Arte gótica - Gothic art

Arte gótica
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Acima: O Portal Ocidental (Real) da Catedral de Chartres (por volta de 1145), essas estátuas arquitetônicas sendo as primeiras esculturas góticas e uma revolução no estilo e o modelo para uma geração de escultores; Centro: a Sainte-Chapelle de Paris (1194-1248); Embaixo: O Díptico Wilton (1395–1459)
Anos ativos Final do século 12 ao século 16

A arte gótica foi um estilo de arte medieval que se desenvolveu no norte da França a partir da arte românica no século 12 DC, liderado pelo desenvolvimento simultâneo da arquitetura gótica . Ele se espalhou por toda a Europa Ocidental , e muito do Norte , Sul e Europa Central , nunca apagando os estilos mais clássicos na Itália. No final do século XIV, o sofisticado estilo da corte do Gótico Internacional se desenvolveu, que continuou a evoluir até o final do século XV. Em muitas áreas, especialmente na Alemanha, a arte do gótico tardio continuou até o século 16, antes de ser incluída na arte renascentista . A mídia primária no período gótico incluía esculturas , pinturas em painéis , vitrais , afrescos e manuscritos iluminados . As mudanças facilmente reconhecíveis na arquitetura do estilo românico para o gótico e do gótico para o renascentista são normalmente usadas para definir os períodos da arte em todas as mídias, embora em muitos aspectos a arte figurativa tenha se desenvolvido em um ritmo diferente.

A arte gótica mais antiga foi a escultura monumental , nas paredes de catedrais e abadias. A arte cristã era freqüentemente de natureza tipológica (ver alegoria medieval ), mostrando as histórias do Novo Testamento e do Antigo Testamento lado a lado. A vida dos santos era freqüentemente retratada. As imagens da Virgem Maria mudaram da forma icônica bizantina para uma mãe mais humana e afetuosa, acariciando seu filho, balançando o quadril e mostrando as maneiras refinadas de uma senhora cortesã aristocrática bem nascida.

A arte secular ganhou espaço durante este período com o surgimento de cidades, fundação de universidades , aumento do comércio, o estabelecimento de uma economia baseada no dinheiro e a criação de uma classe burguesa que poderia patrocinar as artes e encomendar obras, resultando em uma proliferação de pinturas e manuscritos iluminados. O aumento da alfabetização e um crescente corpo de literatura vernácula secular encorajaram a representação de temas seculares na arte. Com o crescimento das cidades, associações comerciais foram formadas e os artistas muitas vezes eram obrigados a se tornarem membros de uma associação de pintores . Como resultado, devido à melhor manutenção de registros, mais artistas são conhecidos por nós pelo nome neste período do que em qualquer outro; alguns artistas chegaram a ousar assinar seus nomes.

Origens

Maria Madalena gótica internacional do século XIV na Catedral de São João em Toruń .

A arte gótica surgiu em Île-de-France , França, no início do século 12 na Igreja da Abadia de St Denis construída pelo Abade Suger . O estilo rapidamente se espalhou além de suas origens na arquitetura para a escultura, tanto monumental quanto pessoal em tamanho, arte têxtil e pintura, que assumiu uma variedade de formas, incluindo afrescos , vitrais , o manuscrito iluminado e pintura em painel . As ordens monásticas , especialmente os cistercienses e os cartuxos , foram importantes construtores que disseminaram o estilo e desenvolveram variantes distintas dele por toda a Europa. As variações regionais da arquitetura permaneceram importantes, mesmo quando, no final do século XIV, um estilo universal coerente conhecido como Gótico Internacional evoluiu, que continuou até o final do século XV, e depois em muitas áreas.

