Era de ouro da animação americana - Golden age of American animation

A era de ouro da animação americana foi um período na história da animação norte-americana que começou com a popularização dos desenhos animados sonoros em 1928 e terminou gradualmente no final dos anos 1960, onde curtas de animação teatrais começaram a perder popularidade para o novo meio de animação para televisão, produzido em orçamentos mais baratos e em um estilo de animação mais limitado por empresas como Hanna-Barbera , UPA , Jay Ward Productions e DePatie – Freleng .

Muitos personagens populares surgiram a partir deste período, incluindo a Disney 's' Mickey Mouse , Minnie Mouse , Pato Donald , Margarida , Pateta e Pluto ; Warner Bros. ' Bugs Bunny , Patolino , Porky Pig , Piu-Piu e Sylvester ; MGM 's Tom e Jerry e Droopy ; Fleischer Studios ' Betty Boop e Popeye ; Felix, o Gato ; Walter Lantz 's Woody Woodpecker ; Terrytoons ' Mighty Mouse ; UPA 's Mr. Magoo ; e Jay Ward Productions ' Rocky e Bullwinkle .

A animação de longa-metragem começou durante este período, principalmente com os filmes " Walt -era" da Disney, abrangendo desde Branca de Neve e os Sete Anões em 1937 até O Livro da Selva em 1967. A animação também começou na televisão durante este período, com o primeira série de animação exibida na televisão em 1948, começando com Crusader Rabbit .

Principais estúdios de cinema / animação

Walt Disney Productions

Começos

Artistas comerciais da Iwerks-Disney

Walt Disney decidiu se tornar um cartunista de jornal, desenhando caricaturas políticas e histórias em quadrinhos. No entanto, ninguém queria contratar a Disney, então seu irmão mais velho , Roy , que trabalhava como banqueiro na época, arranjou-lhe um emprego no Pesmen-Rubin Art Studio, onde criava anúncios para jornais, revistas e cinemas. Aqui ele conheceu o também cartunista Ub Iwerks , os dois rapidamente se tornaram amigos e em janeiro de 1920, quando seu tempo no estúdio terminou, eles decidiram abrir sua própria agência de publicidade chamada Iwerks-Disney Commercial Artists. O negócio, no entanto, teve um início difícil e Walt partiu temporariamente para a Kansas City Film and Ad Co. para arrecadar dinheiro para a empresa passageira e Iwerks logo o seguiu, pois não conseguia administrar o negócio sozinho.

Filmes Laugh-O-Gram

Enquanto trabalhava lá, ele fez comerciais para os cinemas locais usando animações rudimentares . Disney ficou fascinado pela arte e decidiu se tornar um animador. Ele então pegou uma câmera emprestada do trabalho e alugou um livro da biblioteca local chamado Desenhos animados: Como eles são feitos, sua origem e desenvolvimento por Edwin G. Lutz e decidiu que a animação cel iria produzir melhor qualidade e decidiu abrir sua própria animação estúdio. Disney então se juntou a Fred Harman e fez seu primeiro filme, O Pequeno Artista, que nada mais era do que um artista (Disney) fazendo uma pausa para fumar em sua mesa de trabalho. Harman logo desistiu do empreendimento, mas Disney conseguiu fechar um acordo com o dono do teatro local Frank L. Newman e animou sozinho um desenho animado intitulado Newman Laugh-O-Grams, exibido por volta de fevereiro de 1921. Walt então pediu demissão em o filme e a empresa de publicidade e incorporou a Laugh-O-Gram Films em maio de 1922, e contratou ex-colegas publicitários como "estudantes" não pagos de animação, incluindo Ub Iwerks e o irmão de Fred Harman, Hugh Harman .

Ao longo de 1922, a Disney produziu uma série de adaptações "modernizadas" de contos de fadas, incluindo Chapeuzinho Vermelho , Os Quatro Músicos de Bremen , Jack e o Pé de Feijão , Jack , o Assassino de Gigante , Cachinhos Dourados e os Três Ursos , Gato de Botas , Cinderela e Tommy Tucker's Tooth , sendo este último principalmente um filme live-action sobre higiene dental. Nenhum desses filmes deu lucro. O último filme feito pela Disney foi um curta chamado Alice's Wonderland . Vagamente inspirado por Lewis Carroll 's aventuras de Alice no país das maravilhas ; o curta apresentava uma menina de cinco anos de ação ao vivo chamada Alice ( Virginia Davis ), que vivia aventuras em um mundo totalmente animado. O filme nunca foi totalmente concluído, no entanto, porque o estúdio faliu no verão de 1923.

Após o encerramento de Laugh-O-Grams, Walt Disney trabalhou como cineasta freelance antes de vender sua câmera por uma passagem só de ida para Los Angeles. Ao chegar, ele foi morar com seu tio Robert e seu irmão Roy, que estava se recuperando de uma tuberculose sofrida durante a guerra em um hospital público próximo . Depois de não conseguir um emprego como diretor de filmes de ação ao vivo, ele enviou o rolo inacabado Alice's Wonderland para a distribuidora de curtas Margaret J. Winkler da Winkler Pictures em Nova York. Winkler estava distribuindo os desenhos animados Felix the Cat e Out of the Inkwell na época, mas os irmãos Fleischer estavam prestes a sair para abrir sua própria empresa de distribuição, Red Seal Films , e o produtor de Felix Pat Sullivan estava constantemente lutando com Winkler; portanto, Winkler concordou em distribuir as Comédias Alice da Disney como uma espécie de apólice de seguro.

Disney Bros. Cartoon Studio / Walt Disney Cartoons

Assim que Walt Disney recebeu a notificação em 15 de outubro, ele convenceu Roy a deixar o hospital e ajudá-lo a abrir seu negócio. No dia seguinte, em 16 de outubro de 1923, o Disney Bros. Cartoon Studio abriu suas portas em um pequeno escritório alugado a dois quarteirões da casa de seu tio, com Roy gerenciando os negócios e Walt cuidando dos assuntos criativos. Ele convenceu os pais de Virginia Davis, o que fez com que o primeiro curta oficial de Alice , Alice's Day at Sea , fosse lançado em 1º de janeiro de 1924; atrasado em onze dias. Ub Iwerks foi recontratado em fevereiro de 1925 e a qualidade da animação da série Alice melhorou; isso levou Hugh Harman, Rudolf Ising e Carman Maxwell a seguir a Disney para o oeste em junho de 1925. Nessa época, Davis foi substituído por Maggie Gay e os desenhos animados começaram a se concentrar menos nas cenas de ação ao vivo e mais nas cenas totalmente animadas, especialmente aquelas apresentando o companheiro de estimação de Alice, Julius , que tinha uma semelhança incrível com Felix, o Gato. Em fevereiro de 1926, a Disney construiu um estúdio maior na Avenida Hyperion 2719 e mudou o nome da empresa para Walt Disney Cartoons.

Em novembro de 1923, Winkler casou-se com Charles Mintz e entregou o negócio a ele quando ela engravidou alguns meses depois. Mintz foi freqüentemente descrito como um tirano frio, severo e cruel que fuma um cigarro atrás do outro; um funcionário lembrava-se dele como "um homem de rosto sombrio, com um par de olhos frios brilhando atrás do pincenê" e "nunca falava com a equipe. Ele nos olhou como um almirante examinando uma fileira de pilares". Enquanto Winkler oferecia críticas gentis e encorajamento, Mintz se comunicava com a Disney em um tom áspero e cruel. Em 1927, Mintz ordenou que a Disney parasse de produzir Alice Comédias devido aos custos de combinar ação ao vivo e animação.

Mintz conseguiu um acordo de distribuição com a Universal Studios ; no entanto, foi Mintz - não a Disney - que assinou o acordo. Disney e o animador principal Ub Iwerks criaram Oswald the Lucky Rabbit , que estreou em Trolley Troubles em 1927. A série Oswald foi um sucesso e se tornou o primeiro sucesso do estúdio Walt Disney.

Na primavera de 1928, a Disney viajou para Nova York para pedir a Mintz um aumento no orçamento. Seu pedido foi duramente negado por Mintz, que apontou que, no contrato que Mintz havia assinado com a Universal, era a Universal - e não a Disney - que detinha os direitos do personagem. Mintz revelou à Disney que contratou a maior parte de sua equipe fora do estúdio (exceto Ub Iwerks, Les Clark e Wilfred Jackson que se recusaram a sair) e ameaçou que, a menos que diminuísse o orçamento de 20 por cento, ele deixaria a Disney e continue a série Oswald sozinho. Walt recusou e a Winkler Pictures abandonou sua distribuição.

Mickey Mouse

Enquanto Disney estava terminando os desenhos restantes para Mintz, Disney e sua equipe secretamente criaram um novo personagem de desenho animado para substituir Oswald - Mickey Mouse .

A inspiração para Mickey nunca foi clara. Walt Disney disse que teve a ideia na viagem de trem de volta para Los Angeles logo após o confronto com Mintz, mas outros registros dizem que ele teve a ideia depois de retornar ao estúdio. Walt Disney disse uma vez que foi inspirado por um rato de estimação que ele tinha no antigo estúdio Laugh-O-Grams, mas mais comumente disse que escolheu um rato porque um rato nunca tinha sido o personagem central de uma série de desenhos animados antes.

Em 1928, Plane Crazy se tornou a primeira entrada na série do Mickey Mouse; no entanto, ele não foi lançado devido a uma fraca reação das projeções de teste e não conseguiu obter um distribuidor. O segundo desenho do Mickey Mouse O Gallopin 'Gaucho também não conseguiu chamar a atenção do público e de uma distribuidora. Disney sabia o que estava faltando: som. O cinema sonoro cativava o público desde 1927 com The Jazz Singer e Walt decidiu que o próximo desenho animado Steamboat Willie teria som. Steamboat Willie não foi o primeiro desenho animado sonoro, Max e Dave Fleischer produziam Song Car-Tunes desde 1926. No entanto, eles não conseguiram manter o som sincronizado com a animação e o foco principal dos desenhos animados foram as bolas quicando cantando longs . The Song Car-Tunes não foi um sucesso e alguns membros da equipe duvidaram que um desenho animado com som teria sucesso. Então, a Disney organizou uma exibição especial com a música e os efeitos sonoros sendo reproduzidos ao vivo atrás do palco por meio de um microfone. A exibição de teste de Steamboat Willie foi um sucesso e conseguiu ganhar um distribuidor, o chefe da Celebrity Pictures , Pat Powers . No entanto, a primeira tentativa de sincronizar o som com a animação foi um desastre, com o tempo todo errado. Para financiar a segunda gravação, Walt vendeu seu carro. Desta vez, ele usou uma faixa de clique para manter seus músicos no ritmo (Disney mais tarde aprendeu que era mais fácil gravar o diálogo, a música e os efeitos sonoros primeiro e animar o som). Pouco mais de um mês antes da estreia de Steamboat Willie , Paul Terry lançou seu desenho animado Dinner Time ; no entanto, não foi um sucesso financeiro e Walt Disney o descreveu como "um monte de barulho".

