Indústria cinematográfica - Film industry

Equipe de filmagem em meados do século 20

A indústria do cinema ou da indústria cinematográfica compreende as instituições tecnológicas e comerciais de cinema , ou seja, filme empresas de produção , estúdios de cinema , cinematografia , animação , produção de filmes , roteiros , pré-produção , pós-produção , festivais de cinema , distribuição e atores, diretores de cinema e outro pessoal da equipe de filmagem . Embora as despesas envolvidas na realização de filmes quase imediatamente tenham levado a produção cinematográfica a se concentrar sob os auspícios de produtoras permanentes, os avanços em equipamentos de cinema a preços acessíveis, bem como a expansão das oportunidades de adquirir capital de investimento de fora da própria indústria cinematográfica, permitiram que o cinema independente produção para evoluir.

Em 2019, a bilheteria global movimentou US $ 42,2 bilhões . Ao incluir a receita de bilheteria e entretenimento doméstico , a indústria cinematográfica global valia 136 bilhões de dólares em 2018. Hollywood é a mais antiga indústria cinematográfica nacional do mundo. No entanto, em 2020, a China se tornou o maior território de bilheteria, ultrapassando a América do Norte no total bruto. A transição, há muito esperada pelos analistas, foi acelerada pela pandemia COVID-19 . O cinema indiano é a maior indústria cinematográfica nacional em termos de número de filmes produzidos, com 1.813 longas-metragens produzidos anualmente a partir de 2018. Em 2011, as indústrias cinematográficas nacionais com as maiores vendas anuais de ingressos em todo o mundo foram o cinema indiano, com 3,5  bilhões de ingressos vendidos , seguido por Hollywood com 2,6  bilhões de ingressos vendidos.

Indústria cinematográfica moderna

O mercado teatral mundial teve bilheteria de US $ 42,2 bilhões em 2019. Os três principais continentes / regiões por bilheteria bruta foram: Ásia-Pacífico com US $ 17,8 bilhões , Estados Unidos e Canadá com US $ 11,4 bilhões e Europa, Oriente Médio e Norte da África com US $ 10,3 bilhões . A partir de 2019, os maiores mercados por bilheteria eram, em ordem decrescente, Estados Unidos, China , Japão , Coreia do Sul , Reino Unido e França . Em 2019, os países com o maior número de produções cinematográficas eram Índia , Nigéria e Estados Unidos. Na Europa, centros significativos de produção de filmes são Itália, França, Alemanha, Espanha e Reino Unido.

Estados Unidos

O cinema dos Estados Unidos , geralmente conhecido como Hollywood, teve um efeito profundo no cinema em todo o mundo desde o início do século XX. O cinema dos Estados Unidos (Hollywood) é a indústria cinematográfica mais antiga do mundo e também a maior em receita. Hollywood é o principal nexo da indústria cinematográfica dos Estados Unidos, com instalações estabelecidas para o estudo de filmes, como o American Film Institute , a LA Film School e a NYFA sendo estabelecidas na área. No entanto, quatro dos seis maiores estúdios cinematográficos são propriedade de empresas da Costa Leste . Os principais estúdios de cinema de Hollywood, incluindo Metro-Goldwyn-Mayer , 20th Century Fox e Paramount Pictures, são a principal fonte dos filmes de maior sucesso comercial do mundo , como The Sound of Music (1965), Star Wars (1977), Titanic (1997) e Avatar (2009).

Os estúdios de cinema americanos hoje geram coletivamente várias centenas de filmes todos os anos, tornando os Estados Unidos um dos mais prolíficos produtores de filmes do mundo. Apenas a The Walt Disney Company - dona do Walt Disney Studios - está totalmente sediada no sul da Califórnia . E enquanto a Sony Pictures Entertainment está sediada em Culver City, Califórnia, sua empresa controladora, a Sony Corporation , está sediada em Tóquio , Japão. A maioria das filmagens agora ocorre na Califórnia , Nova York , Louisiana , Geórgia e Carolina do Norte . Entre 2009 e 2015, Hollywood arrecadou consistentemente US $ 10 bilhões (ou mais) anualmente. A cerimônia de premiação de Hollywood, o Oscar , oficialmente conhecido como Oscar, é realizado pela Academia de Artes e Ciências Cinematográficas (AMPAS) todos os anos e, a partir de 2019, mais de 3.000 Oscars foram premiados.

Estúdio Nestor, 1911

Em 27 de outubro de 1911, a Nestor Film Company estabeleceu o primeiro estúdio cinematográfico permanente de Hollywood. O clima da Califórnia permitiu filmagens durante todo o ano. Em 1912, o Universal Studios foi formado, fundindo a Nestor e várias outras empresas cinematográficas, incluindo a Independent Moving Pictures (IMP).

França

A França é o berço do cinema e foi responsável por muitas de suas contribuições significativas para a forma de arte e o próprio processo de fazer cinema. Vários movimentos cinematográficos importantes, incluindo a Nouvelle Vague , começaram no país. É conhecido por ter uma indústria cinematográfica particularmente forte, em parte devido às proteções concedidas pelo governo francês .

O cinema francês às vezes se confunde com o cinema de nações estrangeiras. Diretores de países como Polônia ( Roman Polanski , Krzysztof Kieślowski e Andrzej Żuławski ), Argentina ( Gaspar Noé e Edgardo Cozarinsky ), Rússia ( Alexandre Alexeieff , Anatole Litvak ), Áustria ( Michael Haneke ) e Geórgia ( Géla Babluani , Otar Iosseliani ) são proeminentes nas fileiras do cinema francês. Por outro lado, alguns diretores franceses tiveram carreira em outros países, como Luc Besson , Jacques Tourneur ou Francis Veber nos Estados Unidos .

Outro elemento que apóia esse fato é que Paris possui a maior densidade de cinemas do mundo, medida pelo número de cinemas por habitante, e que na maioria dos cinemas do "centro de Paris", filmes estrangeiros que ficariam isolados das "casas de arte" cinemas em outros lugares são exibidos ao lado de obras "convencionais". Philippe Binant realizou, no dia 2 de fevereiro de 2000, a primeira projeção de cinema digital na Europa , com a tecnologia DLP CINEMA desenvolvida pela Texas Instruments , em Paris. Paris também possui a Cité du cinéma, um grande estúdio ao norte da cidade, e o Disney Studio, um parque temático dedicado ao cinema e o terceiro parque temático perto da cidade, atrás da Disneyland e do Parc Astérix.

Em 2015, a França viu um recorde de 300 longas-metragens produzidos. Os filmes dos EUA e do Reino Unido representaram apenas 44,9% do total de entradas em 2014. Isso se deve em grande parte à força comercial das produções nacionais, que representaram 44,5% das entradas em 2014 (35,5% em 2015; 35,3% em 2016). Em meados dos anos 2000, a indústria cinematográfica francesa era descrita como "mais próxima de ser totalmente autossuficiente do que qualquer outro país da Europa, recuperando cerca de 80 a 90% do seu orçamento em receitas geradas no mercado interno". Em 2018, os filmes franceses tiveram uma bilheteria internacional de € 237 milhões com 40 milhões de entradas (menos 52% em relação a 2017), com a Itália sendo o principal mercado estrangeiro.

