História da animação - History of animation

A história da animação começou muito antes do desenvolvimento da cinematografia . Os humanos provavelmente tentaram representar o movimento já no período paleolítico . Muito mais tarde, o jogo de sombras e a lanterna mágica (desde cerca de 1659) ofereceram programas populares com imagens projetadas em uma tela, movendo-se como resultado de manipulações manuais e / ou pequenas mecânicas. Em 1833, o disco estroboscópico (mais conhecido como fenacistiscópio ) introduziu os princípios estroboscópicos da animação moderna, que décadas depois também forneceria a base para a cinematografia. Entre 1895 e 1920, durante o surgimento da indústria cinematográfica, várias técnicas de animação diferentes foram desenvolvidas, incluindo stop-motion com objetos, fantoches, argila ou recortes e animação desenhada ou pintada. A animação desenhada à mão, principalmente animação pintada em células , foi a técnica dominante durante a maior parte do século 20 e ficou conhecida como animação tradicional .

Por volta da virada do milênio, a animação por computador tornou-se a técnica de animação dominante na maioria das regiões (enquanto a anime japonesa e as produções europeias desenhadas à mão continuam a ser muito populares). A animação por computador está principalmente associada a uma aparência tridimensional com sombreamento detalhado, embora muitos estilos de animação diferentes tenham sido gerados ou simulados com computadores. Algumas produções podem ser reconhecidas como animação Flash , mas, na prática, a animação por computador com uma aparência relativamente bidimensional, contornos nítidos e pouco sombreado, será geralmente considerada "animação tradicional". Por exemplo, o primeiro longa-metragem feito em computadores, sem câmera, é The Rescuers Down Under (1990), mas seu estilo dificilmente pode ser distinguido da animação cel .

Este artigo detalha a história da animação que se parece com uma animação desenhada ou pintada, independentemente da técnica subjacente.

Abordagens iniciais do movimento na arte

Existem vários exemplos de primeiras imagens sequenciais que podem parecer semelhantes a uma série de desenhos de animação. A maioria desses exemplos permitiria apenas uma taxa de quadros extremamente baixa quando são animados, resultando em animações curtas e grosseiras que não são muito realistas. No entanto, é muito improvável que essas imagens tivessem a intenção de ser vistas de alguma forma como uma animação. É possível imaginar tecnologia que poderia ter sido usada nos períodos de sua criação, mas nenhuma evidência conclusiva em artefatos ou descrições foi encontrada. Às vezes, argumenta-se que essas primeiras imagens sequenciais são facilmente interpretadas como "pré-cinema" por mentes acostumadas a filmes, histórias em quadrinhos e outras imagens sequenciais modernas, embora seja incerto que os criadores dessas imagens tenham imaginado algo parecido. A animação fluida precisa de uma decomposição adequada de um movimento em imagens separadas de instâncias muito curtas, que dificilmente poderiam ser imaginadas antes dos tempos modernos. A medição de instâncias mais curtas do que uma segunda tornou-se possível com instrumentos desenvolvidos na década de 1850.

Os primeiros exemplos de tentativas de capturar o fenômeno do movimento em um desenho estático podem ser encontrados em pinturas em cavernas paleolíticas , onde os animais às vezes são retratados com várias pernas em posições sobrepostas ou em séries que podem ser interpretadas como um animal em posições diferentes. Afirmou-se que essas figuras sobrepostas eram destinadas a uma forma de animação com a luz bruxuleante das chamas de um incêndio ou de uma tocha passando, iluminando alternadamente diferentes partes da parede de pedra pintada, revelando diferentes partes do movimento.

Achados arqueológicos de pequenos discos paleolíticos com um orifício no meio e desenhos em ambos os lados foram considerados uma espécie de taumatropos pré-históricos que mostram movimento quando girados em uma corda.

Uma tigela de cerâmica de 5.200 anos descoberta em Shahr-e Sukhteh , no Irã , tem cinco imagens sequenciais pintadas ao redor que parecem mostrar fases de uma cabra pulando para beliscar uma árvore.

Um mural egípcio de aproximadamente 4000 anos, encontrado na tumba de Khnumhotep no cemitério Beni Hassan , apresenta uma série muito longa de imagens que aparentemente retratam a sequência de eventos em uma partida de luta livre .

O friso do Partenon (cerca de 400 aC) foi descrito como exibindo uma análise do movimento e representando as fases do movimento, estruturado rítmico e melodicamente com contrapontos como uma sinfonia. Tem sido afirmado que as partes realmente formam uma animação coerente se as figuras forem filmadas quadro a quadro. Embora a estrutura siga um contínuo espaço-tempo único, ela possui estratégias narrativas.

O poeta e filósofo romano Lucrécio (c. 99 aC - c. 55 aC) escreveu em seu poema De rerum natura algumas linhas que se aproximam dos princípios básicos da animação: "... quando a primeira imagem perece e a segunda é então produzido em outra posição, o primeiro parece ter alterado sua pose. Claro, isso deve ser suposto ocorrer muito rapidamente: tão grande é sua velocidade, tão grande o armazenamento de partículas em qualquer momento único de sensação, para permitir que o suprimento para subir. " Isso ocorreu no contexto de imagens oníricas, em vez de imagens produzidas por uma tecnologia real ou imaginária.

O códice medieval Sigenot (por volta de 1470) tem iluminações sequenciais com intervalos relativamente curtos entre as diferentes fases de ação. Cada página possui uma imagem dentro de um quadro acima do texto, com grande consistência de tamanho e posição ao longo do livro (com diferença consistente de tamanho para a frente e verso de cada página).

Uma página de desenhos de Leonardo da Vinci (1452–1519) mostra estudos anatômicos com quatro ângulos diferentes dos músculos do ombro, braço e pescoço de um homem. Os quatro desenhos podem ser lidos como um movimento giratório.

Os antigos registros chineses contêm várias menções a dispositivos, incluindo um feito pelo inventor Ding Huan , que "dá uma impressão de movimento" a uma série de figuras humanas ou animais neles, mas esses relatos não são claros e podem referir-se apenas ao real movimento das figuras no espaço.

Desde antes de 1000 dC, os chineses tinham uma lanterna giratória que tinha silhuetas projetadas em seus lados de papel fino que pareciam perseguir umas às outras. Isso foi chamado de "lâmpada de cavalo trotando" [走馬燈], pois normalmente representaria cavalos e cavaleiros. As silhuetas recortadas foram presas dentro da lanterna a um eixo com um impulsor de palheta de papel no topo, girado pelo ar aquecido saindo de uma lâmpada. Algumas versões adicionaram movimento extra com cabeças, pés ou mãos articuladas de figuras acionadas por um fio de ferro conectado transversalmente.

Volvelles têm partes móveis, mas esses e outros materiais de papel que podem ser manipulados em movimento geralmente não são considerados animação.

Jogo de sombra

O jogo de sombras tem muito em comum com a animação: pessoas assistindo a figuras em movimento em uma tela como uma forma popular de entretenimento, geralmente uma história com diálogos, sons e música. As figuras podem ser muito detalhadas e muito articuladas.

As primeiras projeções de imagens provavelmente foram feitas em sombras primitivas, datando da pré-história. Ele evoluiu para formas mais refinadas de fantoches de sombra, principalmente com figuras recortadas com juntas planas que são mantidas entre uma fonte de luz e uma tela translúcida. As formas dos bonecos às vezes incluem cores translúcidas ou outros tipos de detalhes. A história dos fantoches de sombra é incerta, mas parece ter se originado na Ásia, possivelmente no primeiro milênio AEC. Registros mais claros parecem remontar a cerca de 900 dC. Posteriormente, ela se espalhou para o Império Otomano e parece não ter chegado à Europa antes do século XVII. Tornou-se popular na França no final do século XVIII. François Dominique Séraphin iniciou seus elaborados shows de sombras em 1771 e os apresentou até sua morte em 1800. Seus herdeiros continuaram até o fechamento do teatro em 1870. Séraphin às vezes usava mecanismos de relógio para automatizar o show.

Na época em que a cinematografia foi desenvolvida, vários teatros em Montmartre exibiam espetáculos elaborados e bem-sucedidos de "Ombres Chinoises". O famoso Le Chat Noir produziu 45 shows diferentes entre 1885 e 1896.

A lanterna mágica

Imagens em movimento foram possivelmente projetadas com a lanterna mágica desde sua invenção por Christiaan Huygens em 1659. Seus esboços para slides de lanterna mágica foram datados desse ano e são o documento mais antigo conhecido sobre a lanterna mágica. Um esboço circulado mostra a Morte levantando o braço dos pés à cabeça, outro o mostra movendo o braço direito para cima e para baixo a partir do cotovelo e ainda outro tirando o crânio do pescoço e colocando-o de volta. As linhas pontilhadas indicam os movimentos pretendidos.

Técnicas para adicionar movimento a lâminas de vidro pintadas para a lanterna mágica foram descritas desde cerca de 1700. Estas geralmente envolviam partes (por exemplo, membros) pintadas em uma ou mais peças extras de vidro movidas à mão ou pequenos mecanismos através de uma lâmina estacionária que mostrava o resto da foto. Temas populares para slides mecânicos incluíam as velas de um moinho de vento girando, uma procissão de figuras, um homem que bebia baixando e levando seu copo à boca, uma cabeça com olhos em movimento, um nariz crescendo muito, ratos pulando na boca de um adormecido cara. Um slide de cremalheira mais complexo do século 19 mostrou os então conhecidos oito planetas e seus satélites orbitando ao redor do sol. Duas camadas de ondas pintadas no vidro poderiam criar uma ilusão convincente de um mar calmo se transformando em um mar tempestuoso que agita alguns barcos, aumentando a velocidade de manipulação das diferentes partes.

Em 1770, Edmé-Gilles Guyot detalhou como projetar uma imagem de lanterna mágica na fumaça para criar uma imagem transparente e cintilante de um fantasma pairando. Essa técnica foi usada em shows de fantasmagoria que se tornaram populares em várias partes da Europa entre 1790 e 1830. Outras técnicas foram desenvolvidas para produzir experiências fantasmas convincentes. A lanterna era portátil para mover a projeção pela tela (que geralmente era uma tela transparente quase invisível atrás da qual o lanternista operava escondido no escuro). Um fantasma pode parecer aproximar-se do público ou crescer mais afastando a lanterna da tela, às vezes com a lanterna em um carrinho sobre trilhos. Múltiplas lanternas faziam os fantasmas se moverem independentemente e ocasionalmente eram usadas para sobreposição na composição de cenas complicadas.

Vistas dissolvidas se tornaram um show de lanternas mágicas popular, especialmente na Inglaterra nas décadas de 1830 e 1840. Eles normalmente tinham uma paisagem mudando de uma versão de inverno para uma variação de primavera ou verão, diminuindo lentamente a luz de uma versão enquanto introduzia a projeção alinhada do outro slide. Outro uso mostrou a transformação gradual de, por exemplo, bosques em catedrais.

Entre as décadas de 1840 e 1870, vários efeitos abstratos de lanterna mágica foram desenvolvidos. Isso incluía o cromatropo que projetava padrões geométricos coloridos deslumbrantes girando dois discos de vidro pintados em direções opostas.

Ocasionalmente, pequenos fantoches de sombra foram usados ​​em shows de fantasmagoria. Slides de lanterna mágica com figuras articuladas acionadas por alavancas, hastes finas ou cames e rodas sem-fim também foram produzidos comercialmente e patenteados em 1891. Uma versão popular desses "slides Fantoccini" tinha um macaco dando cambalhotas com braços presos ao mecanismo que o criava cair com os pés balançando. Os slides Fantoccini têm o nome da palavra italiana para fantoches como marionetes ou polichinelos.

Animação antes do filme

Numerosos dispositivos que exibiam com sucesso imagens animadas foram introduzidos bem antes do advento do filme de celulóide e do cinema em 1888 . Esses dispositivos eram usados ​​para entreter, surpreender e às vezes até assustar as pessoas. A maioria desses dispositivos não projetava suas imagens e só podiam ser visualizados por uma ou algumas pessoas de cada vez. Eles eram amplamente considerados brinquedos ópticos na época. Muitos desses dispositivos ainda são construídos por e para estudantes de cinema que estão aprendendo os princípios básicos da animação.

Prelúdio

Um artigo no Quarterly Journal of Science, Literature, and The Arts (1821) despertou o interesse em ilusões de ótica de raios curvos em rodas giratórias vistas através de aberturas verticais. Em 1824, Peter Mark Roget forneceu detalhes matemáticos sobre as curvaturas aparentes e acrescentou a observação de que os raios pareciam imóveis. Roget afirmou que a ilusão se deve ao fato "de que uma impressão feita por um lápis de raios na retina, se suficientemente vívida, permanecerá por certo tempo depois que a causa cessar". Posteriormente, isso foi visto como a base para a teoria da "persistência da visão", como o princípio de como vemos o filme como movimento, em vez do fluxo sucessivo de imagens estáticas realmente apresentadas ao olho. Essa teoria foi descartada como o (único) princípio do efeito desde 1912, mas permanece em muitas explicações da história do cinema. No entanto, os experimentos e a explicação de Roget inspiraram pesquisas adicionais por Michael Faraday e por Joseph Plateau, que eventualmente trouxeram a invenção da animação.

Thaumatrope (1825)

Em abril de 1825, o primeiro taumatropo foi publicado por W. Phillips (em associação anônima com John Ayrton Paris ) e se tornou um brinquedo popular. As imagens de cada lado de um pequeno disco de papelão parecem se misturar em uma imagem combinada quando ele é girado rapidamente pelos fios presos. Isso é freqüentemente usado como uma ilustração do que muitas vezes tem sido chamado de " persistência da visão ", presumivelmente se referindo ao efeito no qual a impressão de uma única imagem persiste, embora na realidade duas imagens diferentes sejam apresentadas com interrupções. Não está claro quanto do efeito está relacionado a pós-imagens positivas . Embora um taumatropo também possa ser usado para animação em duas fases, nenhum exemplo é conhecido por ter sido produzido com esse efeito até muito tempo depois que o fenakisticope estabeleceu o princípio da animação.

Phénakisticope (1833)

O fenakisticope (mais conhecido por fenacistiscópio de grafia incorreta ou fenacistoscópio) foi o primeiro dispositivo de animação usando a substituição rápida e sucessiva de imagens sequenciais. As imagens são uniformemente espaçadas radialmente em torno de um disco, com pequenas aberturas retangulares na borda do disco. A animação pode ser vista através das fendas do disco giratório na frente de um espelho. Foi inventado em novembro ou dezembro de 1832 pelo belga Joseph Plateau e quase simultaneamente pelo austríaco Simon von Stampfer . Plateau publicou pela primeira vez sobre sua invenção em janeiro de 1833. A publicação incluiu uma ilustração de um fantascópio com 16 quadros representando uma dançarina em piruetas.

O fenakisticope fez sucesso como um brinquedo inovador e, em um ano, muitos conjuntos de discos estroboscópicos foram publicados em toda a Europa, com quase tantos nomes diferentes para o dispositivo - incluindo Fantascope (Plateau), The Stroboscope (Stampfer) e Phénakisticope (editora parisiense Giroux & Cie).

Zoetrope (1833/1866)

Em julho de 1833, Simon Stampfer descreveu a possibilidade de usar o princípio do estroboscópio em um cilindro (bem como em tiras em loop) em um panfleto que acompanha a segunda edição de sua versão do fenakisticope. O matemático britânico William George Horner sugeriu uma variação cilíndrica do phénakisticope de Plateau em janeiro de 1834. Horner planejou publicar este Dædaleum com o oftalmologista King Jr em Bristol, mas "encontrou provavelmente algum impedimento no esboço das figuras".

Em 1865, William Ensign Lincoln inventou o zootrópio definitivo com faixas de imagens facilmente substituíveis. Também possuía um disco de papel ilustrado na base, o que nem sempre era explorado nas versões produzidas comercialmente. Lincoln licenciou sua invenção para Milton Bradley and Co., que a anunciou pela primeira vez em 15 de dezembro de 1866.