A Idade de Ouro da Disney

Era de ouro da era do cinema Disney
Anos 1937-1942
Filmes e televisão
Filme (s)
Filmes curtos)
Série animada Sinfonia boba
Áudio
Musica original " Quem tem medo do lobo mau? "
Inícios (anos 1920-1930)

Steamboat Willie foi lançado em 18 de novembro de 1928 e foi um grande sucesso. Disney rapidamente ganhou enorme domínio no campo da animação usando o som em seus desenhos animados futuros, batizando Plane Crazy , The Gallopin 'Gaucho e o quase concluído The Barn Dance . A popularidade de Mickey Mouse colocou o personagem animado no ranking das personalidades de tela mais populares do mundo. O maior concorrente da Disney, Pat Sullivan com seu Felix the Cat , foi ofuscado pela popularidade de Mickey e o estúdio fechou em 1932. Merchandising baseado em desenhos animados da Disney resgatou várias empresas da falência durante as profundezas da Depressão, e a Disney tirou proveito dessa popularidade para avançar com mais inovações em animação. Em 1929, ele lançou uma nova série intitulada The Silly Symphonies, que era baseada em música sem personagens recorrentes. No entanto, eles não se tornaram tão populares quanto a série de desenhos animados do Mickey Mouse. Em 1930, após um desentendimento com Powers, a Disney trocou os distribuidores para a Columbia Pictures . No entanto, Ub Iwerks deixou Walt Disney depois de uma oferta de Powers para ficar no comando de seu próprio estúdio. Em 1932, Mickey Mouse se tornou uma sensação internacional, mas as Silly Symphonies não. A Columbia Pictures desistiu de sua distribuição da série e a Disney foi atraída para mover as Silly Symphonies para a United Artists por um aumento no orçamento. Walt Disney então trabalhou com a empresa Technicolor para criar o primeiro desenho animado colorido de três faixas , Flores e Árvores . Outro grande sucesso, tornou-se o primeiro desenho animado a ganhar o Oscar de Melhor Curta de Animação. Pouco depois, a Disney negociou um acordo exclusivo, mas temporário, com a Technicolor para que apenas ele pudesse usar o processo de três tiras em filmes de animação - nenhum outro estúdio tinha permissão para usá-lo. No entanto, ele se absteve de fazer o Mickey Mouse em cores porque achava que o Technicolor poderia aumentar a popularidade das Sinfonias Silly . Em 1932, Walt Disney percebeu que o sucesso dos filmes de animação dependia de contar histórias emocionantes que agarrassem o público e não o deixassem ir. Essa percepção levou a uma inovação importante por volta de 1932-1933: um "departamento de história", separado dos animadores, com artistas de storyboard que se dedicariam a trabalhar em uma fase de "desenvolvimento de história" do pipeline de produção. Por sua vez, a ênfase contínua da Disney no desenvolvimento e caracterização da história resultou em outro sucesso em 1933: Três Porquinhos , que é visto como o primeiro desenho animado em que vários personagens exibiam personalidades únicas e individuais e ainda é considerado o curta de animação de maior sucesso de o tempo todo, e também apresentava o hit que se tornou o hino na luta contra a Grande Depressão : " Quem Tem Medo do Lobo Mau? ". Na série Mickey Mouse, ele continuou a adicionar personalidade a seus personagens; isso resultou na criação de novos personagens como Plutão com The Chain Gang em 1930, Pateta com Mickey's Revue em 1932 e Pato Donald em 1934 com " The Wise Little Hen " (sob a série Silly Symphony ). Quando o contrato da Disney com o Technicolor expirou, a série do Mickey Mouse foi movida para o Technicolor começando com The Band Concert em 1935. Além disso, Mickey foi parcialmente redesenhado para o Technicolor no final daquele ano. Em 1937, a Disney inventou a câmera multiplano , que deu uma ilusão de profundidade ao mundo animado. Ele a usou pela primeira vez no desenho animado da Silly Symphony, vencedor do Oscar , The Old Mill . Muito do trabalho da Disney foi fortemente influenciado por histórias e mitos europeus e pelo trabalho de ilustradores como Doré e Busch . Também em 1937, a Disney mudou os distribuidores das Silly Symphonies para RKO Radio Pictures , permanecendo com este distribuidor até o início dos anos 1950, quando foram reeditados e relançados pela nova distribuidora da Disney, Buena Vista Distribution .

Branca de Neve e os Sete Anões (1937)

Em 1937, Walt Disney produziu Branca de Neve e os Sete Anões , o primeiro longa-metragem musical americano de fantasia. Este foi o culminar de quatro anos de esforços dos estúdios Disney. Walt Disney estava convencido de que desenhos animados curtos não manteriam seu estúdio lucrativo no longo prazo, então ele fez o que foi visto como uma aposta enorme. Os críticos previram que Branca de Neve resultaria em ruína financeira para o estúdio. Eles disseram que as cores ficariam muito brilhantes para o público e que eles ficariam enjoados das piadas e iriam embora. No entanto, os críticos estavam errados. Branca de Neve foi um sucesso de bilheteria em todo o mundo e foi universalmente aclamada como um marco no desenvolvimento da animação como uma forma de arte séria.

Pinóquio e Fantasia (1940)

Após o sucesso de Branca de Neve , a Disney passou a produzir Pinóquio , que foi lançado em 1940. No entanto, custando o dobro de Branca de Neve , Pinóquio não foi um sucesso financeiro, desde a Segunda Guerra Mundial (que começou na Europa em 1939 ) cortou 40% do mercado de lançamentos estrangeiros da Disney. Embora tenha sido um sucesso moderado nos Estados Unidos, o bruto interno por si só não foi suficiente para recuperar seu orçamento de produção. No entanto, o filme recebeu críticas muito positivas e ganhou milhões com os relançamentos subsequentes. Mais tarde naquele ano, a Disney produziu Fantasia . Ele começou originalmente com o desenho animado de Mickey Mouse, O Aprendiz de Feiticeiro, em uma tentativa de recapturar a popularidade de Mickey, que havia diminuído drasticamente devido à popularidade do Popeye de Max Fleischer e do Pato Donald da Disney. No Aprendiz de Feiticeiro , Mickey Mouse foi redesenhado por Fred Moore . Este redesenho do Mickey ainda está em uso hoje. O curta não apresentava diálogos, apenas música conduzida por Leopold Stokowski . Quando o orçamento do curta ficou muito caro, Stokowski sugeriu à Disney que poderia ser um longa-metragem com outras peças de música clássica combinadas com animação. A Disney concordou e a produção começou. Fantasia também se tornaria o primeiro filme comercial a ser lançado em som estereofônico . No entanto, como Pinóquio , Fantasia não foi um sucesso financeiro. Fantasia foi também o primeiro filme da Disney a não ser bem recebido, recebendo críticas mistas da crítica. Foi desprezado pelos críticos de música e pelo público, que sentiram que Walt Disney estava se esforçando para algo além de seu alcance ao tentar introduzir a animação mainstream na arte abstrata, música clássica e assuntos de "elite". No entanto, o filme seria reavaliado nos anos posteriores e considerado uma obra-prima de animação.

Dumbo e Bambi (1941–42)

Em 1941, a fim de compensar a relativa baixa bilheteria de Pinóquio e Fantasia , a Disney produziu um longa-metragem de baixo orçamento, Dumbo . Poucos dias depois que a animação bruta foi concluída em Dumbo , a greve dos animadores da Disney estourou. Isso foi causado pela Screen Cartoonist's Guild (que havia sido formada em 1938), que cortou muitos laços entre Walt Disney e sua equipe, enquanto encorajava muitos membros do estúdio Disney a sair e buscar pastos mais verdes. Mais tarde naquele ano, Dumbo se tornou um grande sucesso, o primeiro da Disney desde Branca de Neve . O filme aclamado pela crítica gerou uma receita muito necessária e manteve o estúdio à tona. Poucos meses depois que Dumbo foi libertado em 1941, os Estados Unidos entraram na guerra após o ataque a Pearl Harbor . Isso levou à mobilização de todos os estúdios de cinema (incluindo suas divisões de desenhos animados) para produzir material de propaganda para aumentar a confiança do público e encorajar o apoio ao esforço de guerra. A guerra (junto com a greve) abalou o império de Walt Disney, já que o Exército dos EUA havia confiscado o estúdio da Disney assim que os Estados Unidos entraram na Segunda Guerra Mundial em dezembro de 1941. Como resultado, a Disney lançou os filmes Alice no País das Maravilhas (1951), Peter Pan (1953), Wind in the Willows (1949), Song of the South (1946), Mickey and the Beanstalk (1947) e Bongo (1947) em espera até o fim da guerra. O único longa-metragem que teve permissão para continuar a produção foi Bambi , lançado em 1942. Bambi foi pioneiro em termos de animação de animais de forma realista. No entanto, devido à guerra, Bambi falhou nas bilheterias e recebeu críticas mistas da crítica. Este fracasso teve vida curta, pois arrecadou uma quantia considerável de dinheiro no relançamento de 1947.

Era de guerra da Disney

Era da guerra da era do cinema Disney
Anos 1943-1949
Filmes e televisão
Filme (s)
Filmes curtos)

A Disney estava agora totalmente comprometida com o esforço de guerra e contribuiu com a produção de curtas-metragens de propaganda e um longa-metragem intitulado Victory Through Air Power . Victory Through Air Power foi mal nas bilheterias e o estúdio perdeu cerca de US $ 500.000 como resultado. Os curtas de desenho animado obrigatórios eram menos populares do que os curtas regulares da Disney, e quando o Exército encerrou sua estada no Walt Disney Studios com o fim da guerra em 1945, Disney lutou para reiniciar seu estúdio e tinha pouco dinheiro para comprar mão. Outros longas-metragens da Disney dos anos 1940 eram coleções de segmentos de curtas-metragens com orçamentos modestos reunidos para fazer um longa-metragem. Eles começaram com Saludos Amigos em 1942 e continuaram durante a guerra com The Three Caballeros em 1944 e depois da guerra com Make Mine Music em 1946, Fun and Fancy Free em 1947, Melody Time em 1948 e The Adventures of Ichabod and Mr. Toad em 1949. Para os filmes Mickey and the Beanstalk , Bongo e Wind in the Willows , ele os condensou no pacote de filmes Fun and Fancy Free e The Adventures of Ichabod and Mr. Toad, já que Walt temia que a animação de baixo orçamento não se tornar lucrativo. O filme mais ambicioso da Disney desse período foi o filme Song of the South , de 1946 , um musical que mesclava live-action e animação que atraiu críticas nos anos posteriores por acusações de estereótipos raciais .