China

Antigo cinema chinês em Qufu , Shandong

O cinema da China é um dos três fios históricos distintos do cinema em língua chinesa, juntamente com o cinema de Hong Kong e o cinema de Taiwan . O cinema foi introduzido na China em 1896 e o ​​primeiro filme chinês, Dingjun Mountain , foi feito em 1905, com a indústria cinematográfica centrada em Xangai nas primeiras décadas. A China é a casa do maior estúdio cinematográfico do mundo, o Hengdian World Studios , e em 2010 tinha a terceira maior indústria cinematográfica em número de filmes produzidos anualmente. Durante a década seguinte, as produtoras foram majoritariamente estrangeiras e a indústria cinematográfica nacional se concentrou em Xangai, um próspero entreposto e a maior cidade do Extremo Oriente . Em 1913, o primeiro roteiro chinês independente , The Difficult Couple , foi filmado em Xangai por Zheng Zhengqiu e Zhang Shichuan .

À medida que a Sexta Geração ganhou exposição internacional, muitos filmes subsequentes foram joint ventures e projetos com patrocinadores internacionais, mas permaneceram decididamente discretos e com baixo orçamento. Jia's Platform (2000) foi financiado em parte pela casa de produção de Takeshi Kitano , enquanto sua Still Life foi filmada em vídeo HD. Still Life foi uma adição surpresa e vencedor do Leão de Ouro do Festival Internacional de Cinema de Veneza de 2006. Still Life , que diz respeito aos trabalhadores provinciais da região das Três Gargantas , contrasta fortemente com os trabalhos de diretores chineses da Quinta Geração , como Zhang Yimou e Chen Kaige, que estavam na época produzindo House of Flying Daggers (2004) e The Promise (2005). Não contou com nenhuma estrela de renome internacional e foi representada principalmente por não profissionais. Em 2012, o país se tornou o segundo maior mercado do mundo em receita de bilheteria. Em 2014, a bilheteria bruta na China foi de ¥ 29,6 bilhões ( US $ 4,82 bilhões), com os filmes nacionais tendo uma participação de 55%. A China também se tornou um importante centro de negócios para os estúdios de Hollywood.

Em 2018, bilheteria bruta da China foi de US $ 8,9 bilhões em 2013, bilheteria bruta da China foi de ¥ 21,8 bilhões (US $ 3,6 bilhões), o segundo maior mercado de cinema do mundo por receitas de bilheteira Ele aumentou para US $ 4,8 bilhões em 2014 bilheterias mais grosseiro na indústria cinematográfica. Em 2020, a China ultrapassou a América do Norte como maior bilheteria do mundo, sendo o primeiro país a alcançar esse status.

Índia

Uma cena de Raja Harishchandra (1913) - considerada o primeiro longa-metragem indiano.

A Índia é o maior produtor de filmes do mundo e a segunda indústria cinematográfica mais antiga do mundo. O país abriga uma das cidades mais importantes da indústria cinematográfica mundial, Mumbai (anteriormente chamada de Bombay). Em 2009, a Índia produziu um total de 2.961 filmes em celulóide; este número inclui 1.288 longas-metragens. Além de ser a maior produtora de filmes do mundo, a Índia também tem o maior número de inscrições. A indústria cinematográfica indiana é multilíngue e a maior do mundo em vendas de ingressos, mas a terceira maior em termos de receita, principalmente por ter um dos preços de ingressos mais baixos do mundo. A indústria é vista principalmente por um vasto público indiano que vai ao cinema, e os filmes indianos vêm ganhando popularidade crescente no resto do mundo - principalmente em países com grande número de indianos expatriados. A indústria cinematográfica indiana também é a fonte dominante de filmes e entretenimento em seus países vizinhos do Sul da Ásia . O maior filme e a indústria mais popular da Índia é a indústria cinematográfica hindi , seguida pelo cinema telugu e pelo cinema tamil . A indústria cinematográfica hindi concentrava-se principalmente em Mumbai (Bombaim) e é comumente chamada de Bollywood , uma mala de viagem de Bombaim e Hollywood. Indústria de sândalo (cinema Kannada) concentrada em Bengaluru . A indústria de Mollywood que se concentra no estado de Kerala refere-se ao cinema Malayalam . Tanto Kollywood (cinema tâmil) quanto Tollywood (cinema telugu) se concentraram principalmente em Chennai e Hyderabad .

Além dos filmes comerciais convencionais, a Índia também oferece uma abordagem diferente ao cinema - o cinema paralelo. O movimento do cinema paralelo originou-se em Bengala Ocidental por volta dos anos 1950. Cinema paralelo é um termo genérico designado a um certo tipo de filme que foge das convenções do cinema mainstream popular. O cinema paralelo assumiu várias formas ao longo dos anos. Os cineastas associados ao cinema paralelo são Satyajit Ray , Mrinal Sen , Ritwik Ghatak . Os filmes paralelos caracterizam-se pela rejeição de formas populares como as canções e sequências de lutas, sua afinidade com cenários rurais, uso de atores metodológicos e paletas de cores atenuadas. Alguns exemplos de tais filmes são Raincoat , Dhobi Ghat , Mithya .

Os filmes indianos ganharam popularidade não apenas no mercado doméstico, mas também nos mercados internacionais, com Dangal tendo uma receita bruta no exterior de $ 260 milhões, Secret Superstar e Bajrangi Bhaijaan com uma receita bruta de $ 80,4 milhões, e Baahubali: The Beginning and Baahubali 2 : The Conclusion, um blockbuster recente da indústria Telugu conhecido como Tollywood.

As outras maiores indústrias cinematográficas são o cinema Malayalam , o cinema Bangla ( cinema de Bengala Ocidental ) e o cinema Marathi , que estão localizados em Kochi , Calcutá e Mumbai, respectivamente. A porção maioritária restante está espalhada pelo norte, oeste, leste e sul da Índia (com Gujarati , Punjabi , Odia , Bhojpuri , Cinema Assamês ). No entanto, existem vários centros menores de indústrias cinematográficas indianas em línguas regionais centradas nos estados onde essas línguas são faladas. O cinema indiano inclui várias formas de arte, como música clássica indiana, música folclórica de diferentes regiões do país, dança clássica indiana, dança folclórica e muito mais. Bollywood, Kollywood e Tollywood são a maior parte da indústria cinematográfica indiana e são vistos em todo o subcontinente indiano e são cada vez mais populares no Reino Unido, Estados Unidos, Austrália, Nova Zelândia, Sudeste Asiático , África , países do Golfo , países europeus , Ásia Oriental e China. O maior complexo de estúdio cinematográfico do mundo é Ramoji Film City, localizado em Hyderabad , Índia, que foi inaugurado em 1996 e mede 674 ha (1.666 acres). Composto por 47 palcos sonoros, possui cenários permanentes que vão desde estações ferroviárias a templos.