Flip book (kineograph) (1868)

John Barnes Linnett patenteou o primeiro flip book em 1868 como o kineograph . Um flip book é um livro pequeno com páginas relativamente flexíveis, cada uma tendo uma em uma série de imagens de animação localizadas perto de sua borda não encadernada. O usuário dobra todas as páginas para trás, normalmente com o polegar, então, por um movimento gradual da mão, permite que elas se soltem uma de cada vez. Tal como acontece com o fenacistoscópio, zootrópio e praxinoscópio, a ilusão de movimento é criada pela aparente substituição repentina de cada imagem pela próxima na série, mas ao contrário de outras invenções, nenhum obturador que interrompa a visão ou montagem de espelhos é necessária e nenhuma visualização outro dispositivo que não a mão do usuário é absolutamente necessário. Os primeiros animadores de filmes citaram os flip books como sua inspiração com mais frequência do que os dispositivos anteriores, que não alcançavam um público tão amplo.

Os dispositivos mais antigos, por natureza, limitam severamente o número de imagens que podem ser incluídas em uma sequência sem tornar o dispositivo muito grande ou as imagens impraticávelmente pequenas. O formato do livro ainda impõe um limite físico, mas muitas dezenas de imagens de amplo tamanho podem ser facilmente acomodadas. Os inventores ampliaram até esse limite com o mutoscópio , patenteado em 1894 e às vezes ainda encontrado em fliperamas. Ele consiste em um grande flip book com capa circular em um invólucro, com uma lente de visualização e uma manivela que aciona um mecanismo que gira lentamente a montagem de imagens após uma captura, dimensionada para corresponder ao tempo de execução de uma bobina inteira de filme.

Praxinoscópio (1877)

O inventor francês Charles-Émile Reynaud desenvolveu o praxinoscópio em 1876 e patenteou-o em 1877. É semelhante ao zootrópio, mas em vez das fendas no cilindro tem doze espelhos retangulares colocados uniformemente em torno do centro do cilindro. Cada espelho reflete outra imagem da tira de quadro colocada do lado oposto na parede interna do cilindro. Ao girar, o praxinoscópio mostra as imagens sequenciais uma a uma, resultando em uma animação fluida. O praxinoscópio permitia uma visão muito mais clara da imagem em movimento em comparação com o zootrópio, uma vez que as imagens do zootropo eram na verdade obscurecidas pelos espaços entre suas fendas. Em 1879, Reynaud registrou uma modificação na patente do praxinoscópio para incluir o Praxinoscópio Théâtre , que utilizava o efeito fantasma da pimenta para apresentar as figuras animadas em um fundo intercambiável. Melhorias posteriores incluíram o "Praxinoscópio à projeção" (comercializado desde 1882), que usava uma lanterna mágica dupla para projetar as figuras animadas sobre uma projeção estática de um fundo.

Zoopraxiscope (1879)

Eadweard Muybridge teve cerca de 70 de suas famosas sequências cronofotográficas pintadas em discos de vidro para o projetor zoopraxiscópio que ele usou em suas palestras populares entre 1880 e 1895. Na década de 1880, as imagens foram pintadas no vidro em contornos escuros. Discos posteriores feitos entre 1892 e 1894 tinham contornos desenhados por Erwin F. Faber que foram impressos fotograficamente no disco e depois coloridos à mão, mas provavelmente nunca foram usados ​​nas palestras. As figuras pintadas foram em grande parte transpostas das fotografias, mas muitas combinações fantasiosas foram feitas e, às vezes, elementos imaginários foram adicionados.

1888–1908: primeiras animações do filme

Théâtre Optique

Charles-Émile Reynaud desenvolveu ainda mais seu praxinoscópio de projeção no Théâtre Optique com quadros coloridos transparentes pintados à mão em uma longa tira perfurada enrolada entre dois carretéis, patenteada em dezembro de 1888. De 28 de outubro de 1892 a março de 1900, Reynaud deu mais de 12.800 shows a um total de mais de 500.000 visitantes no Musée Grévin em Paris. Sua série de filmes animados Pantomimes Lumineuses continha, cada uma, de 300 a 700 quadros manipulados para frente e para trás para durar de 10 a 15 minutos por filme. Uma cena de fundo foi projetada separadamente. Música de piano, música e alguns diálogos foram executados ao vivo, enquanto alguns efeitos sonoros foram sincronizados com um eletroímã. O primeiro programa incluía três desenhos animados: Pauvre Pierrot (criado em 1892), Un bon bock (criado em 1892, agora perdido) e Le Clown et ses chiens (criado em 1892, agora perdido). Posteriormente, os títulos Autour d'une cabine (criada em 1894) e A rêve au coin du feu fariam parte das apresentações.

Filme de imagem padrão

Apesar do sucesso dos filmes de Reynaud, demorou algum tempo até que a animação fosse adaptada para a indústria cinematográfica, que surgiu após a introdução do Cinematograph de Lumiere em 1895. Os primeiros filmes de fantasia e truque de Georges Méliès (lançados entre 1896 e 1913) ocasionalmente chegavam perto de incluindo animação com efeitos de stop trick , adereços pintados ou criaturas pintadas que foram movidas na frente de fundos pintados (principalmente usando fios) e colorização de filme à mão. Méliès também popularizou o stop trick , com uma única mudança feita na cena entre os planos, que já havia sido usada em The Execution of Mary Stuart de Edison em 1895 e provavelmente levou ao desenvolvimento da animação stop-motion alguns anos depois. Parece ter durado até 1906, antes do aparecimento de filmes de animação adequados nos cinemas. A datação de filmes anteriores com animação é contestada, enquanto outros filmes que podem ter usado stop motion ou outras técnicas de animação são perdidos e não podem ser verificados.

Filme de animação impresso

Em 1897, o fabricante alemão de brinquedos Gebrüder Bing teve um primeiro protótipo de seu cinematógrafo. Em novembro de 1898, eles apresentaram este projetor de filmes de brinquedo, possivelmente o primeiro de seu tipo, em um festival de brinquedos em Leipzig. Logo, outros fabricantes de brinquedos, incluindo Ernst Plank e Georges Carette, venderam dispositivos semelhantes. Na mesma época, a empresa francesa Lapierre comercializou um projetor semelhante. Os cinematógrafos de brinquedo eram lanternas mágicas de brinquedo adaptadas com um ou dois pequenos carretéis que usavam filme 35mm padrão "Edison perfurações". Esses projetores eram destinados ao mesmo tipo de mercado de brinquedos de "entretenimento doméstico" que a maioria desses fabricantes já fornecia com praxinoscópios e lanternas mágicas de brinquedo. Além de filmes de ação ao vivo relativamente caros, os fabricantes produziram muitos filmes mais baratos imprimindo desenhos litografados. Essas animações provavelmente foram feitas em preto e branco por volta de 1898 ou 1899, mas o mais tardar em 1902 elas foram feitas em cores. As fotos eram frequentemente rastreadas a partir de filmes de ação ao vivo (muito parecido com a técnica posterior de rotoscopia ). Esses curtas-metragens retratavam uma ação simples e repetitiva e foram criados para serem projetados como um loop - reproduzindo-se sem parar com as extremidades do filme juntas. O processo de litografia e o formato do loop seguem a tradição que foi definida pelo zootrópio e praxinoscópio.

Katsudō Shashin , de um criador desconhecido, foi descoberto em 2005 e é especulado como o trabalho de animação mais antigo do Japão , com Natsuki Matsumoto, um especialista em iconografia na Universidade de Artes de Osaka e historiador da animação Nobuyuki Tsugata determinando que o filme era o mais provável realizado entre 1907 e 1911. O filme consiste em uma série de imagens de desenhos animados em cinquenta quadros de umatira de celulóide e dura três segundos a dezesseis quadros por segundo . Ele retrata um menino em um terno de marinheiro que escreve oscaracteres kanji "活動 写真" ( katsudō shashin , ou "imagem em movimento"), depois se vira para o observador, tira o chapéu e faz uma saudação. As evidências sugerem que foi produzido em massa para ser vendido a ricos proprietários de projetores domésticos. Para Matsumoto, a qualidade relativamente baixa e a técnica de impressão de baixa tecnologia indicam que provavelmente foi de uma empresa cinematográfica menor.

J. Stuart Blackton

J. Stuart Blackton foi um cineasta britânico-americano, cofundador dos Vitagraph Studios e um dos primeiros a usar animação em seus filmes. Seu The Enchanted Drawing (1900) pode ser considerado o primeiro filme teatral gravado em filme padrão que incluiu elementos animados, embora isso se refira a apenas alguns quadros de mudanças nos desenhos. Mostra Blackton fazendo "esboços relâmpago" de um rosto, charutos, uma garrafa de vinho e um copo. O rosto muda de expressão quando Blackton derrama vinho na boca do rosto e quando Blackton pega seu charuto. A técnica usada neste filme foi basicamente o truque de parar: a única mudança nas cenas foi a substituição de um desenho por um desenho semelhante com uma expressão facial diferente. Em algumas cenas, uma garrafa desenhada e um vidro foram substituídos por objetos reais. Blackton possivelmente usou a mesma técnica em um filme de esboço de relâmpago perdido de 1896.

O filme de 1906 de Blackton, Humorous Phases of Funny Faces, é freqüentemente considerado a mais antiga animação desenhada em um filme padrão. Ele apresenta uma sequência feita com desenhos de quadro negro que são alterados entre os quadros para mostrar duas faces mudando de expressão e um pouco de fumaça de charuto ondulante, bem como duas sequências que apresentam animação recortada com uma aparência semelhante para um movimento mais fluido.

O uso de stop motion por Blackton em The Haunted Hotel (1907) foi muito influente.

Émile Cohl

O artista francês Émile Cohl criou o primeiro filme de animação usando o que veio a ser conhecido como métodos tradicionais de animação: o Fantasmagorie de 1908 . O filme consistia basicamente em uma figura palito se movendo e encontrando todos os tipos de objetos que se transformam, como uma garrafa de vinho que se transforma em uma flor. Havia também seções de ação ao vivo em que as mãos do animador entravam em cena. O filme foi criado desenhando cada quadro no papel e depois filmando cada quadro em um negativo , o que deu à imagem uma aparência de quadro-negro. Mais tarde, Cohl foi para Fort Lee, New Jersey, perto da cidade de Nova York, em 1912, onde trabalhou para o estúdio francês Éclair e espalhou sua técnica de animação nos Estados Unidos.

Década de 1910: de artistas originais a estúdios de produção de "linha de montagem"

Winsor McCay

Começando com um curta-metragem de 1911 de seu personagem mais popular, Little Nemo , o bem-sucedido cartunista de jornal Winsor McCay deu muito mais detalhes às suas animações feitas à mão do que qualquer animação vista anteriormente nos cinemas. Seu filme de 1914, Gertie the Dinosaur, apresentou um dos primeiros exemplos de desenvolvimento de personagens em desenhos animados. Foi também o primeiro filme a combinar filmagens de ação ao vivo com animação. Originalmente, McCay usou o filme em seu ato de vaudeville: ele ficava ao lado da tela e falava com Gertie, que respondia com uma série de gestos. No final do filme, McCay caminhava atrás da tela de projeção, sendo perfeitamente substituído por uma imagem pré-gravada de si mesmo entrando na tela, subindo nas costas do dinossauro do desenho animado e saindo do quadro. McCay desenhou pessoalmente quase todos os milhares de desenhos de seus filmes. Outros títulos dignos de nota de McCay são How a Mosquito Operates (1912) e The Sinking of the Lusitania (1918).

Cartoon Film Company - Buxton and Dyer

Entre 1915 e 1916, Dudley Buxton e Anson Dyer produziram uma série de 26 desenhos animados tópicos, durante a Primeira Guerra Mundial, utilizando principalmente recortes de animação, lançados como o caderno de desenho animado de John Brown. Os episódios incluíram o bombardeio de Scarborough por navios de guerra alemães e The Sinking of the Lusitânia, nº 4 (junho de 1915)

Estúdio Barré

Durante a década de 1910, os estúdios de animação em grande escala estavam se tornando a norma industrial e artistas como McCay desapareceram dos olhos do público.

Por volta de 1913 Raoul Barré desenvolveu o sistema de pinos que tornava mais fácil o alinhamento dos desenhos, perfurando dois orifícios abaixo de cada desenho e colocando-os em dois pinos fixos. Ele também usou uma técnica de "cortar e rasgar" para não ter que desenhar o fundo completo ou outras partes imóveis para cada quadro. As partes em que algo precisava ser alterado para o próximo quadro foram cuidadosamente cortadas do desenho e preenchidas com a alteração necessária na folha abaixo. Depois de Barré ter iniciado sua carreira em animação na Edison Studios , ele fundou um dos primeiros estúdios de cinema dedicado à animação em 1914 (inicialmente junto com Bill Nolan ). O Barré Studio teve sucesso com a produção da adaptação da famosa história em quadrinhos Mutt e Jeff (1916–1926). O estúdio empregou vários animadores que teriam carreiras notáveis ​​na animação, incluindo Frank Moser , Gregory La Cava , Vernon Stallings , Tom Norton e Pat Sullivan .

Bray Productions

Em 1914, John Bray abriu o John Bray Studios , que revolucionou a forma como a animação era criada. Earl Hurd , um dos funcionários de Bray, patenteou a técnica do cel . Isso envolvia a animação de objetos em movimento em folhas de celulóide transparentes. Os animadores fotografaram as folhas sobre uma imagem de fundo fixa para gerar a sequência de imagens. Isso, bem como o uso inovador de Bray do método da linha de montagem, permitiu que John Bray Studios criasse o Coronel Heeza Liar , a primeira série animada. Muitos aspirantes a cartunistas começaram suas carreiras na Bray, incluindo Paul Terry (depois da fama de Heckle and Jeckle ), Max Fleischer (depois da fama de Betty Boop e Popeye ) e Walter Lantz (depois da fama de Woody Woodpecker ). O estúdio de desenho animado funcionou por volta de 1914 até 1928. Algumas das primeiras estrelas dos desenhos animados dos estúdios Bray foram Farmer Alfalfa (de Paul Terry) e Bobby Bumps (de Earl Hurd).

Serviço Internacional de Cinema da Hearst

O magnata dos jornais William Randolph Hearst fundou o International Film Service em 1916. Hearst atraiu a maioria dos animadores do Barré Studio, com Gregory La Cava se tornando o chefe do estúdio. Eles produziram adaptações de muitas histórias em quadrinhos dos jornais de Heart de uma forma bastante limitada, dando apenas um pequeno movimento aos personagens enquanto usavam principalmente os balões de diálogo para contar a história. A série mais notável é Krazy Kat , provavelmente o primeiro de muitos personagens de desenhos animados antropomórficos de gatos e outros animais falantes . Antes de o estúdio ser encerrado em 1918, ele empregou alguns novos talentos, incluindo Vernon Stallings , Ben Sharpsteen , Jack King , John Foster , Grim Natwick , Burt Gillett e Isadore Klein.

Fleischer Studios

Em 1915, Max Fleischer solicitou uma patente (concedida em 1917) para uma técnica que ficou conhecida como rotoscopia : o processo de usar gravações de filmes de ação ao vivo como ponto de referência para criar mais facilmente movimentos animados realistas. A técnica foi freqüentemente usada na série Out of the Inkwell (1918–1929) para John Bray Productions (e outros). A série resultou de imagens experimentais em rotoscopia de Dave Fleischer atuando como um palhaço, evoluindo para um personagem que ficou conhecido como Koko, o Palhaço .

