Música dublada - Dub music

Dub é um gênero de música eletrônica que surgiu do reggae no final dos anos 1960 e início dos anos 1970 e é comumente considerado um subgênero, embora tenha se desenvolvido para se estender além do âmbito do reggae. O estilo consiste predominantemente em remixes parcial ou totalmente instrumentais de gravações existentes e é obtido por meio da manipulação e remodelagem significativas das gravações, geralmente por meio da remoção de alguns ou de todos os vocais, ênfase da seção rítmica (a bateria simplificada a faixa de baixo é algumas vezes referida como riddim ), a aplicação de efeitos de estúdio, como eco e reverberação , e a dublagem ocasional de trechos vocais ou instrumentais da versão original ou outros trabalhos. Foi uma das primeiras formas de música eletrônica popular.

Dub foi pioneiro por engenheiros de gravação e produtores como Osbourne "King Tubby" Ruddock , Lee "Scratch" Perry , Errol Thompson e outros no final dos anos 1960. Augustus Pablo tem o crédito de trazer a melódica para o dub, e também está entre os pioneiros e criadores do gênero. Experimentos semelhantes com gravações na mesa de mixagem fora do ambiente de dancehall também foram feitos pelos produtores Clive Chin e Herman Chin Loy . Esses produtores, especialmente Ruddock e Perry, viam o console de mixagem como um instrumento, manipulando as faixas para criar algo novo e diferente. O Roland Space Echo foi amplamente utilizado por produtores de dub nos anos 1970 para produzir efeitos de eco e delay.

O dub influenciou muitos gêneros musicais, incluindo rock (mais significativamente o subgênero do pós-punk e outros tipos de punk ), pop , hip hop , pós-disco e, posteriormente , house , techno , ambiente , música eletrônica de dança e trip hop . O dub se tornou a base dos gêneros jungle e drum and bass . O dub tradicional sobreviveu e alguns dos criadores, como Mad Professor , continuam a produzir novo material.

Nome

O uso da palavra dub em um contexto de gravação originou-se no final da década de 1920 com o advento das "imagens faladas" e referia-se à adição de uma trilha sonora a um filme; é uma abreviatura informal da palavra duplo . Nos 40 anos seguintes, aproximadamente, o termo encontrou seu caminho na gravação de áudio em geral, geralmente no contexto de fazer uma cópia de uma gravação em outra fita ou disco.

Foi nesse sentido que o termo foi usado pela primeira vez na indústria fonográfica jamaicana: as novas gravações eram frequentemente copiadas inicialmente em discos de acetato únicos , coloquialmente conhecidos como cera macia ou dub e mais tarde como dubplates , para uso exclusivo por operadores de sistemas de som ; tocar uma música como uma gravação exclusiva em um sistema de som era uma boa maneira de um produtor testar a popularidade potencial de uma gravação antes de se comprometer com a prensagem de centenas ou milhares de cópias de singles para venda no varejo. Inicialmente, esses acetatos seriam simplesmente a gravação padrão de uma música que ainda não havia sido lançada em um single, mas por volta de 1968-69 eles começaram a ser mixagens exclusivas com alguns ou todos os vocais mixados, conforme descrito pelo produtor Bunny Lee :

"Sim ... era realmente a VERSÃO naqueles dias - ainda não era dub, porque era apenas o riddim. Um dia, um incidente: Ruddy (operador de sistema de som Ruddy Redwood) estava fazendo dublagem , e quando começou, Smithy (engenheiro de gravação, Byron Smith) parece que vou começar a tocar a voz e o Ruddy dizer: não, mek, corra e eu vou tirar toda a trilha de fundo. "Eu digo, tudo bem, execute de novo e coloque a voz . 'Eu não fiz mais nada assim ainda. "

Depois de descrever como Redwood fez seu DJ tocar primeiro a versão vocal e, em seguida, a versão instrumental em um baile, e como essa novidade era popular, Lee continuou,

"No dia seguinte agora, vou começar e apenas trazer o riddim. Ou ... descer na melodia, trazer uma vozinha e soltá-la de novo ... sim. Ruddy costumava lidar com essa parte sozinho, apareça a voz e largue. Tudo o que Smithy fez foi cortar a dublagem ... "