The Silver Age of Disney (1950-1967)

Era de prata da era do cinema Disney
Anos 1950-1967
Filmes e televisão
Filme (s)
Filmes curtos)
Início dos anos 1950

Em 1950, a Disney produziu Cinderela . Cinderela foi um enorme sucesso, tornando-se o filme de maior bilheteria de 1950 e o filme de maior sucesso da Disney desde Branca de Neve e os Sete Anões e o primeiro longa-metragem de narrativa única da Disney a ser inteiramente animado desde Bambi , já que os filmes nesse ínterim envolveram alguns ao vivo. A empresa da Disney começou a diversificar-se, produzindo longas-metragens live-action a partir de Treasure Island (1950) e documentários sobre a natureza , sendo o primeiro Seal Island (1948). Como resultado, Walt Disney era necessário em várias unidades diferentes ao mesmo tempo e estava gastando menos tempo com animação. Em 1951, ele lançou Alice no País das Maravilhas , um projeto em que vinha trabalhando desde o final dos anos 1930, embora tenha sido arquivado durante a guerra. Alice no País das Maravilhas foi inicialmente um sucesso moderado e recebeu críticas mistas dos críticos. Algumas décadas depois, o filme seria saudado como um dos maiores clássicos da Disney, ganhando milhões em lançamentos subsequentes em teatros e vídeos domésticos. Em 1953, ele lançou Peter Pan , que, como Alice no País das Maravilhas , estava em produção desde o final dos anos 1930 / início dos anos 1940 e foi arquivado durante a guerra. No entanto, ao contrário de Alice , Peter Pan foi um grande sucesso tanto crítica quanto financeiramente em seu primeiro lançamento. Quando o contrato da Disney com a RKO expirou no final de 1953, em vez de renová-lo como de costume, a Disney ficou preocupada com a instabilidade da RKO (devido ao controle cada vez mais errático do proprietário, Howard Hughes ) e começou a distribuir filmes através do recém-criado Buena Subsidiária de distribuição da Vista . Isso permitiu um orçamento maior para curtas e longas-metragens do que os últimos anos de desenhos ditados para RKO, o que tornou possível fazer alguns dos desenhos no novo formato CinemaScope . No entanto, o orçamento por curta-metragem não era nem de longe tão alto quanto na década de 1940, já que a Disney estava se concentrando mais em live action, televisão e longa-metragem e menos em curtas-metragens. Em 1953, logo após a mudança de RKO para Buena Vista, a Disney lançou seu último curta do Mickey Mouse, The Simple Things . A partir daí, o estúdio produziu menos curtas de animação por ano, até que a divisão de curtas de animação foi finalmente encerrada em 1956. Depois disso, qualquer trabalho futuro de curta-metragem foi feito através da divisão de longa-metragem de animação até 1969. O último curta de animação da Disney da idade de ouro da animação americana, o vencedor do Oscar It's Tough to Be a Bird! , foi lançado em 1969.

Final dos anos 1950 a 1960

Em 1955, a Disney criou Lady and the Tramp , o primeiro filme de animação do CinemaScope . Ao construir a Disneylândia em 1955, Walt Disney recuperou uma enorme popularidade entre o público e voltou seu foco para a produção de seu filme mais ambicioso: A Bela Adormecida . A Bela Adormecida foi filmada em Super Technirama 70 mm e em som estereofônico como Fantasia . A Bela Adormecida também sinalizou uma mudança no estilo do desenho, com caricaturas e personagens angulares; tendo influência da United Productions of America (UPA). Embora A Bela Adormecida tenha sido o segundo filme de maior bilheteria de 1959 (atrás apenas de Ben-Hur ), o filme ultrapassou o orçamento, custando US $ 6 milhões, e o filme não conseguiu recuperar seus gastos. O estúdio estava muito endividado e teve que cortar o custo da animação. Em 1960, isso resultou na mudança da Disney para a xerografia , que substituiu a tradicional tinta à mão . O primeiro longa-metragem a usar células Xerox foi 101 Dálmatas em 1961, que foi um sucesso de bilheteria. No entanto, a Xerox resultou em filmes com uma aparência "esboçada" e não tinha a qualidade dos filmes com tinta à mão. De acordo com Floyd Norman , que estava trabalhando na Disney na época, parecia o fim de uma era. Em 15 de dezembro de 1966, Walt Disney morreu de câncer de pulmão . Os dois últimos filmes em que esteve envolvido foram The Jungle Book (1967) e The Many Adventures of Winnie the Pooh (1977), já que um dos curtas Winnie the Pooh and the Honey Tree foi lançado durante sua vida, e ele estava envolvido a produção do Ursinho Pooh e o Dia da Tempestade . A animação musical de comédia, The Jungle Book , e o musical de tela grande de ação ao vivo, The Happiest Millionaire , foram lançados em 1967, um ano após sua morte, e Winnie the Pooh and the Blustery Day foi lançado dois anos depois, enquanto As Muitas Aventuras do Ursinho Pooh foi lançado em 1977. O Ursinho Pooh e o Dia da Tempestade também ganharam o Oscar de curta-metragem de animação de 1968 . Após a morte de Walt Disney, o departamento de animação não se recuperou totalmente até o final dos anos 1980 e início dos anos 1990 com o Disney Renaissance .

filmes Paramount

Fleischer Studios

Criação

Um dos principais concorrentes de Walt Disney era Max Fleischer , chefe do Fleischer Studios , que produzia desenhos animados para a Paramount Pictures . Fleischer Studios era uma empresa familiar, operada por Max Fleischer e seu irmão mais novo, Dave Fleischer , que supervisionava a produção dos desenhos animados. Os Fleischers obtiveram sucessos de sucesso com os desenhos animados de Betty Boop e a série Popeye the Sailor . A popularidade do Popeye durante a década de 1930 às vezes rivalizava com o Mickey Mouse, e os fãs-clubes do Popeye surgiram em todo o país imitando os fãs-clubes do Mickey; em 1935, as pesquisas mostraram que Popeye era ainda mais popular do que Mickey Mouse. No entanto, durante o início dos anos 1930, regras de censura mais rígidas impostas pelo novo Código de Produção em 1934 exigiam que os produtores de animação removessem o humor picante. Os Fleischers, em particular, tiveram que diminuir o conteúdo de seus desenhos animados de Betty Boop, que perderam popularidade depois. Os Fleischers também produziram vários desenhos animados Color Classics durante os anos 1930, que tentaram imitar o uso de cores de Walt Disney, mas a série não foi um sucesso.

Longas-metragens

Em 1934, Max Fleischer interessou-se pela produção de um longa-metragem de animação logo após o anúncio de Branca de Neve por Walt Disney , mas a Paramount vetou a ideia. Em 1936, o Fleischer Studios produziu o primeiro de três filmes Popeye Technicolor de dois carretéis : Popeye, o marinheiro encontra Sindbad, o marinheiro em 1936, Popeye , o marinheiro encontra os quarenta ladrões de Ali Baba em 1937, e Aladdin e sua lâmpada maravilhosa em 1939. Em 1938 depois Com o sucesso da Disney com Branca de Neve e os Sete Anões , a Paramount deu permissão aos Fleischers para produzir um longa-metragem de animação e o estúdio Fleischer mudou-se de Nova York para Miami para evitar sindicatos organizados, que se tornaram uma ameaça ao estúdio após cinco anos. Uma greve mensal ocorreu entre os trabalhadores do Fleischer Studio no final de 1937. Aqui, os Fleischers produziram Gulliver's Travels, que foi lançado em 1939. Foi um pequeno sucesso e encorajou os Fleischers a produzir mais.

Superman e a queda de Fleischer

Em maio de 1941, o Fleischer deu à Paramount a propriedade total do estúdio como garantia para saldar suas dívidas remanescentes dos empréstimos que obtiveram do estúdio para fazer cartuns malsucedidos como Stone Age , Gabby e Color Classics . No entanto, eles ainda mantiveram suas posições como chefes de produção de seu estúdio. Sob o governo da Paramount, os Fleischers trouxeram Popeye para a Marinha e contribuíram para o esforço de guerra, e teriam mais sucesso começando uma série de desenhos animados espetaculares do Superman (o primeiro dos quais foi indicado ao Oscar) que se tornaram lendários por si próprios. Apesar do sucesso que Superman deu ao estúdio, um grande golpe no estúdio ocorreria quando Dave casado começasse a ter um caso adúltero com a secretária de Miami. Isso levou a muitas disputas entre os Irmãos Fleischer, até que Max e Dave não estavam mais se falando. Em 1941 eles lançaram Mister Bug Goes to Town , infelizmente foi lançado alguns dias antes do ataque a Pearl Harbor, que fez Mister Bug fracassar nas bilheterias. Pouco depois da baixa bilheteria do filme, Dave Fleischer, ainda mantendo sua posição como co-chefe de seu estúdio, deixou o Fleischer Studios para rodar os desenhos animados Screen Gems da Columbia Pictures . Devido a isso, a Paramount Pictures expulsou Dave e Max Fleischer de seus cargos como chefe do estúdio de desenho animado.

