Edvard Munch - Edvard Munch


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Edvard Munch
Portrett av Edvard Munch (colhido) .jpg
Nascermos ( 1863/12/12 )12 de dezembro de 1863
Morreu 23 de janeiro de 1944 (1944/01/23)(com idades de 80)
Nacionalidade norueguês
Conhecido por Pintura e artista gráfico
trabalho notável
O grito , Madonna , A Criança Doente
Movimento Expressionismo , Simbolismo

Edvard Munch ( / m ʊ ŋ k / ; norueguês:  [ɛdvɑʈ mʊŋk]  ( ouvir )Sobre este som ; 12 dez 1863 - 23 de janeiro 1944) era um norueguês pintor , cujo mais conhecido trabalho, O Grito , tornou-se uma das imagens mais icônicas do arte mundial.

Sua infância foi ofuscado pela doença, luto e o medo de herdar uma condição mental que correu na família. Estudar na Escola Real de Arte e Design em Kristiania (hoje Oslo), Munch começou a viver a vida boêmia, sob a influência amplamente negativo do niilista Hans Jaeger , que fez, no entanto, instá-lo a pintar o seu próprio estado emocional e psicológico ( 'pintura alma'). Deste iria logo surgem seu estilo distinto.

Viagem trouxe novas influências e novos mercados. Em Paris, ele aprendeu muito com Gauguin, Van Gogh e Toulouse-Lautrec, especialmente seu uso da cor. Em Berlim, ele conheceu dramaturgo sueco August Strindberg , quem pintou, como ele embarcou em sua grande canon O Friso da Vida , mostrando uma série de temas profundamente sentidas como o amor, ansiedade, ciúme e traição, mergulhada na atmosfera.

Mas ele estava de volta em Kristiania que seu trabalho lendário The Scream foi concebido. De acordo com Munch, ele estava caminhando ao pôr do sol, quando ele ouviu o enorme grito, infinito da natureza ". Aquele rosto agoniado é amplamente identificada com a angústia do homem moderno. Entre 1893 e 1910, ele fez duas versões pintadas e dois em tons pastel, bem como um número de impressões. Um dos pastéis acabaria por comandar a quarta maior preço nominal pago por uma pintura em um leilão.

À medida que sua fama e riqueza cresceu, seu estado emocional permaneceu tão inseguro quanto sempre. Ele considerou brevemente casamento, mas não poderia comprometer-se. Uma avaria em 1908 forçou-o a desistir de beber pesado, e ele foi aplaudido por sua crescente aceitação pelo povo de Kristiania e exposição em museus da cidade. Seus últimos anos foram passados ​​a trabalhar em paz e privacidade. Apesar de suas obras foram proibidas na Alemanha nazista, a maioria deles sobreviveu a Segunda Guerra Mundial, garantindo-lhe um legado seguro.

Vida

Infância

Edvard Munch nasceu em uma fazenda na vila de Ådalsbruk em Løten , Reinos Unidos da Suécia e Noruega , a Laura Catherine Bjølstad e Christian Munch, o filho de um sacerdote. Christian era um médico e diretor médico que se casou com Laura, uma mulher metade de sua idade, em 1861. Edvard tinha uma irmã mais velha, Johanne Sophie, e três irmãos mais jovens: Peter Andreas, Laura Catherine, e Inger Marie. Laura foi artisticamente talentoso e pode ter incentivado Edvard e Sophie. Edvard estava relacionada com o pintor Jacob Munch e historiador Peter Andreas Munch .

A família mudou-se para Christiania (renomeado Kristiania em 1877, e agora Oslo ), em 1864, quando Christian Munch foi nomeado oficial médico na Fortaleza de Akershus . A mãe de Edvard morreu de tuberculose em 1868, assim como a irmã favorita Johanne Sophie de Munch em 1877. Após a morte de sua mãe, os irmãos Munch foram criados por seu pai e por sua tia Karen. Muitas vezes mal para grande parte dos invernos e mantido fora da escola, Edvard gostaria de chamar para se manter ocupado. Ele foi orientado por seus colegas de escola e sua tia. Christian Munch também instruiu seu filho na história e na literatura, e entreter as crianças com histórias de fantasmas vivas e os contos do escritor americano Edgar Allan Poe .

Como Edvard lembrava, o comportamento positivo do cristão para seus filhos foi ofuscado por sua mórbida pietismo . Munch escreveu: "Meu pai era um temperamento nervoso e obsessivamente religiosa, a ponto de psiconeurose. Com ele herdou as sementes da loucura. Os anjos de medo, tristeza e morte ficou ao meu lado desde o dia em que nasci." Christian repreendido seus filhos, dizendo-lhes que sua mãe estava olhando para baixo do céu e luto por seu mau comportamento. O ambiente opressivo religiosa, saúde precária de Edvard, e as histórias de fantasmas vivas ajudou a inspirar suas visões macabras e pesadelos; o menino sentiu que a morte estava constantemente avançando sobre ele. Uma das irmãs mais novas de Munch, Laura, foi diagnosticado com doença mental em uma idade precoce. Dos cinco irmãos, apenas a Andreas casado, mas ele morreu poucos meses após o casamento. Munch escreveria mais tarde, "eu herdei dois dos inimigos, os mais terríveis da humanidade herança do consumo e insanidade."