Em 1986, a produção anual de filmes da Índia aumentou de 741 filmes produzidos anualmente para 833 filmes anualmente, tornando a Índia a maior produtora de filmes do mundo. Em 2014, Bollywood representava 45℅ da receita líquida de bilheteria da Índia, enquanto Tollywood representava 36% e o restante das indústrias cinematográficas regionais constituíam 21% do cinema indiano.

Reino Unido

William Friese-Greene
London IMAX tem a maior tela de cinema da Grã-Bretanha, com um tamanho total de tela de 520m².

O Reino Unido tem uma indústria cinematográfica significativa há mais de um século. Embora a produção cinematográfica tenha atingido o seu ponto mais alto em 1936, a "era de ouro" do cinema britânico costuma ter ocorrido na década de 1940, durante a qual os diretores David Lean , Michael Powell (com Emeric Pressburger ) e Carol Reed produziram seu trabalho mais aclamado. Muitos atores britânicos alcançaram fama mundial e sucesso de crítica, como Maggie Smith , Roger Moore , Michael Caine , Sean Connery , Daniel Day-Lewis , Gary Oldman e Kate Winslet . Alguns dos filmes com maior retorno de bilheteria de todos os tempos foram feitos no Reino Unido, incluindo a terceira e a quarta série de filmes de maior bilheteria ( Harry Potter e James Bond ).

A primeira imagem em movimento foi filmada em Leeds por Louis Le Prince em 1888 e as primeiras imagens em movimento reveladas em filme de celulóide foram feitas no Hyde Park, Londres em 1889 pelo inventor britânico William Friese Greene , que patenteou o processo em 1890.

Dois dos oito filmes de maior bilheteria em todo o mundo têm algumas dimensões históricas, culturais ou criativas britânicas: Titanic (1997), Harry Potter e as Relíquias da Morte - Parte 2 (2011), O Senhor dos Anéis: O Retorno de the King (2003), feito na Nova Zelândia, e Pirates of the Caribbean: Dead Man's Chest (2005). Adicionando mais quatro filmes de Harry Potter e mais um filme de O Senhor dos Anéis , mais a versão de Tim Burton de Alice no País das Maravilhas (2010), e mais da metade dos vinte filmes de maior sucesso financeiro, teve uma dimensão britânica substancial.

A influência britânica também pode ser vista com o 'Ciclo Inglês' dos filmes de animação da Disney, que incluem Alice no País das Maravilhas (1951), Peter Pan (1953), Cem e Um Dálmata (1961), A Espada na Pedra (1963), e The Jungle Book (1967). A Disney começou a se interessar por filmes de ação ao vivo como meio de usar as reservas financeiras que haviam se formado na Grã-Bretanha e não podiam ser repatriadas devido aos controles de câmbio, fazendo dois filmes de fontes escocesas e inglesas. Foram eles A Ilha do Tesouro (1950) e A História de Robin Hood e Seus Homens Merrie (1952), ambos sucessos de bilheteria. O estúdio continuou a se valer de material de origem britânica para seus filmes animados após a morte de Walt Disney em 1967, com os filmes de desenho animado Robin Hood (1973), The Rescuers (1976) e The Many Adventures of Winnie the Pooh (1977), um dos muitos Disney a se inspirar nos personagens de AA Milne .

Nas décadas de 1970 e 1980, os estúdios britânicos estabeleceram uma reputação de ótimos efeitos especiais em filmes como Superman (1978), Alien (1979) e Batman (1989). Parte dessa reputação foi fundada no núcleo de talentos reunidos para as filmagens de 2001: Uma Odisséia no Espaço (1968), que posteriormente trabalharam juntos em séries e longas-metragens para Gerry Anderson . A Aardman Animations, sediada em Bristol, é conhecida por sua animação em stop-motion.

No final de 1998, Canal 4 lançada sua livre-de-ar do canal filme Film4 - um canal especificamente concebido para mostrar filmes. Ele é transmitido a partir das 11h BST e concorre com a rede de filmes de televisão paga Sky Cinema .

A empresa londrina de efeitos visuais Framestore , com Tim Webber como supervisor de efeitos visuais , trabalhou nos filmes The Dark Knight (2008) e Gravity (2013), com novas técnicas envolvidas em Gravity que levaram três anos para serem concluídas.

Polônia

A história do Cinema da Polônia é quase tão longa quanto a história da cinematografia e tem realizações universalmente reconhecidas, embora os filmes poloneses tendam a ser menos comercialmente disponíveis do que filmes de várias outras nações europeias.

Após a Segunda Guerra Mundial , o governo comunista construiu um cinema nacional baseado em autores , treinou centenas de novos diretores e os autorizou a fazer filmes. Cineastas como Roman Polański , Krzysztof Kieślowski , Agnieszka Holland , Andrzej Wajda , Andrzej Żuławski , Andrzej Munk e Jerzy Skolimowski impactaram o desenvolvimento do cinema polonês. Nos anos mais recentes, a indústria tem sido liderada por produtores, com as finanças sendo a chave para um filme sendo feito, e com muitos cineastas independentes de todos os gêneros, as produções polonesas tendem a ser mais inspiradas no cinema americano .

A Escola de Cinema Polonesa estava sob forte influência dos neorrealistas italianos . Aproveitou as mudanças liberais na Polônia após o outubro polonês de 1956 para retratar a complexidade da história polonesa durante a Segunda Guerra Mundial e a ocupação alemã. Entre os tópicos mais importantes estavam a geração de ex - soldados do Exército da Pátria e seu papel na Polônia do pós-guerra e as tragédias nacionais como os campos de concentração alemães e a Revolta de Varsóvia . As mudanças políticas permitiram ao grupo falar mais abertamente sobre a história recente da Polônia. No entanto, a regra da censura ainda era forte quando se trata de história depois de 1945 e havia muito poucos filmes sobre os eventos contemporâneos. Isso marcou a principal diferença entre os membros da Escola de Cinema Polonesa e os neo-realistas italianos.

A Escola Polonesa de Cinema foi a primeira a sublinhar o caráter nacional dos poloneses e um dos primeiros movimentos artísticos na Europa Central a se opor abertamente às diretrizes oficiais do realismo socialista . Os membros do movimento tendem a sublinhar o papel do indivíduo em oposição ao da coletividade. Havia duas tendências dentro do movimento: jovens diretores como Andrzej Wajda geralmente estudavam a ideia de heroísmo, enquanto outro grupo (o mais notável sendo Andrzej Munk ) analisava o personagem polonês por meio de ironia, humor e uma dissecação de mitos nacionais.