Estúdios Famosos

Transição

A Paramount assumiu o estúdio Fleischer completamente e o trouxe para seu próprio estúdio, rebatizando-o de Famous Studios e continuando o trabalho que os Fleischers começaram. Isadore Sparber , Seymour Kneitel e Dan Gordon foram promovidos a diretores (o veterano da Disney, Bill Tytla, dirigiu curtas em meados da década de 1940, depois que Gordon deixou o estúdio), enquanto Sam Buchwald foi promovido a produtor executivo. A Paramount também interrompeu os caros desenhos animados do Superman em 1943, em favor da adaptação de Little Lulu aos cinemas. A Famous Studios continuou a lançar curtas Popeye, que passaram a ser coloridos em 1943, bem como a criar Noveltoons , uma série curta de antologia semelhante a Color Classics de Fleischer . Os romances introduziram muitos personagens notáveis, como Blackie, o Cordeiro , Wolfie (o principal rival de Blackie), Casper , o Fantasma Amigável (adaptado de um livro de histórias infantis), Pequena Audrey (um personagem semelhante e substituindo a Pequena Lulu), Herman e Katnip (Um gato e camundongos duelam semelhante a Tom e Jerry ), Baby Huey (um pato grande, embora estúpido) e muitos outros personagens menos conhecidos. Famosa também reviveu Screen Songs , outra série herdada de Fleischer. Já em 1945, Famous continuou a série até 1951, quando perdeu o direito ao nome e o termo “bola quicando”. A série foi rebatizada de Kartunes e continuaria por mais dois anos, quando finalmente seria descontinuada. Em 1951, Sam Buchwald morreu de ataque cardíaco, deixando Sparber e Kneitel como produtores e diretores principais. Dave Tendlar foi promovido a diretor em 1953.

Recusa e fechamento

A saída dos Fleischers teve um efeito imediato no estúdio: os desenhos animados da Paramount dos anos de guerra continuaram a ser divertidos e populares e ainda retiveram a maior parte do estilo e brilho de Fleischer, no entanto, fãs de animação e historiadores notariam o tom divergente do estúdio após o fim da guerra, já que o estilo foi criticado por sua narrativa altamente estereotipada, falta de ambição artística, violência e seu apelo geral para as crianças, em vez de crianças e adultos. Em meados da década de 1950, o Famous Studios ainda estava lançando curtas, mas com orçamentos mais apertados. Essa era uma prática padrão da indústria na época, uma vez que outros estúdios de animação também estavam lançando curtas-metragens com orçamentos mais apertados devido à popularidade da televisão. Ao mesmo tempo, o estúdio teve mudanças realmente drásticas. A Paramount mudou o nome do estúdio para Paramount Cartoon Studios, bem como descontinuou os curtas de Popeye em 1957. Spooky Swabs (dirigido por Sparber, que morreu no ano seguinte) foi o último curta de Popeye nos cinemas. Os orçamentos para os curtas eram tão apertados no final dos anos 1950 que o estúdio teve que usar técnicas de animação limitadas , comparáveis ​​às da televisão da época. Na década de 1960, a Paramount continuou a lançar desenhos animados, assim como se uniu à King Features Syndicate TV para co-produzir Popeye the Sailor e outros personagens de quadrinhos para a televisão. Depois que Seymour Kneitel morreu em 1964 de um ataque cardíaco, outros veteranos da animação como Howard Post , James Culhane e Ralph Bakshi foram contratados para dirigir curtas no final da vida do estúdio. Os desenhos animados produzidos durante este período foram Swifty e Shorty, Honey Halfwitch, Comic Kings, a série Modern Madcaps e Fractured Fables, todos os quais falharam em revitalizar o estúdio após as contínuas restrições orçamentárias. No inverno de 1968, os novos proprietários da Paramount na época, a Gulf + Western , iniciaram o processo de fechamento do estúdio de desenho animado. A paralisação foi concluída em dezembro.

Warner Bros.

Era Harman-Ising

Em 1929, os ex-animadores da Disney Hugh Harman e Rudolf Ising fizeram um cartoon intitulado Bosko, the Talk-Ink Kid , e tentaram vendê-lo a um distribuidor em 1930. Warner Bros., que havia tentado anteriormente uma tentativa malsucedida de montar um estúdio de cartoon em New York, a fim de competir com a Disney, concordou em distribuir a série. Sob o guia do produtor Leon Schlesinger , Harman e Ising criaram Looney Tunes (o título é uma variação das premiadas Silly Symphonies da Disney ) estrelado por seu personagem Bosko . Uma segunda série Harman-Ising, Merrie Melodies , veio em 1931. Ambas as séries mostraram a forte influência dos primeiros filmes da Disney.

Harman e Ising se separam

Depois de disputas sobre o dinheiro, Harman – Ising se separou de Schlesinger (que rejeitou suas exigências de aumento de orçamentos) em 1933, levando Bosko com eles para trabalhar com Metro-Goldwyn Mayer . Schlesinger iniciou sua própria operação de desenho animado sob o novo nome Leon Schlesinger Productions , contratando o animador de Harman – Ising Friz Freleng e vários outros para dirigir o estúdio. O animador Tom Palmer criou um clone de Bosko conhecido como Buddy e respondeu ao uso de cores de Walt Disney nos desenhos animados Silly Symphonies em 1934, e começou a fazer todos os futuros desenhos animados Merrie Melodies em cores. No entanto, como Walt Disney tinha um acordo de exclusividade com o Technicolor, Schlesinger foi forçado a usar Cinecolor e Two Strip Technicolor até 1935, quando o contrato da Disney com o Technicolor expirou. Em 1935, Schlesinger despediu Tom Palmer e Buddy foi aposentado.

A criação de novas estrelas

Em um Merrie Melodie de 1935 dirigido por Friz Freleng intitulado I Hav not Got a Hat foi a primeira aparição de Porky Pig nas telas . Ainda em 1935, Schlesinger contratou um novo diretor de animação que passou a revitalizar o estúdio: Tex Avery . Schlesinger colocou Avery no comando dos Looney Tunes, de baixo orçamento, em um prédio antigo e decadente que os animadores batizaram de Termite Terrace . Sob Avery, Porky Pig substituiria a série Buddy e se tornaria o primeiro personagem de desenho animado da Warner Bros. a alcançar o poder de estrela. Também em Termite Terrace, o animador Bob Clampett redesenhou Porky de um porco gordo e rechonchudo para um personagem mais fofo e infantil. Ao contrário dos outros produtores de desenhos animados da época, Avery não tinha intenção de competir com Walt Disney, mas em vez disso trouxe um novo estilo maluco e maluco de animação para o estúdio que aumentaria a popularidade dos desenhos da Warner Bros. no mercado lotado. Isso foi firmemente estabelecido em 1937, quando Tex Avery dirigiu Porky's Duck Hunt . Durante a produção do curta, o animador principal Bob Clampett elaborou a saída do personagem Pato fazendo-o pular de cabeça para cima e para baixo, girar e gritar ao pôr-do-sol. Isso criou o personagem Daffy Duck . Depois que Daffy foi criado, ele adicionaria ainda mais sucesso aos desenhos da Warner Bros. e substituiu Porky Pig como o personagem de animação mais popular do estúdio, e Bob Clampett assumiu Termite Terrace , enquanto Tex Avery assumiu o departamento de Merrie Melodies . O desenho animado indicado ao Oscar de 1940 A Wild Hare (dirigido por Avery) marcou a estreia oficial de Bugs Bunny , bem como sua primeira parceria com Elmer Fudd (Criado por Chuck Jones naquele ano). Bugs rapidamente substituiu Daffy como a estrela principal do estúdio. Em 1942, Bugs havia se tornado o personagem de desenho animado mais popular. Por causa do sucesso de Bugs, Daffy e Porky, o estúdio Schlesinger alcançou novas alturas, e Bugs rapidamente se tornou a estrela dos desenhos animados Merrie Melodies , que anteriormente eram usados ​​para aparições de personagens one-shot. Em 1942, os curtas da Warners já ultrapassavam os da Disney em vendas e popularidade. Frank Tashlin também trabalhou com Avery no departamento de Merrie Melodies. Ele começou na Warners em 1933 como animador, mas foi demitido e ingressou na Iwerks em 1934. Tashlin voltou para a Warners em 1936, assumindo a direção do departamento de Merrie Melodies. Ele voltou em 1943 dirigindo desenhos animados Porky and Daffy. Ele saiu no final de 1944 para dirigir filmes de ação ao vivo.

Schlesinger vende o estúdio

Avery deixou a Warner Bros. em 1941 e foi trabalhar na MGM. Avery criou Droopy em 1943 e muitos outros personagens durante sua carreira de 12 anos na MGM. Schlesinger vendeu seu estúdio para a Warner Bros. em agosto de 1944. Edward Selzer foi, por sua vez, nomeado o novo produtor. A essa altura, os principais diretores dos desenhos animados da Warner da década de 1940 eram Friz Freleng , Chuck Jones , Bob Clampett e, recentemente, Robert McKimson , que assumiu a unidade de Frank Tashlin depois que ele deixou o estúdio. Seus desenhos são agora considerados clássicos do meio. Eles dirigiram alguns dos curtas de animação mais amados de todos os tempos, incluindo (para Clampett) Porky in Wackyland , Wabbit Twouble , A Corny Concerto , The Great Piggy Bank Robbery , The Big Snooze , (para Freleng) You Ought to Be in Pictures , Rapsódia em rebites , Little Red Riding Rabbit , Pássaros anônimos , Knighty Knight Bugs , (para Jones) Rabbit Fire , Duck Amuck , Duck Dodgers no século 24½ , One Froggy Evening , O que é Opera, Doc? , (para McKimson) Walky Talky Hawky , Hillbilly Hare , Devil May Hare , The Hole Idea e Stupor Duck . Além de McKimson ser promovido a diretor em meados da década de 1940, Arthur Davis assumiu após Clampett em meados de 1945, após ser demitido por Selzer. Clampett começou a trabalhar em Beany e Cecil . Muitos personagens recorrentes bem conhecidos foram criados por Jones, Freleng, McKimson e Clampett, durante este período. Isso incluiu Tweety (1942), Sylvester the Cat (1945), Pepé Le Pew (1945), Yosemite Sam (1945), Foghorn Leghorn (1946), The Goofy Gophers (1947), Marvin the Martian (1948), Wile E. Coyote and the Road Runner (1949), Granny (1950), The Tasmanian Devil (1954), Speedy Gonzales (1953, 1955) e entre outros. Em 1948, a Warners não podia mais forçar os cinemas a comprar seus filmes e curtas juntos como pacotes, devido ao caso antitruste Estados Unidos x Paramount Pictures, Inc. naquele ano. Resultou que as vendas vendidas no início dos anos 1960 tinham orçamentos mais apertados. A unidade de Davis foi fechada em 1949 pela Warners devido a problemas de orçamento, fazendo com que ele se mudasse para a unidade de Freleng para se tornar um de seus animadores principais. Edward Selzer em 1958, aposentou-se, levando o gerente de produção John W. Burton para tomar seu lugar. David DePatie assumiu o produtor em 1960, depois que Burton deixou o estúdio.