pay militar de Christian Munch foi muito baixa, e suas tentativas de desenvolver uma prática lado privado falhou, mantendo sua família na pobreza gentil mas perene. Eles se mudaram frequentemente de uma barata plana para outro. primeiros desenhos e aquarelas de Munch representado estes interiores, e os objectos individuais, tais como frascos de remédios e instrumentos de desenho, além de algumas paisagens. Por sua adolescência, arte dominada interesses de Munch. Aos treze anos, Munch teve a sua primeira exposição a outros artistas da Associação Art recém-formado, onde admirou o trabalho da escola paisagem norueguesa. Ele voltou para copiar as pinturas, e logo ele começou a pintar em óleo.

Estudos e influências

Auto-Retrato com o esqueleto Braço de 1895

Em 1879, Munch matriculado em uma escola técnica para estudar engenharia, onde se destacou em física, química e matemática. Ele aprendeu desenho em escala e perspectiva, mas doenças frequentes interrompeu seus estudos. No ano seguinte, para grande decepção de seu pai, Munch deixou a faculdade determinado a se tornar um pintor. Seu pai via a arte como um "comércio profano", e seus vizinhos reagiram com amargura e mandou cartas anônimas. Em contraste com o pietismo raivoso de seu pai, Munch adotou uma postura dogmática para a arte. Ele escreveu seu objetivo em seu diário: "na minha arte eu tentar explicar a vida e seu significado para mim."

Em 1881, Munch matriculados na Escola Real de Arte e Design de Kristiania, um de cujos fundadores era seu parente distante Jacob Munch. Seus professores foram escultor Julius Middelthun eo naturalista pintor Christian Krohg . Naquele ano, Munch demonstrou sua rápida absorção de sua formação figura na Academia em seus primeiros retratos, incluindo um de seu pai e seu primeiro auto-retrato. Em 1883, Munch participou de sua primeira exposição pública e dividiu um estúdio com outros estudantes. Seu retrato de corpo inteiro de Karl Jensen-Hjell, um notório boêmio-sobre-cidade, ganhou resposta desdenhosa de um crítico: "É impressionismo levada ao extremo É uma paródia da arte.". Pinturas de nus de Munch deste período sobrevivem apenas em esboços, exceto para Standing Nude (1887). Eles podem ter sido confiscado por seu pai.

Durante esses primeiros anos, Munch experimentou com muitos estilos, incluindo Naturalismo e Impressionismo . Alguns trabalhos iniciais são uma reminiscência de Manet . Muitas dessas tentativas trouxe críticas desfavoráveis por parte da imprensa e lhe rendeu reprimendas constantes por seu pai, que, no entanto forneceu-lhe pequenas quantias para despesas de subsistência. Em um ponto, no entanto, o pai de Munch, talvez influenciado pelo parecer negativo do primo de Munch Edvard Diriks (uma criada, pintor tradicional), destruiu pelo menos uma pintura (provavelmente um nu) e recusou-se a avançar mais dinheiro para materiais de arte.

Munch também recebeu a ira de seu pai por seu relacionamento com Hans Jaeger , o niilista local que viveu pelo código "uma paixão para destruir é também uma paixão criativa" e que defendia o suicídio como a melhor forma de liberdade. Munch veio sob o seu malévolo, feitiço anti-establishment. "Minhas idéias desenvolvido sob a influência dos boêmios ou melhor, sob Hans Jaeger. Muitas pessoas erroneamente afirmou que as minhas ideias foram formados sob a influência de Strindberg e os alemães ... mas isso é errado. Eles já tinham sido formada até então." Naquele tempo, ao contrário de muitos dos outros boêmios, Munch foi ainda respeitoso com as mulheres, bem como reservados e bem-educado, mas ele começou a ceder à bebedeira e brigas de seu círculo. Ele foi agitado pela revolução sexual acontecendo no momento e pelas mulheres independentes ao redor dele. Mais tarde, ele se virou sobre assuntos sexuais cínicos, expressa não só no seu comportamento e sua arte, mas em seus escritos, bem como, sendo um exemplo de um longo poema chamado a cidade do amor gratuito . Ainda dependente de sua família por muitos de seus refeições, a relação de Munch com seu pai permaneceu tensa devido a preocupações sobre sua vida boêmia.

Depois de inúmeras experiências, Munch concluiu que a linguagem impressionista não permitir a expressão suficiente. Ele achou superficial e muito semelhante a experimentação científica. Ele sentiu a necessidade de ir mais fundo e explorar situações repletas de conteúdo emocional e energia expressiva. Sob o mandamento de Jæger que Munch deveria "escrever sua vida", o que significa que Munch deve explorar seu próprio estado emocional e psicológico, o jovem artista começou um período de reflexão e auto-exame, registrando seus pensamentos em seu "diário de alma". Esta perspectiva mais profunda ajudou a movê-lo para uma nova visão da sua arte. Ele escreveu que sua pintura A Criança Doente (1886), baseado na morte de sua irmã, foi a sua primeira "pintura alma", sua primeira chance do Impressionismo. A pintura recebeu uma resposta negativa dos críticos e de sua família, e causou outra "violenta explosão de indignação moral" da comunidade.