Embora houvesse muito mais arte gótica secular do que muitas vezes se pensa hoje, como geralmente a taxa de sobrevivência da arte religiosa tem sido melhor do que para equivalentes seculares, uma grande proporção da arte produzida no período era religiosa, seja encomendada pela igreja ou por os leigos. A arte gótica era freqüentemente de natureza tipológica , refletindo a crença de que os eventos do Antigo Testamento pré-figuravam os do Novo, e que este era de fato seu principal significado. Cenas do Antigo e do Novo Testamento foram mostradas lado a lado em obras como o Speculum Humanae Salvationis e a decoração de igrejas. O período gótico coincidiu com um grande ressurgimento da devoção mariana , na qual as artes visuais desempenharam um papel importante. As imagens da Virgem Maria desenvolveram-se desde os tipos hieráticos bizantinos, através da coroação da Virgem , até tipos mais humanos e íntimos, e os ciclos da Vida da Virgem foram muito populares. Artistas como Giotto , Fra Angelico e Pietro Lorenzetti na Itália, e a pintura dos primeiros holandeses , trouxeram realismo e uma humanidade mais natural para a arte. Artistas ocidentais, e seus patronos, tornaram-se muito mais confiantes na iconografia inovadora e muito mais originalidade é vista, embora fórmulas copiadas ainda fossem usadas pela maioria dos artistas.

A iconografia foi afetada por mudanças na teologia, com representações da Assunção de Maria ganhando terreno na antiga Morte da Virgem e em práticas devocionais como o Devotio Moderna , que produziu novos tratamentos de Cristo em assuntos como o Homem das Dores , Cristo pensativo e Pietà , que enfatizavam seu sofrimento e vulnerabilidade humana, em um movimento paralelo ao das representações da Virgem. Mesmo nos Últimos Julgamentos, Cristo agora era geralmente mostrado expondo seu peito para mostrar as feridas de sua Paixão . Os santos eram mostrados com mais frequência e os retábulos mostravam os santos relevantes para a igreja ou doador em particular presentes em uma crucificação ou Virgem com o Menino entronizado , ou ocupando o espaço central (geralmente para obras projetadas para capelas laterais). Ao longo do período, muitas características iconográficas antigas que se originaram nos apócrifos do Novo Testamento foram gradualmente eliminadas sob pressão clerical, como as parteiras na Natividade , embora outras fossem muito bem estabelecidas e consideradas inofensivas.

Etimologia

A Dama e o Unicórnio , título dado a uma série de seis tapeçarias tecidas na Flandres , sendo esta chamada À Mon Seul Désir ; final do século 15; lã e seda; 377 x 473 cm; Musée de Cluny (Paris)

A palavra " gótico " para arte foi inicialmente usada como sinônimo de " bárbaro " e, portanto, usada de forma pejorativa. Seus críticos consideraram esse tipo de arte medieval não refinada e muito distante das proporções e formas estéticas da arte clássica . Os autores da Renascença acreditavam que o saque de Roma pelas tribos góticas em 410 provocou o desaparecimento do mundo clássico e de todos os valores que eles prezavam. No século 15, vários arquitetos e escritores italianos reclamaram que os novos estilos "bárbaros" vindos do norte dos Alpes representavam uma ameaça semelhante ao renascimento clássico promovido pelo início da Renascença. O qualificador "gótico" para esta arte foi usado pela primeira vez na carta de Rafael ao Papa Leão X c. 1518 e foi posteriormente popularizada pelo artista e escritor italiano Giorgio Vasari , que a usou já em 1530, chamando a arte gótica de uma "desordem" "monstruosa e bárbara". Rafael afirmou que os arcos pontiagudos da arquitetura do norte eram um eco das cabanas primitivas que os habitantes da floresta germânica formaram ao dobrar as árvores - um mito que ressurgiria muito mais tarde em um sentido mais positivo nos escritos do movimento romântico alemão . A "arte gótica" foi fortemente criticada por autores franceses como Boileau , La Bruyère , Rousseau , antes de se tornar uma forma de arte reconhecida, e as palavras ficarem fixas. Molière faria um comentário famoso sobre o gótico:

O gosto apaixonado dos monumentos góticos,
Esses monstros odiosos de séculos ignorantes,
Que as torrentes da barbárie espalharam.

No seu início, a arte gótica foi inicialmente chamada de "obra francesa" ( Opus Francigenum ), atestando assim a prioridade da França na criação deste estilo.

Pintura

Simone Martini (1285–1344).