DePatie -– Freleng Enterprises e Warner Bros.-Seven Arts

Depois de mais de duas décadas no topo, a Warner Bros. fechou o estúdio original "Termite Terrace" em 1963 e a DePatie – Freleng Enterprises assumiu a produção dos curtas, licenciados pela Warner Bros. dos cinemas dessa época, incluindo a estrela mais popular da Warner, Bugs Bunny. Daffy Duck, no entanto, ainda apareceria em desenhos teatrais, principalmente emparelhados com Speedy Gonzales. Ao lado deles, Porky Pig, Granny, Sylvester e os Goofy Gophers apareceram nesta época, mas a maioria apareceu em apenas um ou mais shorts. 14 desenhos animados de Wile E. Coyote e Roadrunner também foram encomendados, com os últimos 11 sendo terceirizados para a Format Films , sob a direção do ex-animador de Chuck Jones, Rudy Larriva . Esses desenhos não foram bem recebidos e foram comparados desfavoravelmente aos curtas de Jones. Depois que DePatie – Freleng cessou a produção de Looney Tunes em 1967, William L. Hendricks foi encarregado da produção do estúdio de animação Warner Bros.-Seven Arts , recentemente renomeado , e contratou veteranos como Alex Lovy e Laverne Harding do estúdio Walter Lantz , Volus Jones e Ed Solomon da Disney, Jaime Diaz que mais tarde trabalhou em The Fairly OddParents como diretor, e David Hanan, que trabalhou anteriormente em Roger Ramjet . Hendricks trouxe apenas três dos veteranos originais do Looney Tunes para o estúdio; Ted Bonniscken, Norman McCabe e Bob Givens. Os desenhos animados do estúdio dessa época foram criticados e são amplamente considerados os piores da história do estúdio: Cool Cat , Merlin the Magic Mouse , Chimp and Zee e Norman Normal , apesar de mais tarde ganhar um grande culto de seguidores , foram disse ser estúpido, rudemente animado, além de ter uma redação e design ruins por causa dos orçamentos extremamente baixos com que a equipe tinha que trabalhar nessa época. Alex Lovy deixou o estúdio em 1968 e Robert McKimson assumiu. McKimson focou principalmente nos personagens recorrentes que Alex Lovy havia criado e dois de sua própria criação, Bunny e Claude. O último dos curtas originais de Looney Tunes produzidos foi Bugged by a Bee e o último curta da Merrie Melodies foi Injun Trouble , que compartilha seu nome com outro curta de Looney Tunes de 1938. O estúdio Warner Bros.-Seven Arts finalmente fechou em 1969. Um total de 1.039 curtas do Looney Tunes foram criados. Uma década depois, após o sucesso do filme The Bugs Bunny / Road Runner Movie , que consistia predominantemente em filmagens de curtas clássicos de Jones, um novo estúdio interno para produzir animação original abriu suas portas em 1980, chamado Warner Bros. Animação , que existe até hoje.

Metro-Goldwyn-Mayer

Ub Iwerks

No início, Mickey Mouse foi desenhado pelo parceiro de longa data e amigo de Walt Disney, Ub Iwerks , que também era um inovador técnico em desenhos animados, e desenhava uma média de 600 desenhos para a Disney diariamente; Disney foi responsável pelas ideias nos desenhos animados, e Iwerks foi responsável por trazê-los à vida. No entanto, Iwerks deixou o estúdio Disney em 1930 para formar sua própria empresa, que era financeiramente apoiada pelo proprietário da Celebrity Pictures, Pat Powers. Após sua partida, a Disney finalmente encontrou vários animadores diferentes para substituir Iwerks. Iwerks produziria três séries de desenho animado durante os anos 1930: Flip the Frog e Willie Whopper para Metro-Goldwyn-Mayer e os desenhos ComiColor para Pat Powers 'Celebrity Productions. No entanto, nenhum desses desenhos poderia chegar perto do sucesso dos desenhos animados da Disney ou Fleischer e, em 1933, a MGM, distribuidora de desenhos animados de Iwerks desde 1930, encerrou a distribuição de seus desenhos para distribuir os desenhos de Harman e Ising, e Iwerks saiu depois seu contrato expirou em 1934. Após sua estada na MGM, os desenhos de Iwerks foram distribuídos pela Celebrity Pictures, e Iwerks responderia ao uso do Technicolor pela Disney e criaria a série Comicolor, que exibia desenhos animados em duas faixas Cinecolor. No entanto, em 1936, o Iwerks Studio começou a passar por contratempos financeiros e fechou depois que Pat Powers retirou o auxílio financeiro para o estúdio. Depois de animar na Warner Brothers criando Gabby Goat e indo para a Screen Gems, que fazia desenhos animados para a Columbia Pictures na época, Iwerks voltou para a Disney em 1940, onde trabalhou como chefe da divisão de "desenvolvimento de efeitos especiais " até sua morte em 1971 .

Harman e Ising

Depois que a MGM largou Iwerks, eles contrataram Harman and Ising de Leon Schlesinger e Warner Bros e os nomearam chefes do estúdio. Eles começaram a produzir desenhos animados Bosko e Happy Harmonies que emulavam as Sinfonias Silly da Disney . No entanto, eles não conseguiram fazer um sucesso nos cinemas, e em 1937 as séries Bosko e Happy Harmonies foram descontinuadas e a MGM substituiu Harman e Ising por Fred Quimby . Depois que Quimby assumiu, ele manteve vários funcionários da Harman and Ising e procurou outros estúdios de animação em busca de talentos (incluindo o diretor da Warner, Friz Freleng, por um curto período de tempo). Ele criou uma adaptação animada da série de quadrinhos The Katzenjammer Kids, que ele rebatizou de The Captain & The Kids . A série Captain & The Kids não teve sucesso. Em 1939, no entanto, Quimby obteve sucesso após recontratar a Harman & Ising. Depois de retornar à MGM, Ising criou a primeira estrela de animação de sucesso da MGM, chamada Barney Bear . Harman dirigiu sua obra-prima Paz na Terra nesse ínterim. Apesar disso, os dois deixaram a MGM em 1941 e 1943 respectivamente, já que Harman desenvolveria seu próprio estúdio com o animador da Disney Mel Shaw , enquanto Ising se demitiu para ingressar no Exército dos Estados Unidos.

Tom e Jerry de Hanna-Barbera

Em 1939, William Hanna e Joseph Barbera iniciaram uma parceria que duraria mais de seis décadas até a morte de Hanna em 2001. O primeiro desenho animado da dupla foi Puss Gets the Boot (1940), apresentando as tentativas de um rato anônimo de enganar um gato doméstico chamado Jasper. Embora lançado sem alarde, o curta foi financeiro e criticamente bem-sucedido, ganhando uma indicação ao Oscar de Melhor Curta (Cartoons) de 1940. Com a força da indicação ao Oscar e da demanda do público, Hanna e Barbera se comprometeram a produzir um longa série de desenhos animados de gato e rato, logo batizando os personagens Tom e Jerry . Puss Gets the Boot não ganhou o Oscar de melhor desenho animado de 1940, mas outro desenho animado da MGM, A Via Láctea de Rudolf Ising , tornando o estúdio de desenho animado da MGM o primeiro estúdio a tirar o Oscar de desenho animado de Walt Disney. Depois de aparecer em Puss Gets the Boot , Tom e Jerry rapidamente se tornaram as estrelas dos desenhos animados da MGM. Com Hanna-Barbera sob seus cintos, o estúdio de desenho animado MGM foi finalmente capaz de competir com Walt Disney no campo dos desenhos animados. Os curtas tiveram sucesso de bilheteria, muitos produtos licenciados (histórias em quadrinhos, brinquedos, etc.) foram lançados no mercado, e a série receberia mais doze indicações ao Oscar de Curtas-metragens (Desenhos Animados), com sete de Tom e Shorts de Jerry que vão ganhar o Oscar: The Yankee Doodle Mouse (1943), Mouse Trouble (1944), Quiet Please! (1945), The Cat Concerto (1946), The Little Orphan (1948), The Two Mouseketeers (1951) e Johann Mouse (1952). Tom e Jerry acabaram empatados com Disney's Silly Symphonies como a série de desenho animado teatral mais premiada. Nenhuma outra série animada teatral baseada em personagens ganhou mais prêmios, nem qualquer outra série com os mesmos personagens. Além dos curtas clássicos de Tom e Jerry , Hanna e Barbera também produziram / dirigiram para o estúdio de desenhos animados da GM meia dúzia de curtas de teatro de uma só cena , incluindo Gallopin 'Gals (1940), Officer Pooch (1941), War Dogs (1943) e Good Will to Men (um remake de Peace on Earth, 1955). Fred Quimby se aposentou em 1955, com Hanna e Barbera substituindo-o no comando dos desenhos restantes da MGM (incluindo os últimos sete episódios Droopy de Tex Avery ) até 1958, quando o estúdio fechou, encerrando todas as produções de animação, a dupla começou o Hanna- Posteriormente, a Barbera produziu séries de animação televisiva. A chave para o sucesso de Tom e Jerry e de outros desenhos animados da MGM foi o trabalho de Scott Bradley , que fez a trilha sonora de praticamente todos os desenhos para o estúdio de 1934 a 1958. As trilhas de Bradley utilizaram sensibilidade clássica e jazz. Além disso, ele costumava usar canções de trilhas sonoras de longas-metragens da MGM, sendo as mais frequentes "The Trolley Song" de Meet Me in St. Louis (1944) e "Sing Before Breakfast" de Broadway Melody de 1936 .

Desenhos animados de Tex Avery

Enquanto isso, Tex Avery veio para a MGM em 1941 e revitalizou seu estúdio de desenho animado com a mesma centelha que infundiu os animadores da Warner. As obras-primas surreais e selvagens de Tex Avery de seus dias na MGM estabeleceram novos padrões para o entretenimento "adulto" nos desenhos animados da era Code . Tex Avery não gostava de usar personagens recorrentes, mas permaneceu fiel a um personagem ao longo de sua carreira na MGM com Droopy , que foi criado em Dumb-Hounded em 1943. Tex também criou o Esquilo Screwy em 1944, mas Tex gostava menos dele e interrompeu a série após cinco desenhos animados. Ele também criou a inspirada dupla de Of Mice and Men George and Junior em 1946, mas apenas quatro desenhos animados foram produzidos.