Felix o gato

Em 1919, Otto Messmer dos Pat Sullivan Studios criou Felix the Cat . Pat Sullivan , o chefe do estúdio, recebeu todo o crédito por Felix, uma prática comum nos primeiros dias da animação de estúdio. Felix the Cat foi distribuído pela Paramount Studios e atraiu um grande público, tornando-se um dos personagens de desenhos animados mais reconhecidos da história do cinema. Felix foi o primeiro cartoon a ser comercializado.

Quirino Cristiani: os primeiros longas de animação

O primeiro longa-metragem de animação conhecido foi El Apóstol de Quirino Cristiani , lançado em 9 de novembro de 1917 na Argentina . Esta sátira de 70 minutos de sucesso utilizou uma técnica de recorte de papelão, supostamente com 58.000 quadros a 14 quadros por segundo . O próximo filme de Cristiani, Sin dejar rastros, foi lançado em 1918, mas não recebeu cobertura da imprensa e pouca atenção do público antes de ser confiscado pela polícia por razões diplomáticas. Nenhum dos longas-metragens de Cristiani sobreviveu.

Década de 1920: filme absoluto, transição para o som sincronizado e ascensão da Disney

Filme absoluto

No início dos anos 1920, o movimento cinematográfico absoluto com artistas como Walter Ruttmann , Hans Richter , Viking Eggeling e Oskar Fischinger fez pequenas animações abstratas que se mostraram influentes. Embora algumas obras de animação abstratas posteriores, por exemplo, Len Lye e Norman McLaren fossem amplamente apreciadas, o gênero permaneceu em grande parte uma forma de arte de vanguarda relativamente obscura, enquanto influências diretas ou ideias semelhantes ocasionalmente apareciam na animação convencional (por exemplo em Toccata e Fuga em Ré Menor em Fantasia (1940) - em que Fischinger colaborou originalmente até que seu trabalho fosse descartado, e parcialmente inspirado nas obras de Lye - e em The Dot and the Line (1965) de Chuck Jones).

Som sincronizado antecipado: Song Car-Tunes e Aesop's Sound Fables

De maio de 1924 a setembro de 1926, o Inkwell Studios de Dave e Max Fleischer produziu 19 desenhos sonoros, parte da série Song Car-Tunes , usando o processo Phonofilm " sound-on-film ". A série também introduziu a letra " bola quicando " acima para orientar o público a cantar junto com a música. My Old Kentucky Home de junho de 1926 foi provavelmente o primeiro filme a apresentar um pouco de diálogo animado sincronizado, com uma versão inicial de Bimbo dizendo as palavras "Siga a bola e junte-se a nós, todos". O personagem Bimbo foi desenvolvido nos Talkartoons de Fleischer (1929–1932).

Paul Terry 's Dinner Time , da série Aesop's Fables (1921–1936), estreou em 1 de setembro de 1928 com trilha sonora sincronizada com diálogo. Terry foi instado a adicionar a novidade contra sua vontade pelo novo proprietário do estúdio Van Beuren. Embora a série e seu personagem principal, Farmer Al Falfa , fossem populares, o público não ficou impressionado com este primeiro episódio com som.

Lotte Reiniger

O primeiro longa-metragem de animação sobrevivente é Die Abenteuer des Prinzen Achmed (As Aventuras do Príncipe Achmed) de 1926 , que usou filme colorido . Foi dirigido pela alemã Lotte Reiniger e seu marido Carl Koch . Walter Ruttmann criou efeitos visuais de fundo. O colaborador francês / húngaro Berthold Bartosch e / ou Reiniger criaram profundidade de campo colocando elementos cenográficos e figuras em vários níveis de placas de vidro com iluminação de baixo e a câmera verticalmente de cima. Mais tarde, uma técnica semelhante tornou-se a base da câmera multiplano .

Primeiros Disney: Laugh-O-Grams, Alice, Oswald e Mickey

Entre 1920 e 1922, os cartunistas Walt Disney , Ub Iwerks e Fred Harman trabalharam na Slide Company (logo renomeada como Kansas City Film Ad Company), que produzia comerciais de animação recortados. Disney e Ub estudaram a cronofotografia de Muybridge e o único livro sobre animação na biblioteca local, e Disney experimentou técnicas de desenho animado na garagem de seus pais. Eles foram capazes de trazer algumas inovações para a empresa, mas seu empregador não queria abandonar a técnica confiável de recorte. Os experimentos caseiros da Disney levaram a uma série que satirizava tópicos locais atuais, que ele conseguiu vender para o proprietário dos três Newman Theatres locais como Newman Laugh-O-Grams semanais em 1921. Enquanto fechava o negócio, o jovem Disney de 19 anos esqueceu-se para incluir uma margem de lucro, mas ele estava feliz que alguém pagou por seu "experimento" e ganhou renome local com as exibições. Disney também criou seu primeiro personagem recorrente, Professor Whosis, aparecendo em anúncios públicos humorísticos para Newman.

Disney e Harman começaram seu próprio Kaycee Studio paralelamente, experimentando filmes reproduzidos ao contrário, mas seus esforços para ganhar dinheiro com comerciais e cinejornais não foram muito frutíferos e Harman saiu em 1922. Por meio de um anúncio de jornal, a Disney "contratou" Rudolph Ising em troca de ensiná-lo os meandros da animação. Inspirado pelas Fábulas de Esopo de Terry , Disney começou uma série de desenhos animados de contos de fadas modernizados de cerca de sete minutos e uma nova série de realidades satíricas chamadas Lafflets , com a ajuda de Ising. Depois de dois desenhos animados de contos de fadas, Disney largou seu emprego na Film Ad e fundou a Laugh-O-Gram Films, Inc. com a ajuda de investidores. Iwerks, o irmão de Fred, Hugh Harman e Carman Maxwell estavam entre os animadores que produziriam mais cinco desenhos de contos de fadas Laugh-O-Gram e o patrocinado Tommy Tucker's Tooth em 1922. A série não conseguiu ganhar dinheiro e em 1923 o estúdio tentou outra coisa com a live-action "Song-O-Reel" Martha e Alice's Wonderland . O filme de 12 minutos apresentou uma garota live-action ( Virginia Davis ) interagindo com vários personagens de desenhos animados, incluindo Julius the Cat, inspirado em Felix (que já havia aparecido nos contos de fadas Laugh-O-Gram, sem um nome). Antes que Disney pudesse vender o filme, seu estúdio faliu.

A Disney mudou-se para Hollywood e conseguiu fechar um acordo com a distribuidora de filmes de Nova York Margaret J. Winkler , que havia acabado de perder os direitos de Felix the Cat e Out of the Inkwell . Para fazer a série Alice Comédies (1923–1927), Iwwerks também se mudou para Hollywood, mais tarde seguido por Ising, Harman, Maxwell e o colega de Film Ad Friz Freleng . A série teve sucesso o suficiente para durar 57 episódios, mas a Disney acabou preferindo criar uma nova série totalmente animada.

Oswald the Lucky Rabbit seguiu em 1927 e se tornou um sucesso, mas após negociações fracassadas para a continuação em 1928, Charles Mintz assumiu o controle direto da produção e Disney perdeu seu personagem e a maior parte de sua equipe para Mintz.

Disney e Iwerks desenvolveram o Mickey Mouse em 1928 para substituir Oswald. Um primeiro filme intitulado Plane Crazy não conseguiu impressionar o público de teste e não despertou interesse suficiente de distribuidores em potencial. Após o sucesso de alguns filmes de ação ao vivo com som sincronizado , a Disney colocou o novo desenho animado do Mickey Mouse, O Gaúcho Gallopin ' em espera para começar a trabalhar em uma produção de som especial que lançaria a série de forma mais convincente. Grande parte da ação no Steamboat Willie resultante (novembro de 1928) envolve a criação de sons, por exemplo, com Mickey fazendo música usando gado a bordo do barco. O filme se tornou um grande sucesso e Mickey Mouse logo se tornaria o personagem de desenho animado mais popular da história.

Bosko

Bosko foi criado em 1927 por Hugh Harman e Rudolf Ising , especificamente com talkies em mente. Eles ainda estavam trabalhando para a Disney na época, mas saíram em 1928 para trabalhar nos desenhos animados Oswald the Lucky Rabbit na Universal por cerca de um ano, e então produziram Bosko, o piloto da Talk-Ink Kid em maio de 1929 para comprar um distribuidor . Eles assinaram com as produções de Leon Schlesinger e começaram a série Looney Tunes para a Warner Bros. em 1930. Bosko foi a estrela de 39 desenhos animados da Warner Bros. antes de Harman e Ising levar Bosko para a MGM após deixar a Warner Bros. Depois de dois desenhos animados da MGM, o personagem recebeu uma reformulação dramática que foi muito menos apreciada pelo público. A carreira de Bosko terminou em 1938.

Década de 1930: cor, profundidade, superestrelas dos desenhos animados e Branca de Neve

Os filmes litografados para uso doméstico que estavam disponíveis na Europa nas primeiras décadas do século XX eram multicoloridos, mas a técnica não parece ter sido aplicada para filmes de animação lançados nos cinemas. Enquanto as cópias originais de As Aventuras do Príncipe Achmed apresentavam matizes de filme , a maioria dos filmes de animação lançados nos cinemas antes de 1930 eram em preto e branco. Processos de cores eficazes foram uma inovação bem-vinda em Hollywood e pareciam especialmente adequados para desenhos animados.

Duas tiras de cor

Segmento de desenho animado do longa-metragem King of Jazz (abril de 1930), de Walter Lantz e Bill Nolan, foi a primeira animação apresentada em duas faixas em Technicolor.

Fiddlesticks , lançado junto com King of Jazz , foi o primeirofilme Flip the Frog e o primeiro projeto em que Ub Iwerks trabalhou depois de deixar a Disney para montar seu próprio estúdio. Na Inglaterra, o desenho animado foi lançado em Harris Color, umprocesso de duas cores , provavelmente como o primeiro desenho animado autônomo lançado nos cinemas a apresentar som e cor.

Sinfonias bobas da Disney em tecnicolor

Quando a série Silly Symphonies , iniciada em 1929, era menos popular do que a Disney esperava, ele se voltou para uma nova inovação técnica para melhorar o impacto da série. Em 1932, ele trabalhou com a empresa Technicolor para criar a primeira animação colorida Flores e Árvores , estreando a técnica de três faixas (o primeiro uso em filmes de ação ao vivo veio cerca de dois anos depois). O desenho animado foi um sucesso e ganhou um Oscar de Curtas-metragens, Desenhos Animados . A Disney tinha temporariamente um acordo exclusivo para o uso da técnica full color do Technicolor em filmes de animação. Ele até esperou um pouco antes de produzir a série em cores do Mickey Mouse, para que as Silly Symphonies tivessem seu apelo especial para o público. Após o término do acordo exclusivo em setembro de 1935, a animação colorida logo se tornou o padrão da indústria.

Silly Symphonies inspirou muitas séries de desenhos animados que ostentavam vários outros sistemas de cores até Technicolor não foi exclusivo para a Disney mais, incluindo Ub Iwerks Cartoons ComiColor (1933-1936), Van Beuren Studios ' Parade arco-íris (1934-1936), de Fleischer Cor Classics ( 1934–1941), Charles Mintz's Color Rhapsody (1936–1949), MGM's Happy Harmonies (1934–1938) George Pal 's Puppetoons (1932–1948) e Walter Lantz's Swing Symphony (1941–1945).

Câmeras multiplano e o processo estereóptico

Para criar uma impressão de profundidade , várias técnicas foram desenvolvidas. A técnica mais comum era fazer com que os personagens se movessem entre várias camadas de fundo e / ou primeiro plano que poderiam ser movidas independentemente, correspondendo às leis da perspectiva (por exemplo, quanto mais longe da câmera, mais lenta é a velocidade).

Lotte Reiniger já havia projetado um tipo de câmera multiplano para Die Abenteuer des Prinzen Achmed e seu colaborador Berthold Bartosch usou uma configuração semelhante para seu filme de 25 minutos intrincadamente detalhado L'Idée (1932).

Em 1933, Ub Iwerks desenvolveu uma câmera multiplano e a usou em vários episódios de Willie Whopper (1933–1934) e de desenhos animados ComiColor .

Os Fleischers desenvolveram um "processo estereóptico" muito diferente em 1933 para seus Color Classics . Foi usado no primeiro episódio Betty Boop em Poor Cinderella (1934) e na maioria dos episódios seguintes. O processo envolveu conjuntos tridimensionais construídos e esculpidos em uma grande mesa giratória. As células foram colocadas dentro do conjunto móvel, de modo que os personagens animados parecessem se mover na frente e atrás dos elementos 3D dentro da cena quando a plataforma giratória foi girada.

O funcionário da Disney, William Garity, desenvolveu uma câmera multiplano que pode ter até sete camadas de arte. Ele foi testado na Silly Symphony The Old Mill (1937), vencedor do Oscar, e usado com destaque em Branca de Neve e em filmes posteriores.

Novos superstars coloridos dos desenhos animados

Depois que as adições de som e cor foram um grande sucesso para a Disney, outros estúdios o seguiram. No final da década, quase todos os desenhos animados teatrais eram produzidos em cores.

Inicialmente, música e canções eram o foco de muitas séries, conforme indicado por títulos de séries como Song Car-Tunes , Silly Symphonies , Merrie Melodies e Looney Tunes , mas foram os personagens reconhecíveis que realmente prenderam o público. Mickey Mouse foi o primeiro superastro dos desenhos animados que ultrapassou a popularidade de Felix, o Gato, mas logo dezenas de outros superestrelas dos desenhos animados se seguiram, muitos permanecendo populares por décadas.

A Warner Bros. tinha uma vasta biblioteca de música que poderia ser popularizada por meio de desenhos animados com base nas melodias disponíveis. Enquanto a Disney precisava criar a música para cada desenho animado, as partituras e canções prontamente disponíveis na Warner Bros. forneceram inspiração para muitos desenhos animados. Leon Schlesinger vendeu à Warner Bros. uma segunda série chamada Merrie Melodies , que até 1939 contratualmente precisava conter pelo menos um refrão do catálogo de música. Ao contrário de Looney Tunes com Bosko, Merrie Melodies apresentava apenas alguns personagens recorrentes como Foxy , Piggy e Goopy Geer antes de Harman e Ising partirem em 1933. Bosko foi substituído por Buddy na série Looney Tunes, mas durou apenas dois anos, enquanto Merrie Melodies inicialmente continuou sem personagens recorrentes. Eventualmente, as duas séries se tornaram indistinguíveis e produziram muitos novos personagens que se tornaram populares. O animador / diretor Bob Clampett projetou Porky Pig (1935) e Daffy Duck (1937) e foi responsável por grande parte da animação energética e do humor irreverente associados à série. A década de 1930 também viu encarnações anônimas de personagens que mais tarde se tornariam os astros Elmer Fudd (1937/1940), Pernalonga (1938/1940) e Sylvester o Gato (1939/1945). Desde 1937, Mel Blanc executaria a maioria das vozes dos personagens.

Disney introduziu novos personagens ao universo do Mickey Mouse que se tornariam muito populares, para estrelar junto com Mickey e Minnie Mouse (1928): Pluto (1930), Pateta (1932) e um personagem que logo se tornaria o novo favorito: Pato Donald (1934). A Disney percebeu que o sucesso dos filmes de animação dependia de contar histórias emocionantes; ele desenvolveu um "departamento de história" em que os artistas do storyboard separados dos animadores se concentrariam apenas no desenvolvimento da história, o que provou seu valor quando o estúdio Disney lançou em 1933 o primeiro curta de animação com personagens bem desenvolvidos, Três porquinhos . Disney expandiria seu estúdio e iniciaria mais e mais atividades de produção, incluindo quadrinhos, mercadorias e parques temáticos. A maioria dos projetos foi baseada em personagens desenvolvidos para curtas-metragens teatrais.