A pintura em um estilo que pode ser chamado de gótico não apareceu até cerca de 1200, quase 50 anos após as origens da arquitetura e escultura gótica. A transição do românico para o gótico é muito imprecisa e não é uma quebra clara, e os detalhes ornamentais góticos são frequentemente introduzidos antes que muitas mudanças sejam vistas no estilo das próprias figuras ou composições. Em seguida, as figuras ficam mais animadas na pose e na expressão facial, tendem a ser menores em relação ao fundo das cenas e são dispostas de forma mais livre no espaço pictórico, onde há espaço. Essa transição ocorre primeiro na Inglaterra e na França por volta de 1200, na Alemanha por volta de 1220 e na Itália por volta de 1300. A pintura durante o período gótico era praticada em quatro meios principais: afrescos , pinturas em painel , iluminação manuscrita e vitrais .

Afrescos

Os afrescos continuaram a ser usados ​​como a principal arte narrativa pictórica nas paredes das igrejas no sul da Europa, como uma continuação das primeiras tradições cristãs e românicas. Um acidente de sobrevivência deu à Dinamarca e à Suécia os maiores grupos de pinturas de paredes de igrejas no estilo Biblia pauperum , geralmente estendendo-se até abóbadas cruzadas recentemente construídas . Tanto na Dinamarca quanto na Suécia, eles foram quase todos cobertos de cal após a Reforma que os preservou, mas alguns também permaneceram intocados desde sua criação. Entre os melhores exemplos da Dinamarca estão os do Mestre Elmelunde da ilha dinamarquesa de Møn que decorou as igrejas de Fanefjord , Keldby e Elmelunde . Albertus Pictor é indiscutivelmente o artista de afrescos mais conhecido do período em que trabalhou na Suécia. Exemplos de igrejas suecas com afrescos bem preservados incluem as igrejas Tensta , Gökhem e Anga .

Vitral

Parte do painel de vitral alemão de 1444 com a Visitação ; Pote de metal de várias cores, incluindo vidro branco, tinta vítrea preta, mancha prateada amarela e as partes "verde-oliva" são esmaltadas. Os padrões de plantas no céu vermelho são formados ao riscar a tinta preta do vidro vermelho antes de disparar. Um painel restaurado com novos cames de chumbo.

No norte da Europa, o vitral foi uma forma importante e prestigiosa de pintura até o século XV, quando foi suplantado pela pintura em painel . A arquitetura gótica aumentou muito a quantidade de vidro em grandes edifícios, em parte para permitir grandes extensões de vidro, como nas rosáceas . No início do período usava-se principalmente tinta preta e vidro transparente ou de cores vivas, mas no início do século XIV o uso de compostos de prata, pintados em vidro que era então queimado, permitia uma série de variações de cor, centradas em amarelos, para ser utilizado com o vidro transparente em uma única peça. No final do período, os designs usavam cada vez mais grandes peças de vidro que eram pintadas, com os amarelos como cores dominantes, e relativamente poucas peças menores de vidro em outras cores.

Manuscritos e gravuras

Manuscritos iluminados representam o registro mais completo da pintura gótica, fornecendo um registro de estilos em lugares onde nenhuma obra monumental sobreviveu. Os primeiros manuscritos completos com ilustrações góticas francesas datam de meados do século XIII. Muitos desses manuscritos iluminados eram bíblias reais, embora saltérios também incluíssem ilustrações; o Saltério parisiense de São Luís , datado de 1253 a 1270, apresenta 78 iluminuras de página inteira em têmpera e folha de ouro.

Durante o final do século 13, os escribas começaram a criar livros de orações para os leigos, freqüentemente conhecidos como livros de horas devido ao seu uso em horários prescritos do dia. Entre os primeiros está um exemplo de William de Brailes que parece ter sido escrito para uma leiga desconhecida que vivia em uma pequena vila perto de Oxford por volta de 1240. A nobreza freqüentemente comprava tais textos, pagando generosamente por ilustrações decorativas; entre os mais conhecidos criadores deles está Jean Pucelle , cujas Horas de Joana d'Evreux foi encomendado pelo rei Carlos IV como um presente para sua rainha, Joana d'Évreux . Elementos do gótico francês presentes em tais obras incluem o uso de emolduramento decorativo que lembra a arquitetura da época com figuras alongadas e detalhadas. O uso de indicadores espaciais, como elementos de construção e recursos naturais, como árvores e nuvens, também denotam o estilo gótico francês de iluminação.