Os sistemas de som jamaicanos sempre buscaram gravações exclusivas desde suas origens no final dos anos 1940, mas durante a maior parte da década de 1950, quando tocavam discos de rhythm & blues americanos, eram simplesmente discos que os operadores de sistemas de som rivais não tinham e não podiam identificar. Isso progrediu a partir do final da década de 1950, com músicos locais gravando uma música exclusivamente para tocar em um sistema de som específico, com mixagens exclusivas de uma música em acetato, o que se tornou possível com a chegada da gravação de várias faixas na Jamaica. Partindo do conceito de uma versão com parte ou todo o vocal mixado em acetato, a cena do sistema de som ávido por novidades conduziu rapidamente a evolução de mixagens cada vez mais criativas nos primeiros anos da década de 1970, e dentro de alguns anos o termo dub tornou-se ligado a estes independentemente de estarem em um acetato exclusivo ou "dubplate". Conforme o uso do termo se ampliou e evoluiu, Bob Marley e The Wailers usaram a ordem " dublar este aqui!" em concertos ao vivo significa "colocar ênfase no baixo e na bateria". O baterista Sly Dunbar também aponta para o uso do termo relacionado dubwise para significar o uso apenas de bateria e baixo.

É possível que o uso existente da palavra dub para outros significados na Jamaica na época da origem da música possa ter ajudado a cimentar seu uso no contexto musical. Os significados mais frequentes referem-se a uma forma de dança erótica ou relação sexual; esse uso está frequentemente presente em nomes de canções de reggae, por exemplo, "Dub the Pum Pum" dos Silvertones (onde pum pum é uma gíria jamaicana para genitália feminina), "Dub a Dawta" de Big Joe e Fay ( dawta é dialeto jamaicano para filha ). "Sister Maggie Breast" de I-Roy apresenta várias referências sobre sexo :

Eu mantenho isso ao lado

Diga irmãzinha, você pode correr, mas não pode esconder
Escorrega, você tem que deslizar, você tem que abrir bem as virilhas

Paz e amor permanecem

No entanto, todas as três músicas foram gravadas depois que o uso de dub para um estilo de remixagem já era predominante.

Características

A música dublada é caracterizada por uma "versão" ou "dupla" de uma música existente, muitas vezes instrumental, inicialmente quase sempre pressionada nos lados B de discos de 45 RPM e normalmente enfatizando a bateria e o baixo para um som popular em sistemas de som locais . Uma "versão" é um corte alternativo de uma música feita para o DJ "brindar" (uma forma de rap jamaicano ), geralmente com parte ou todo o vocal original removido. Essas "versões" foram usadas como base para novas canções, regravando-as com novos elementos. As faixas instrumentais são normalmente tratadas com efeitos sonoros como eco , reverberação , com instrumentos e vocais entrando e saindo da mixagem. A remoção parcial ou total de vocais e outros instrumentos tende a enfatizar o baixo. A música às vezes apresenta outros ruídos, como pássaros cantando, trovões e relâmpagos, água fluindo e produtores gritando instruções para os músicos. Pode ser aumentado ainda mais por DJs ao vivo. Costuma-se dizer que os sons de muitas camadas com ecos e volumes variados criam paisagens sonoras, ou esculturas sonoras, chamando a atenção para a forma e profundidade do espaço entre os sons, bem como para os próprios sons. Geralmente, há uma sensação distintamente orgânica na música, embora os efeitos sejam criados eletronicamente.

Freqüentemente, essas faixas são usadas para fazer rap de " torradeiras " com letras altamente rimadas e aliterativas . Elas são chamadas de "Versões de DJ". Em formas de reggae baseado em sistema de som , o artista que usa um microfone é referido como " DJ " ou " DJ " (onde em outros gêneros, este artista pode ser denominado "MC", significando " Mestre de Cerimônias ", ou alternativamente , os termos de gíria desenvolvidos posteriormente: "Microphone Commander" ou "Mic Control"), e a pessoa que escolhe a música e opera os toca-discos é chamada de " seletor " (às vezes referido como DJ em outros gêneros).