Somente seu amigo Christian Krohg o defendeu:

Ele pinta, ou melhor, que diz respeito, as coisas de uma maneira que é diferente da de outros artistas. Ele vê apenas o essencial, e que, naturalmente, é tudo o que ele pinta. Por esta razão, as fotos de Munch são, em regra "não completar", como as pessoas são tão prazer de descobrir por si mesmos. Oh, sim, eles estão completos. Sua obra completa. A arte é completa, uma vez que o artista tem realmente disse tudo o que estava em sua mente, e esta é precisamente a vantagem Munch tem mais de pintores da outra geração, que ele realmente sabe como para nos mostrar o que ele sentia, e que tomou conta dele, e para isso, ele subordina tudo o resto.

Munch continuou a empregar uma variedade de técnicas pincelada e paletas de cores ao longo dos anos 1880 e início dos anos 1890, enquanto ele lutava para definir seu estilo. Sua linguagem continuou a oscilam entre naturalista , como visto no retrato de Hans Jaeger , e impressionista , como na Rue Lafayette . Sua Inger On the Beach (1889), o que causou uma outra tempestade de confusão e controvérsia, aponta para as formas simplificadas, esboços pesados, contrastes e de conteúdo emocional de seu estilo maduro para vir. Ele começou a calcular cuidadosamente suas composições para criar tensão e emoção. Embora estilisticamente influenciada pelos pós-impressionistas , o que evoluiu foi um assunto que era simbolista em conteúdo, descrevendo um estado de espírito, em vez de uma realidade externa. Em 1889, Munch apresentou seu primeiro show one-man de quase todas as suas obras até à data. O reconhecimento que recebeu levou a uma bolsa de estudos do estado de dois anos para estudar em Paris sob pintor francês Léon Bonnat .

Munch parece ter sido um dos primeiros críticos da fotografia como uma forma de arte, e observou que "nunca vai competir com o pincel e da paleta, até que as fotografias podem ser tomadas no Céu ou inferno!"

Irmã mais nova de Munch Laura foi o tema de sua 1,899 interior Melancolia: Laura . Amanda O'Neill diz da obra, "Nesta cena claustrofóbico aquecida Munch não só retrata a tragédia de Laura, mas o seu próprio medo da loucura que ele poderia ter herdado."

Paris

Munch chegou em Paris durante as festividades do Exposition Universelle (1889) e salas com dois artistas noruegueses companheiros. Sua imagem Manhã (1884) foi exibido no pavilhão norueguês. Ele passou suas manhãs no estúdio de Bonnat ocupado (que incluiu modelos femininos ao vivo) e as tardes na exposição, galerias e museus (onde eram esperados os estudantes a fazer cópias como uma forma de técnica de aprendizagem e de observação). Munch pouco entusiasmo gravado para desenho lessons- de Bonnat "É pneus e aborrece-me-é entorpecente", mas apreciado o comentário do mestre durante as viagens de museu.

Munch foi encantado com a grande exposição de arte moderna europeia, incluindo as obras de três artistas que iria provar influente: Paul Gauguin , Vincent van Gogh , e Henri de Toulouse-Lautrec -todos notáveis de como eles usaram cor para transmitir emoção. Munch foi particularmente inspirado pela "reação contra o realismo" de Gauguin e seu credo de que "a arte era o trabalho humano e não uma imitação da natureza", uma crença anteriormente afirmado por Whistler . Como um de seus amigos Berlim disse depois de Munch, "ele não precisa fazer o seu caminho para o Taiti para ver e experimentar o primitivo na natureza humana. Ele carrega sua própria Tahiti dentro dele." Influenciado por Gauguin, bem como as gravuras do artista alemão Max Klinger , Munch experimentou com impressões como um meio para criar versões gráficas de suas obras. Em 1896 ele criou seu xilogravuras-um primeiro meio que se mostrou ideal para Munch de imagens simbólicas. Junto com seu contemporâneo Nikolai Astrup , Munch é considerado um inovador do meio xilogravura na Noruega.

Em dezembro 1889, seu pai morreu, deixando desamparados família de Munch. Ele voltou para casa e marcou um grande empréstimo de um colecionador norueguês ricos quando os parentes ricos falharam em ajudar, e assumiu a responsabilidade financeira para sua família a partir de então. A morte de Christian deprimido e ele foi atormentado por pensamentos suicidas: "Eu vivo com os mortos-minha mãe, minha irmã, meu avô, meu pai ... Mate-se e depois acabou Por que viver.?" Pinturas do ano seguinte de Munch incluiu cenas Tavern esboçado e uma série de paisagens urbanas brilhantes em que ele experimentou com o pontilhista estilo de Georges Seurat .

Berlim

Melancolia , 1891. Óleo , lápis e lápis sobre tela. 73 × 101 cm. Museu Munch , Oslo
Munch em 1902, no jardim do seu patrono Dr. Max Linde em Lübeck ; no fundo é um elenco de Auguste Rodin escultura de Ferro Época .