Fleischer Studios introduziu um personagem cão sem nome como namorada de Bimbo em Dizzy Dishes (1930), que evoluiu para a fêmea humana Betty Boop (1930-1939) e se tornou a criação mais conhecida de Fleischer. Na década de 1930, eles também adicionaram Hunky e Spunky (1938) e a popular adaptação animada de Popeye (1933) ao seu repertório.

Código Hays e Betty Boop

Hays ' Motion Picture Código de Produção de diretrizes morais foi aplicado em 1930 e rigidamente aplicadas entre 1934 e 1968. Ele teve um grande impacto sobre cineastas que gostavam de criar um material relativamente atrevido. Como um exemplo infame, Betty Boop sofreu muito quando teve que ser transformada de uma melindrosa despreocupada com um apelo sexual inocente em uma personagem mais saudável e mais domesticada em trajes mais completos. O desaparecimento de seu namorado Bimbo foi provavelmente também o resultado da desaprovação dos códigos de relações de espécies mistas.

Branca de Neve e o avanço do longa-metragem de animação

Pelo menos oito filmes de animação foram lançados antes de Branca de Neve e os Sete Anões da Disney , enquanto pelo menos outros dois projetos anteriores de longa-metragem permaneceram inacabados. A maioria desses filmes (dos quais apenas quatro sobreviveram) foi feita usando técnicas de recorte , silhueta ou stop-motion . Entre os desenhos animados perdidos estavam três longas de Quirino Cristiani , que estreou seu terceiro longa, Peludópolis, em 18 de setembro de 1931, em Buenos Aires, com trilha sonora sincronizada em disco de Vitaphone . Foi recebido de forma bastante positiva pela crítica, mas não se tornou um sucesso e foi um fiasco econômico para o cineasta. Cristiani logo percebeu que não poderia mais fazer carreira com animação na Argentina. Apenas a crítica da Academy Award de Walt Disney Cartoons - também da Disney - foi totalmente desenhada à mão. Foi lançado sete meses antes de Branca de Neve para promover o próximo lançamento de Branca de Neve . Muitos não consideram este um filme genuíno, porque é um filme de pacote e dura apenas 41 minutos. Ele atende às definições oficiais de um longa-metragem do British Film Institute , da Academia de Artes e Ciências Cinematográficas e do American Film Institute , que exigem que o filme tenha mais de 40 minutos de duração.

Quando ficou sabendo que a Disney estava trabalhando em um longa-metragem de animação, os críticos regularmente se referiam ao projeto como "a loucura da Disney", não acreditando que o público pudesse suportar as cores vivas e piadas esperadas por tanto tempo. Branca de Neve e os Sete Anões estreou em 21 de dezembro de 1937 e se tornou um sucesso mundial. O filme deu continuidade à tradição da Disney de se apropriar de velhos contos de fadas e outras histórias (começou com Laugh-O-Grams em 1921), como faria a maioria dos filmes da Disney que se seguiram.

Os estúdios Fleischer seguiram o exemplo da Disney com Gulliver's Travels em 1939, que foi um pequeno sucesso de bilheteria.

Primeiras animações de TV

Em abril de 1938, quando cerca de 50 aparelhos de televisão foram conectados, a NBC exibiu o desenho animado de baixo orçamento de oito minutos Willie the Worm . Foi feito especialmente para esta transmissão pelo ex-funcionário da Disney Chad Grothkopf, principalmente com recortes e um pouco de animação cel.

Cerca de um ano depois, em 3 de maio de 1939, Donald's Cousin Gus , da Disney, estreou no canal experimental W2XBS da NBC algumas semanas antes de ser lançado nos cinemas. O desenho fez parte do primeiro programa noturno.

Década de 1940

Propaganda de guerra

Vários governos já haviam usado animação em filmes de informação pública, como os da GPO Film Unit no Reino Unido e filmes educacionais japoneses. Durante a Segunda Guerra Mundial, a animação tornou-se um meio comum de propaganda. Os Estados Unidos tinham seus melhores estúdios trabalhando para o esforço de guerra.

Para instruir o pessoal de serviço sobre todos os tipos de assuntos militares e aumentar o moral, a Warner Bros. foi contratada para vários curtas e a série especial de animação Private Snafu . O personagem foi criado pelo famoso diretor de cinema Frank Capra , Dr. Seuss se envolveu com o roteiro e a série foi dirigida por Chuck Jones. Disney também produziu vários curtas instrutivos e até financiou pessoalmente o longa-metragem Victory Through Air Power (1943), que promoveu a ideia de bombardeios de longo alcance.

Muitos personagens populares promoveram laços de guerra , como Pernalonga em Any Bonds Today? , Os porquinhos da Disney em The Thrifty Pig e um monte de personagens da Disney em All Together . Daffy Duck pediu sucata para o esforço de guerra em Scrap Happy Daffy . Minnie Mouse e Plutão convidaram civis a coletar sua gordura de cozinha para que pudesse ser usada para fazer explosivos em Fora da Frigideira para a Linha de Fogo . Havia vários curtas-metragens de propaganda política, como Warner Bros. ' Fifth Column Mouse , Disney's Chicken Little e a mais séria Educação para a Morte e Razão e Emoção (indicada ao Oscar).

Esses filmes de guerra eram muito apreciados. O Pernalonga se tornou uma espécie de ícone nacional e o curta de propaganda da Disney, Der Fuehrer's Face (estrelado pelo Pato Donald), ganhou à empresa seu décimo Oscar de curta metragem em quadrinhos .

O primeiro longa-metragem japonês桃 太郎 海 の 神兵 (Momotaro: Sacred Sailors) foi feito em 1944, sob encomenda do Ministério da Marinha do Japão . Ele foi projetado para crianças e, em parte inspirado em Fantasia , pretendia inspirar sonhos e esperança de paz. Os personagens principais são um macaco antropomórfico, cachorro, urso e faisão que se tornam soldados de pára-quedas (exceto o faisão que se torna piloto) encarregado de invadir Celebes . Um epílogo sugere que a América será o alvo da próxima geração.

Animação de destaque na década de 1940

Altas ambições, contratempos e cortes na longa-metragem de animação dos EUA

Os próximos filmes da Disney ( Pinóquio e o ambicioso filme-concerto Fantasia , ambos lançados em 1940) e o segundo longa de animação do Fleischer Studios, Mr. Bug Goes to Town (1941/1942) foram todos recebidos favoravelmente pela crítica, mas fracassaram nas bilheterias durante suas execuções teatrais iniciais. A causa principal foi que a Segunda Guerra Mundial cortou a maioria dos mercados estrangeiros. Esses contratempos desencorajaram a maioria das empresas que tinham planos para filmes de animação.

A Disney cortou os custos dos próximos recursos e lançou pela primeira vez The Reluctant Dragon , consistindo principalmente em uma turnê live-action do novo estúdio em Burbank, parcialmente em preto e branco, com quatro desenhos curtos. Foi um sucesso moderado de bilheteria mundial. Ele foi seguido alguns meses depois por Dumbo (1941), com apenas 64 minutos de duração e animado em um estilo econômico mais simples. Isso ajudou a garantir um lucro de bilheteria, e os críticos e o público reagiram positivamente. O próximo longa-metragem da Disney, Bambi (1942), voltou a ter um orçamento maior e um estilo mais luxuoso, mas a história mais dramática, o clima mais sombrio e a falta de elementos de fantasia não foram bem recebidos durante sua temporada inicial e perderam dinheiro nas bilheterias.

Embora todos os outros oito filmes da Disney da década de 1940 fossem filmes embalados e / ou combinações com live-action (por exemplo, Saludos Amigos (1943) e Os Três Caballeros (1944)), a Disney manteve a fé no longa-metragem de animação. Por décadas, a Disney foi o único estúdio americano a lançar filmes de longa-metragem de animação regularmente, embora alguns outros estúdios americanos tenham conseguido lançar mais de um punhado antes do início da década de 1990.

Forças de animação fora dos EUA

Os filmes de animação celestes americanos dominaram a produção e o consumo mundial de filmes de animação teatrais desde os anos 1920. Especialmente o trabalho da Disney provou ser muito popular e mais influente em todo o mundo. Os estúdios de outros países dificilmente poderiam competir com as produções americanas. Relativamente muitos produtores de animação fora dos Estados Unidos optaram por trabalhar com outras técnicas além da "tradicional" ou da animação cel, como a animação de fantoches ou cut-out. No entanto, vários países (principalmente Rússia, China e Japão) desenvolveram suas próprias indústrias de animação "tradicionais" relativamente grandes. O estúdio de animação Soyuzmultfilm da Rússia , fundado em 1936, empregava até 700 trabalhadores qualificados e, durante o período soviético, produzia em média 20 filmes por ano. Alguns títulos notados fora de seus respectivos mercados domésticos incluem铁扇公主 (Princess Iron Fan) (China 1941, influente no Japão), Конёк-Горбуно́к (The Humpbacked Horse) (Rússia 1947, vencedor do prêmio especial do júri em Cannes em 1950), I Fratelli Dinamite (Os Irmãos Dinamite) (Itália 1949) e La Rosa di Bagdad (A Rosa de Bagdá) (Itália 1949, a dublagem inglesa de 1952 estrelada por Julie Andrews ).

Curtas-metragens teatrais de sucesso da década de 1940

Durante a "Era de Ouro da animação americana", novos estúdios competiram com os que sobreviveram às batalhas de inovação de som e cor das décadas anteriores. Animais de desenho animado ainda eram a norma e a música ainda era um elemento relevante, mas muitas vezes perdia seu apelo de palco principal para a narrativa melodramática da Disney ou para o humor selvagem em Looney Tunes e outros desenhos animados.

A Disney continuou seu sucesso nos desenhos animados, adicionando Daisy Duck (1940) e Chip 'n' Dale (1943/1947) ao universo do Mickey Mouse , enquanto a Warner Bros. desenvolveu novos personagens para se juntar ao popular elenco de Merrie Melodies / Looney Tunes, incluindo Tweety ( 1941/1942), Henery Hawk (1942), Yosemite Sam (1944/1945), Foghorn Leghorn (1946), Barnyard Dawg (1946), Marvin the Martian (1948) e Wile E. Coyote and Road Runner (1949).

Outros novos personagens e séries populares foram Terrytoons ' Mighty Mouse (1942-1961) e Heckle and Jeckle (1946), e Screen Gems ' The Fox and the Crow (1941-1948).

Fleischer / Famous Studios

Fleischer lançou sua adaptação espetacular do Superman em 1941. O sucesso veio tarde demais para salvar o estúdio de seus problemas financeiros e em 1942 a Paramount Pictures assumiu o estúdio dos Irmãos Fleischer, que se demitiram. O renomeado Famous Studios deu continuidade à série Popeye e Superman , desenvolveu adaptações populares de Little Lulu (1943–1948, licenciada pela Gold Key Comics), Casper , o fantasma amigável (1945) e criou novas séries, como Little Audrey (1947) e Baby Huey (1950).

Walter Lantz Productions

Walter Lantz começou sua carreira de animação no estúdio de Hearst aos 16 anos. Ele também trabalhou para os Bray Studios e Universal Pictures , onde ganhou o controle dos desenhos animados Oswald the Lucky Rabbit em 1929 (supostamente ao ganhar o personagem e o controle do estúdio em uma aposta de pôquer com o presidente da Universal Carl Laemmle ). Em 1935, o estúdio da Universal foi transformado na Walter Lantz Productions independente , mas permaneceu no lote da Universal e continuou a produzir desenhos animados para a Universal distribuir. Quando a popularidade de Oswald diminuiu e o personagem foi finalmente aposentado em 1938, as produções de Lantz ficaram sem personagens de sucesso até que ele desenvolveu Andy Panda em 1939. O panda antropomórfico estrelou em mais de duas dúzias de desenhos animados até 1949, mas logo foi ofuscado pelo icônico Pica-pau , que estreou no desenho animado de Andy Panda Knock Knock em 1940. Outros personagens populares de Lantz incluem Wally Walrus (1944), Buzz Buzzard (1948), Chilly Willy (1953), Hickory, Dickory e Doc (1959).

MGM

Depois de distribuir os desenhos Flip the Frog e Willie Whopper de Ub Iwerks e Happy Harmonies de Harman e Ising , Metro-Goldwyn-Mayer fundou seu próprio estúdio de desenho animado em 1937. O estúdio teve muito sucesso com Barney Bear (1939–1954), Hanna e Joseph Barbera 's Tom e Jerry (1940) e Spike e Tyke (1942).

Em 1941, Tex Avery deixou a Warner Bros. pela MGM e lá criaria Droopy (1943), Screwy Squirrel (1944) e George and Junior (1944).

UPA

Enquanto a Disney e a maioria dos outros estúdios buscavam um senso de profundidade e realismo na animação, os animadores da UPA (incluindo o ex-funcionário da Disney John Hubley ) tinham uma visão artística diferente. Eles desenvolveram um tipo de animação muito mais esparsa e estilizada, inspirada em exemplos russos. O estúdio foi formado em 1943 e inicialmente trabalhou com contratos governamentais. Poucos anos depois, eles assinaram um contrato com a Columbia Pictures, assumiram The Fox and the Crow da Screen Gems e ganharam indicações ao Oscar por seus dois primeiros curtas teatrais em 1948 e 1949. Enquanto o campo da animação era dominado por animais antropomórficos quando o estúdio foi autorizado a criar um novo personagem, eles vieram com o velho míope. Mr. Magoo (1949) se tornou um sucesso e seria destaque em muitos curtas-metragens. Entre 1949 e 1959, a UPA recebeu 15 indicações ao Oscar, ganhando seu primeiro Oscar com a adaptação do Dr. Seuss, Gerald McBoing-Boing (1950), seguida por mais duas por When Magoo Flew (1954) e Magoo's Puddle Jumper (1956). O estilo distinto foi influente e até afetou os grandes estúdios, incluindo Warner Bros. e Disney. Além de uma liberdade efetiva na expressão artística, a UPA provou que a animação esparsa pode ser apreciada tanto quanto (ou até mais) os estilos luxuosos e caros.

Animação para TV na década de 1940

O catálogo de desenhos animados de muitos estúdios, originalmente produzido para uma curta temporada teatral, provou ser muito valioso para a transmissão televisiva. Movies for Small Fry (1947), apresentado pelo "irmão mais velho" Bob Emery nas noites de terça-feira no canal WABD-TV de Nova York, foi uma das primeiras séries de TV para crianças e apresentou muitos desenhos animados clássicos do Van Beuren Studios. Ele continuou na DuMont Television Network como o programa diário Small Fry Club (1948–1951) com uma audiência ao vivo em um estúdio.

Muitas séries clássicas de Walter Lantz , Warner Bros. , Terrytoons , MGM e Disney da mesma forma encontraram uma nova vida em programas de TV para crianças, com muitas reprises, por décadas. Em vez de cenários de estúdio e apresentações ao vivo, alguns programas apresentariam novas animações para apresentar ou encadear os desenhos animados mais antigos.

A primeira série de animação americana produzida especificamente para a TV surgiu em 1949, com Adventures of Pow Wow (43 episódios de cinco minutos transmitidos nas manhãs de domingo de janeiro a novembro) e Jim e Judy in Teleland (52 episódios, posteriormente também vendidos para a Venuzuela e Japão).

Anos 1950: mudança de desenhos animados teatrais clássicos para animação limitada em séries de TV para crianças

A maioria dos desenhos animados teatrais foi produzida para públicos não específicos. Ação dinâmica e piadas com animais falantes em estilos de desenho claros e cores vivas eram naturalmente atraentes para crianças pequenas, mas os desenhos animados regularmente continham violência e insinuações sexuais e eram frequentemente exibidos junto com notícias e filmes que não eram para crianças. Na televisão dos Estados Unidos, os desenhos animados eram programados principalmente para crianças em horários convenientes nas manhãs de fim de semana, tardes nos dias úteis ou no início da noite.