Uma das principais razões para produzir versões múltiplas era econômica; um produtor musical poderia usar uma gravação de sua propriedade para produzir várias versões de uma única sessão de estúdio. Uma versão também era uma oportunidade para um produtor ou engenheiro de remix de experimentar e expressar seu lado mais criativo. A versão era tipicamente o lado B de um single e usada para experimentar e fornecer algo para os DJs falarem, enquanto o lado A era mais frequentemente dedicado à faixa original orientada para o vocal. Na década de 1970, LPs de faixas dub começaram a ser produzidos; estes poderiam ser, de várias maneiras: uma coleção de novas mixagens dub de riddims usados ​​anteriormente em vários singles, geralmente por um único produtor; a versão dub de um LP vocal existente com mixagens dub de todas as faixas; ou, menos comumente, uma seleção de riddims originais previamente não publicados misturados em um estilo dub.

História

Lee "Scratch" Perry foi um dos primeiros pioneiros do gênero

A música dublada e o brinde introduziram uma nova era de criatividade na música reggae. Desde o início, as músicas de brinde e dub se desenvolveram juntas e influenciaram uma à outra. O desenvolvimento da cultura do sistema de som influenciou o desenvolvimento de técnicas de estúdio na Jamaica, e os primeiros DJs , incluindo Duke Reid e Prince Buster, entre outros, estavam brindando com versões instrumentais de reggae e desenvolvendo música reggae instrumental.

"Versões" e experimentos com mixagem de estúdio (final dos anos 1960)

Em 1968, Kingston, operador de sistema de som da Jamaica Rudolph "Ruddy" Redwood foi ao estúdio de Duke Reid 's Treasure Isle para gravar uma dublagem única do sucesso dos Paragons "On The Beach". O engenheiro Byron Smith deixou a faixa vocal de fora por acidente, mas Redwood manteve o resultado e o tocou em sua próxima dança com seu DJ Wassy brindando com o ritmo. O disco instrumental empolgou as pessoas na aparelhagem e eles começaram a cantar as letras da faixa vocal sobre a instrumental. A invenção foi um sucesso, e Ruddy precisava tocar o instrumental continuamente por meia hora a uma hora naquele dia. No dia seguinte, Bunny Lee, que foi uma testemunha disso, disse a King Tubby que eles precisavam fazer algumas faixas mais instrumentais, já que "essas pessoas as amam", e eles dublaram os vocais de " Ain't Too Proud To Beg " de Slim Smith . Por causa da abordagem inovadora de King Tubby, a faixa instrumental resultante era mais do que apenas uma faixa sem uma voz - King Tubby trocou os vocais e o instrumental, tocando os vocais primeiro, depois tocando o riddim e depois mixando- os juntos. A partir daí, eles começaram a chamar essas faixas de "versões". Outra fonte coloca 1967 e não 1968 como o ano inicial da prática de colocar versões instrumentais de faixas de reggae para o lado B dos discos.

No Studio One, a motivação inicial para experimentar faixas instrumentais e mixagem de estúdio foi corrigir o riddim até que tivesse uma "sensação", para que um cantor, por exemplo, pudesse cantar confortavelmente sobre ele.

Outro motivo para experimentar a mixagem foi a rivalidade entre os sistemas de som. Os criadores de som dos sistemas de som queriam que as faixas que tocavam nos bailes fossem ligeiramente diferentes a cada vez, então eles encomendariam várias cópias do mesmo disco de um estúdio, cada uma com uma mixagem diferente.

Evolução do dub como um subgênero (anos 1970)

Em 1973, por meio dos esforços de vários inovadores, engenheiros e produtores independentes e competitivos, as "versões" instrumentais de reggae de vários estúdios evoluíram para o "dub" como um subgênero do reggae.

O inovador álbum The Undertaker de Derrick Harriott and the Crystallites, desenvolvido por Errol Thompson e com "Sound Effects" creditado a Derrick Harriott, foi um dos primeiros álbuns de reggae estritamente instrumental em seu lançamento em 1970.

Em 1973, pelo menos três produtores, Lee "Scratch" Perry e a equipe de engenheiros / produtores do estúdio Aquarius de Herman Chin Loy e Errol Thompson, reconheceram simultaneamente que havia um mercado ativo para esse novo som "dub" e, conseqüentemente, começaram a lançar o primeiros álbuns consistindo estritamente em dub. Na primavera de 1973, Lee "Scratch" Perry lançou Upsetters 14 Dub Blackboard Jungle , mixado em colaboração com King Tubby e mais comumente conhecido como "Blackboard Jungle Dub". É considerada uma gravação marcante do gênero.