Em 1892, Munch formulou sua característica e original, Synthetist estética , como visto em Melancolia (1891), em que a cor é o símbolo do elemento-laden. Considerado pelo artista e jornalista Christian Krohg como o primeiro simbolista pintura de um artista norueguês, Melancolia foi exibido em 1891 na Exposição de Outono em Oslo. Em 1892, Adelsteen Normann , em nome da União de Berlim Artistas, convidou Munch para expor na sua exposição de novembro de primeira exposição individual da sociedade. No entanto, suas pinturas evocado amarga controvérsia (apelidado de "The Munch Affair"), e depois de uma semana de exposições fechada. Munch estava satisfeito com a "grande comoção", e escreveu em uma carta: "Eu nunca tinha tal divertida tempo é incrível que algo tão inocente como a pintura deveria ter criado tanta agitação"

Em Berlim, Munch envolveu-se em um círculo internacional de escritores, artistas e críticos, incluindo o dramaturgo sueco e líder intelectual August Strindberg , quem pintou em 1892. Ele também se reuniu escritor dinamarquês e pintor Holger Drachmann , quem pintou em 1898. Drachmann tinha 17 anos de Munch sênior e um companheiro beber pelo Zum schwarzen Ferkel em 1893-1894. Em 1894 Drachmann escreveu de Munch: "Ele luta duro Boa sorte com suas lutas, solitário norueguesas.".

Durante os quatro anos em Berlim, Munch esboçou a maioria das idéias que compõem sua obra maior, o friso da Vida , o primeiro projetado para ilustração de livro, mas mais tarde expressas em pinturas. Vendeu pouco, mas fez alguma renda de cobrar taxas de entrada para ver suas pinturas controversas. Já, Munch foi mostrando relutância em parte com suas pinturas, que ele chamou de seus "filhos".

Suas outras pinturas, incluindo cenas de casino, mostram uma simplificação da forma e detalhes que marcou seu estilo maduro cedo. Munch também começou a favorecer um espaço pictórico rasa e um cenário mínimo para suas figuras frontais. Desde poses foram escolhidos para produzir as imagens mais convincentes dos estados mentais e psicológicos condições, como em Ashes , os números dão uma qualidade monumental, estática. Figuras de Munch parecem desempenhar papéis em um palco de teatro ( Death in the Sick-quarto ), cuja pantomima de posturas fixas significar várias emoções; uma vez que cada personagem encarna uma única dimensão psicológica, como em O Grito , homens e mulheres de Munch começou a aparecer mais simbólico do que realista. Ele escreveu: "Já não deve ser pintado interiores, as pessoas lendo e mulheres tricô:. Haveria pessoas vivendo, respirando e sentindo, sofrendo e amando"

O grito

O grito (1893)

O grito existe em quatro versões: dois pastéis (1893 e 1895) e dois quadros (1893 e 1910). Existem também vários litografia de O grito (1895 e posteriores).

The 1895 pastel vendido em leilão em 2 Maio de 2012, para US $ 119.922.500, incluindo a comissão. É o mais colorido das versões e é distintivo para a posição para baixo aparência de uma de suas figuras de fundo. Também é a única versão não realizada por um museu norueguês.

A versão 1893 foi roubado da Galeria Nacional de Oslo em 1994 e recuperado. A pintura 1910 foi roubado em 2004 do Museu Munch, em Oslo, mas se recuperou em 2006 com danos limitados.

O grito é obra mais famosa de Munch, e uma das pinturas mais conhecidas em toda a arte. Tem sido amplamente interpretada como representando a ansiedade universal do homem moderno. Pintado com amplas faixas de cores berrantes e formas altamente simplificados, e empregando um ponto de vista elevado, reduz o número de agonia para um crânio vestida no meio de uma crise emocional.

Com esta pintura, Munch encontrou seu objetivo declarado de "o estudo da alma, isto é, o estudo de meu próprio eu". Munch escreveu sobre como a pintura passou a ser: "Eu estava andando pela rua com dois amigos quando o sol se punha, e de repente, o céu ficou vermelho como o sangue que eu parei e inclinou-se contra o muro, sentindo-se inexplicavelmente cansado Línguas de fogo.. e sangue esticada sobre o fiorde preto azulado. Meus amigos foram andando, enquanto eu ficou para trás, tremendo de medo. Então eu ouvi a enorme grito, infinito da natureza." Mais tarde, ele descreveu a angústia pessoal por trás da pintura, "por vários anos eu estava quase louco ... você sabe a minha imagem, 'O grito? I foi esticada até ao limite natureza estava gritando no meu sangue ... Depois que eu dei a esperança nunca de ser capaz de amar novamente."

Ao resumir os efeitos da pintura, autor Martha Tedeschi afirmou:

Mãe de Whistler , de Wood American Gothic , de Leonardo da Vinci Mona Lisa e de Edvard Munch O Grito ter tudo conseguido algo que a maioria das pinturas, independentemente da sua arte importância histórica, beleza ou valor-ter monetária não: eles se comunicam um significado específico quase imediatamente para quase cada espectador. Estas poucas obras têm feito com sucesso a transição do reino elite do visitante museu para a enorme local da cultura popular.