Nigéria

O cinema da Nigéria , muitas vezes referido informalmente como Nollywood. A indústria cinematográfica nigeriana é a maior indústria cinematográfica globalmente - em termos de produção, produzindo filmes anualmente , é a terceira maior, em termos de receitas gerais geradas, em 2013. Cinema da Nigéria É a história remonta ao final do século 19 e à era colonial no início do século 20. A história e desenvolvimento da indústria cinematográfica nigeriana às vezes é geralmente classificado em quatro eras principais: a era colonial , Golden Age , era de filme Video eo emergente cinema New Nigerian .

O filme como meio chegou pela primeira vez à Nigéria no final do século 19, na forma de olho mágico de dispositivos cinematográficos . Eles foram logo substituídos no início do século 20 por dispositivos de exibição de filmes aprimorados, com o primeiro conjunto de filmes exibido no Glover Memorial Hall em Lagos de 12 a 22 de agosto de 1903. O primeiro longa-metragem feito na Nigéria é Palaver de 1926, produzido por Geoffrey Barkas ; o filme também foi o primeiro a apresentar atores nigerianos em um papel falado. Em 1954, vans de cinemas móveis foram exibidos para pelo menos 3,5 milhões de pessoas na Nigéria, e os filmes produzidos pela Unidade de Cinema da Nigéria foram exibidos gratuitamente nos 44 cinemas disponíveis. O primeiro filme com direitos autorais exclusivos da unidade Nigerian Film é Fincho (1957), de Sam Zebba; que também é o primeiro filme nigeriano a ser rodado em cores .

Após a independência da Nigéria em 1960, o negócio do cinema expandiu-se rapidamente, com novas casas de cinema sendo estabelecidas. Como resultado, os filmes nigerianos nos cinemas aumentaram no final dos anos 1960 até os anos 1970, especialmente as produções da Nigéria Ocidental , devido à transição de ex- praticantes de teatro como Hubert Ogunde e Moses Olaiya para a tela grande. Em 1972, o Decreto de Indigenização foi emitido por Yakubu Gowon , que exige a transferência da propriedade de cerca de 300 salas de cinema de seus proprietários estrangeiros para os nigerianos, o que resultou em mais nigerianos desempenhando papéis ativos no cinema e no cinema. O boom do petróleo de 1973 a 1978 também contribuiu imensamente para o impulso espontâneo da cultura do cinema na Nigéria, já que o aumento do poder de compra na Nigéria fez com que uma ampla gama de cidadãos tivesse renda disponível para gastar com cinema e aparelhos de televisão em casa. Depois de vários filmes de desempenho moderado, Papa Ajasco (1984) de Wale Adenuga se tornou o primeiro blockbuster, arrecadando aproximadamente ₦ 61.000 (aproximadamente 2015 ₦ 21.552.673) em três dias. Um ano depois, Mosebolatan (1985) por Moses Olaiya também obteve uma receita bruta de ₦ 107.000 (aproximadamente 2015 ₦ 44.180.499) em cinco dias.

Egito

Desde 1976, Cairo realiza anualmente o Festival Internacional de Cinema do Cairo (CIFF), que é credenciado pela International Federation of Film Producers Association. Em 1996, a Cidade Egípcia de Produção de Mídia (EMPC) foi inaugurada na cidade de 6 de outubro ao sul do Cairo, embora em 2001, apenas um dos 29 estúdios planejados estivesse operacional. A censura, que antes era um obstáculo à liberdade de expressão, diminuiu notavelmente em 2012, quando o cinema egípcio começou a abordar de forma ousada questões que vão desde questões sexuais a fortes críticas do governo.

As décadas de 1940, 1950 e 1960 são geralmente consideradas a era de ouro do cinema egípcio. Como no Ocidente, os filmes responderam à imaginação popular, com a maioria caindo em gêneros previsíveis (finais felizes sendo a norma), e muitos atores fazendo carreira interpretando papéis fortemente tipados. Nas palavras de um crítico, "se um filme egípcio destinado ao público popular carecesse de algum desses pré-requisitos, isso constituiria uma traição do contrato não escrito com o espectador, cujos resultados se manifestariam na bilheteria". Desde a década de 1990, o cinema egípcio seguiu em direções diferentes. Filmes menores de arte atraem alguma atenção internacional, mas escassez de público em casa. Filmes populares, muitas vezes comédias amplas como What A Lie! , e as obras extremamente lucrativas do comediante Mohamed Saad , lutam para manter o público atraído por filmes de faroeste ou, cada vez mais, desconfiado da suposta imoralidade do filme.

Irã

O cinema do Irã ( persa : سینمای ایران ) ou cinema da Pérsia refere-se ao cinema e às indústrias cinematográficas do Irã, que produzem uma variedade de filmes comerciais anualmente. Os filmes de arte iranianos conquistaram fama internacional e agora contam com seguidores em todo o mundo.

Junto com a China, o Irã foi elogiado como um dos melhores exportadores de cinema na década de 1990, de acordo com Jamsheed Akrami . Alguns críticos agora classificam o Irã como o cinema nacional mais importante do mundo, artisticamente, com um significado que convida à comparação com o neorrealismo italiano e movimentos semelhantes nas últimas décadas. O cineasta alemão Werner Herzog elogiou o cinema iraniano como um dos mais importantes cinemas artísticos do mundo.

Japão

O Japão tem uma das maiores e mais antigas indústrias cinematográficas do mundo; em 2010, foi o quarto maior em número de filmes produzidos. Filmes são produzidos no Japão desde 1897, quando chegaram os primeiros cinegrafistas estrangeiros.

Em uma lista da Sight & Sound dos melhores filmes produzidos na Ásia , as obras japonesas ocuparam oito dos 12 primeiros, com Tokyo Story (1953) em primeiro lugar. Viagem a Tóquio também superou as 2012 Sight & Sound poll de administração Os Top 50 maiores filmes de todos os tempos , destronando Citizen Kane , enquanto Akira Kurosawa 's Sete Samurais (1954) foi eleito o melhor filme em língua estrangeira de todos os tempos na BBC ' s pesquisa de 2018 com 209 críticos em 43 países. O Japão ganhou o Oscar de Melhor Filme Estrangeiro quatro vezes ( Rashomon , Gate of Hell , Samurai I: Musashi Miyamoto e Departures ), mais do que qualquer outro país asiático.

Coréia

O termo cinema da Coreia (ou cinema coreano) abrange as indústrias cinematográficas da Coreia do Norte e do Sul . Como em todos os aspectos da vida coreana durante o século passado, a indústria cinematográfica sempre esteve à mercê de eventos políticos, desde o final da dinastia Joseon até a Guerra da Coréia e a interferência governamental interna. Embora ambos os países tenham indústrias cinematográficas relativamente robustas hoje, apenas os filmes sul-coreanos alcançaram grande aclamação internacional. Os filmes norte-coreanos tendem a retratar seus temas comunistas ou revolucionários.