A partir de meados do século XIV, os blockbooks com texto e imagens cortados em xilogravura parecem ter sido acessíveis aos párocos nos Países Baixos , onde eram mais populares. No final do século, livros impressos com ilustrações, ainda principalmente sobre assuntos religiosos, estavam rapidamente se tornando acessíveis à próspera classe média, assim como gravuras de qualidade bastante alta de gravadores como Israhel van Meckenem e Mestre ES. No século 15, o a introdução de gravuras baratas , principalmente em xilogravura , possibilitou até mesmo aos camponeses terem imagens devocionais em casa. Essas imagens, minúsculas no fundo do mercado, muitas vezes de cores toscas, eram vendidas aos milhares, mas agora são extremamente raras, a maioria tendo sido colada nas paredes.

Retábulo e pintura em painel

A pintura com óleo sobre tela não se tornou popular até os séculos 15 e 16 e foi uma marca registrada da arte renascentista . No norte da Europa, a importante e inovadora escola de pintura neerlandesa primitiva tem um estilo essencialmente gótico, mas também pode ser considerada parte do Renascimento do Norte , visto que demorou muito para que o renascimento italiano do interesse pelo classicismo tivesse um grande impacto em o norte. Pintores como Robert Campin e Jan van Eyck utilizaram a técnica da pintura a óleo para criar obras minuciosamente detalhadas, corretas em perspectiva, onde o realismo aparente se combinava com o simbolismo ricamente complexo surgido precisamente dos detalhes realistas que agora podiam incluir, mesmo em pequenas obras . Na pintura neerlandesa primitiva, das cidades mais ricas do norte da Europa, um novo realismo minucioso na pintura a óleo foi combinado com alusões teológicas sutis e complexas, expressas precisamente por meio de cenários altamente detalhados de cenas religiosas. O Retábulo de Mérode (1420) de Robert Campin e a Anunciação Washington Van Eyck ou Madonna do Chanceler Rolin (ambos 1430, por Jan van Eyck ) são exemplos. Para os ricos, pequenos painéis de pinturas , até mesmo os polípticos em pintura a óleo estavam se tornando cada vez mais populares, muitas vezes exibindo retratos de doadores ao lado, embora muitas vezes muito menores do que a Virgem ou os santos retratados. Eles geralmente eram exibidos em casa.

Escultura

Escultura monumental

Virgem com o Menino em marfim francês, final do século XIII, com 25 cm de altura, curvando-se para se adaptar à forma da presa de marfim.

O período gótico é essencialmente definido pela arquitetura gótica , e não se ajusta inteiramente ao desenvolvimento do estilo da escultura, seja no início, seja no final. As fachadas das grandes igrejas, especialmente ao redor das portas, continuaram a ter grandes tímpanos, mas também fileiras de figuras esculpidas se espalhando ao seu redor.

As estátuas no Portal Ocidental (Real) na Catedral de Chartres (c. 1145) mostram um alongamento colunar elegante, mas exagerado, mas aquelas no portal do transepto sul , de 1215–20, mostram um estilo mais naturalista e crescente distanciamento da parede atrás , e alguma consciência da tradição clássica. Essas tendências continuaram no portal oeste da Catedral de Reims, alguns anos depois, onde as figuras são quase redondas, como se tornou comum quando o gótico se espalhou pela Europa. A Catedral de Bamberg tem talvez o maior conjunto de esculturas do século 13, culminando em 1240 com a Bamberg Rider , a primeira estátua equestre em tamanho natural na arte ocidental desde o século 6.

Na Itália, Nicola Pisano (1258-78) e seu filho Giovanni desenvolveram um estilo que é frequentemente chamado de Proto-Renascença , com influência inconfundível dos sarcófagos romanos e composições sofisticadas e lotadas, incluindo um tratamento simpático da nudez, em painéis em relevo em seu púlpito de Catedral de Siena (1265 a 1268) , a Fontana Maggiore em Perugia e o púlpito de Giovanni em Pistoia de 1301.