Friso da Vida-A Poema sobre Vida, Amor e Morte

Em dezembro de 1893, Unter den Linden em Berlim foi o local de uma exposição da obra de Munch, mostrando, entre outras peças, seis pinturas intituladas Estudo para uma série: o amor. Isto começou um ciclo mais tarde chamou a Friso da Vida-A Poema sobre Vida, Amor e Morte . Friso da Vida motivos, tais como The Storm e luar , estão mergulhados na atmosfera. Outros motivos iluminar o lado noturno do amor, como Rose e Amelie e vampiro . Em Morte no Sickroom , o assunto é a morte de sua irmã Sophie, que ele re-trabalhado em muitas variações futuras. O foco dramático da pintura, retratando toda a sua família, está disperso nas figuras separados e desconectados de tristeza. Em 1894, ele ampliou o espectro de motivos, adicionando Ansiedade , Ashes , Madonna e mulheres em três etapas (da inocência para a terceira idade).

Em torno do início do século 20, Munch trabalharam para terminar a "Frieze". Ele pintou uma série de quadros, vários deles em formato maior e até certo ponto com os Art Nouveau estética da época. Ele fez uma moldura de madeira com relevos esculpidos para a grande pintura Metabolism (1898), inicialmente chamada de Adão e Eva . Este trabalho revela a preocupação de Munch com a "queda do homem" e sua filosofia pessimista de amor. Motivos, tais como O vazio Cruz e Gólgota (tanto c.  1900 ) reflecte uma orientação metafísico, e também reflectir educação pietistic de Munch. Toda a Frieze foi mostrado pela primeira vez no secessionista exposição em Berlim em 1902.

"O Friso da Vida" temas recorrentes em todo o trabalho de Munch, mas ele se concentrou especialmente sobre eles em meados da década de 1890. Em esboços, pinturas, pastéis e estampas, ele bateu as profundezas de seus sentimentos para examinar suas principais motivos: as fases da vida, a femme fatale, a desesperança de amor, ansiedade, infidelidade, o ciúme, a humilhação sexual, e separação na vida e morte. Estes temas são expressas em pinturas como A Criança Doente (1885), Amor e Dor (renomeado vampiro ; 1893-1894), Ashes (1894) e The Bridge . Os últimos shows de figuras limp com rostos sem feições ou ocultos, sobre o qual pairam as formas ameaçadoras de árvores pesadas e casas ninhada. Munch retratado mulheres também, sofredores inocentes como frágeis (ver Puberdade e Amor e Dor ) ou como a causa da grande desejo, ciúme e desespero (veja Separação , ciúme , e Ashes ).

Munch, muitas vezes usa sombras e anéis de cor em torno de suas figuras para enfatizar uma aura de medo, ameaça, ansiedade, ou a intensidade sexual. Estas pinturas foram interpretadas como reflexos de ansiedades sexuais do artista, embora também possa argumentar que eles representam sua relação turbulenta com o próprio amor e seu pessimismo geral sobre a existência humana. Muitos destes esboços e pinturas foram feitas em várias versões, como Madonna , Mãos e puberdade , e também transcrito como impressões madeira-bloco e litografias. Munch odiava a participar com suas pinturas porque ele pensou em seu trabalho como um único corpo de expressão. Então, para capitalizar sobre sua produção e fazer alguma renda, ele se virou para artes gráficas para reproduzir muitos dos seus quadros mais famosos, incluindo os desta série. Munch admitido aos objetivos pessoais de seu trabalho, mas ele também ofereceu sua arte para um propósito mais amplo, "Minha arte é realmente uma confissão voluntária e uma tentativa de explicar a mim mesmo a minha relação com a vida; é, portanto, na verdade, uma espécie de egoísmo , mas estou constantemente na esperança de que através deste eu posso ajudar os outros a alcançar a clareza."

Enquanto atrair reações fortemente negativas, na década de 1890 Munch começou a receber alguma compreensão dos seus objetivos artísticos, como um crítico escreveu, "com desprezo cruel para o formulário, clareza, elegância, plenitude, e realismo, ele pinta com a força intuitiva de talento a mais visões sutis da alma ". Um de seus grandes apoiadores em Berlim foi Walther Rathenau , mais tarde, o alemão ministro das Relações Exteriores , que contribuiu fortemente para o seu sucesso.

Paris, Berlim e Kristiania

Em 1896, Munch mudou-se para Paris, onde se concentrou em representações gráficas de sua Friso da Vida temas. Ele desenvolveu ainda mais seu xilogravura e técnica litográfica. Munch auto-retrato com Braço de esqueleto (1895) é feito com uma forma de agulha e tinta de gravação também utilizado por Paul Klee . Munch versões também produzidos multi-coloridas de A criança doente , relativas a tuberculose , que vendeu bem assim como vários nus e múltiplas versões de Beijo (1892). Muitos dos críticos parisienses ainda considerada a obra de Munch "violento e brutal", mas suas exposições recebido atenção séria e bom atendimento. Sua situação financeira melhorou consideravelmente e em 1897, Munch comprou uma casa de verão de frente para os fiordes de Kristiania, cabine de um pequeno pescador construído no final do século 18, na pequena cidade de Åsgårdstrand na Noruega. Ele chamou esta casa a "Casa Feliz" e voltou aqui quase todos os verões para os próximos 20 anos. Foi neste lugar que ele perdeu quando ele estava no exterior e quando ele se sentiu deprimido e exausto. "Para andar em Åsgårdstrand é como andar entre os meus quadros-I se tão inspirado para pintar quando estou aqui".