Os filmes sul-coreanos viveram uma "era de ouro" no final dos anos 1950 e 1960. Em 2005, a Coreia do Sul se tornou uma das poucas nações a assistir mais filmes nacionais do que importados nos cinemas, em grande parte devido às leis que impõem limites ao número de filmes estrangeiros que podem ser exibidos por sala por ano. Nos cinemas, os filmes coreanos devem ser exibidos 73 dias por ano desde 2006. Na TV a cabo, 25% da cota nacional de filmes será reduzida para 20% após o acordo KOR-EUA. O cinema da Coreia do Sul teve uma bilheteria total no país em 2015 de 884 bilhões e teve 113 milhões de ingressos, 52% do total de ingressos.

Hong Kong

Zhuangzi Testa Sua Esposa (1913) é creditado como o primeiro longa-metragem de Hong Kong

Hong Kong é um centro de produção de filmes para o mundo de língua chinesa (incluindo a diáspora mundial ) e o Leste Asiático em geral. Durante décadas, foi a terceira maior indústria cinematográfica do mundo (depois de Bollywood e Hollywood) e a segunda maior exportadora de filmes. Apesar de uma crise no setor que começou em meados da década de 1990 e do retorno de Hong Kong à soberania chinesa em julho de 1997, o cinema de Hong Kong manteve muito de sua identidade distinta e continua a desempenhar um papel proeminente no cenário do cinema mundial. Ao contrário de muitas indústrias cinematográficas, Hong Kong tem desfrutado de pouco ou nenhum apoio governamental direto, seja por meio de subsídios ou cotas de importação. Sempre foi um cinema totalmente comercial, concentrando-se em gêneros que agradam ao público , como comédia e ação, e fortemente dependente de fórmulas, sequências e remakes. Normalmente em cinemas comerciais, seu coração é um sistema de estrelas altamente desenvolvido , que neste caso também apresenta uma sobreposição substancial com a indústria da música pop .

Turquia

O mercado cinematográfico turco destaca-se no panorama pan-europeu como o único mercado em que os filmes nacionais regularmente superam os filmes norte-americanos . Em 2013, teve 1,2 milhão de inscrições e 87 longas-metragens foram lançados. Entre 2004 e 2014, os 12,9 milhões de entradas estimadas geradas em mercados europeus não nacionais representaram apenas 7% do total de entradas em filmes turcos na Europa (incluindo a Turquia). Esta foi a terceira quota mais baixa entre os 30 mercados europeus para os quais existem dados disponíveis e ilustra claramente a forte dependência dos filmes turcos no mercado nacional, característica partilhada por filmes polacos e russos.

Em 2014, Kış Uykusu (Winter's Sleep) ganhou o Prêmio do Festival de Cinema de Cannes de Melhor Filme. Em 2013, a Turquia ainda estava atrás da Holanda em termos de bilheteria, com pouco mais de 200 milhões de euros, como o oitavo maior mercado de bilheteria da Europa, à frente da Suécia e da Suíça, com uma clara diferença entre os 6 principais mercados, todos com GBO registrados entre 504 milhões de euros (Espanha) até mais de 1 bilhão de euros na França, Reino Unido , Alemanha e Federação Russa . O cinema é comparativamente barato na Turquia. Em 2013, um ingresso de cinema custava em média 4,0 EUR na Turquia, e este foi estimado como o preço médio mais baixo do ingresso - medido em euros - na Europa , ligeiramente mais barato do que em vários mercados da Europa Central e Oriental , como Croácia, Romênia, Lituânia ou Bulgária (sujeito a taxas de câmbio).

Paquistão

O cinema do Paquistão , ou simplesmente cinema do Paquistão ( Urdu : پاکستانی سنیما ), refere-se à indústria cinematográfica do Paquistão . A maioria dos filmes filmados no Paquistão está em urdu , o idioma nacional, mas também podem incluir filmes em inglês, o idioma oficial, e em idiomas regionais, como punjabi , pashto , balochi e sindhi . Lahore foi descrita como o epicentro do cinema paquistanês, dando origem ao termo " Lollywood " como uma mala de viagem de Lahore e Hollywood.

Antes da separação de Bangladesh, o Paquistão tinha três centros principais de produção de filmes: Lahore , Karachi e Dhaka . O regime de Muhammad Zia-ul-Haq , videocassetes , pirataria de filmes , a introdução de impostos sobre entretenimento, leis rígidas baseadas na jurisprudência ultraconservadora, foram um obstáculo para o crescimento da indústria. Antes próspero, o cinema no Paquistão sofreu um colapso repentino na década de 1980 e, na década de 2000, "uma indústria que antes produzia em média 80 filmes por ano agora lutava para produzir poucos filmes". No entanto, com o boom da indústria da televisão em Karachi, que deu origem a maiores empresas de mídia privadas, levou ao renascimento da indústria cinematográfica do Paquistão. Karachi, agora é o maior centro de produção da indústria cinematográfica no Paquistão, que produz cinema paquistanês em urdu, inglês e sindi. Lahore é o segundo grande produtor de filmes agora (principalmente filmes em urdu e punjabi), seguido por Peshawer, onde a maioria dos filmes em pashto são produzidos. Filmes também estão sendo produzidos em uma escala muito pequena a partir de Islamabad (filmes em urdu e inglês) e Quetta (filmes de Balochi). Os filmes de Pakistani estão ganhando seu mercado na cticuit local e em mercados internacionais como países do Golfo, Reino Unido-Europa, EUA-América do Norte e Extremo Oriente. Muitos filmes paquistaneses chegaram à categoria de filmes em língua estrangeira do Oscar, como Jaago Hua Sawera-The Day Shall Dawn (1953), The Veil (Ghoonghat) (1963), Zinda Bhaag (2013), Dukhtar (2014), Moor (2015) , Mah-e-Mir (2016), Saawan (2017), Cake (2018), Lal Kabootar (2019). Dois documentários paquistaneses ganharam o Oscar de melhor documentário, são eles, Saving Face (2012) e A Girl in the River (2016). Os filmes paquistaneses, especialmente os filmes em urdu, giram em torno de drama familiar, romance, histórias de amor, comédia, suspense, questões sociais, questões políticas. Na era contemporânea, alguns filmes paquistaneses ganharam aclamação internacional, incluindo Khuda Kay Liye (em nome de Deus), Bol, Verna, Zinda Bhaag, Load-Wedding, Wrong Number, Cake, Teefa in Trouble, Lal Kabootar, Mah- e-Meer, Moor, Baaji.

O cinema punjabi é principalmente temático de romance, drama familiar e ação, enquanto o cinema pashto gira em torno de ação e rixas tribais.

Os prêmios principais do cinema incluem Lux Style Awards, ARY Film Awards, Nigar Awards e National Film Awards.