Outro renascimento do estilo clássico é visto na obra gótica internacional de Claus Sluter e seus seguidores na Borgonha e na Flandres por volta de 1400. A escultura do gótico tardio continuou no norte, com uma moda para retábulos esculpidos em madeira muito grandes com entalhes cada vez mais virtuosos e grandes números agitavam figuras expressivas; a maioria dos exemplos sobreviventes está na Alemanha, depois de muito iconoclastia em outros lugares. Tilman Riemenschneider , Veit Stoss e outros continuaram o estilo até o século 16, gradualmente absorvendo as influências da Renascença italiana.

Efígies de tumbas em tamanho real em pedra ou alabastro tornaram-se populares para os ricos, e grandes tumbas de vários níveis evoluíram, com as Tumbas Scaliger de Verona tão grandes que tiveram que ser movidas para fora da igreja. Por volta do século 15, havia uma indústria que exportava relevos de altar de alabastro de Nottingham em grupos de painéis em grande parte da Europa para paróquias econômicas que não podiam pagar retábulos de pedra.

Escultura portátil

Tampa do caixão de Walters , com o cerco ao castelo do amor à esquerda e justa . Paris, 1330–1350.

Pequenos entalhes, para um mercado principalmente leigo e freqüentemente feminino, tornaram-se uma indústria considerável em Paris e em alguns outros centros. Os tipos de marfim incluíam pequenos polípticos devocionais , figuras únicas, especialmente da Virgem , estojos de espelho, pentes e caixões elaborados com cenas de romances , usados ​​como presentes de noivado. Os muito ricos coletadas extravagantly elaborar, jóias e esmaltado metalurgia, tanto secular e religioso, como o duque de Berry 's Santo Thorn Relicário , até que ficou sem dinheiro, quando foram derretidos novamente por dinheiro.

Díptico de marfim, com parte da tinta colorida remanescente. Adoração dos Magos e Crucificação . Vale Meuse , França, c. 1350.

Esculturas góticas independentes de ornamentos arquitetônicos foram criadas principalmente como objetos devocionais para a casa ou como doações para igrejas locais, embora pequenos relevos em marfim , osso e madeira cobrissem temas religiosos e seculares e fossem para uso doméstico e da igreja. Essas esculturas foram obra de artesãos urbanos, e o tema mais típico para pequenas estátuas tridimensionais é a Virgem Maria sozinha ou com uma criança. Paris era o principal centro de oficinas de marfim e exportava para a maior parte do norte da Europa, embora a Itália também tivesse uma produção considerável. Um exemplo dessas esculturas independentes está entre as coleções da Igreja da Abadia de St Denis; a Virgem com o Menino em prata dourada data de 1339 e mostra Maria envolta em um manto esvoaçante segurando uma figura infantil de Cristo. Tanto a simplicidade do manto quanto a juventude da criança pressagiam outras esculturas encontradas no norte da Europa que datam do século XIV e início do século XV. Essa escultura mostra uma evolução de um estilo anterior rígido e alongado, ainda parcialmente românico, para uma sensação espacial e naturalista no final do século XII e início do século XIII. Outros temas escultóricos góticos franceses incluíam figuras e cenas da literatura popular da época. As imagens da poesia dos trovadores eram particularmente populares entre os artesãos de estojos de espelho e pequenas caixas, presumivelmente para uso de mulheres. O caixão com cenas de romances (Walters 71264) de 1330 a 1350 é um exemplo incomumente grande, com espaço para várias cenas de diferentes fontes literárias.

Lembranças de peregrinações a santuários, como crachás de barro ou chumbo , medalhas e ampolas estampadas com imagens também eram populares e baratas. Seu equivalente secular, o distintivo de libré , mostrava sinais de lealdade ou aliança feudal e política que passou a ser considerada uma ameaça social na Inglaterra sob o feudalismo bastardo . As formas mais baratas às vezes eram doadas gratuitamente, como com os 13.000 emblemas encomendados em 1483 pelo rei Ricardo III da Inglaterra em tecido fustão com seu emblema de um javali branco para a investidura de seu filho Eduardo como Príncipe de Gales, um grande número dado o população na época. A Dunstable Swan Jewel , modelada totalmente em redondo em ouro esmaltado, é uma versão muito mais exclusiva, que teria sido dada a alguém muito próximo ou importante para o doador.

Veja também

Notas

Referências

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links externos