Outros diretores e desenvolvimentos

George Gordon foi promovido a diretor algum tempo antes da partida de Rudolf Ising . Ele continuou a série Barney Bear , bem como dirigiu um punhado de one-shot originais. Mais tarde, ele deixou o estúdio em 1943 para ingressar no Exército dos EUA. Em 1946, os animadores Michael Lah e Preston Blair tiveram a oportunidade de dirigir mais três desenhos animados do Barney Bear . O próprio Lah afirmou ter terminado “The Unwelcome Guest” de Gordon, que foi inacabado por Gordon. As carreiras de direção de Lah e Blair foram interrompidas abruptamente quando a MGM dissolveu a terceira unidade, deixando apenas as unidades de Hanna-Barbera e Avery. Na década de 1950, Tex Avery saiu brevemente da MGM devido ao excesso de trabalho. Na mesma época, Dick Lundy , que recentemente deixou a Walter Lantz Production, foi contratado pela MGM para preencher a lacuna entre a saída de Avery. Lundy dirigiu dez curtas Barney Bear e um desenho adicional Droopy, Caballero Droopy . Lundy acabaria deixando a MGM depois que Avery voltou ao estúdio no final de 1951. Seus desenhos animados seriam lançados até 1954.

Os estúdios últimos anos

Em 1953, a MGM fechou a unidade Tex Avery. Avery também deixou o estúdio na época, e Micheal Lah foi promovido a diretor novamente para ocupar o cargo de Avery. Fred Quimby se aposentou em 1955, com Hanna e Barbera substituindo-o no comando dos desenhos restantes da MGM (incluindo os sete últimos dos desenhos Droopy de Tex Avery ) até 1958, quando o estúdio fechou o estúdio, encerrando todas as produções de animação. A dupla eventualmente desenvolveria seu próprio estúdio, Hanna-Barbera em 1957, herdando a maior parte da equipe no processo.

Columbia Pictures

Charles Mintz e Screen Gems

Depois que Charles Mintz foi demitido da Paramount & Universal, ele ainda estava encarregado de sua própria operação de desenho animado, produzindo desenhos animados Krazy Kat para a Columbia Pictures. Após o fracasso de Toby the Pup , que a RKO Pictures descontinuou em favor do Van Beuren Studios , ele criou uma nova série com um menino chamado Scrappy , criada por Dick Huemer em 1931. Scrappy foi uma grande oportunidade para Mintz e também foi o seu maior sucesso criação, mas seu estúdio sofreria danos irreparáveis ​​depois que Dick Huemer foi demitido do Mintz Studio em 1933. Em 1934, Mintz, como a maioria dos outros estúdios de animação da época, também tentou responder ao uso do Technicolor pela Disney e começou a fazer desenhos animados coloridos através do Série Rapsódias de cores ; a série era originalmente em Cinecolor ou Technicolor de duas faixas, mas mudou para Technicolor de três faixas depois que o contrato da Disney com a Technicolor expirou em 1935. No entanto, a série não chamou atenção e, em 1939, Mintz estava em grande dívida com a Columbia Pictures. Como resultado, Mintz vendeu seu estúdio para a Columbia. A Columbia rebatizou o estúdio, que Mintz ainda administrava, Screen Gems ; Mintz morreu no ano seguinte. Frank Tashlin e John Hubley , animadores da Disney que saíram durante a greve, conseguiram empregos na Screen Gems, onde Tashlin atuou como produtor principal, enquanto Hubley atuou como diretor de estúdio. Tashlin ajudou a Screen Gems a obter mais sucesso ao apresentar The Fox and the Crow , as maiores estrelas da Screen Gems. Tashlin manteve sua posição até que a Columbia Pictures o liberou do estúdio em favor de Dave Fleischer em 1942. Depois de Fleischer, o estúdio contratou Ray Katz e Henry Binder, ambos ex-produtores associados da Leon Schlesinger Productions . A maioria dos desenhos animados produzidos por Katz e Binder foi criticada por tentar copiar o sucesso e a direção de outros estúdios de animação. A Columbia fechou o estúdio em 1946 e começou a procurar uma nova produtora de desenhos animados, embora continuasse a distribuir curtas até 1949. O estúdio teve apenas um sucesso moderado e nunca ganhou o talento artístico da Disney, Warner Bros. ou MGM. A Screen Gems seria mais tarde reaberta como uma subsidiária de TV / cinema para a Columbia.

United Productions of America

Em 1941, John Hubley deixou a Screen Gems e formou um estúdio com os ex-animadores da Disney Stephen Bosustow, David Hilberman e Zachary Schwartz, que - como Hubley - havia deixado o ninho de Walt durante a greve do animador. O estúdio fundado por Hubley era um estúdio de animação menor e mais novo que se concentrava em seguir a própria visão de Hubley de experimentar estilos de animação mais novos, abstratos e experimentais. Bosustow, Hilberman e Schwartz nomearam o novo estúdio como Industrial Film and Poster Service, ou IFPS. Artisticamente, o estúdio usou um estilo de animação que ficou conhecido como animação limitada . O primeiro curta do estúdio recém-formado foi Hell-Bent for Election (dirigido pelo veterano da Warners Chuck Jones ), um desenho animado feito para a campanha de reeleição de Franklin D. Roosevelt . Embora este novo filme tenha sido um sucesso, ele não quebrou os limites que Hubley e sua equipe esperavam. Não foi até o terceiro curta, Bobe Cannon's Brotherhood of Man , que o estúdio começou a produzir curtas agressivamente estilizados em contraste com os filmes dos outros estúdios. O filme de Cannon até pregou uma mensagem que, na época, era menosprezada - a tolerância racial. Em 1946, o estúdio foi renomeado como United Productions of America (UPA), e Hilberman e Schwartz venderam suas ações do estúdio para a Bosustow. Em 1948, a UPA também encontrou um lar para si mesma na Columbia Pictures e começou a produzir desenhos animados teatrais para o público em geral, em vez de usar apenas temas de propaganda e treinamento militar; A UPA também ganhou duas indicações ao Oscar por novos desenhos estrelados por The Fox And The Crow durante seus primeiros dois anos de produção. A partir daí, os animadores da UPA começaram a produzir uma série de desenhos que imediatamente se destacaram no campo lotado de imagens espelhadas, desenhos animados imitadores de outros estúdios. O sucesso da série Mr. Magoo da UPA fez com que todos os outros estúdios se sentassem e prestassem atenção, e quando o curta da UPA Gerald McBoing-Boing ganhou um Oscar, o efeito em Hollywood foi imediato e eletrizante. O estilo UPA era marcadamente diferente de tudo o mais visto nas telas de cinema, e o público respondeu à mudança que a UPA ofereceu a partir da repetição das batalhas usuais de gato e rato. O Sr. Magoo viria a ser o personagem de desenho animado de maior sucesso do estúdio. No entanto, a UPA sofreria um grande golpe depois que John Hubley foi despedido do estúdio durante a Era McCarthy em 1952, devido a suspeitas de ter ligações com o comunismo; Steve Bosustow assumiu, mas não teve tanto sucesso quanto Hubley, e o estúdio acabou sendo vendido para Henry Saperstein. Em 1953, a UPA havia ganhado grande influência na indústria. Os estúdios de desenho animado de Hollywood gradualmente se afastaram dos detalhes exuberantes e realistas dos anos 1940 para um estilo de animação mais simplista e menos realista. A essa altura, até a Disney estava tentando imitar o UPA. Melody and Toot, Whistle, Plunk e Boom de 1953 , em particular, foram experiências de estilização que seguiram os passos do estúdio recém-formado. Por volta de 1952, Eric Porter propôs 2 cartuns para a Columbia, mas eles foram rejeitados. Ambos os desenhos estão atualmente em domínio público.

Longas metragens e declínio

Em 1959, a UPA lançou 1001 Arabian Nights estrelando o Sr. Magoo, no entanto, isso provou ser um fracasso, pois isso custou à UPA seu acordo de distribuição com a Columbia Pictures . Tentaram mais uma vez em 1962, a UPA lançou Gay Purr-ee com a dublagem de Judy Garland , desta vez, com uma distribuidora da Warner Brothers . Em 1964, a UPA decidiu abandonar a animação e simplesmente se tornar uma empresa de distribuição, onde passaria a distribuir alguns dos filmes de Godzilla para a América.

Hanna-Barbera

Antes da rescisão da UPA, a Columbia fechou um acordo de distribuição de 10 anos com a Hanna-Barbera , que havia acabado de deixar o estúdio de desenho animado Metro-Goldwyn-Mayer recém-fechado . O negócio envolveria principalmente a divisão de TV da Columbia, Screen Gems , que ironicamente pegou emprestado o nome do estúdio de animação. Em 1959, Hanna-Barbera produziu a única série teatral para a Columbia, Loopy De Loop . Esta série foi um sucesso e durou até 1965. Hanna-Barbera também produziu 2 filmes para a Columbia, que foi Hey There, It's Yogi Bear! e O Homem Chamado Flintstone . O contrato de 10 anos da Columbia com a Hanna-Barbera expirou em 1967 e não foi renovado, encerrando assim a associação da Columbia com a Hanna-Barbera em todos os sentidos.

Universal Pictures / Walter Lantz Productions

Primeiros anos

Em 1928, Walter Lantz substituiu Charles Mintz como produtor de desenhos animados da Universal Studios. O personagem principal de Lantz na época era Oswald, o Coelho Afortunado , cujos desenhos animados anteriores haviam sido produzidos por Walt Disney e Charles Mintz . Lantz também começou a experimentar desenhos animados coloridos, e o primeiro, chamado Jolly Little Elves , foi lançado em 1934. Em 1935, Lantz tornou seu estúdio independente do Universal Studios, e o Universal Studios era agora apenas os distribuidores de seus desenhos animados, em vez de proprietários diretos. Depois de ver o sucesso da Disney com seu primeiro filme, Branca de Neve e os Sete Anões, Lantz planejou produzir um longa-metragem de animação baseado na história de Aladdin , e deveria ter estrelado a famosa dupla de comédia Abbott e Costello . Porém, devido à bomba financeira de Mr. Bug Goes to Town , Lantz retirou a ideia e o filme nunca foi produzido.

Novas estrelas e artistas unidos

Na década de 1940, Oswald começou a perder popularidade. Lantz e sua equipe trabalharam em várias idéias para possíveis novos personagens de desenhos animados (entre eles Meany, Miny e Moe e Baby-Face Mouse ). Por fim, um desses personagens clicou; seu nome era Andy Panda , que foi ao ar em Technicolor. Por mais bem-sucedido que Andy fosse, não foi até o quinto desenho animado do personagem, Knock Knock, que um personagem verdadeiramente inovador foi apresentado. Este era ninguém menos que Woody Woodpecker , que se tornou a criação de maior sucesso de Lantz. Alex Lovy serviu como diretor do estúdio, mas foi mais tarde substituído por James Culhane depois que Lovy foi convocado para a Marinha dos Estados Unidos. Devido a questões de negociação entre Lantz e Universal Studios (renomeado como Universal-International), Lantz se retirou de sua empresa-mãe e contratou a distribuição de curtas sob a United Artists entre 1947 e 1949. Os curtas neste período foram notados por terem melhor animação dos curtas lançado sob a Universal. Isso se deveu à influência do diretor e veterano da Disney Dick Lundy , além da chegada de animações mais profissionais, como Ed Love , Fred Moore e Ken O'Brien. Esta também foi a época em que Andy Panda foi descontinuado devido ao declínio de sua popularidade. No total, 12 curtas foram lançados pela United Artists.