Em 1974, Keith Hudson lançou seu clássico Pick a Dub , amplamente considerado como o primeiro álbum dub deliberadamente temático, com faixas especificamente mixadas no estilo dub com o propósito de aparecerem juntos em um LP, e King Tubby lançou seus dois álbuns de estreia No Grass Roots of Dub e rodeado pelos Dreads na National Arena .

História do dub (início dos anos 1980 até o presente)

O dub continuou a evoluir, sua popularidade crescendo e diminuindo com as mudanças na moda musical. Quase todos os singles de reggae ainda carregam uma versão instrumental no lado B e estes ainda são usados ​​pelas aparelhagens como uma tela em branco para cantores e DJs ao vivo.

Em 1986, a banda japonesa Mute Beat criaria música dub usando instrumentos ao vivo, como trompetes, em vez de equipamento de estúdio, e se tornou uma precursora da música club.

Na década de 1980, o Reino Unido se tornou um novo centro de produção de dub, com Mikey Dread , Mad Professor e Jah Shaka sendo os mais famosos. Foi também a época em que o dub tornou sua influência conhecida no trabalho de produtores experimentais mais duros, como Mikey Dread com UB40 e The Clash , Adrian Sherwood e a lista de artistas de seu selo On-U Sound . Muitas bandas caracterizadas como pós-punk foram fortemente influenciadas pelo dub. Bandas mais conhecidas como The Police , The Clash e UB40 ajudaram a popularizar o Dub, com o álbum Present Arms In Dub do UB40 sendo o primeiro álbum dub a atingir o top 40 do Reino Unido.

Lado a lado com o reggae nesta época (início dos anos 1980) tocando mixagens de dub do lado B, um número crescente de produtores musicais pós-disco norte-americanos (principalmente no estado de Nova York e em Nova Jersey) em colaboração com DJs proeminentes decidiu fornecer singles de 12 polegadas com mixagens dub alternativas, anteriores à era dos "remixes". Isso se reflete na produção de discos como "Don't Make Me Wait" dos Peech Boys , " Reach Up" , de Toney Lee , e artistas principalmente de gravadoras de Nova York Prelude ou West End . Nas mixagens mencionadas acima, a batida do disco foi acentuada, partes vocais "desnecessárias" foram eliminadas e outros recursos amigáveis ​​para DJs facilitando o trabalho, como escolher seções-chave para tocar em outros discos, aumentando o efeito da pista de dança.

Instâncias contemporâneas também são chamadas de "dubtronica", "dub-techno", "steppers" ou música eletrônica influenciada pela música dub.

Impacto musical

Influência do dub

O professor de Yale Michael Veal descreveu o dub como "o som de uma sociedade se despedaçando pelas costuras". Seu livro, "Starship Africa", diz que a diáspora africana é refletida no dub pelo "uso extensivo de dispositivos de reverberação / atraso e fragmentação da superfície da música "- ele considera o uso do reverb no dub uma" metáfora sônica para a condição da diáspora ". Veal escreveu que os criadores do dub usaram eco e reverb para extrair memórias da cultura africana em seus ouvintes. King Tubby, Lee Perry, Eroll Thompson, Mad Professor, Jah Shaka, Denis Bovell e Lynton Kwesi Johnson influenciaram músicos de rock. Da década de 1980 em diante, o dub foi influenciado por, e por sua vez influenciou, techno , dubtronica / dub techno , jungle , drum and bass , dubstep , house music , punk e pós-punk , trip hop , ambient music e hip hop com som dub eletrônico. Músicos como Culture Club , Bill Laswell , Jah Wobble , New Age Steppers , PiL, The Pop Group, The Police, Massive Ataque , The Clash , Adri um Sherwood , Killing Joke , Bauhaus e outros demonstram claras influências do dub em seus respectivos gêneros, e suas inovações, por sua vez, influenciaram o mainstream do gênero dub.