Harald Nørregaard (pintados por Munch em 1899, National Gallery ) foi um dos amigos mais próximos de Munch desde a adolescência, conselheiro e advogado

Em 1897 Munch retornou ao Kristiania, onde também recebeu relutante aceitação e um crítico escreveu, "Um bom número dessas fotos foram expostas antes. Na minha opinião estes melhorar conhecido." Em 1899, Munch começou um relacionamento íntimo com Tulla Larsen, uma mulher de classe alta "libertado". Eles viajaram para a Itália juntos e ao retornar, Munch começou outro período fértil em sua arte, que incluiu paisagens e sua pintura final em "O Friso da Vida" série, The Dance of Life (1899). Larsen estava ansioso para o casamento, e Munch pediu off. A bebida e problemas de saúde reforçados os seus medos, como escreveu na terceira pessoa: "Desde que ele era uma criança que ele tinha odiado o casamento sua casa doente e nervoso lhe tinha dado a sensação de que ele não tinha o direito de se casar." Munch quase cedeu à Tulla, mas fugiu dela em 1900, também se afastando de sua considerável fortuna, e se mudou para Berlim. Seus Girls on the Jetty , criado em dezoito versões diferentes, demonstrou o tema da juventude feminina sem conotações negativas. Em 1902, ele exibiu suas obras tematicamente no salão da Secessão de Berlim, produzindo "um efeito-lo sinfônico feito um stir-um grande monte de antagonismo e um monte de aprovação." Os críticos Berlim estavam começando a apreciar a obra de Munch, embora o público ainda encontrou o seu trabalho estranho e estranho.

A boa cobertura da imprensa ganhou Munch a atenção de clientes influentes Albert Kollman e Max Linde . Ele descreveu o rumo dos acontecimentos em seu diário: "Depois de vinte anos de luta e miséria forças do bem finalmente chegou ao meu auxílio na Alemanha e uma porta brilhante se abre para mim." No entanto, apesar desta mudança positiva, comportamento auto-destrutivo e errático de Munch envolveu-o primeiro com uma violenta discussão com outro artista, em seguida, com um tiro acidental na presença de Tulla Larsen, que havia retornado para uma breve reconciliação, que feriu dois de seus dedos. Ela finalmente deixou e se casou com um colega mais jovem de Munch. Munch tomou isso como uma traição, e ele habitou na humilhação para algum tempo para vir, canalizando o azedume em novas pinturas. Suas pinturas Still Life (A Assassina) e A morte de Marat I , feitas em 1906-1907, a referência claramente o incidente eo emocional após efeitos.

Em 1903-1904, Munch exibiu em Paris, onde nos próximos fauvistas , famosa por suas corajosamente cores falsas, provavelmente viu as suas obras e pode ter encontrado a inspiração neles. Quando os fauvistas realizaram a sua própria exposição, em 1906, Munch foi convidado e exibido seus trabalhos com a deles. Depois de estudar a escultura de Rodin , Munch pode ter experimentado com plasticina como uma ajuda para desenhar, mas ele produziu pouca escultura. Durante este tempo, Munch recebeu muitas encomendas para retratos e impressões que melhoraram sua condição financeira geralmente precária. Em 1906, pintou a tela para uma Ibsen jogar no pequeno teatro Kammerspiele localizado no de Berlim Deutsches Theater , em que o Friso da Vida foi enforcado. O diretor do teatro Max Reinhardt depois o vendeu; que está agora no Berlin Nationalgalerie . Depois de um período anterior de paisagens, em 1907 ele voltou sua atenção novamente para figuras e situações humanas.

Breakdown e recuperação

Munch em 1933

No outono de 1908, a ansiedade de Munch, agravado pelo consumo excessivo de álcool e brigas, tornou-se aguda. Como ele escreveu mais tarde: "Minha condição foi beirando a loucura, era sensível ao toque e ir." Sujeito a alucinações e sentimentos de perseguição, ele entrou na clínica de Daniel Jacobson. A terapia Munch recebeu para os próximos oito meses incluiu dieta e "eletrificação" (um tratamento, em seguida, na moda para problemas nervosos, não deve ser confundida com a eletroconvulsoterapia ). Estadia de Munch no hospital estabilizou sua personalidade, e depois de voltar para a Noruega em 1909, o seu trabalho tornou-se mais colorido e menos pessimista. Além disso iluminando o seu humor, o público em geral de Kristiania finalmente aquecido ao seu trabalho, e os museus começaram a comprar suas pinturas. Ele foi feito um Cavaleiro da Ordem Real de St. Olav "para serviços na arte". Sua primeira exposição americano foi em 1912 em Nova York.