Década de 1950 e anos posteriores

Devido a uma infinidade de problemas entre distribuidores e empréstimos excedentes do Bank of America , Lantz foi forçado a fechar seu estúdio em 1949. Ele foi reaberto em 1950 com uma equipe reduzida, principalmente porque Lantz conseguiu assinar um acordo com a Universal (conhecido como Universal-Internacional neste período) para mais desenhos animados do Woody Woodpecker, começando com Puny Express de 1951 . Woody continuaria a aparecer em desenhos animados até o início dos anos 1970. Paul J. Smith , um veterano da Warner Bros. que trabalhou para Lantz nos anos 40, voltou a trabalhar para o estúdio durante a maior parte da vida do estúdio nesta época como animador e, posteriormente, diretor. Paul criou Chilly Willy , que apareceu pela primeira vez em 1953, e se tornou o segundo personagem mais popular de Lantz, além de Woody. Mais tarde, ele seria refinado por Tex Avery no ano seguinte, que deixou a MGM no início daquela década. O próprio Avery dirigiu apenas 4 curtas durante seu tempo na Walter Lantz Productions, até finalmente deixar sua carreira de dirigir curtas de animação em 1956. Contribuições direcionais adicionais incluíram Don Patterson , Jack Hannah e Sid Marcus. Alex Lovy também voltou como diretor desde o início dos anos 40. Walter Lantz finalmente fechou o estúdio em 1972, dizendo que continuar a produzir curtas seria impossível devido ao aumento da inflação. No entanto, para Lantz, a sobrevivência de Woody Woodpecker foi prolongada quando ele começou a aparecer no The Woody Woodpecker Show de 1957 a 1987, do qual entrou em distribuição até 1990. A NBC reviveu o programa duas vezes - em 1991 e 1992, e finalmente em 1997 Lantz vendeu todos dos shorts Woody Woodpecker para a Universal , então parte da MCA .

Terrytoons

Antes de Terrytoons

Antes de Paul Terry criar seu próprio estúdio, ele foi contratado pela Bray Productions , onde criou seu primeiro personagem popular, o fazendeiro Al Falfa . Mais tarde, em 1921, ele co-fundou os estúdios Fables Animation com Amedee J. Van Beuren . Beuren, entretanto, ficou ansioso no final da década de 1920 devido ao fenômeno de um novo formato de filme de som pré-sincronizado no cinema. Beuren incitou Terry a produzir filmes neste formato, mas recusou, forçando-o a despedir Terry em 1929.

Terrytoons é formado

Depois de perder sua série Aesop's Film Fables para o Van Beuren Studios em 1929, Terry estabeleceu um novo estúdio chamado Terrytoons . Terrytoons produzia 26 desenhos animados por ano para a EW Hammons ' Educational Pictures , que por sua vez fornecia curtas-metragens para a Fox Film Corporation (mais tarde conhecida como 20th Century Fox Film Corporation ). Os desenhos de Terry da década de 1930 eram principalmente desenhos musicais em preto e branco sem personagens recorrentes, exceto para o Fazendeiro Al Falfa , que apareceu nos desenhos de Terry desde a era do cinema mudo. A educação afundou no final dos anos 1930, e Terry assinou diretamente com a Fox para distribuir suas fotos. As décadas de 1930 e 1940 trouxeram os personagens mais populares e bem-sucedidos de Terry, Gandy Goose começando em 1938, Mighty Mouse começando em 1942 e Heckle e Jeckle , desenvolvidos combinando o que era originalmente um casal marido e mulher de pegas travessos do Fazendeiro Al de 1946 Falfa cartoon "The Talking Magpies" com a noção de Terry de que irmãos gêmeos ou sósias tinham possibilidades cômicas. Outros personagens incluem Dinky Duck em 1939, Dimwit the Dog (originalmente emparelhado com Heckle e Jeckle), Sourpuss (geralmente emparelhado com Gandy Goose) e entre outros. Terrytoons também foi indicado quatro vezes para o Oscar de curta-metragem de animação: All Out for V em 1942, My Boy, Johnny em 1944, Mighty Mouse em Gypsy Life em 1945 e Sidney's Family Tree em 1958. Apesar do sucesso, o Terrytoon desenhos animados são conhecidos por ter os orçamentos mais baixos de qualquer grande estúdio da época. Isso se deve principalmente ao fato de Paul Terry evitar que o estúdio aproveite as novas e mais modernas técnicas no campo da animação, principalmente como um negócio. Terry continuaria dizendo: "Deixe Walt Disney ser o Tiffany's do negócio. Eu quero ser o Woolworth's !". A recusa de Terry em pagar royalties à música popular na época também levou o músico do estúdio, Philip A. Schieb, a compor suas próprias pistas musicais originais.

Era CBS

Terry vendeu sua empresa e sua carteira de pedidos para a CBS em 1955 e se aposentou. A CBS continuou a operar o estúdio por quase 17 anos depois, com os estúdios agora sob a gestão de Gene Deitch e, mais tarde, de William M. Weiss. Esse período de tempo marcou uma mudança significativa na produção dos estúdios, já que agora estava dividido entre curtas-metragens teatrais e séries de televisão, além de criar novos personagens como Tom Terrific , Lariat Sam e Deputy Dawg , Sidney, o Elefante, Gaston Le Crayon, John Doormat e Clint Clobber (que seria usado novamente como o dono humano de Tom em Tom e Jerry de Deitch ). Por volta dessa época, Terrytoons também começou a produzir desenhos animados no CinemaScope . A época também é conhecida como o início da carreira de Ralph Bakshi , que começou como opaco e depois como diretor. Bakshi mais tarde se mudaria para o Famous Studios em 1967. A Terrytoons finalmente fechou suas portas em 1972.

Estúdios de animação menos conhecidos

Van Beuren Studios

Felix, o gato em A galinha dos ovos de ouro, de Van Beuren

Em 1928, o produtor Amadee J. Van Beuren formou uma parceria com Paul Terry e formou o '"Aesop's Fables Studio" para a produção da série de desenhos animados Aesop's Film Fables . Em 1929, Terry saiu para abrir seu próprio estúdio e foi substituído por John Foster, que assumiu o departamento de animação e rebatizou o estúdio Van Beuren Studios . Van Beuren continuou série Fábulas de Esopo, e tentou sem sucesso uma adaptação dos desenhos animados da rádio blackface comediantes Amos 'n' Andy . Outros desenhos animados de Van Beuren apresentavam Tom e Jerry (não o gato e o rato, mas uma dupla humana parecida com Mutt e Jeff ) e o personagem de quadrinhos de Otto Soglow , O Pequeno Rei . Frank Tashlin e Joseph Barbera estavam entre os animadores que trabalharam brevemente para o estúdio durante sua curta vida. Em 1934, enquanto outros estúdios colocavam desenhos animados em Technicolor para responder à série de desenhos animados Silly Symphonies da Disney, o Van Beuren Studio abandonou seus desenhos restantes e respondeu ao uso do Technicolor pela Disney criando a série Rainbow Parade , que era toda colorida. No entanto, a série não foi um sucesso e, em 1936, a RKO Pictures , proprietária do Van Beuren Studio, fechou o estúdio, pois a RKO decidiu distribuir os desenhos animados da Disney.

Republic Pictures

Em 1946, a Republic Pictures incorporou uma peça de animação de Walter Lantz em Sioux City) , um faroeste estrelado por Gene Autry. Naquele mesmo ano, Bob Clampett , que acabara de deixar a Warner Bros., dirigiu um desenho animado com o título It's a Grand Old Nag antes de a empresa cancelar uma série animada em potencial. Em 1949, a Republic iniciou uma nova série de desenhos animados chamada Jerky Journeys , liderada por Art Heineman. Os desenhos animados não eram totalmente animados (usados ​​apenas para sequências rápidas), mas apresentavam layouts e designs de fundo de Robert Gribbroek , Peter Alvarado e Paul Julian , todos da Warner Bros. Republic descontinuou a série depois que quatro desenhos animados foram feitos.

John Sutherland Productions

John Sutherland foi um animador e produtor de cinema americano conhecido inicialmente por seu trabalho na Walt Disney Productions , bem como pela voz adulta de Bambi em sua adaptação de 1942. Sutherland acabou deixando a Disney em boas condições para desenvolver seu próprio estúdio, a John Sutherland Productions. O estúdio produziu principalmente animação educacional / instrucional concedida pelo Harding College com a ajuda de Alfred P. Sloan . Um dos filmes mais notáveis ​​inclui Make Mine Freedom , um curta de propaganda de 1948 com sentimentos anticomunistas . o estúdio também se destacou por sua qualidade de animação, já que Sutherland conseguiu contratar artistas de destaque na indústria como Carl Urbano , Emery Hawkins , Eugene Poddany, Frank Tashlin , Phil Roman e entre outros. Sutherland produziu 45 filmes de 1945 até sua aposentadoria em 1973.

Jerry Fairbanks Productions

Embora não esteja principalmente envolvido com o meio, Jerry Fairbanks trabalhou em vários projetos de animação. Em 1941, Fairbanks produziu o bem-sucedido curta Speaking of Animals baseado em uma ideia conceituada por Tex Avery , resultando em duas indicações ao Oscar de Melhor Curta de Ação ao Vivo . No final dos anos 40 e início dos 50, Fairbanks também produziu filmes de base industrial com sequências de animação ocasionais fornecidas por Manny Gould , Lou Lilly e Anna Osborn. Fairbanks também trabalhou em Crusader Rabbit , a primeira série animada produzida para a televisão. Lá ele se envolveu como produtor supervisor do show.