Bangladesh

O cinema de Bangladesh é a indústria cinematográfica em idioma bengali com sede em Dhaka , Bangladesh . A indústria freqüentemente tem sido uma indústria cinematográfica significativa desde o início dos anos 1970. A palavra "Dhallywood" é uma junção das palavras Dhaka e Hollywood . O estilo dominante do cinema de Bangladesh é o cinema melodramático , que se desenvolveu de 1947 a 1990 e caracteriza a maioria dos filmes até hoje. O cinema foi introduzido em Bangladesh em 1898 pela Bradford Bioscope Company, com o crédito de ter organizado o primeiro lançamento de filme em Bangladesh. Entre 1913 e 1914, foi inaugurada a primeira produtora chamada Picture House. Um curta-metragem mudo intitulado Sukumari ( The Good Girl ) foi o primeiro filme produzido na região durante 1928. O primeiro longa-metragem, O Último Beijo , foi lançado em 1931. Da separação de Bangladesh do Paquistão, Dhaka é o centro de Indústria cinematográfica de Bangladesh e gerou a maior parte da receita, produção e público. As décadas de 1960, 1970, 1980 e a primeira metade da década de 1990 foram os anos dourados para os filmes de Bangladesh, pois a indústria produziu muitos filmes de sucesso. O Rosto e a Máscara , o primeiro longa-metragem de Bangladesh em língua bengali foi produzido em 1956. Matir Moina , um filme de 2002 de Tarek Masud , tornou-se o primeiro filme de Bangladesh a ser homenageado no Festival de Cinema de Cannes .

Indonésia

Os maiores estúdios de cinema do Sudeste Asiático foram inaugurados em 5 de novembro de 2011 em 10 hectares de terra em Nongsa, Ilha Batam , Indonésia . A Infinite Frameworks (IFW) é uma empresa sediada em Cingapura (fechada para a Ilha de Batam), que pertence a um consórcio com 90% do capital detido pelo empresário e produtor cinematográfico indonésio Mike Wiluan. Em 2010-2011, devido ao aumento substancial no imposto sobre o valor agregado aplicado a filmes estrangeiros, os cinemas não tinham mais acesso a muitos filmes estrangeiros, incluindo filmes vencedores do Oscar. Os filmes estrangeiros incluem grandes bilheterias do Ocidente e outros grandes produtores de filmes do mundo. Isso causou um efeito cascata massivo na economia do país. Presume-se que isso aumentou a compra de DVDs não licenciados. No entanto, mesmo DVDs que violam direitos autorais demoram mais para serem obtidos. O custo mínimo para ver um filme estrangeiro não exibido localmente era de 1 milhão de rupias. Isso equivale a US $ 100, já que inclui uma passagem aérea para Cingapura.

Malásia

O cinema da Malásia é composto por longas-metragens produzidos na Malásia, rodados nos idiomas inglês , tâmil , malaio , mandarim e cantonês .

A Malásia produz cerca de 60 longas-metragens por ano e entre 300-400 dramas e seriados de televisão por ano, além das produções internas das estações de televisão individuais. O país também detém seus próprios prêmios anuais de cinema de nível nacional, conhecidos como Festival de Cinema da Malásia . Existem cerca de 150 cinemas e cineplexes na Malásia, exibindo não apenas filmes locais, mas também filmes estrangeiros.

Trinidad e Tobago

O setor cinematográfico de Trinidad e Tobago começou a emergir do final dos anos 1950 ao início dos 1960 e, no final dos anos 1970, havia um punhado de produções locais, tanto para longas-metragens quanto para a televisão. O primeiro longa-metragem produzido em Trinidad e Tobago foi “The Right and the Wrong” (1970), do diretor / escritor / produtor indiano Harbance Kumar. O roteiro foi escrito pelo dramaturgo de Trinidad, Freddie Kissoon. O resto do século 20 viu mais alguns filmes sendo feitos no país, com “ Bim ” (1974), sendo apontado por Bruce Paddington como “um dos filmes mais importantes a serem produzidos em Trinidad e Tobago… .e um dos clássicos do cinema caribenho ”. Foi um dos primeiros filmes a apresentar um elenco e equipe quase inteiramente de Trinidad. Houve um aumento na produção cinematográfica de Trinidad nos anos 2000. Filmes como “Ivan, o Terrível” (2004), “ SistaGod ” (2006), “I 'm Santana: The Movie ”(2012) e“ God Loves the Fighter ”(2013) foram lançados localmente e internacionalmente.“ SistaGod ”teve sua estreia mundial no Festival Internacional de Cinema de Toronto de 2006 .

A Trinidad e Tobago Film Company é a agência nacional criada em 2006 para promover o desenvolvimento da indústria cinematográfica. Trinidad e Tobago organiza diversos festivais de cinema organizados por diferentes comitês e organizações. Isso inclui o Festival de Curtas-Metragens para Escolas Secundárias e o Festival de Filmes para Smartphone, organizados pela Trinidad e Tobago Film Company. Há também um Festival de Cinema anual de Trinidad e Tobago que dura duas semanas na segunda metade de setembro.

Nepal

O cinema nepalês não tem uma história cinematográfica muito longa, mas a indústria tem seu próprio lugar no patrimônio cultural do país. É frequentemente referido como 'Nepali Chalchitra' (que se traduz em "filmes nepaleses" em inglês). Os termos Kollywood e Kallywood também são usados, como uma mala de viagem de "Kathmandu" e "Hollywood"; "Kollywood", entretanto, é mais freqüentemente usado para se referir ao cinema Tamil. Chhakka Panja foi considerado o filme de maior bilheteria de todos os tempos na indústria cinematográfica nepalesa e Kohino ou o segundo filme de maior bilheteria. Os filmes nepaleses The Black Hen (2015) e Kagbeni (2006) receberam aclamação internacional. O longa-metragem nepalês White Sun (Seto Surya) recebeu o prêmio de melhor filme no 27º Festival Internacional de Cinema de Cingapura (SGIFF) em 2016.

História

Um ainda de A história do grupo de Kelly (Austrália, 1906;. 80 min)

Les frères Lumière lançou a primeira projeção com o Cinematograph, em Paris, em 28 de dezembro de 1895. A indústria cinematográfica francesa no final do século 19 e início do século 20 era a mais importante do mundo. Auguste e Louis Lumière inventaram o cinématographe e seu L'Arrivée d'un train en gare de La Ciotat em Paris em 1895 é considerado por muitos historiadores como o nascimento oficial da cinematografia. O primeiro longa-metragem a ser feito foi o mudo australiano de 1906, A História da Gangue Kelly , um relato da famosa gangue liderada por Ned Kelly dirigida e produzida pelos Melburnians Dan Barry e Charles Tait . Funcionou continuamente por oitenta minutos.

No início da década de 1910, a indústria cinematográfica emergiu totalmente com The Birth of a Nation, de DW Griffith . Também no início dos anos 1900, as produtoras de filmes de Nova York e Nova Jersey começaram a se mudar para a Califórnia por causa do bom tempo e dos dias mais longos. Embora as luzes elétricas existissem naquela época, nenhuma era poderosa o suficiente para expor adequadamente o filme; a melhor fonte de iluminação para a produção de filmes era a luz solar natural. Além do clima moderado e seco, eles também foram atraídos pelo estado por causa de seus espaços abertos e grande variedade de paisagens naturais.