Como parte de sua recuperação, Dr. Jacobson aconselhados Munch apenas socializar com bons amigos e evitar beber em público . Munch seguiu este conselho e no processo produziu vários retratos de corpo inteiro de alta qualidade de amigos e retratos patronos-honestas desprovidas de lisonja. Ele também criou paisagens e cenas de pessoas no trabalho e jogar, usando um novo, pinceladas soltas ampla estilo otimistas de cores vibrantes com o uso frequente do espaço branco eo uso raro de preto com apenas referências ocasionais a seus temas mórbidos. Com mais renda, Munch foi capaz de comprar várias propriedades dando-lhe novas perspectivas para a sua arte e ele finalmente foi capaz de sustentar sua família.

A eclosão da Primeira Guerra Mundial encontrada Munch com lealdades divididas, como ele declarou: "Todos os meus amigos são alemães, mas é a França que eu amo." Na década de 1930, seus patronos alemães, muitos judeus, perderam suas fortunas e alguns suas vidas durante a ascensão do movimento nazista. Munch impressoras noruegueses encontrados para substituir os alemães que tinham sido imprimir sua obra gráfica. Dada a sua história pobre saúde, durante 1918 Munch sentiu-se a sorte de ter sobrevivido a um ataque da gripe espanhola , a pandemia mundial daquele ano.

Anos depois

Sepultura de Munch no Cemitério de Nosso Salvador , Oslo

Munch passou a maior parte de suas últimas duas décadas na solidão em sua propriedade auto-suficiente quase no Ekely, pelo Skøyen , Oslo. Muitas de suas últimas pinturas celebrar a vida fazenda, incluindo vários em que ele usou o seu cavalo de trabalho "Rousseau" como modelo. Sem nenhum esforço, Munch atraído um fluxo constante de modelos do sexo feminino, a quem ele pintados como os temas de inúmeras pinturas de nus. Ele provavelmente teve relações sexuais com alguns deles. Munch, ocasionalmente, deixou sua casa para pintar murais em comissão, incluindo aqueles feitos para a Freia fábrica de chocolate.

Para o fim de sua vida, Munch continuou a pintar auto-retratos impiedosa, juntando ao seu ciclo de auto-busca da sua vida e sua série inabalável de toma em seus estados emocionais e físicos. Em 1930 e 1940, os nazistas rotulado obra de Munch " arte degenerada " (juntamente com a de Picasso , Klee , Matisse , Gauguin e muitos outros artistas modernos) e removeu seus 82 trabalhos dos museus alemães. Adolf Hitler anunciou, em 1937, "Para todos nós nos importamos, esses pré-históricos bárbaros cultura da Idade da Pedra e arte-gagos podem voltar para as cavernas de seus antepassados e não se pode aplicar a sua coçar internacional primitiva."

Em 1940, os alemães invadiram a Noruega e do partido nazista assumiu o governo. Munch foi de 76 anos de idade. Com quase uma coleção inteira de sua arte no segundo andar de sua casa, Munch vivia com medo de uma confiscação nazista. Setenta e um dos quadros anteriormente tomadas pelos nazistas tinham sido devolvidos para a Noruega por meio de compra por colecionadores (os outros onze não foram recuperados), incluindo o grito e A Criança Doente , e eles também estavam escondidas dos nazistas.

Munch morreu em sua casa em Ekely perto de Oslo em 23 de janeiro de 1944, cerca de um mês depois de seu 80º aniversário. Seu funeral Nazi-orquestrada sugeriu aos noruegueses que ele era um simpatizante do nazismo, uma espécie de apropriação do artista independente. A cidade de Oslo comprou a propriedade Ekely de herdeiros de Munch em 1946; sua casa foi demolida maio 1960.

Legado

Museu Munch , Oslo
Museu Munch, Oslo

Do meu corpo em decomposição,
flores deve crescer
e eu estou neles
e que é a eternidade.

Edvard Munch

Quando Munch morreu, suas obras restantes foram legados para a cidade de Oslo, que construiu o Museu Munch em Tøyen (abriu em 1963). O museu possui uma coleção de cerca de 1.100 pinturas, 4.500 desenhos e 18.000 impressões, a mais ampla coleção de suas obras no mundo. O Museu Munch serve como propriedade oficial de Munch, e tem sido ativa em responder às violações de direitos autorais, bem como a limpeza de direitos de autor para o trabalho, tais como o aparecimento de Munch O Grito em um 2006 de M & M campanha publicitária. O representante de direitos autorais dos Estados Unidos para o Museu Munch e do espólio de Edvard Munch é a Sociedade Direitos Artistas .

Arte de Munch foi altamente personalizado e ele fez pouco ensino. Seu simbolismo "privado" foi muito mais pessoal do que a de outros pintores simbolistas, como Gustave Moreau e James Ensor . Munch ainda era muito influente, particularmente com os expressionistas alemães , que seguiram sua filosofia, "eu não acredito na arte que não é o resultado compulsivo de desejo do homem para abrir o seu coração." Muitas de suas pinturas, incluindo O grito , tem apelo universal para além do seu significado muito pessoal.

obras de Munch estão agora representados em várias grandes museus e galerias na Noruega e no exterior. Sua cabine, "a Casa Feliz", foi dado ao município de Åsgårdstrand em 1944; ele serve como um pequeno Museu Munch. O inventário foi mantida exatamente como ele deixou.