Tendências

Som em animação

Embora grande parte do foco em um desenho animado esteja nos visuais, os talentos vocais e as partituras sinfônicas que acompanharam as imagens também foram muito importantes para o sucesso dos desenhos animados. À medida que o cinema afastava o público de seus aparelhos de rádio, também atraía atores talentosos e impressionistas vocais para o cinema e a animação. Mel Blanc deu voz à maioria dos personagens mais populares da Warner Bros., incluindo Bugs Bunny, Porky Pig (começando em 1937) e Daffy Duck. Outras vozes e personalidades do vaudeville e do rádio contribuíram para a popularidade dos filmes de animação na Era de Ouro. Alguns desses atores (geralmente sem créditos) incluem Cliff Edwards (também conhecido como Ukulele Ike ), Arthur Q. Bryan , Stan Freberg , Bea Benaderet , Bill Thompson , Grace Stafford , Jim Backus , June Foray e Daws Butler .

Os desenhos animados dessa época também incluíam partituras tocadas por orquestras de estúdio . Carl Stalling na Schlesinger / Warner Bros., Scott Bradley na MGM e Winston Sharples na Paramount compuseram várias trilhas sonoras de desenhos animados, criando material original e incorporando melodias clássicas e populares conhecidas. Muitos dos primeiros desenhos animados, particularmente aqueles da série Silly Symphonies da Disney , foram construídos em torno de peças clássicas. Esses desenhos às vezes apresentavam personagens famosos, mas muitos tinham temas simples da natureza.

Stop motion e efeitos especiais

Durante grande parte da história da animação de Hollywood, a produção de filmes animados foi uma indústria exclusiva que não se ramificou com muita frequência para outras áreas. Os vários estúdios de animação trabalharam quase exclusivamente na produção de desenhos animados e títulos de animação para filmes. Apenas ocasionalmente a animação era usada para outros aspectos da indústria do cinema. As séries de baixo orçamento do Superman da década de 1940 usavam sequências animadas do Superman voando e realizando feitos superpoderosos que eram usados ​​no lugar dos efeitos especiais de ação ao vivo, mas isso não era uma prática comum.

A exclusividade da animação também resultou no nascimento de uma indústria irmã que era usada quase exclusivamente para efeitos especiais de cinema: a animação em stop motion . Apesar de suas semelhanças, os dois gêneros de animação em stop motion e animação desenhada à mão raramente se uniram durante a Idade de Ouro de Hollywood. A animação stop-motion fez seu nome com o sucesso de bilheteria de 1933, King Kong , onde o animador Willis O'Brien definiu muitas das principais técnicas de stop motion usadas nos 50 anos seguintes. O sucesso de King Kong levou a uma série de outros primeiros filmes de efeitos especiais, incluindo Mighty Joe Young , que também foi animado por O'Brien e ajudou a iniciar a carreira de vários animadores, incluindo Ray Harryhausen , que se destacou no 1950 George Pal foi o único animador stop-motion a produzir uma série de desenhos animados em stop-motion para lançamento nos cinemas, a série Puppetoon para a Paramount, alguns dos quais animados por Ray Harryhausen. Pal passou a produzir vários filmes de ação com efeitos especiais ao vivo.

A animação em stop motion atingiu o auge de sua popularidade na década de 1950. A explosão da popularidade dos filmes de ficção científica levou a um desenvolvimento exponencial no campo dos efeitos especiais, e George Pal tornou-se o produtor de vários filmes populares com efeitos especiais. Enquanto isso, o trabalho de Ray Harryhausen em filmes como Earth vs. the Flying Saucers , The Seventh Voyage of Sinbad e The Beast from 20,000 Fathoms atraiu grandes multidões e encorajou o desenvolvimento de efeitos especiais "realistas" em filmes. Esses efeitos usavam muitas das mesmas técnicas da animação cel, mas mesmo assim as duas mídias não costumavam se unir. O stop motion se desenvolveu a ponto de os efeitos de Douglas Trumbull em 2001: A Space Odyssey parecerem reais em um grau sobrenatural.

Os efeitos especiais de Hollywood continuaram a se desenvolver de uma maneira que evitou a animação cel , embora várias sequências de animação memoráveis ​​tenham sido incluídas em filmes de ação ao vivo da época. A mais famosa delas foi uma cena durante o filme Anchors Aweigh , em que o ator Gene Kelly dançou com um Jerry Mouse animado (da fama de Tom e Jerry ). Mas, exceto por sequências ocasionais desse tipo, a única integração real da animação cel em filmes de ação ao vivo veio no desenvolvimento de créditos animados e sequências de títulos. As sequências de abertura de Saul Bass para os filmes de Alfred Hitchcock (incluindo Vertigo , North by Northwest e Psycho ) são altamente elogiadas e inspiraram vários imitadores.

A era da guerra

Os principais estúdios de Hollywood contribuíram muito para o esforço de guerra, e seus estúdios de desenhos animados também contribuíram com várias contribuições. Nos estúdios Fleischer, Popeye, o Marinheiro, entrou para a Marinha e começou a combater nazistas e "japoneses"; enquanto o estúdio da Warner Bros. produziu uma série de desenhos animados do filme Private Snafu especialmente para serem vistos por soldados alistados. Até a Disney estava envolvida no esforço de guerra, produzindo comédias satíricas como O rosto de Der Fuhrer e comentários como Educação para a morte .

Declínio de curtas teatrais

DePatie – Freleng Enterprises

A década de 1960 viu algumas faíscas criativas no meio cinematográfico, em particular da DePatie – Freleng Enterprises . Seu primeiro e mais bem-sucedido projeto foi animar os títulos de abertura do filme de 1964, The Pink Panther , estrelado por Peter Sellers . O filme e suas sequências animadas fizeram tanto sucesso que a United Artists contratou o estúdio para produzir uma série de desenhos animados Pink Panther. O primeiro curta, The Pink Phink , ganhou o Oscar de Melhor Curta de Animação de 1964 . O estúdio também produziu outras séries de desenhos animados de sucesso, como The Inspector e The Ant and the Aardvark .

Enquanto isso, Chuck Jones, que havia sido demitido da Warner Bros., mudou-se para a MGM para produzir 34 desenhos animados de Tom e Jerry para o teatro no final de 1963. Esses desenhos eram animados em seu estilo distinto, mas nunca alcançaram a popularidade de Hanna -Barbera originais do apogeu dos anos 1940 e 1950. No entanto, eles tiveram mais sucesso do que os curtas de Gene Deitch Tom e Jerry , que foram produzidos no exterior durante 1961 e 1962.

De 1964 a 1967, a DePatie – Freleng produziu os curtas Looney Tunes e Merrie Melodies sob contrato com a Warner Bros. Esses desenhos animados podem ser reconhecidos facilmente porque usam os logotipos WB abstratos modernos em vez dos famosos círculos concêntricos bullseye WB. O estúdio também subcontratou 11 desenhos animados de Wile E. Coyote e Road Runner para a Format Films. DePatie – Freleng interrompeu a produção de Looney Tunes e mudou-se para San Fernando Valley em 1967 para continuar a produção de seus desenhos animados Pink Panther, produzindo o desenho animado teatral original final em 1977. Os curtas Pink Panther subsequentes de 1978-1981 foram originalmente produzidos para a televisão e depois lançados nos cinemas. Em 1967, WB retomaria a produção de seus próprios desenhos animados, antes de encerrar o departamento de desenho animado em 1969. Em 1981, o estúdio foi comprado pela Marvel Comics e foi renomeado Marvel Productions .

Hanna – Barbera

Em 1946, o sindicato da animação da época negociou um aumento salarial de 25%, tornando a produção geral dos desenhos animados mais cara. Após o veredicto de 1948 no caso Antitruste de Hollywood , não havia mais garantia de reserva nas cinemas para desenhos de qualquer um dos estúdios, tornando-se um negócio mais arriscado e por isso menos recursos foram investidos nos curtas teatrais, causando um gradativo declínio. No início da década de 1950, o meio de televisão estava começando a ganhar mais impulso e a indústria da animação começou a mudar como resultado. À frente dessa mudança estava a dupla de William Hanna e Joseph Barbera , os criadores de Tom e Jerry. A nova Hanna-Barbera utilizou o estilo de animação limitado em que a UPA foi pioneira. Com esta animação limitada, Hanna e Barbera criaram vários personagens, incluindo Huckleberry Hound , Os Flintstones , Yogi Bear e Top Cat . Com a popularidade crescente da televisão, que incluía os desenhos animados das manhãs de sábado , um declínio muito mais significativo começou a ir ao cinema na década de 1960. Para enfrentar a concorrência da TV, os cinemas fizeram o que puderam para reduzir seus próprios custos. Uma forma de fazer isso era reservar apenas recursos e evitar despesas com shorts, que eram considerados desnecessários e muito caros. Os poucos curtas que chegaram aos cinemas, apesar disso, são frequentemente vistos pelos críticos como inferiores aos seus antecessores.

Linha do tempo

Esta é uma linha do tempo da produção ativa dos estúdios de animação americanos de curtas de desenho animado regularmente lançados para exibição teatral. Alguns estúdios continuam a lançar curtas de animação nos cinemas com pouca frequência. As cores correspondem ao distribuidor teatral associado ao estúdio de animação.


Legado

Sete desenhos animados da Disney ( Branca de Neve , Pinóquio , Fantasia , Dumbo , Bambi , Cinderela e a Bela Adormecida ) e vários curtas animados ( Steamboat Willie , Betty Boop's take of Snow White , Three Little Porquinhos , Popeye Meets Sinbad the Sailor , Porky em Wackyland , Gerald McBoing Boing , The Tell-Tale Heart , Duck Amuck , One Froggy Evening e What's Opera Doc? ) Foram incluídos no National Film Registry . Eles também fizeram parte da pesquisa de livro de 1994 do historiador da animação Jerry Beck dos 50 maiores desenhos animados .

Representações da cultura popular

O filme de 1988, Who Framed Roger Rabbit, homenageou a era de ouro da animação americana e do cinema clássico de Hollywood . O filme contou com participações especiais de vários personagens de vários estúdios, como Disney, Warner Bros., Fleischer Studios e Universal, entre outros. O filme também contém a única vez na história cinematográfica em que o Mickey Mouse e o Pato Donald da Disney cruzaram com o Bugs Bunny e o Patolino da Warner Bros. Studios, respectivamente, na tela.

O videogame Cuphead 2017 apresenta um estilo de animação inspirado nas obras da Disney e Fleischer desse período.

Veja também

Referências

Fontes

  • Barrier, Michael (1999): Hollywood Cartoons . Imprensa da Universidade de Oxford.
  • Maltin, Leonard (1987): Of Mice and Magic: A History of American Animated Cartoons . Penguin Books.
  • Solomon, Charles (1994): The History of Animation: Enchanted Drawings . Outlet Books Company.