As paredes de concreto da fresta foram rompidas por uma cerca de malha de aço, criando uma tensão entre os elementos que se resistiam e ao mesmo tempo dependiam uns dos outros. A instalação começou como uma linha fina, quase invisível na entrada principal e gradualmente se alargou em um abismo na outra extremidade. Este projeto foi feito para evocar a fragmentação e separação das culturas pós-coloniais, especialmente em sua terra natal, a Colômbia. Shibboleth levantou questões sobre a interação de fundamentos ideológicos sobre os quais as noções ocidentais de modernidade são construídas e questões sobre racismo e colonialismo que fundamentam o mundo moderno. “A história do racismo”, disse Salcedo, “corre paralela à história da modernidade e é seu lado negro não contado”. Com Shibboleth , Salcedo focou a atenção na existência de uma grande subclasse socialmente excluída, presente em todas as sociedades. Salcedo disse que quebrar o chão do Turbine Hall simbolizou a fratura na própria modernidade. Isso incentivou os espectadores a confrontar verdades incômodas sobre a história e as pessoas. A rachadura também representou a divisão entre ricos e pobres, que pode começar relativamente pouco, mas no final das contas se transformar em uma grande divisão capaz de desmantelar culturas. A rachadura foi feita inteira no final do show, mas ainda há uma lasca que sempre estará lá no piso.

Flor de Piel é uma instalação do tamanho de uma sala exibida pela primeira vez publicamente nos Harvard Art Museums na exposição individual de Salcedo 2016-2017, Doris Salcedo: The Materiality of Mourning . A Flor de Piel , medindo 340 x 500 cm, é uma tapeçaria de milhares de pétalas de rosas vermelhas costuradas à mão, que ondulam suavemente no chão. Suspensas em um estado de transformação, as pétalas perduram entre a vida e a morte e são tão vulneráveis ​​que se rasgam ao serem tocadas. O artista pretendia que a obra fosse uma mortalha para uma enfermeira que foi torturada até a morte na guerra colombiana. Salcedo criou a peça em 2013, trabalhando com pétalas de rosa e fios como seus materiais; A Flor de Piel foi adquirida pelos Museus de Arte de Harvard em 2014.

Plegaria Muda é uma série de esculturas, cada uma composta por duas mesas feitas à mão, que têm aproximadamente o mesmo formato e tamanho de um caixão. Uma mesa fica de cabeça para baixo sobre a outra, com uma camada semelhante à da terra com grama crescendo entre os dois tampos. "Plegaria Muda" se traduz aproximadamente como "oração silenciosa" e é um comentário sobre as relações entre os perpetradores da violência de gangues e suas vítimas, bem como uma homenagem às valas comuns na Colômbia, onde as vítimas da violência de gangues costumam ser enterradas.

Pesquisa e temas atuais

Desde 1988, Salcedo entrevistou pessoas cujos parentes foram "desaparecidos" por presumível ordem dos militares associados à guerra civil e ao comércio de drogas ilegais na Colômbia. Ela visita regularmente vilas abandonadas, locais de assassinato e valas comuns. Salcedo relata que ela tem feito muitas das mesmas pesquisas por muitos anos, com apenas pequenas variações. Por muitos anos ela manteve arquivos em campos de concentração, incluindo campos históricos e mais contemporâneos. Ela está mais interessada em como eles variam um do outro, porque eles estão sempre lá, apenas apresentados em formas diferentes.

“Fiquei surpreso quando Guantánamo foi inaugurado em Cuba , porque Cuba foi o primeiro lugar que teve um campo de concentração. Na verdade, foi uma invenção espanhola. Um general espanhol, Martinez Campos , idealizou em 1896. Naquela época o implantaram em Cuba. É incrível ver como o círculo se completou. Agora você tem Guantánamo de novo em Cuba. Mas é claro que os britânicos o tinham no final do século XIX na África do Sul . Depois os alemães tinham na África Ocidental . Então você têm campos de extermínio, campos de trabalhos forçados, gulags - a lista é interminável. Cheguei à conclusão de que o sistema prisional industrial dos Estados Unidos tem muitos desses elementos, onde as pessoas, realmente sem motivo, por posse de maconha ou coisas assim vão para a prisão, onde alguns crimes menores se tornaram crimes. Estou realmente chocado com o grande número de pessoas sendo jogadas nas prisões. E também acho que é incrível como este sistema, estar na prisão e depois sair, tem tantos efeitos colaterais que t uma porção razoavelmente grande da população não tem permissão para viver. A ideia de ter uma grande parcela da população excluída dos direitos civis, de tantas, muitas possibilidades, implica que você tem pessoas que quase podem ser consideradas socialmente mortas. O que significa estar socialmente morto? O que significa estar vivo e não poder participar? É como estar morto na vida. Isso é o que estou pesquisando agora, e essa é a perspectiva da qual venho observando os eventos há muito tempo. "

Veja também

Referências

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  2. ^ Biografia no site da coleção Tate . URL acessado em 8 de abril de 2007.
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  7. ^ Entrevista com Charles Merewether em Doris Salcedo , 137
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Leitura adicional

  • Bal, Mieke. Do que não se pode falar: Doris Salcedo's Political Art , University of Chicago Press, 2011, 264 páginas
  • Princenthal, Nancy, Carlos Basualdo e Andrea Huyssen, Doris Salcedo , Phaidon, Londres, 2000, 160 páginas
  • Saggio, Antonino, "Doris Salcedo o del fare", L'Architetto Italiano , n.24 pp. 86-87
  • Widholm, Julie Rodrigues e Madeleine Grynsztejn, eds. Doris Salcedo , University of Chicago Press, 2015, 240 páginas

links externos