Em 1987, a banda norte-americana de grunge rock Soundgarden lançou uma versão dub da canção "Fopp" dos Ohio Players ao lado de um cover de rock mais tradicional da canção. No final da década de 1990 surgiram DJs que se especializaram em tocar músicas desses músicos, como o britânico Unity Dub. No Reino Unido, Europa e América, produtores de discos independentes continuam a produzir dublagem. Antes de formar o The Mars Volta, Cedric Bixler , Omar Rodriguez e outros membros, gravaram uma série de álbuns dub sob o nome De Facto (Texas) desde 1999.

Influência do dub na música punk e rock

Desde o início do dub no final dos anos 1960, sua história se confunde com a da cena punk rock do Reino Unido. The Clash trabalhou em colaborações envolvendo criadores de dub reggae jamaicanos como Lee "Scratch" Perry (cujo " Police & Thieves ", co-escrito com Junior Murvin , foi coberto pelo Clash em seu primeiro álbum) e Mikey Dread (no álbum Sandinista! ) Da mesma forma, o grupo inglês Ruts DC, uma encarnação pós-Malcolm Owen do lendário grupo punk influenciado pelo reggae The Ruts , lançou Rhythm Collision Dub Volume 1 (sessão Roir), com a expertise do Mad Professor . Muitas bandas de punk rock nos Estados Unidos foram expostas ao dub através da banda de rasta punk Bad Brains de Washington, DC , que se estabeleceu e lançou seu material mais influente durante os anos 80. Blind Idiot God colocou a música dub ao lado de suas faixas de noise rock mais rápidas e intensas . O dub foi adotado por alguns grupos de punk rock dos anos 90, com bandas como Rancid e NOFX escrevendo canções originais em estilo dub. Freqüentemente, bandas consideradas ska punk tocam canções influenciadas pelo dub; uma das primeiras bandas a se tornar popular foi Sublime , cujos álbuns traziam tanto dub originais quanto remixes. Eles passaram a influenciar bandas americanas mais recentes, como Rx Bandits e The Long Beach Dub Allstars . Além disso, o dub influenciou alguns tipos de pop , incluindo bandas como No Doubt . O segundo álbum mais recente do No Doubt, Rock Steady [1] , apresenta uma variedade de sons dub populares como reverberação e eco. Conforme observado pela própria banda, No Doubt é fortemente influenciado pela estética musical jamaicana e técnicas de produção, até mesmo gravando seu álbum Rock Steady [2] em Kingston, Jamaica , e produzindo lados B com influências dub em seus lados B do Everything in Time álbum. Ainda existe alguma controvérsia sobre se bandas pop-ska como No Doubt podem se considerar parte da linhagem dub. Outras bandas seguiram os passos do No Doubt, fundindo influências pop-ska e dub, como Save Ferris e Vincent.

Existem também algumas bandas punk britânicas criando música dub. Capdown lançou seu álbum Civil Disobedients , apresentando a faixa "Dub No. 1", enquanto Sonic Boom Six e The King Blues pegam influências pesadas do dub, misturando o gênero com a ética e atitudes punk originais . A banda pós-punk Public Image Ltd , liderada por John Lydon , ex- Sex Pistols , costuma usar linhas de baixo influenciadas pelo dub e reggae em suas músicas, especialmente em suas músicas anteriores através de vários baixistas que eram membros do grupo, como Jah Wobble e Jonas Hellborg . Sua faixa " Rise ", que alcançou a posição # 11 nas paradas britânicas em 1986, usa uma linha de baixo influenciada pelo dub / reggae.

A banda pós-punk britânica Bauhaus foi altamente influenciada pela música dub, até agora que o baixista da Bauhaus, David J, mencionou que sua música característica, Bela Lugosi's Dead , "era nossa interpretação do dub".

Bandas de shoegaze como Ride, com sua música "King Bullshit" e a introdução de "Time Machine", exploraram e experimentaram o dub. Slowdive também escreveu "Souvlaki Space Station" e seu instrumental "Moussaka Chaos" como testemunho da influência do dub, enquanto o Kitchens of Distinction lançou "Anvil Dub".

Steve Hogarth , cantor da banda de rock britânica Marillion , reconheceu a influência do dub em seu álbum de 2001, Anoraknophobia .