As restrições de programação do processo de animação da TV americana dos anos 1950, notadamente questões de gerenciamento de recursos (quantidade maior precisava ser feita em menos tempo por um orçamento menor em comparação com a animação teatral), levou ao desenvolvimento de várias técnicas conhecidas agora como animação limitada . O tipo mais esparso de animação, que originalmente era uma escolha artística de estilo para a UPA, foi adotado como um meio de reduzir o tempo e os custos de produção. A animação full-frame ("on ones") tornou-se rara nos Estados Unidos fora de seu uso para produções cada vez menos teatrais. Chuck Jones cunhou o termo "rádio ilustrado" para se referir ao estilo de má qualidade da maioria dos desenhos animados de televisão, que dependia mais de suas trilhas sonoras do que visuais. Alguns produtores também descobriram que a animação limitada ficava melhor nas pequenas telas de TV (preto e branco) da época.

Série animada de TV dos anos 1950

Jay Ward produziu o popular Crusader Rabbit (testado em 1948, transmissões originais em 1949-1952 e 1957-1959), com uso bem-sucedido de um estilo de animação limitada.

No final da década de 1950, diversos estúdios dedicados à produção de animação para TV começaram a competir. Embora o foco da competição na animação teatral fosse a qualidade e a inovação, agora mudou para entregar animação rápida e barata. Os críticos notaram como a qualidade de muitos programas geralmente era ruim em comparação com os desenhos animados clássicos, com animação apressada e histórias corriqueiras. Os executivos da rede ficavam satisfeitos desde que houvesse espectadores suficientes, e a grande quantidade de jovens telespectadores não se incomodava com a falta de qualidade que os críticos percebiam. Assistir à programação de desenhos animados nas manhãs de sábado , com até quatro horas de duração, tornou-se o passatempo favorito da maioria das crianças americanas desde meados da década de 1960 e foi um esteio por décadas.

A Disney havia entrado na produção de TV relativamente cedo, mas se absteve de criar novas séries de animação por décadas. Em vez disso, a Disney tinha sua própria série de antologia no ar desde 1954 em horários nobres de três horas, começando com a série Walt Disney's Disneyland (1954–1958), promovendo claramente o parque temático Disneyland que foi inaugurado em 1955. Walt Disney apresentou pessoalmente a série que, além de desenhos animados mais antigos, segmentos apresentados com, por exemplo, olhares nos bastidores dos processos de produção de filmes ou novas aventuras de ação ao vivo.

William Hanna e Joseph Barbera (os criadores de Tom e Jerry) continuaram como Hanna-Barbera depois que Metro-Goldwyn-Mayer fechou seu estúdio de animação em 1957, quando a MGM considerou seu catálogo suficiente para novas vendas. Enquanto Hanna-Barbera fez apenas uma série lançada nos cinemas com Loopy de Loop (1959-1965), eles provaram ser os produtores mais prolíficos e bem-sucedidos de séries animadas para televisão por várias décadas. Começando com The Ruff and Reddy Show (1957-1960), eles continuaram com séries de sucesso como The Huckleberry Hound Show (1958, o primeiro programa de televisão de meia hora a apresentar apenas animação) e The Quick Draw McGraw Show (1959-1961).

Outros programas notáveis incluem UPA 's Gerald McBoing Boing (1956-1957), de Soundac Coronel Bleep (1957-1960, a série de TV primeira animação em cor), Terrytoons ' s Tom Terrific (1958), e de Jay Ward As Aventuras de Rocky e Bullwinkle and Friends (1959-1964).

Em contraste com o mercado cinematográfico internacional (desenvolvido durante a era muda, quando os problemas de linguagem se limitavam aos títulos), o pioneirismo da TV na maioria dos países (muitas vezes ligado à radiodifusão) concentrava-se na produção nacional de programas ao vivo. Em vez de importar séries animadas que normalmente teriam de ser dubladas, a programação infantil poderia ser produzida mais facilmente e de forma mais barata de outras maneiras (por exemplo, apresentando fantoches). Um método notável foi a "animação" em tempo real de figuras recortadas em Captain Pugwash (1957) na BBC . Uma das poucas séries início animados para TV que foi visto no exterior foi Belvision Studios ' Les Aventures de Tintin, d'après Hergé (Aventuras de Tintin de Hergé) (Bélgica 1957-1964, dirigido por Ray Goossens ), transmitido pela BBC em 1962 e distribuído nos Estados Unidos de 1963 a 1971.

Curtas-metragens teatrais dos anos 1950

Warner Bros. introduziu novos personagens Sylvester Jr. (1950), Speedy Gonzales (1953), Ralph Wolf e Sam Sheepdog (1953) e Tasmanian Devil (1954).

Longa-metragem de animação teatral na década de 1950

Disney

Depois de uma série de recursos de pacote e combos live-action / animação, a Disney voltou aos filmes totalmente animados com Cinderela em 1950 (o primeiro desde Bambi ). Seu sucesso praticamente salvou a empresa da falência. Foi seguido por Alice no País das Maravilhas (1951), que fracassou nas bilheterias e foi criticado pela crítica. Peter Pan (1953) e Lady and the Tramp (1955) foram sucessos. A ambiciosa, muito atrasada e mais cara A Bela Adormecida (1959), perdeu dinheiro na bilheteria e causou dúvidas sobre o futuro do departamento de animação de Walt Disney. Como "Alice no País das Maravilhas" e a maioria dos fracassos da Disney, mais tarde seria um sucesso comercial por meio de relançamentos e acabaria sendo considerado um verdadeiro clássico.

Fora dos EUA

• Jeannot l'intrépide (Johnny the Giant Killer) (França, longa-metragem de 1950)
• Le Roi et l'Oiseau (The King and the Mockingbird) (França, lançamento de recurso inacabado de 1952, lançamento finalizado de 1980, influente para Hayao Miyazaki e Isao Takahata )
• Animal Farm (Reino Unido / EUA, reportagem de 1954)
• 乌鸦 为什么 是 黑 的 (Por que o corvo tem o revestimento preto) (China, curta-metragem de 1956, Festival de Cinema de Veneza )
• Снежная королева (A Rainha da Neve) (União Soviética, artigo de 1957)
• Krtek (Mole) (Tchecoslováquia, série de curtas de 1956)
• 白蛇 伝 (Panda e a Serpente Mágica) (Japão, recurso de 1958)
• 少年 猿 飛 佐 助 (Magic Boy) (Japão, longa-metragem de 1959, primeiro anime lançado nos EUA em 1961)

Década de 1960

Séries animadas de TV e especiais dos EUA na década de 1960

Total de Televisão foi fundada em 1959 para promover a General Mills produtos com personagens originais dos desenhos animados em Cocoa Puffs comerciais (1960-1969) e da série de TV General Mills patrocinado Rei Leonardo e seus súditos curtas (1960-1963, reembalado mostra até 1969), Tennessee Tuxedo and His Tales (1963–1966, programas reembalados até 1972), The Underdog Show (1964–1967, programas reembalados até 1973) e The Beagles (1966–1967). A animação de todas as séries foi produzida nos Gamma Studios no México. A Total Television parou de produzir depois de 1969, quando a General Mills não quis mais patrociná-los.

Muitas das séries animadas de TV americanas dos anos 1960 a 1980 eram baseadas em personagens e formatos que já haviam se mostrado populares em outras mídias. A UPA produziu The Dick Tracy Show (1961–1962), baseado nas histórias em quadrinhos. Filmation , ativa de 1962 a 1989, criou poucos personagens originais, mas muitas adaptações da DC Comics , séries de TV live-action (incluindo Lassie's Rescue Rangers (1973–1975) e Star Trek: The Animated Series ), alguns recursos de live-action ( incluindo Viagem ao Centro da Terra (1967–1969) e muito mais ). Grantray-Lawrence Animation foi o primeiro estúdio de se adaptar Marvel Comics super-heróis em 1966. grupos pop tem versões animado em The Beatles (1965-1966) e Rankin / Bass 's The Jackson 5ive (1971-1972) e Os Osmonds (1972). Hanna-Barbera transformou comediantes em personagens de desenhos animados com Laurel e Hardy (1966–1967) e The Abbott and Costello Cartoon Show (1967–1968). Format Films ' The Alvin Show (1961-1962) era um spin-off de uma canção novidade 1958 e os livros de banda desenhada posteriores com versões redesenhadas de Alvin e os Esquilos . Outras séries continham dotações não licenciadas. Por exemplo, The Flintstones de Hanna-Barbera (1960-1966) foi claramente inspirado na sitcom The Honeymooners e o criador Jackie Gleason considerou processar Hanna-Barbera, mas ele não queria ser conhecido como "o cara que tirou Fred Flintstone do ar" .

Os Flintstones foram a primeira série animada do horário nobre e se tornaram imensamente populares, permanecendo como a série animada de televisão mais antiga até que esse recorde foi quebrado três décadas depois. Hanna-Barbera marcou mais sucessos com The Yogi Bear Show (1960-1962), The Jetsons (1962-1963, 1985, 1987) e Scooby-Doo, Where Are You! (1969–1970, mais tarde seguido por outra série Scooby-Doo).

Por volta de 1968, após o assassinato de Martin Luther King Jr. , então Robert F. Kennedy e outros atos violentos tornaram o público menos à vontade com a violência no entretenimento, as redes contrataram censores para banir qualquer coisa considerada violenta ou sugestiva da programação infantil .

Além das séries regulares de TV, houve vários especiais de animação de televisão (feriados) notáveis, começando com Mister Magoo's Christmas Carol (1962) da UPA , seguido alguns anos depois por outros exemplos clássicos, como a sequência de especiais de Bill Melendez ' Peanuts (1965- 2011, baseado na história em quadrinhos de Charles M. Schulz ), e How the Grinch Stole Christmas! De Chuck Jones ! (1966, baseado na história do Dr. Seuss ).

Cambria Productions

A Cambria Productions usava apenas ocasionalmente animação tradicional e costumava recorrer a movimentos de câmera, movimentos em tempo real entre células de primeiro e segundo plano e integração de filmagens de ação ao vivo. O criador Clark Haas explicou: "Não estamos fazendo desenhos animados. Estamos fotografando 'movimento motorizado' e - o maior truque de todos - combinando-o com ação ao vivo ... Filmagens que a Disney faz por $ 250.000 que fazemos por $ 18.000." Seu truque mais famoso foi a técnica Syncro-Vox de sobrepor lábios falantes nos rostos de personagens de desenhos animados, em vez de animar bocas sincronizadas com o diálogo. Esse sistema de impressão óptica foi patenteado em 1952 pelo parceiro da Cambria e cinegrafista Edwin Gillette e foi usado pela primeira vez em comerciais populares de "animais falantes". O método seria mais tarde amplamente usado para efeitos cômicos, mas Cambria o usou diretamente em suas séries Clutch Cargo (1959-1960), Space Angel (1962) e Captain Fathom (1965). Graças a histórias imaginativas, Clutch Cargo foi um sucesso surpresa. Sua última série, The New 3 Stooges (1965–1966), não usava mais a Syncro-Vox. Continha 40 novos segmentos de live-action com os Three Stooges originais que foram espalhados e repetidos por 156 episódios junto com uma nova animação (ocasionalmente fazendo com que as pessoas desligassem a TV quando as sequências de live-action eram repetidas, convencidas de que já tinham visto o episódio )

Animação teatral dos EUA na década de 1960

Para One Hundred and One Dalmatians (1961) os custos de produção foram contidos, ajudados pelo processo de xerografia que eliminou o processo de tinta. Embora o visual relativamente incompleto não tenha sido apreciado por Walt Disney pessoalmente, não incomodou os críticos ou o público e o filme foi outro sucesso para o estúdio. A Espada na Pedra (1963) foi outro sucesso financeiro, mas ao longo dos anos tornou-se um dos recursos menos conhecidos da Disney. Foi seguido pelo hit de animação / live-action Mary Poppins (1964), que recebeu 13 indicações ao Oscar, incluindo o de Melhor Filme. O maior desenho animado da Disney na década de 1960 foi The Jungle Book (1967), que foi um sucesso de crítica e comercial. Este também foi o último filme supervisionado por Walt Disney antes de sua morte em 1966. Sem a imaginação e o esforço criativo de Walt, as equipes de animação foram incapazes de produzir muitos filmes de sucesso durante as décadas de 1970 e 1980. Isso foi até o lançamento de A Pequena Sereia (1989), 22 anos depois.

A UPA produziu seu primeiro longa-metragem 1001 Arabian Nights (1959) (estrelado por Magoo como tio de Alladin) para a Columbia Pictures, com pouco sucesso. Tentaram novamente com Gay Purr-ee em 1962, lançado pela Warner Bros. Foi bem recebido pela crítica, mas falhou nas bilheterias e seria o último longa-metragem do estúdio.

Declínio do desenho animado curto teatral

A decisão da Suprema Corte no Caso Antitruste de Hollywood de 1948 proibiu "block bookings" em que filmes de sucesso foram oferecidos exclusivamente aos donos de cinemas em pacotes junto com cinejornais e desenhos animados ou curtas-metragens de ação ao vivo. Em vez de receber uma porcentagem razoável de um pacote, os curtas-metragens tiveram que ser vendidos separadamente pelos preços que os donos dos cinemas estavam dispostos a pagar por eles. Desenhos animados eram relativamente caros e agora podiam ser retirados do programa sem que as pessoas perdessem o interesse no filme principal, o que se tornou uma maneira sensata de reduzir custos quando mais e mais espectadores em potencial pareciam ficar em casa para assistir a filmes em seus aparelhos de televisão . A maioria dos desenhos animados teve que ser relançada várias vezes para recuperar o orçamento investido. No final da década de 1960, a maioria dos estúdios havia parado de produzir desenhos animados para cinema. Mesmo a Warner Bros. e a Disney, com exceções ocasionais, pararam de fazer curtas caricaturas teatrais depois de 1969. Walter Lantz foi o último dos produtores de desenhos animados clássicos a desistir, quando fechou seu estúdio em 1973.

DePatie – Freleng

DePatie – Freleng Enterprises , fundada por Friz Freleng e David H. DePatie em 1963 depois que a Warner Bros. fechou seu departamento de animação, foi o único estúdio que encontrou novo sucesso com curtas séries de desenhos animados teatrais após os anos 1950. Eles criaram Pink Panther em 1963 para os créditos de abertura e encerramento da série de filmes The Pink Panther com Peter Sellers . Seu sucesso levou a uma série de curtas-metragens (1964-1980) e séries de TV (1969-1980). Pink Panther foi seguido pelo spin-off The Inspector (1965–1969), The Ant and the Aardvark (1969–1971) e um punhado de outras séries teatrais. The Dogfather (1974–1976) foi a última nova série, mas os desenhos animados Pink Panther apareceram nos cinemas até 1980, pouco antes do fim do estúdio em 1981. De 1966 a 1981, DePatie – Freleng também produziu muitas séries de TV e especiais.

Ascensão do anime

O Japão foi notavelmente prolífico e bem-sucedido com seu próprio estilo de animação, que se tornou conhecido na língua inglesa inicialmente como Japanimation e posteriormente como anime . Em geral, a anime foi desenvolvida com técnicas de animação limitada que colocam mais ênfase na qualidade estética do que no movimento, em comparação com a animação americana. Também aplica uma abordagem relativamente "cinematográfica" com zoom, panorâmica, tomadas dinâmicas complexas e muita atenção para fundos que são fundamentais para a criação de atmosfera.

O anime foi transmitido pela primeira vez na TV em 1960. A exportação de filmes de anime para cinema começou na mesma época. Em poucos anos, foram feitas várias séries de anime para TV que também receberiam vários níveis de airplay nos Estados Unidos e em outros países, começando com o altamente influente鉄 腕 ア ト ム (Astro Boy) (1963), seguido porジ ャ ン グ ル 大帝 (Kimba, o Branco Lion) (1965–1966),エ イ ト マ ン (8th Man) (1965),魔法 使 い サ リ ー (Sally the Witch) (1966–1967) eマ ッ ハ GoGoGo (Mach GoGoGo também conhecido como Speed ​​Racer) (1967).