Hollywood

O primeiro estúdio de cinema na área de Hollywood, Nestor Studios , foi fundado em 1911 por Al Christie para David Horsley . Outros estúdios da Costa Leste já haviam transferido a produção para Los Angeles. Com o tempo, Hollywood passou a ser tão fortemente associada à indústria cinematográfica que a palavra "Hollywood" agora é usada coloquialmente para se referir a toda a indústria cinematográfica americana.

Em 1913, Cecil B. DeMille , em associação com Jesse Lasky , alugou um celeiro com estúdio em Hollywood onde The Squaw Man (1914) foi feito. Agora é a localização do Hollywood Heritage Museum .

O Charlie Chaplin Studios foi construído em 1917. O local também foi usado pelo Kling Studios, para a série de TV Superman ; Red Skelton , que usou os palcos de som para seu programa de variedades na CBS TV ; e a CBS, que filmou a série de TV Perry Mason lá. Ele também foi detida por Herb Alpert da A & M Records e Tijuana latão Enterprises. Atualmente é a The Jim Henson Company, lar dos Muppets . Em 1969, o Los Angeles Cultural Heritage Board nomeou-o um monumento histórico cultural.

O famoso letreiro de Hollywood originalmente dizia "Hollywoodland". Foi erguido em 1923 para anunciar um novo desenvolvimento habitacional nas colinas acima de Hollywood. Em 1949, a Câmara de Comércio de Hollywood interveio e removeu as últimas quatro letras e reparou as outras. É uma marca registrada e não pode ser usada sem a permissão da Câmara de Comércio de Hollywood.

A primeira cerimônia de entrega do Oscar foi realizada em 16 de maio de 1929.

O período entre os anos de 1927 (o fim efetivo da era do cinema mudo) a 1948 é considerado a era do "sistema de estúdio de Hollywood", ou a Idade de Ouro de Hollywood . Em uma decisão judicial histórica de 1948 , a Suprema Corte decidiu que os estúdios de cinema não podiam ter cinemas e exibir apenas os filmes de seus estúdios e estrelas de cinema ; assim terminou uma era da história de Hollywood.

Bollywood

Um tiro de Raja Harishchandra (1913), o primeiro filme de Bollywood .

Bollywood é a indústria cinematográfica em hindi com sede em Mumbai (anteriormente conhecida como Bombay ), Maharashtra , Índia. O termo é freqüentemente usado incorretamente para se referir a todo o cinema indiano ; no entanto, é apenas uma parte da indústria cinematográfica indiana total , que inclui outros centros de produção que produzem filmes em vários idiomas. Bollywood é o maior produtor de filmes da Índia e um dos maiores centros de produção cinematográfica do mundo.

Bollywood é formalmente conhecido como cinema hindi. Lingüisticamente, os filmes de Bollywood tendem a usar o hindustani vernáculo , mutuamente inteligível para falantes que se identificam como hindi e urdu , enquanto os filmes de Bollywood modernos também incorporam cada vez mais elementos do hinglish .

The Wrestlers (1899) e The Man and His Monkeys (1899), dirigidos e produzidos por Harischandra Sakharam Bhatawdekar ( HS Bhatavdekar ), foram os dois primeiros filmes realizados por cineastas indianos, ambos curtas-metragens. Ele também foi o primeiro cineasta indiano a dirigir e produzir o primeiro documentário e filme relacionado a notícias, intitulado The Landing of Sir MM Bhownuggree .

As décadas de 1930 e 1940 foram tumultuadas: a Índia foi fustigada pela Grande Depressão , pela Segunda Guerra Mundial, pelo movimento de independência indiana e pela violência da Partição . A maioria dos filmes de Bollywood era descaradamente escapista , mas também havia vários cineastas que abordaram questões sociais difíceis ou usaram a luta pela independência indiana como pano de fundo para seus enredos.

Em 1937, Ardeshir Irani , famoso por Alam Ara , fez o primeiro filme colorido em hindi, Kisan Kanya . No ano seguinte, ele fez outro filme colorido, uma versão da Mãe Índia .

Após a independência da Índia , o período do final dos anos 1940 ao início dos anos 1960 é considerado pelos historiadores do cinema como a "Idade de Ouro" do cinema hindi. A definição de figuras-chave durante esse período incluiu Raj Kapoor , Guru Dutt , Mehboob Khan e Dilip Kumar .

A década de 1970 foi quando o nome "Bollywood" foi cunhado e as convenções essenciais dos filmes comerciais de Bollywood foram estabelecidas. A chave para isso foi o surgimento do gênero cinematográfico masala , que combina elementos de vários gêneros ( ação , comédia , romance , drama , melodrama , musical ). O filme masala foi lançado no início dos anos 1970 pelo cineasta Nasir Hussain , junto com a dupla de roteiristas Salim – Javed , sendo os pioneiros no formato blockbuster de Bollywood .

Tollywood é a indústria cinematográfica em língua telugu da Índia. Iniciado pela Royal Bioscope Company em 1898 por Hiralal Sen, juntamente com Matilal Sen, Deboki Lal Sen e Bholanath Gupta. Combinando performances de atores em teatro ao vivo, a indústria bengali se destacou por usar o som como uma parte importante do drama em seu formato Bioscope, cuja linguagem cinematográfica era extremamente diferente dos filmes mudos ocidentais. Isso foi seguido por Jamshedji Framji Madan, da Elphinstone Bioscope Company, que também controlava a Madan Theatre Company. JJ Madan tornou-se diretor administrativo do Madan Theatres após a morte de seu pai em 1923 e o Madan Theatres atingiu o pico no final da década de 1920, quando possuía 127 cinemas e controlava metade das bilheterias do país. Madan Theatres produziu uma série de filmes populares e marcantes até 1937, paralelamente às obras de estrelas bengalis dos anos 20 como Dhirendra Nath Ganguly, que fundou a Indo British Film Co. - a primeira produtora de propriedade de bengalis em 1918. A ascensão da indústria se seguiu nas décadas de 1930 a 1940, quando uma diversidade de filmes foi feita. Muitas impressões foram destruídas pelo fogo. As cópias e registros de filmes de 1937 a 1947 foram destruídos em grande parte, mas esse período em Bengala serviu como a era dos filmes políticos na Índia, que foi extremamente influente na luta pela independência indiana. Depois de 1947, a indústria viu uma nova era de colaboradores criativos do sistema de estúdio que fizeram filmes sob o nome de Agradoot. Isso viu um renascimento de filmes comerciais e musicais, onde estrelas como Uttam Kumar e Suchitra Sen hipnotizaram o público com sua presença cativante na tela e performances moderadas. Ritwick Ghatak, Satyajit Ray, Tapan Sinha, Mrinal Sen e Rituparno Ghosh foram os outros diretores notáveis ​​cujas obras influenciaram o cinema mundial além de um grau incomparável. O nome da indústria foi cunhado em homenagem ao lugar Tollygunge, que também serviu como uma homenagem atrevida a Hollywood.