Dub do século 21

O dub tradicional sobreviveu e alguns dos criadores do dub, como Lee "Scratch" Perry e Mad Professor, continuam a produzir novo material. Novos artistas continuam a preservar o som dub tradicional, alguns com pequenas modificações, mas com foco principal na reprodução das características originais do som em um ambiente ao vivo. Alguns desses artistas incluem Dubblestandart de Viena, Áustria (que gravou o álbum "Return from Planet Dub" em colaboração e se apresenta ao vivo com Lee Scratch Perry), Liquid Stranger da Suécia, artistas de Nova York, incluindo Ticklah , também conhecido como Victor Axelrod , Victor Rice , Easy Star All-Stars , Dub Trio (que gravou e tocou ao vivo com Mike Patton, e está atualmente em turnê como banda de apoio para Matisyahu), Subatomic Sound System (que remixou material de Lee Scratch Perry e Ari Up), Dub é uma arma , King Django , Dr. Israel, Giant Panda Guerilla Dub Squad de Rochester, Nova York, Heavyweight Dub Champion de San Francisco e Colorado, Gaudi , Ott do Reino Unido que lançou vários álbuns influentes através do Twisted Records, Boom One Sound System e Dubsmith do selo Boom One Records , Future Pigeon de Los Angeles, artistas alemães como Disrupt e Rootah do selo Jahtari, Twilight Circus da Holanda, Moonlight Dub Ex perimento da Costa Rica e Stand High Patrol da França. O uso mais eclético de técnicas de dub são aparentes no trabalho de BudNubac, que mistura bigband cubana com técnicas de dub. O produtor de dub moderno Ryan Moore foi aclamado pela crítica por seu projeto Twilight Circus .

Afrofuturismo e Diáspora

A música dub está em diálogo com a estética cultural do Afrofuturismo . Tendo surgido na Jamaica , esse gênero é considerado produto de povos da diáspora , cuja cultura reflete a experiência de deslocamento, alienação e lembrança. Através da criação de paisagens sonoras que preenchem o espaço, ecos desbotados e repetição em trilhas musicais, os artistas dublados são capazes de explorar conceitos afrofuturistas como a não linearidade do tempo e a projeção de sons passados ​​em um espaço futuro desconhecido. Em um ensaio de 1982, Luke Ehrlich descreve Dub por meio deste escopo particular:

Com o dub, a música jamaicana se distanciou completamente. Se o reggae é a África no Novo Mundo, então o dub deve ser a África na lua; é a música psicodélica que eu esperava ouvir nos anos 60 e não ouvi. O baixo e a bateria evocam um espaço escuro e vasto, um retrato musical do espaço sideral, com sons suspensos como planetas brilhantes ou fragmentos de instrumentos passando, deixando rastros como cometas e meteoros. Dub é uma montagem musical caleidoscópica que pega sons originalmente concebidos como partes entrelaçadas de outro arranjo e, usando-os como matéria-prima, os converte em sons novos e diferentes; então, em seu próprio ritmo e formato, ele continuamente reorganiza esses novos sons em justaposições incomuns.

Ao mesmo tempo, o papel da música dub no cânone musical negro marca um tema da diáspora da qual a música nasceu. Devido à estrutura sonora de ecos e reverberações, o dub pode criar um mundo de sonho, simbolizando o trauma geracional da diáspora africana como resultado da escravidão. Essa compreensão do dub lhe dá o poder de assumir as emoções mais sombrias relacionadas à diáspora, incluindo a violência. Em mixagens de dub [King Tubby], pode-se ouvir elementos sonoros de pneus cantando, tiros e sirenes da polícia. O artista Arthur Jafa disse isso sobre a música dub e a diáspora em 1994 durante um discurso na Conferência da Organização de Designers Negros:

aquelas experiências de grupo que reconfiguram quem nós [afro-americanos] somos como uma comunidade. Um dos locais primordiais críticos seria a Passagem do Meio. Se você entende o nível de horror dirigido a um grupo de pessoas, você começa a ter uma noção da magnitude, impacto e nível de trauma que isso teve na comunidade afro-americana, e como foi particularmente uma das primeiras experiências de grupo que remodelou uma “psique africana” no início de uma psique afro-americana. . . . Agora, por exemplo, você olha para a música negra e vê certas coisas estruturais que realmente têm a ver com recuperar todo esse sentimento de ausência, perda, não saber. Uma das coisas em que estou pensando é a música dub. . . acaba realmente falando sobre experiências comuns porque a estrutura da música é sobre coisas que vão e voltam, realmente resgatando todo esse sentimento de perda, ruptura e reparo que é muito comum na experiência dos negros na diáspora.