O popularサ ザ エ さ ん / Sazae-san começou em 1969 e é provavelmente o programa de TV de animação mais antigo do mundo, com mais de 7.700 episódios.

Animação orientada para os primeiros adultos e de contracultura

Antes do final da década de 1960, quase nenhuma animação voltada para adultos havia sido produzida. Uma exceção notável foi o curta pornográfico Eveready Harton em Buried Treasure (1928), presumivelmente feito por animadores famosos para uma festa privada em homenagem a Winsor McCay, e não exibido publicamente até o final dos anos 1970. Depois de 1934, o código Hays deu aos cineastas nos Estados Unidos pouca margem de manobra para liberar material arriscado, até que o código foi substituído pelo sistema de classificação de filmes da Motion Picture Association of America em 1968. Embora a programação de animação na televisão fizesse a maioria das pessoas pensar nisso como um meio para crianças ou para entretenimento familiar, as novas animações teatrais provaram o contrário.

Indiscutivelmente, as conotações filosóficas, psicológicas e sociológicas dos especiais de TV de Peanuts eram relativamente voltadas para os adultos, enquanto os especiais também eram agradáveis ​​para as crianças. Em 1969, o diretor Bill Mendelez expandiu o sucesso da série para os cinemas com A Boy Named Charlie Brown . O filme seguinte, Snoopy Come Home (1972), foi um fracasso de bilheteria, apesar das críticas positivas. Race for Your Life, Charlie Brown (1977) e Bon Voyage, Charlie Brown (e Don't Come Back !!) (1980) foram os únicos outros longas-metragens de animação tradicional para Peanuts , enquanto os especiais de TV continuaram até 2011.

O boom da contracultura anti-establishment no final da década de 1960 impactou Hollywood desde o início. Na animação, os sentimentos anti-guerra estavam claramente presentes em vários curtas metragens underground como Ward Kimball 's Escalation (1968) (feito independentemente de seu emprego na Disney) e a paródia Mickey Mouse no Vietnã (1969). A paródia menos política Bambi encontra Godzilla (1969) de Marv Newland, outro curta underground para adultos, é considerado um grande clássico e foi incluído em The 50 Greatest Cartoons (1994) (baseado em uma pesquisa com 1.000 pessoas que trabalham na indústria de animação )

A popularidade da psicodelia tornou o relançamento de Fantasia da Disney em 1969 popular entre adolescentes e estudantes universitários, e o filme começou a dar lucro. Da mesma forma, Alice no País das Maravilhas da Disney tornou-se popular com exibições de TV neste período e com seu relançamento teatral em 1974.

Também influenciado pela revolução psicodélica, o longa - metragem de animação dos Beatles , Yellow Submarine (1968), mostrou a um amplo público como a animação poderia ser bem diferente dos famosos desenhos animados da televisão e filmes da Disney. Seu design distinto veio do diretor de arte Heinz Edelman . O filme recebeu aclamação generalizada e provaria ser influente. Peter Max popularizou ainda mais um estilo visual semelhante em suas obras de arte.

Animação fora dos EUA na década de 1960

• わ ん ぱ く 王子 の 大蛇 退 治 (O Pequeno Príncipe e o Dragão de Oito Cabeças) (Japão, longa-metragem de 1963)
• 大 鬧天宮 (Havoc in Heaven) (China, recurso de 1963)
• ガ リ バ ー の 宇宙 旅行 (Gulliver's Travels Beyond the Moon) (Japão, artigo de 1965)
• Calimero (Itália / Japão 1963-1972, série de TV)
• Belvision 's Pinóquio no espaço (Bélgica / EUA 1965, funcionalidade dirigido por Ray Goossens )
• West and Soda (Itália 1965, primeiro longa de Bruno Bozzetto )

Década de 1970

Avanço da animação de recursos orientada para adultos e de contracultura

Ralph Bakshi achava que a ideia de "homens adultos sentados em cubículos desenhando borboletas flutuando sobre um campo de flores, enquanto aviões americanos lançam bombas no Vietnã e crianças marcham nas ruas, é ridícula". Ele, portanto, criou um tipo mais sociopolítica da animação, começando com Fritz the Cat (1972), baseado em Robert Crumb quadrinhos 's eo recurso de primeira animado para receber um X-classificação . A classificação X foi usada para promover o filme e ele se tornou o filme de animação independente de maior bilheteria de todos os tempos. O sucesso de Heavy Traffic (1973) fez de Bakshi o primeiro desde a Disney a ter dois filmes de animação consecutivos de sucesso financeiro. O filme utilizou uma mistura artística de técnicas com a fotografia estática como pano de fundo em partes, uma cena live-action de modelos com rostos pintados renderizados em cinematografia negativa, uma cena renderizada em uma animação esboçada muito limitada que era apenas parcialmente colorida, desenho detalhado, arquivo filmagens, e a maioria dos personagens animados em um estilo de desenho animado consistente ao longo de tudo, exceto os últimos dez minutos, que foram totalmente filmados como um filme de ação padrão ao vivo. Ele continuou a experimentar diferentes técnicas na maioria de seus próximos projetos. Seus próximos projetos Hey Good Lookin ' (concluído em 1975, mas arquivado pela Warner Bros. até o lançamento em uma versão ajustada em 1982) e Coonskin (1975, sofreu protestos contra seu racismo percebido enquanto na verdade o satirizava) foram bem menos bem-sucedidos, mas recebeu mais apreço mais tarde e se tornou filmes cult.

Bakshi encontrou novo sucesso com os filmes de fantasia Wizards (1977) e The Lord of the Rings (1978). Ambos usaram rotoscopia para cenas de batalha massivas. Para Wizards, a técnica foi usada em imagens de arquivo como uma solução para problemas orçamentários e processada em um estilo psicodélico e artístico. Para O Senhor dos Anéis , tornou-se um meio de criar um visual que Bakshi descreveu como "ilustração real em oposição a desenhos animados" para um filme que ele queria que fosse fiel ao trabalho de Tolkien , com material de referência rodado com atores fantasiados na Espanha. O filme de televisão voltado para a família, The Return of the King (1979), de Rankin / Bass e Topcraft, às vezes é considerado uma sequência não oficial depois que a segunda parte pretendida de Bakshi não foi feita, mas eles já haviam iniciado de forma independente a adaptação da história para a televisão com O Hobbit em 1977.

A imaginativa produção de ficção científica francesa / tcheca, La Planète sauvage (1973), recebeu o prêmio especial do júri do Grande Prêmio no Festival de Cinema de Cannes de 1973 e, em 2016, foi classificado como o 36º maior filme de animação de todos os tempos pela Rolling Stone .

A produção britânica Watership Down (filme) (1978) foi um grande sucesso internacional. Apresentava personagens de animais que pareciam mais realistas do que antropomórficos, contra fundos em aquarela. Apesar de seus aspectos sombrios e violentos, foi considerado adequado para todas as idades no Reino Unido e classificado como PG nos Estados Unidos.

Anime na europa

A importação de anime oferecia séries animadas relativamente baratas, mas algumas emissoras europeias pensavam na animação como algo para crianças pequenas e séries de anime facilmente programadas de acordo. Isso gerou muitas críticas quando alguns programas foram considerados violentos demais para crianças. As adaptações de histórias europeias para crianças garantiram muito mais sucesso na Europa, com títulos populares comoア ル プ ス の 少女 ハ イ ジ (Heidi, Girl of the Alps) (1974) eみ つ ば ち マ ー ヤ の 冒 険 (Maya the Honey Bee) (1975).

Apenas alguns estúdios de animação estavam ativos na Europa e começar um novo estúdio exigiu muito tempo, esforço e dinheiro. Para produtores europeus interessados ​​em séries de animação, fazia sentido colaborar com os estúdios japoneses que poderiam fornecer animação a preços acessíveis e com qualidade relativamente alta. As produções resultantes incluem Barbapapa (Holanda / Japão / França 1973–1977), Wickie und die starken Männer / 小 さ な バ イ キ キ ン グ ビ ッ ケ (Vicky, a viking) (Áustria / Alemanha / Japão 1974), Il était une fois ... (Era uma vez Time ...) (França / Japão 1978) e Doctor Snuggles (Holanda / Alemanha Ocidental / Japão / EUA 1979).

Destaques da curta animação artística

Os curtas-metragens de animação tornaram-se principalmente um meio para festivais de cinema em que animadores independentes exibiam seus talentos. Com os grandes estúdios longe do campo, o Oscar de Melhor Curta de Animação e as indicações das décadas de 1970 e 1980 geralmente eram para artistas relativamente desconhecidos.

La Linea (Itália 1971, 1978, 1986) é uma popular série de animação com um personagem principal que consiste em uma parte de uma linha reta branca que se estende horizontalmente pela tela.

O animador soviético / russo Yuri Norstein "é considerado por muitos não apenas o melhor animador de sua época, mas o melhor de todos os tempos". Ele lançou um punhado de curtas-metragens premiados na década de 1970:

• A Batalha de Kerzhenets ( Сеча при Керженце , 1971), em colaboração com Ivan Ivanov-Vano
• The Fox and the Hare ( Лиса и заяц , 1973).
• The Heron and the Crane ( Цапля и журавль , 1974).
• Hedgehog in the Fog ( Ёжик в тумане , 1975).
• Tale of Tales ( Сказка сказок , 1979).

Ele trabalha desde 1981 em The Overcoat ( Шинель ) e participou de Winter Days (冬 の 日, 2003) .

Primeiros vídeos musicais animados

Embora a combinação de música e animação tivesse uma longa tradição, demorou algum tempo até que a animação se tornasse parte dos videoclipes depois que o meio se tornou um gênero adequado em meados da década de 1970.

Halas e Batchelor produziram um vídeo animado para Love Is All (1974), de Roger Glover, que foi transmitido internacionalmente ao longo de décadas, geralmente como um programa intersticial .

O videoclipe Welcome to the Machine do Pink Floyd de 1977 , animado por Gerald Scarfe, foi inicialmente usado apenas como pano de fundo para apresentações.

Elvis Costello 's Accidents Will Happen (1979) foi feito por Annabelle Janckel e Rocky Morton, conhecidos por seus comerciais de animação. Apesar de uma recepção inicialmente morna, o vídeo foi aclamado.

Roger Mainwood e John Halas criaram um videoclipe animado para o Autobahn do Kraftwerk em 1979. O documentário curto e sem palavras Making it move ... mostrou o processo de produção.

O cartoon de Linda McCartney 's Seaside Woman foi feito por Oscar Grillo e ganhou a Palma de Ouro de Melhor Curta-Metragem no festival de Cannes em 1980.

Década de 1980

O ponto baixo da animação americana (início dos anos 1980)

A animação para a programação da TV americana havia se tornado estereotipada, muitas vezes baseada em personagens conhecidos de outras mídias, e grande parte do trabalho de animação real (limitado) terceirizado para trabalhadores asiáticos baratos. Vários série de TV populares para crianças poderia ser percebida como pouco mais do que os comerciais, uma vez que eles foram baseados em linhas de brinquedos, incluindo Mattell 's He-Man e os Mestres do Universo (1983-1985) e Hasbro ' s GI Joe (1983 –1986), The Transformers (1984–1987) e My Little Pony (1986–1987).

Principalmente em retrospecto, os longas-metragens da Disney foram vistos como passando por uma era das trevas nas primeiras décadas após a morte de Walt Disney em 1966 (apesar de uma sequência mais estável de sucessos de bilheteria do que durante a década em que Walt estava vivo). O fracasso de The Black Cauldron (1985), feito com um orçamento ambicioso, foi claramente uma nova baixa.

Destaques de animação fora dos EUA

Em comparação com a produção de animação dos Estados Unidos no início dos anos 1980, anime e co-produções internacionais pareciam mais imaginativas e mais promissoras.

Um dos maiores sucessos da TV em anos foi The Smurfs (1981–1989), produzido pelo SEPP International do belga Freddy Monnickendam em colaboração com Hanna-Barbera. Eles também colaboraram com sucesso em Snorks (1984–1989) e Foofur (1986–1988). A produção de Bibifoc (Seabert) (1984–1988) da Bzz Films também foi realizada pela SEPP.

Outras co-produções internacionais notáveis ​​incluem Inspector Gadget (França / EUA 1983) e The Wonderful Wizard of Oz (Canadá / Japão 1986-1987).

Nova série de anime japonesa baseada em material europeu incluiuニ ル ス の ふ し ぎ な 旅 (As Aventuras Maravilhosas de Nils) (1980-1981) eス プ ー ン お ば さ ん (Mrs. Pepper Pot) (1983–1984).

O anime, junto com o mangá impresso , construiu um enorme fandom no Japão e se tornou uma grande parte da cultura dominante do país. Entre os muitos gêneros de anime, mecha (ficção científica de robôs gigantes) tornou-se particularmente icônico. O mercado de vídeo doméstico relativamente novo cresceu muito e a animação de vídeo original (OVA) tornou-se um meio muito apreciado, muitas vezes com produções de qualidade superior às feitas para TV (em contraste com os EUA, onde o direct-to-video era principalmente um meio para lançamentos que não deveriam ser populares o suficiente para justificar um lançamento nos cinemas ou transmissão de TV e, portanto, frequentemente produzidos com um orçamento muito menor). Naturalmente, o meio OVA se adequava ao consumo de animação erótica e pornográfica. O primeiro lançamento de óvulos eróticos foi a sérieロ リ ー タ ア ニ メ (Lolita Anime) de fevereiro de 1984 a maio de 1985, logo seguida pela série Cream Lemon (agosto de 1984 - 2005). O gênero tornou-se conhecido internacionalmente como hentai e é famoso por conter frequentemente assuntos perversos, incluindo sexo de menores, sexo de monstros e sexo com tentáculos (originalmente concebido como um meio de contornar os regulamentos de censura japoneses).

Os filmes épicos de Hayao Miyazaki , Nausicaä of the Valley of the Wind (1984), baseado em seu próprio mangá, e天空 の 城 ラ ピ ュ タ (Castle in the Sky) (1986) são regularmente elogiados como alguns dos maiores filmes de animação de todos. tempo . Castle in the Sky foi o primeiro longa do Studio Ghibli , fundado em 1985 por Miyazaki com Isao Takahata e outros. O Studio Ghibli continuou seu sucesso com o filme de Takahata da Segunda Guerra Mundial火 垂 る の 墓 (Sepultura dos Vaga-lumes) (1988) e o icônicoと な り の ト ト ロ de Miyazaki (Meu Vizinho Totoro) (1988) e魔女 の 宅急便 (Serviço de Entrega de Kiki) (1989).

Renascimento da animação norte-americana

Don Bluth , que havia deixado a Disney em 1979 junto com outros nove animadores, começou a competir com seu antigo empregador nos cinemas em 1982 com O Segredo do NIMH . O filme foi aclamado pela crítica, mas foi apenas um modesto sucesso de bilheteria. Em colaboração com Steven Spielberg 's Amblin Entertainment , Rabo Um americano (1986) tornou-se a maior bilheteria da Disney não-filme de animação na época. The Land Before Time (1988) foi igualmente bem-sucedido, mas os cinco filmes seguintes de Bluth fracassaram.

Mighty Mouse: The New Adventures (1987-1989) foi um dos primeiros programas de TV animados a recapturar a qualidade e originalidade anteriores dos desenhos animados americanos. Foi produzido por Ralph Bakshi e a primeira temporada foi supervisionada por John Kricfalusi, com muita liberdade para os artistas trabalharem em seu próprio estilo. Em vez de fazer uma repetição nostálgica da série Terrytoons original, ele tentou recriar a qualidade e o humor bobo dosclássicosdo Looney Tunes .