Uma versão de O Grito foi roubado da Galeria Nacional em 1994. Em 2004, uma outra versão de O Grito , junto com um de Madonna , foi roubado do Museu Munch em um natural assalto ousado. Todos foram eventualmente recuperado, mas as pinturas roubadas no assalto 2004, foram amplamente danificado. Eles foram meticulosamente restauradas e estão em exibição novamente. Três obras Munch foram roubadas do Hotel Refsnes Gods em 2005; eles foram logo se recuperou, embora uma das obras foi danificado durante o assalto.

Em outubro de 2006, a cor xilogravura duas pessoas. O solitário ( Para mennesker. De ensomme ) estabeleceu um novo recorde para suas cópias quando foi vendido em um leilão em Oslo para 8,1 milhões de coroas (US $ 1,27 milhões). Ele também estabeleceu um recorde para o preço mais alto pago em leilão na Noruega. Em 3 de novembro de 2008, a pintura vampiro estabeleceu um novo recorde para suas pinturas quando foi vendido por US $ 38.162.000 na Sotheby New York.

A imagem de Munch aparece no norueguês nota de 1.000 coroas , juntamente com fotos inspiradas por seu trabalho artístico.

Em fevereiro de 2012, uma grande exposição Munch, Edvard Munch. O olho moderno , aberto no Schirn Kunsthalle Frankfurt ; a exposição foi aberta por Mette-Marit, Princesa da Noruega .

Em maio de 2012, o grito foi vendido por US $ 119,9 milhões, e é a segunda arte mais caro já vendido em um leilão aberto. (Ele foi superada em novembro de 2013 por três estudos de Lucian Freud , que foi vendido por US $ 142,4 milhões).

Em 2013, quatro das pinturas de Munch foram retratados em uma série de selos pelo serviço postal norueguês , para comemorar em 2014 o 150º aniversário de seu nascimento.

Em 14 novembro de 2016 uma versão de Munch é as meninas na ponte vendido por US $ 54,5 milhões em Sothebys , Nova York, tornando-se o segundo preço mais alto alcançado por uma de suas pinturas.

Universidade Aula

A Aula com História (à esquerda), o Sun (frontal), Alma Mater (direita), menores pinturas em cantos

Em 1911 foi realizada a competição final para a decoração dos grandes paredes da Universidade de Oslo Aula (sala de reunião) entre Munch e Emanuel Vigeland . O episódio é conhecido como a "controvérsia Aula". Em 1914 foi finalmente Munch encomendado para decorar a Aula e o trabalho foi completada em 1916. Este trabalho importante na pintura monumental norueguês inclui 11 quadros que cobrem 223 m 2 (2400 pés quadrados). A Sun , História e Alma Mater são as obras fundamentais nesta seqüência. Munch declarou: “Eu queria que as decorações para formar um mundo completo e independente de ideias, e eu queria sua expressão visual para ser distintamente norueguês e universalmente humana.” Em 2014, foi sugerido que as pinturas Aula tem um valor de pelo menos 500 milhões de coroas.

grandes obras

Vida por Munch, no Rådhuset (Câmara Municipal), em Oslo. O quarto é chamado o quarto Munch
  • 1892: Noite em Karl Johan
  • 1893: O grito
  • 1894: Ashes
  • 1894-1895: Madonna
  • 1895: puberdade
  • 1895: Auto-Retrato com cigarro aceso
  • 1895: Morte no Sickroom
  • 1899-1900: A Dança da Vida
  • 1899-1900: The Dead Mother
  • 1903: Village in luar
  • : 1940-1942 Self Portrait: Entre Relógio e Bed

Trabalhos selecionados

nus

Auto-retratos

fotografias

Veja também

Notas

Referências

Outras leituras

  • Preto, Peter; Bruteig, Magne, eds. (2009). Edvard Munch: Prints . Londres: Philip Wilson. ISBN  0-85667-677-2 . Catálogo da exposição no Museu Hunterian e galeria de arte da Universidade de Glasgow e da Galeria Nacional da Irlanda, Dublin
  • Clarke, Jay (2014). "Munch no papel". Imprimir Quarterly . 31 : 237-243.
  • Dolnick, Edward (2005). O artista Rescue: A True Story of Art, ladrões, ea caça para uma obra-prima em falta . New York, NY: HarperCollins Publishers. ISBN  0-06-053118-5 .Relata o roubo de 1994, de O Grito da Galeria Nacional da Noruega em Oslo, e sua eventual recuperação
  • Heller, Reinhold, ed. (1984). Munch: sua vida e obra . Londres: Murray. ISBN  0-7195-4116-6 .
  • Morehead, Allison (2014). "Erro litografia e Biológica em de Edvard Munch Mulheres no Hospital ". Imprimir Quarterly . 31 : 308-315.
  • Schiefler, Gustav (1907). Verzeichnis des Graphischen Werks Edvard Munchs bis 1906 (em alemão). Berlin: B. Cassirer. OCLC  39789318 .
  • Schiefler, Gustav (1927). Das Graphische Werk von Edvard Munch: 1906-1926 (em alemão). Berlin: Eufórion Verlag. OCLC  638113186 .
  • Woll, Gerd (2009). Edvard Munch: Pinturas completos: Catálogo Raisonné . 4 . London: Thames & Hudson. ISBN  0-500-09345-8 .

links externos