William Gibson freqüentemente menciona o dub no romance de ficção científica de 1984, Neuromancer .

Enquanto trabalhavam, Case gradualmente se deu conta da música que pulsava constantemente pelo cluster. Era chamado de dub, um mosaico sensual feito de vastas bibliotecas de pop digitalizado; era adoração, disse Molly, e um senso de comunidade. Case se ergueu em uma das folhas amarelas; a coisa estava leve, mas ainda estranha. Zion cheirava a vegetais cozidos, humanidade e ganja.

"Monitoramos muitas frequências. Sempre ouvimos. Veio uma voz, da babel de línguas, falando conosco. Nos tocou uma dublagem poderosa."

Jamaican Sound System

A explicação mais direta do sistema de som jamaicano seria um indivíduo que lida com um sistema mecânico que consiste em amplificação e difusão musical. Isso inclui toca-discos, alto-falantes e um sistema de PA. Nesse sistema, o DJ é a pessoa que fala por meio do registro. Não se confunde com o termo americano DJ, que se refere ao encarregado de selecionar as faixas de um evento com música. Esse papel é conhecido como seletor na cultura dub do sistema de som, que também desempenha um papel vital no sistema, especialmente em dancehalls jamaicanos.

O sistema de som teve um lugar predominante na produção musical na Jamaica por mais de 50 anos. A verdadeira importância e relação entre o sistema de som e a música dub pode ser encontrada nas versões dubladas de sons que se tornaram a fonte da música dub. Essas versões dubladas de músicas consistiam na faixa original, sem os vocais. Por meio da paisagem sonora do reggae e do sistema de som jamaicano, os dubladores foram capazes de manipular criativamente essas versões dubladas ou remixes de músicas. Esses remixes de dub foram fortemente influenciados por efeitos, samples vocais e foram essenciais para a progressão do dub. Os remixes, muitas vezes chamados de versões, eram o lado B de um disco específico. O músico dub adicionava pausas dramáticas e quebras na versão para fazer a música ter uma influência dub e sentir. Os artistas que estavam usando o sistema de som para criar faixas dub referiam-se à criação de remixes de certas versões de discos. No cenário de um sistema de som, as versões permitem mais improvisação vocal e expressões do DJ . Esses remixes ou versões não teriam sido possíveis sem o sistema de som jamaicano e sua progressão ao longo dos anos.

No coração do reggae e da cultura jamaicana está o sistema de som. No início dos anos 1950, o sistema de som nada mais era do que um toca - discos , amplificador e um par de alto-falantes. Desde então, no século 21, eles se tornaram produções massivas definidas para incluir equipamento e equipe em grande escala e agora têm a capacidade de fazer turnês em todo o mundo.

O sistema de som jamaicano emparelhado com a evolução da música dub fez com que uma nova cultura emergisse e mudasse em toda a Jamaica. Quando a Jamaica se tornou independente da Grã-Bretanha em 1962, a cultura estava em perigo e o país estava em um estado de crise de identidade. Junto com sua independência da Grã-Bretanha, a Jamaica começou a sentir falta de individualidade e originalidade em sua música, e isso ameaçou enviar a Jamaica a uma nova desordem cultural. O sistema de som jamaicano e a música dub permitiram que a Jamaica tivesse outro gênero musical que eles poderiam reivindicar como seu.

Veja também

Referências

Leitura adicional

  • Du Noyer, Paul (2003). "Dub". The Billboard Illustrated Encyclopedia of Music . Cidade de Nova York : Billboard Books. pp. 356–357. ISBN 0-8230-7869-8.
  • Vitela, Michael E. (2007). Dub: Songscapes e Shattered Songs no Reggae Jamaicano . Middletown: Wesleyan University Press.
  • Cox e Warner, eds. Cultura de Áudio: Leituras de Música Moderna . Continuum: 2004. [3] "Replicant: On Dub" por David Toop; Capítulo 51, páginas 355–356.

links externos