Nos cinemas, o hit de animação / live-action de Robert Zemeckis , Who Framed Roger Rabbit (1988) também remete à qualidade e à comédia maluca da era de ouro dos desenhos animados, com participações especiais de muitas das estrelas da época, incluindo Mickey e Minnie , Donald, Pateta, Betty Boop, Droopy, Woody Woodpecker e a voz de Mel Blanc Bugs Bunny, Patolino, Porco Porky, Piu-Piu e Sylvester. O filme ganhou vários Oscars e ajudou a reviver o interesse pela animação teatral e pelos desenhos animados clássicos. O curta-metragem totalmente animado de Roger Rabbit, Tummy Trouble (1989), foi então empacotado com a comédia familiar de ação ao vivo Honey, I Shrunk the Kids, e acredita-se que tenha ajudado no rápido início de bilheteria do filme.

Os Simpsons, de Matt Groening , começou em abril de 1987 como um pequeno segmento de comédia de esquetes, The Tracey Ullman Show , e teve seu próprio seriado de meia hora no horário nobre em dezembro de 1989. Tornou-se um dos maiores sucessos de desenho animado da história e é a série de televisão do horário nobre dos Estados Unidos com roteiro de duração mais longa .

Embora os sucessos de The Great Mouse Detective (1986) e Oliver and Company (1988) já tivessem ajudado a colocar o estúdio Disney de volta nos trilhos, eles alcançaram o ouro com o sucesso recorde de bilheteria, A Pequena Sereia (1989). Uma tomada para a seqüência do arco-íris no final de A Pequena Sereia foi a primeira peça de longa-metragem a ser criada com o sistema CAPS ( Computer Animation Production System ) que a Disney e a Pixar montaram de forma colaborativa. Essa tinta digital e sistema de pintura substituiu o método caro de tintar e colorir células à mão e forneceu aos cineastas novas ferramentas criativas.

Em 1990, o boom de sucessos animados foi anunciado como um retorno que pode rivalizar com a era de ouro dos desenhos animados.

Animação teatral voltada para adultos na década de 1980

O musical de rock de Bakshi American Pop (1981) foi outro sucesso, principalmente feito com a técnica do rotoscópio em combinação com algumas aquarelas, gráficos de computador, tomadas de ação ao vivo e filmagens de arquivo. Seu próximo filme Fire and Ice (1983) foi uma colaboração com o artista Frank Frazetta . Foi um dos muitos filmes do gênero espada e feitiçaria lançados após o sucesso de Conan the Barbarian (1982) e The Beastmaster (1982). Os críticos apreciaram os visuais e as sequências de ação, mas não o roteiro, e o filme fracassou nas bilheterias. Depois de não conseguir fazer vários projetos decolar, Bakshi se aposentou por alguns anos.

A antologia canadense de sucesso Heavy Metal (1981) foi baseada em quadrinhos publicados na popular revista Heavy Metal e co-produzida por seu fundador. As críticas mistas consideraram o filme desigual, juvenil e sexista. Foi eventualmente seguido em 2000 pelo mal recebido Heavy Metal 2000 e re-imaginado como a série Love, Death & Robots da Netflix em 2019.

O filme de ópera dark rock Pink Floyd - The Wall (1982) continha 15 minutos de segmentos animados do cartunista britânico Gerald Scarfe , que já havia desenhado a arte relacionada para o álbum de 1979 e a turnê de 1980-81 . Parte do material de animação do filme foi usado anteriormente para o videoclipe de 1979 para " Another Brick in the Wall: Part 2 " e para a turnê. Scarfe também fez animações para a turnê In the Flesh de 1977 do Pink Floyd .

O bem-sucedido filme britânico de desastre nuclear When the Wind Blows (1986) mostrou personagens desenhados à mão contra fundos reais, com stop-motion para objetos que se moviam.

O violento anime ciberpunk pós-apocalíptico Akira (1988) ganhou popularidade crescente de anime fora do Japão e agora é amplamente considerado um clássico.

MTV e vídeos animados

A MTV foi lançada em 1981 e popularizou ainda mais o meio de videoclipes, o que permitiu relativamente muita expressão artística e técnicas criativas, já que todos os envolvidos queriam que seu vídeo se destacasse. Muitos dos videoclipes mais celebrados da década de 1980 apresentavam animação, muitas vezes criada com técnicas que diferiam da animação celular padrão. Por exemplo, o vídeo icônico de Peter Gabriel's Sledgehammer (1986) apresentou claymation , pixilation e stop motion de Aardman Animations e Brothers Quay .

" Take On Me " (1985) do A-ha combinou a famosa ação ao vivo com a animação realista de desenho a lápis de Michael Patterson . O vídeo foi dirigido por Steve Barron , que também dirigiu o inovador Dire Straits, animado por computador, " Money for Nothing " no mesmo ano. O vídeo do a-ha foi inspirado no filme de formatura do CalArts, de Alex Patterson , Commuter (1984), que atraiu a atenção dos executivos da Warner Bros. Records e seria parcialmente usado novamente para o vídeo Train of Thought do A-ha .

Patterson também dirigidos Paula Abdul 's opostos atraem (1989), com sua criação animada MC Skat Kat .

" The Harlem Shuffle " (1986), dos Rolling Stones , apresentava elementos animados dirigidos por Ralph Bakshi e John Kricfalusi , criados em poucas semanas.

Os pára-choques originais de pouso na lua da MTV foram retirados no início de 1986, na esteira do desastre do Challenger. A MTV promoveu sua imagem pós-moderna artística selvagem por meio de uma infinidade de pára-choques de identidade experimentais, a maioria deles animados. Os animadores geralmente não eram creditados, mas eram livres para trabalhar em seus próprios estilos identificáveis. Por exemplo, a contribuição do animador canadense Danny Antonucci anonimamente apresentou seu personagem Lupo, o Açougueiro , que teve permissão para proferir suas divagações psicóticas.

Por volta de 1987, a MTV tinha um departamento de animação dedicado e lentamente começou a introduzir mais animação entre sua programação relacionada à música. Bill Plympton 's Microtoons é um exemplo precoce.

Década de 1990

A Bela e a Fera da Disney (1991) (o primeiro filme de animação da história a ser indicado ao Oscar de Melhor Filme ), Aladdin (1992) e O Rei Leão (1994) quebraram sucessivamente recordes de bilheteria. Pocahontas (1995) estreou com críticas mistas, mas foi um sucesso financeiro e recebeu dois Oscars . Mulan (1998) e Tarzan (1999) não ultrapassaram O Rei Leão como o filme de animação de maior bilheteria (tradicionalmente) de todos os tempos , mas ambos foram bem-sucedidos, arrecadando mais de $ 300 milhões em todo o mundo. O Corcunda de Notre Dame (1996) foi um sucesso financeiro na época, mas continha temas muito sombrios e adultos e desde então se tornou um dos filmes menos conhecidos da Disney. Todos os filmes lançados durante este período são considerados parte do Renascimento Disney ou da Segunda Idade de Ouro. Apenas a sequência The Rescuers Down Under (1990) e Hercules (1997) superou as expectativas de bilheteria. De 1994 em diante, a Disney continuou a produzir sequências de longa-metragem para títulos de sucesso, mas apenas como lançamentos direto para o vídeo.

O sucesso do Disney Renaissance atraiu a atenção de muitos estúdios de animação e estúdios de cinema. Os principais estúdios de cinema estabeleceram novas divisões de animação, como Amblimation , Fox Animation Studios ou Warner Bros. Feature Animation para replicar o sucesso da Disney, transformando seus filmes animados em musicais no estilo Disney.

O influente The Ren & Stimpy Show de John Kricfalusi (1991–1995) foi amplamente aclamado. Por um tempo, foi o programa de TV a cabo mais popular dos Estados Unidos. Programado como um desenho animado infantil, era notoriamente controverso por seu humor negro , insinuações sexuais , piadas de adultos e valor de choque .

O enorme sucesso de Os Simpsons e The Ren & Stimpy Show gerou séries mais originais e relativamente ousadas, incluindo South Park (desde 1997), King of the Hill (1997-2010), Family Guy (desde 1999) e Futurama (1999- 2003).

O uso de animação na MTV aumentou quando o canal começou a fazer mais e mais programas que realmente não se encaixavam em seu apelido de "televisão musical". A Liquid Television (1991 a 1995) apresentou contribuições que foram criadas principalmente por animadores independentes especificamente para o show e gerou séries separadas de Æon Flux e Beavis and Butt-Head (1993-1997). Outras séries de desenhos animados dos anos 1990 na MTV incluíram The Head (1994-1996) e The Maxx (1995), ambos sob a bandeira Oddities da MTV . Em 2001, a MTV fechou seu departamento de animação, passou a terceirizar suas séries animadas e acabou importando programas de redes associadas.

O canal a cabo de 24 horas Cartoon Network foi lançado nos Estados Unidos em 1º de outubro de 1992 e logo foi seguido por suas primeiras versões internacionais . Originalmente, a programação consistia em desenhos animados clássicos dos catálogos anteriores da Warner Bros, MGM, Fleischer / Famous e Hanna-Barbera. De 1996 a 2003, uma nova série original funcionou como Cartoon Cartoons e apresentou os títulos populares Dexter's Laboratory (1996–2003), Johnny Bravo (1997–2004), Cow and Chicken (1997–1999), I Am Weasel (1997–2000) , The Powerpuff Girls (1998–2005) e Ed, Edd n Eddy (1999–2009).

A animação televisiva para crianças também continuou a florescer nos Estados Unidos em canais a cabo especializados como Nickelodeon , Disney Channel / Disney XD , PBS Kids e em horários sindicalizados à tarde.

Décadas de 2000 a 2010: à sombra da animação por computador

Depois do sucesso da Pixar 's Toy Story (1995) e DreamWorks Animation ' s Shrek (2001), animação por computador cresceu na técnica de animação dominante nos EUA e muitos outros países. Até mesmo animações que pareciam tradicionais eram cada vez mais criadas inteiramente com computadores. Em 2004, apenas pequenas produções ainda eram criadas com técnicas tradicionais.

As primeiras décadas do século 21 também viram o cinema 3D se tornar popular nos cinemas. O processo de produção e o estilo visual do CGI se prestam perfeitamente à visualização em 3D, muito mais do que estilos e métodos de animação tradicionais. No entanto, muitos filmes tradicionalmente animados podem ser muito eficazes em 3D. A Disney lançou com sucesso uma versão 3D de O Rei Leão em 2011, seguida por A Bela e a Fera em 2012. Uma versão 3D planejada de A Pequena Sereia foi cancelada quando A Bela e a Fera e dois títulos da Pixar convertidos em 3D não tiveram sucesso o suficiente no bilheteria.

Disney-Pixar

A Disney começou a produzir seus próprios recursos de animação de computador em estilo 3D com Dinosaur e Chicken Little , mas continuou a fazer recursos de animação com uma aparência tradicional: The Emperor's New Groove (2000), Atlantis: The Lost Empire (2001), Lilo & Stitch (2002) ), Treasure Planet (2002), Brother Bear (2003) e Home on the Range (2004).

Treasure Planet e Home on the Range foram grandes fracassos em grandes orçamentos e parecia que a Disney só continuaria com a animação 3D por computador. A análise financeira em 2006 provou que a Disney havia realmente perdido dinheiro em suas produções de animação nos dez anos anteriores. Nesse ínterim, os recursos CGI da Pixar foram extremamente bem. Para mudar as coisas, a Disney adquiriu a Pixar em 2006 e colocou o controle criativo da Pixar e da Walt Disney Animation Studios nas mãos de John Lasseter da Pixar como parte do negócio. Os estúdios permaneceriam como entidades legais separadas . Com Lasseter, o estúdio Disney desenvolveu projetos de animação em estilo tradicional e em 3D.

O curta How to Hook Up Your Home Theatre (2007) testou se novos processos de animação sem papel poderiam ser usados ​​para um visual semelhante aos desenhos animados dos anos 1940 e 1950, com Pateta retornando ao papel de " Everyman " em sua primeira aparição solo em 42 anos.

O longa-metragem de Ron Clements e John Musker , The Princess and the Frog (2009) foi um sucesso comercial e de crítica moderado, mas não o sucesso de retorno para longas- metragens tradicionais que o estúdio esperava que fosse. Seu fracasso percebido foi atribuído principalmente ao uso de "princesa" no título, fazendo com que os potenciais cineastas pensassem que era apenas para meninas, e algo antiquado.

O Ursinho Pooh (2011) recebeu críticas favoráveis, mas falhou nas bilheterias e se tornou o último filme tradicional da Disney até então. Frozen (2013) foi originalmente concebido no estilo tradicional, mas mudou para CGI 3D para permitir a criação de certos elementos visuais necessários e se tornou o maior sucesso da Disney na época e ultrapassando The Lion King e Toy Story 3 como o desenho animado de maior bilheteria filme de todos os tempos . Ele ganhou o primeiro Oscar do estúdio de melhor longa-metragem de animação.

Anime

Fora da América do Norte, a animação desenhada à mão continuou a ser mais popular. Mais notavelmente no Japão, onde o estilo tradicional de anime ainda era a técnica dominante. A popularidade do anime continuou a aumentar no mercado interno, com uma série recorde de 340 anime exibida na televisão em 2015, bem como internacionalmente, com um bloco Toonami dedicado no Cartoon Network (1997–2008) e Adult Swim (desde 2012) e com streaming serviços como o licenciamento Netflix e Amazon Prime e a produção de uma quantidade cada vez maior de anime.

Ghibli continuou seu enorme sucesso com Spirited Away de Miyazaki (2001),ハ ウ ル の 動 く 城 (Howl's Moving Castle) (2004),崖 の 上 の ポ ニ ョ (Ponyo) (2008) e風 立 ち ぬ (The Wind Rises) (2013) e Hiromasa Yonebayashi借 り ぐ ら し の ア リ エ ッ テ ィ (O Mundo Secreto de Arrietty) (2010), todos arrecadando mais de $ 100 milhões em todo o mundo e aparecendo no top 10 dos filmes de anime de maior bilheteria de todos os tempos (em 2020). か ぐ や 姫 の 物語 (O Conto da Princesa Kaguya) (2013) de Takahata foi indicado ao Oscar de Melhor Filme de Animação e muitos outros prêmios.

Makoto Shinkai dirigiu君 の 名 は。 (Your Name) (2016, filme de anime de maior bilheteria internacional de todos os tempos) e天 気 の 子 (Weathering with You) (2019).

Comparação com stop motion

Após o trabalho pioneiro de nomes como J. Stuart Blackton , Segundo de Chomón e Arthur Melbourne-Cooper , o stop motion tornou-se um ramo da animação muito menos dominante do que a animação desenhada à mão e a animação por computador. No entanto, houve muitos filmes de stop motion e séries de televisão de sucesso. Entre os animadores cujo trabalho com bonecos animados recebeu a maior aclamação estão Wladyslaw Starewicz , George Pal e Henry Selick . Títulos populares usando argila animada incluem Gumby (1953), Mio Mao (1970), The Red and the Blue (1976), Pingu (1990-2000) e muitas produções da Aardman Animations ( Morph (1977) e Wallace e Gromit (1989)) .

Nas mãos de cineastas influentes como Jan Svankmajer e Brothers Quay , o stop motion tem sido um meio altamente artístico. Fora da animação abstrata, filme absoluto e animação direta , a animação desenhada à mão (figurativa) tem relativamente menos associações com o uso artístico.

Até ser amplamente substituído por efeitos animados por computador, o stop motion também era uma técnica popular para efeitos especiais em filmes de ação ao vivo. O pioneiro Willis O'Brien e seu protegido Ray Harryhausen animaram muitos monstros e criaturas para filmes live-action de Hollywood, usando modelos ou fantoches com armaduras. Em comparação, a animação desenhada à mão tem sido frequentemente combinada com a ação ao vivo, mas geralmente de uma forma óbvia e frequentemente usada como um truque surpreendente que combina um mundo "real" e um mundo de fantasia ou sonho. Apenas muito ocasionalmente a animação desenhada à mão foi usada como efeitos especiais convincentes (por exemplo, no clímax de Highlander (1986)).