Nollywood

Nollywood é um apelido que originalmente se referia à indústria cinematográfica nigeriana . A origem do termo remonta ao início de 2000, traçada a um artigo no The New York Times . Devido à história de significados e contextos em evolução, não há uma definição clara ou consensual para o termo, o que o tornou objeto de várias controvérsias. A origem do termo "Nollywood" permanece obscura; Jonathan Haynes rastreou o uso inicial da palavra em um artigo de 2002 de Matt Steinglass no New York Times , onde foi usado para descrever o cinema nigeriano . Charles Igwe observou que Norimitsu Onishi também usou o nome em um artigo de setembro de 2002 que escreveu para o New York Times . O termo continua a ser usado na mídia para se referir à indústria cinematográfica nigeriana, com sua definição mais tarde assumida como uma maleta das palavras "Nigéria" e " Hollywood ", o principal centro cinematográfico americano.

Definição de quais filmes são considerados Nollywood sempre foi um assunto de debate. Alex Eyengho definiu Nollywood como "a totalidade das atividades que ocorrem na indústria cinematográfica nigeriana, seja em inglês, ioruba , hausa , igbo , itsekiri , edo , efik , ijaw , urhobo ou qualquer outra das mais de 300 línguas nigerianas ". Ele afirmou ainda que "a trajetória histórica de Nollywood começou desde a Nigéria pré e pós independente , com os esforços teatrais (palco) e cinematográficos ( celulóide ) de nomes como o chefe Hubert Ogunde , chefe Amata, Baba Sala , Ade Love , Eddie Ugbomah e alguns outros ". A influência da indústria cinematográfica nigeriana, muitas vezes referida informalmente como Nollywood , influenciou todos os países da África.

No final de 2013, a indústria cinematográfica atingiu uma receita recorde de ₦ 1,72 trilhão (US $ 4,1 bilhões). Em 2014, a indústria valia ₦ 853,9 bilhões (US $ 5,1 bilhões), tornando-a a terceira indústria cinematográfica mais valiosa do mundo, atrás apenas dos Estados Unidos e da Índia . Contribuiu com cerca de 1,4% para a economia da Nigéria; isso foi atribuído ao aumento no número de filmes de qualidade produzidos e métodos de distribuição mais formais.

Economia

Lançamentos de filmes caseiros em DVD com desconto vendidos na Holanda

A lucratividade de um estúdio de cinema depende crucialmente da escolha dos projetos de filme certos e do envolvimento da equipe de gerenciamento e criação certa (elenco, direção, design visual, trilha, fotografia, figurino, cenografia, edição e muitas especialidades adicionais), mas também depende muito da escolha da escala e abordagem corretas para a promoção de filmes , controle sobre as receitas por meio de tecnologias como gerenciamento de direitos digitais (DRM), práticas contábeis sofisticadas e gerenciamento de fluxos de receita auxiliares ; no extremo, para uma grande franquia de mídia centrada no filme, o próprio filme pode ser apenas um grande componente de muitas grandes contribuições para a receita total da franquia.

A indústria cinematográfica é um mercado brutalmente competitivo em que o vencedor leva tudo, impulsionado por " processos não lineares " de flutuação selvagem . A receita das bilheterias está altamente concentrada em um pequeno número de filmes de muito sucesso, e a participação no mercado da indústria cinematográfica também está altamente concentrada nos estúdios de cinema que têm a sorte de fazer esses filmes. Mas o mercado é "extremamente volátil" e é impossível prever com antecedência quem se tornará o vencedor do mercado em um dado momento "ou quanto tempo durará seu domínio". Os filmes e estúdios de cinema dominantes "mudam de lugar de maneira dramática e frequente".

Estatisticas

Maiores indústrias por número de produções cinematográficas

A seguir está uma lista dos 15 principais países pelo número de longas-metragens (ficção, animação e documentário) produzidos, de acordo com o Instituto de Estatística da UNESCO , a menos que indicado de outra forma.

Classificação País Filmes Ano
1 Nigéria Nigéria 2.599 2019
2 Índia Índia 2.446 2019
3 China China 874 2017
4 Japão Japão 689 2019
5 Estados Unidos Estados Unidos 660 2017
6 Coreia do Sul Coreia do Sul 339 2016
7 França França 300 2017
8 Reino Unido Reino Unido 285 2017
9 Espanha Espanha 241 2017
10 Alemanha Alemanha 233 2017
11 Argentina Argentina 220 2015
12 México México 176 2017
13 Itália Itália 173 2017
14 Brasil Brasil 160 2017
15 Turquia Turquia 148 2017

Maiores mercados por receita de bilheteria

Os seguintes países são os maiores mercados de bilheteria em termos de receita bruta de bilheteria, de acordo com o THEME Report 2020 da MPA (Motion Picture Association).

Classificação País Receita de bilheteria
( US $ bilhões )
Ano Bilheteria de
filmes nacionais
N / D Mundo 12 2020 N / D
1  China 3,0 2020 62 % (2018)
2  Estados Unidos 2,2 2020 88,8 % (2015)
N / D  União Européia 2,2 2020 N / D
3  Japão 1,3 2020 76,9 % (2020)
4  França 0,5 2020 36,2 % (2017)
5  Coreia do Sul 0,4 2020 52,2 % (2015)
6  Reino Unido 0,4 2020 44,3 % (2017)
7  Índia 0,4 2020 85 % (2015)
8  Alemanha 0,4 2020 26,3 % (2017)
9  Rússia 0,3 2020 17,4 % (2015)
10  Austrália 0,3 2020

Maiores mercados por número de ingressos de bilheteria

Os países a seguir são os maiores mercados de bilheteria em termos de número de ingressos vendidos em 2019.

Classificação País Número de admissões
(milhões de ingressos)
Ano
1  China 1.650 2019
2  Índia 1.514 2019
3  Estados Unidos 1.170 2019
4  México 352 2019
5  Coreia do Sul 239 2019
6  Rússia 209 2019
7  França 205 2019
8  Japão 194 2019
9  Brasil 177 2019
10  Reino Unido 175 2019

Veja também

Notas de rodapé

Bibliografia

  • Allen J. Scott (2005) On Hollywood: The Place The Industry , Princeton University Press
  • Robertson, Patrick (1988) The Guinness Book of Movie Facts & Feats . Londres: Guinness Publishing Limited
  • Arnab Jan Deka (27 de outubro de 1996) Pais do Cinema Indiano Bhatawdekar e Torney , Dainik Asam
  • Sanjit Narwekar (1995) Marathi Cinema: In Retrospect , Maharashtra Film, Stage & Cultural Development Corporation Ltd
  • Firoze Rangoonwalla (1979) A Pictorial History of Indian Cinema , The Hamlyn Publishing Group Limited
  • Barkin, Jordan. 25 de abril de 2021. "Quando você curte Oscar Night, America Wins". USA Today online.

links externos