Comparação com animação recortada

Técnicas de recorte eram usadas com relativa freqüência em filmes de animação até que a animação cel se tornasse o método padrão (pelo menos nos Estados Unidos). Os primeiros filmes de animação, de Quirino Cristiani e Lotte Reiniger, eram animações recortadas.

Antes de 1934, a animação japonesa usava principalmente técnicas de recorte em vez de animação cel, porque o celulóide era muito caro.

Como os recortes costumam ser desenhados à mão e algumas produções combinam várias técnicas de animação, a animação de recortes pode, às vezes, ser muito semelhante à animação tradicional desenhada à mão.

Embora às vezes seja usado como um método de animação simples e barato em programas infantis (por exemplo, em Ivor the Engine ), a animação cutout permaneceu um meio relativamente artístico e experimental nas mãos de, por exemplo, Harry Everett Smith , Terry Gilliam e Jim Blashfield .

Hoje, a animação em recorte é frequentemente produzida em computadores , com imagens digitalizadas ou gráficos vetoriais no lugar de materiais cortados fisicamente. South Park é um exemplo notável da transição, já que seu episódio piloto foi feito com recortes de papel antes de mudar para um software de computador . Escolhas e combinações estilísticas semelhantes com diferentes técnicas de animação por computador tornaram mais difícil diferenciar entre os estilos de animação "tradicional", recortado e Flash .

Animação por computador

Os primeiros experimentos com computadores para gerar imagens em movimento (abstratas) foram realizados desde a década de 1940.

O mais antigo jogo eletrônico interativo conhecido foi desenvolvido em 1947, abrindo caminho para um meio que pode ser considerado um ramo interativo da animação por computador (que é bastante diferente dos filmes animados).

Uma curta animação vetorial de um carro viajando por uma rodovia planejada foi transmitida pela televisão nacional sueca em 9 de novembro de 1961.

Em 1968, físicos e matemáticos soviéticos criaram um modelo matemático para o movimento de um gato, com o qual produziram um curta-metragem de animação.

Em 1971, o primeiro videogame comercial (operado por moedas) foi comercializado. O Pong da Atari, Inc. do próximo ano , com gráficos bidimensionais muito simples, foi um grande sucesso.

Desde a década de 1970, o processamento digital de imagens e as imagens geradas por computador, incluindo as primeiras animações de modelo 3D de arame , foram ocasionalmente usados ​​em comerciais, bem como para a representação de tecnologia de computador futurística em grandes produções de Hollywood (incluindo Star Wars ).

Desde 1974, as convenções anuais SIGGRAPH têm sido organizadas para demonstrar os desenvolvimentos atuais e novas pesquisas no campo da computação gráfica.

A animação 3D começou a ter mais impacto cultural na década de 1980, demonstrada, por exemplo, no filme Tron de 1982 e no videoclipe Money for Nothing (1985) dos Dire Straits. O conceito até gerou um popular personagem de IA animado em 3D : Max Headroom .

Durante a década de 1990, a animação 3D tornou-se cada vez mais popular, especialmente em videogames, e finalmente teve um grande avanço em 1995 com o sucesso do longa-metragem da Pixar , Toy Story .

Animação 3D mais ou menos fotorrealista tem sido usada para efeitos especiais em comerciais e filmes desde os anos 1980. Efeitos revolucionários foram vistos em Terminator 2: Judgment Day (1991) e Jurassic Park (1993). Desde então, as técnicas se desenvolveram a tal ponto que a diferença entre CGI e cinematografia da vida real raramente é óbvia. Os cineastas podem combinar os dois tipos de imagens perfeitamente com a cinematografia virtual . Matrix (1999) e suas duas sequências são geralmente considerados filmes revolucionários neste campo.

Devido à complexidade das funções, emoções e interações do corpo humano, filmes com papéis importantes para personagens humanos de aparência realista totalmente animados em 3D têm sido raros. Quanto mais realista um personagem CG se torna, mais difícil é criar as nuances e detalhes de uma pessoa viva, e maior a probabilidade do personagem cair no vale misterioso . Filmes que tentaram criar humanos de aparência realista incluem Final Fantasy: The Spirits Within em 2001, Final Fantasy: Advent Children em 2005, The Polar Express em 2004, Beowulf em 2007 e Resident Evil: Degeneration em 2009.

A criação de mundos virtuais permite a animação em tempo real em realidade virtual , um meio que vem sendo experimentado desde 1962 e começou a ver aplicativos de entretenimento comercial na década de 1990.

Nas primeiras décadas do século 21, as técnicas de animação por computador lentamente se tornaram muito mais comuns do que a animação tradicional. Para recriar o visual muito apreciado da animação tradicional para técnicas de animação 3D, foram desenvolvidas técnicas de cel- shading . O verdadeiro cel-shading em tempo real foi introduzido pela primeira vez em 2000 pela Sega 's Jet Set Radio para seu console Dreamcast .

Primeiras em animação

Ano	Marco	Filme	Notas
1917	Longa metragem	El Apóstol	Criado com animação de recorte ; agora considerado perdido
1926		As Aventuras do Príncipe Achmed	O mais antigo longa-metragem de animação sobrevivente, animação de silhueta recortada
1919	Filmado em Rotoscópio	O cachorrinho do palhaço	Filme curto
1924	Som sincronizado no filme	Ai maabel	Filme curto; usado Lee de Forest 's Phonofilm som no processo de filme, embora nenhum dos personagens 'falar', na tela
1926	Som sincronizado no filme com diálogo animado	My Old Kentucky Home	Filme curto; usou o som do Phonofilm de Lee de Forest no processo do filme; um personagem cão murmura as palavras: "Siga a bola e junte-se a eles, pessoal!"
1930	Filmado em Technicolor bicolor	Rei do jazz	Estreando em abril de 1930, uma sequência de desenhos animados de três minutos produzida por Walter Lantz aparece neste longa-metragem Technicolor de ação ao vivo.
1930	Technicolor de duas cores em um desenho autônomo	Fiddlesticks	Lançado em agosto de 1930, este curta produzido por Ub Iwerks é o primeiro desenho animado em cores autônomo.
1930	Filme de animação de fantoches ( stop-motion ) de longa - metragem	O conto da raposa
1931	Filme sonoro de longa-metragem	Peludópolis
1932	Filmado em Technicolor de três tiras	Flores e árvores	Filme curto
1937	Primeiro filme usando a câmera multiplano da Disney	O velho moinho	Filme curto. Um predecessor da técnica do multiplano já havia sido usado em As Aventuras do Príncipe Achmed . Ub Iwerks havia desenvolvido uma versão inicial da câmera multiplano em 1934 para seu The Headless Horseman Comicolor Cartoon.
	Longa filmada em três faixas Technicolor	Branca de Neve e os Sete Anões
1940	Som estereofônico	Fantasia	Gravado no Fantasound com 33 microfones em oito canais, mas a reprodução do Fantasound multicanal nos cinemas acabou sendo mais limitada do que o pretendido
1942	Primeiro filme aplicando animação limitada	The Dover Boys	Filme curto
1951	Primeiros filmes 3D de animação	Agora é a hora - de colocar seus óculos	Curtas-metragens estereoscópicos abstratos de fita dupla de Norman McLaren para o Festival da Grã-Bretanha
		Ao redor está ao redor
1953	Primeiro desenho animado apresentado em formato widescreen	Toot, Whistle, Plunk e Boom	Filme curto
1955	Primeiro longa de animação em formato widescreen	a Dama e o Vagabundo
	Primeira série de televisão stop-motion	The Gumby Show
1956	Primeira série de TV animada do horário nobre dos EUA	CBS Cartoon Theater	Compilação de séries televisivas
1957	Primeira série animada de TV transmitida em cores	Coronel Bleep	Séries de televisão
1959	Syncro-Vox	Carga de embreagem	Séries de televisão
1960	Processo de xerografia (substituindo tinta à mão)	Golias II	Filme curto
	Primeira sitcom animada do horário nobre	Os Flintstones	Séries de televisão
1961	Longa-metragem usando processo de xerografia	Cento e um dálmatas
1964	Primeiro longa-metragem baseado em programa de televisão	Olá, é o urso Yogi!
1969	Primeiro longa-metragem de animação considerado para menores	Mil e Uma Noites	Sucesso de anime japonês. Animações pornográficas já haviam sido feitas para o phénakisticope e o curta-metragem Buried Treasure com Eveready Harton (por volta de 1928)
1978	Recurso animado a ser apresentado em som Dolby	barco afundado
1983	Filme 3D - técnica estereoscópica	Abra Cadabra
	Recurso animado contendo imagens geradas por computador	Rock e regra
	Série de TV animada a ser gravada em som estéreo	Inspector Gadget
1985	De longa-metragem de argila-animado filme	As Aventuras de Mark Twain
1988	Primeiro longa-metragem a ter ação ao vivo e animação de desenho animado compartilhando a tela durante todo o filme	Quem incriminou Roger Rabbit
1989	Desenho de TV a ser transmitido em som Dolby Surround .	50 anos de Hanna-Barbera: uma celebração Yabba Dabba Doo
1990	Produzido sem câmera Filme de longa metragem usando tinta digital e tinta	The Rescuers Down Under	Primeiro longa-metragem totalmente produzido com o Sistema de Produção de Animação por Computador da Disney
1991	Primeiro filme de animação indicado ao Oscar de Melhor Filme	Bela e A Fera	Em 2019, nenhum filme de animação ganhou o prêmio de Melhor Filme.
1994	Série de TV animada em CGI	Insektors
1995	Longa-metragem totalmente animado com computadores Filme CGI com classificação G	História de brinquedos
	Série animada de televisão a ser transmitida em Dolby Surround	Pinky e o cérebro
1997	Primeira série animada produzida para a Internet Série animada em Flash	The Goddamn George Liquor Program
1999	Primeiro recurso IMAX animado	Fantasia 2000
2001	Animação de captura de movimento Filme de animação CGI com classificação PG-13	Final Fantasy: The Spirits Within
	Primeiro Oscar de Melhor Filme de Animação	Shrek	Monsters, Inc. e Jimmy Neutron: Boy Genius também foram indicados.
2002	Série de televisão animada em Flash	¡Mucha Lucha!
2003	Primeiro filme animado em Flash	Assistentes e gigantes
2004	Animação cel-shaded	Appleseed Steamboy
	Primeiro filme animado inteiramente com captura de movimento .	The Polar Express
2005	Foto de destaque com câmeras digitais	Noiva Cadáver
2007	Recurso digitalmente animado por uma pessoa	Planície
	Apresentado em som surround 7.1	Ultimate Avengers	Lançamento de Blu-ray
2008	Longa-metragem desenhada, criada e lançada exclusivamente em 3D	Me faça voar até a lua
2009	Personagem stop-motion animado usando prototipagem rápida	Coraline
	Primeiro longa-metragem produzido diretamente em 3D estereoscópico em vez de convertido em 3D após a conclusão usando InTru3D	Monstros vs. Alienígenas
2010	Filme de animação para ganhar mais de US $ 1.000.000.000 em todo o mundo Filme lançado nos cinemas em som surround 7.1	Toy Story 3
2012	Filme stop-motion para usar tecnologia de impressão 3D colorida para modelos	ParaNorman

Outros empreendimentos por região

Américas

História da animação cubana

• 1970: Juan Padrón cria o personagem Elpidio Valdés , protagonista de uma longa série de curtas e dois filmes.
• 1985: ¡Vampiros en la Habana! De Juan Padrón !
• 1992: Uma categoria de animação é adicionada ao Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano .

História da animação mexicana

• 1935: Alfonso Vergara produz Paco Perico en premier , curta-metragem de animação.
• 1974: Fernando Ruiz produz Los tres reyes magos , o primeiro longa-metragem de animação do México.
• 1977: Anuar Badin cria o filme Los supersabios , baseado em quadrinhos.
• 1983: Roy del espacio
• 2003: Ánima Estudios lança Magos y gigantes, longa metragem mexicana de animação após muitos anos de hiato na indústria do país.

Animação moderna nos Estados Unidos (de 1986 até o presente)

• Sucesso da série animada da Disney: The Disney Afternoon (1985–1997).
• Colaborações de Steven Spielberg com a Warner Bros. Animation (1990–1999).
• O declínio dos desenhos animados nas manhãs de sábado na década de 1990.
• O bloco de animação de fim de noite do Cartoon Network , Adult Swim, torna-se imensamente popular e leva a um ressurgimento da animação adulta curta.
• Filmes "Disney Revival" (2009-2018).

Europa

História da animação estoniana

A animação estoniana começou na década de 1930 e continuou até os dias modernos.

• 1931 - The Adventures of Juku the Dog , primeiro curta-metragem de animação da Estônia
• 1950 - fundação da divisão de animação de fantoches da Tallinnfilm por Elbert Tuganov
• Década de 1970 - fundação da divisão de desenho animado , Joonisfilm , de Rein Raamat

História da animação italiana

• 1914: Primeiro uso de animação stop-motion como efeitos especiais em Cabiria
• 1936: As Aventuras de Pinóquio , inacabadas, consideradas perdidas
• 1949: São lançados os primeiros dois filmes de animação italianos: La Rosa di Bagdad, dirigido por Anton Gino Domeneghini e Os Irmãos Dinamite, dirigido por Nino Pagot
• 1962: Nasce o desenho animado italiano e a indústria ( La Linea , Mio Mao , Calimero ...).
• 1977: O clássico animado italiano, Allegro non troppo , é uma paródia e uma homenagem a Fantasia da Disney ; este é o trabalho mais ambicioso do diretor Bruno Bozzetto e seu terceiro longa-metragem de animação, depois de West and Soda , um Spaghetti Western animado , e VIP my Brother Superman , uma paródia de super-heróis, embora ele também tenha dirigido vários trabalhos curtos notáveis, incluindo Mr. Rossi e os Gafanhotos indicados ao Oscar (Cavallette) .
• 2001: Magic Bloom , o piloto do Winx Club
• 2004: Winx Club , produzido por Rainbow SpA
• 2009: Huntik: Secrets & Seekers
• 2016: Regal Academy

História da animação na Croácia (na ex-Iugoslávia)

• 1953: Zagreb Film inaugura a escola de animação de Zagreb .
• 1975: Škola Animiranog Filma Čakovec (ŠAF) inaugura a escola de animação Čakovec .

Ásia

A animação fazia parte do cinema chinês já na década de 1920, como visto em filmes existentes. Princess Iron Fan (1941), dos irmãos Wan, é considerado o primeiro longa-metragem de animação da China.

Oceânia

História da animação australiana

Veja: Animal Logic , Yoram Gross , Flying Bark Productions

• 1977: Dot and the Kangaroo
• 1979: O pequeno condenado
• 1982: The Seventh Match (também conhecido como Sarah )
• 1984: The Camel Boy
• 1984: Epic: Days of the Dinosaurs (também conhecido como EPIC )
• 1991: The Magic Riddle
• 1992: Blinky Bill: The Mischievous Koala
• 1992: FernGully: The Last Rainforest
• 2000: The Magic Pudding (2000)
• 2006: Happy Feet (co-produção com a América)

História da animação da Nova Zelândia

Veja: Weta Digital

• 1986: Footrot Flats: The Dog's Tale
• 2015: 25 de abril
• 2019: Mosley

meios de comunicação

• Tocar mídia

  A 1921 sequela de Winsor McCay 's " Gertie the Dinosaur ", de 1914, o primeiro desenho animado com animação personalidade

Notas

Referências

Citações

Trabalhos citados

links externos

• Llewellyn, Richard (2013). "Introdução à Cronologia da Animação" . Divots animados de Richard .
• "Lista dos filmes de animação produzidos na Europa" . Animação Europa .
• Herbert, Stephen. "Animação antes do filme" . Roda da Vida .
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