Música indígena da América do Norte - Indigenous music of North America

Escala mais de 5 oitavas
Escala Pentatônica - Dó Maior

Música indígena da América do Norte , que inclui música indígena americana ou música nativa americana , é a música que é usada, criada ou executada por povos indígenas da América do Norte , incluindo índios americanos nos Estados Unidos e povos aborígenes no Canadá , povos indígenas do México e outros países da América do Norte - especialmente a música tribal tradicional , como a música Pueblo e a música Inuit . Além da música tradicional dos grupos nativos americanos, agora existem gêneros pan-indianos e intertribais , bem como subgêneros nativos americanos distintos de música popular, incluindo: rock , blues , hip hop , clássico, música de cinema e reggae , também como estilos populares únicos, como frango scratch e música do Novo México .

Escala Tritônica - E

Características

Canto e percussão são os aspectos mais importantes da música tradicional dos nativos americanos. A vocalização assume muitas formas, desde canto solo e coral até canto responsorial, uníssono e multiparte. Percussão, especialmente bateria e chocalhos, são acompanhamentos comuns para manter o ritmo constante dos cantores, que geralmente usam sua língua nativa ou vocábulos não lexicais (sílabas sem sentido). A música tradicional geralmente começa com batidas lentas e constantes que crescem gradualmente mais rápidas e mais enfáticas, enquanto vários floreios como tremolos de tambor e chocalho , gritos e padrões acentuados adicionam variedade e mudanças de sinal na performance de cantores e dançarinos.

Embora cada grupo nativo americano possa ser caracterizado por seus próprios gêneros e estilos distintos, certos aspectos do estilo podem ser encontrados com semelhanças entre os grupos nativos que teriam sido tribos vizinhas. Essas semelhanças são ainda mais ampliadas quando a música e os instrumentos são compartilhados entre cada tribo, tornando mais fácil encontrar certas características de uso frequente. As melodias geralmente consistem em uma escala mais simples do que a escala clássica de oito tons da cultura oriental, frequentemente encontrando-se na escala pentatônica ou tritônica .

A voz pode variar de um som tenso, nasal ou relaxado e consiste em timbres mais altos especificamente para vocalistas masculinos, onde o falsete é comum. O vibrato vocal, quando ocorre, é uma pulsação rápida de diferentes tons como um efeito mais ornamental. Os padrões rítmicos freqüentemente podem ser encontrados em metros de dois ou três e são responsáveis ​​pelos ritmos vocais e sincopação para incorporá-los ao padrão. Os padrões de chamada e resposta são comuns nas partes vocais e o ostinato também pode ser incluído na parte da percussão.

Os tambores consistem em tipos que variam de tambores de uma cabeça, duas cabeças e tambores de chaleira. Outros instrumentos de percussão consistem em chocalhos e agitadores, feitos de coisas como cascas de tartarugas. Além de instrumentos de percussão e vocais, um som comum na música nativa americana é a instrumentação como flautas, apitos e outros instrumentos que produzem som a partir da respiração do músico. (Cornetas, flautas, etc.) Instrumentos com cordas que podem ser tocadas, dedilhadas ou dobradas incluem aqueles como o arco musical que se originou nas Américas, mas não aparecem com frequência na música indígena contemporânea. Outros instrumentos de corda incluem violões e violinos nativos, cuja estrutura e composição variam de tribo para tribo.

Um estudo realizado em 2016 analisou as características musicais da música indígena em relação aos contextos sociais e sujeitos líricos. Ao analisar mais de 2.000 canções da coleção de música nativa de Frances Densmore , o estudo foi capaz de encontrar até mesmo a relação entre assuntos como amor em canções e variedade de tom e tessitura . As canções de amor podiam ser caracterizadas com altas tessituras e melodias amplas, com intervalos e intervalos maiores. Em muitos casos, eles também são considerados "tristes" - relacionados à partida, perda ou saudade. Isso explica a relação entre o tema lírico e o movimento melódico relativamente lento e a baixa dinâmica. Músicas de jogos de esconder, como aquelas associadas a "jogos de mocassim, mão e esconderijo ou esconder ossos", foram encontradas com uma duração média significativamente baixa e pequena amplitude e variedade de pitch. Eles também descobriram que as "canções de cura", e sua característica de uma faixa estreita e de repetição comparativamente aumentada de notas baixas, provavelmente tinham a intenção de criar um som suave que aliviaria o desconforto no caso de uma canção de cura ser cantada. Com relação à música de pessoas específicas, eles descobriram que as canções da natureza Yuman costumam ter um pequeno alcance, um movimento melódico descendente e motivos musicais repetidos com frequência. A coleção Densmore também caracteriza as canções de guerra como tendo uma gama mais ampla, registro mais alto e maior diversidade em duração e tom. Em comparação, as canções de dança também têm essas distinções, embora possam ser encontradas no sentido oposto, já que as canções de dança costumam ser encontradas com registros mais baixos. As canções de dança também são semelhantes às canções de animais em extensão, variedade de tom e registro primário.

Este estudo também mantém uma visão significativa de que muitas dessas características, ("altura do tom, andamento, dinâmica e variabilidade,") têm uma relação direta com a resposta emocional, trazendo essa resposta independentemente da cultura, o que significa que características semelhantes de uma cultura a música e sua função serão freqüentemente encontradas em outras culturas para a mesma função. É assim que Shanahan, Neubarth e Conklin foram capazes de usar a coleção de Densmore de mais de 2.000 canções para criar uma análise de comparação entre o assunto e a característica musical.

Textos e fontes de canções

Os textos das canções dos nativos americanos incluem peças públicas e canções secretas, ditas "antigas e imutáveis", que são usadas apenas para fins sagrados e cerimoniais. Existem também canções sacras públicas, bem como discursos rituais que às vezes são percebidos como musicais devido ao uso do ritmo e da melodia. Esses discursos rituais muitas vezes descrevem diretamente os eventos de uma cerimônia e as razões e ramificações da noite.

Vocábulos , ou sílabas lexicamente sem sentido, são uma parte comum de muitos tipos de canções nativas americanas. Eles freqüentemente marcam o início e o fim das próprias frases, seções ou canções. Freqüentemente, as canções fazem uso frequente de vocábulos e outros elementos intraduzíveis. As canções traduzíveis incluem canções históricas, como o Navajo " Shi 'naasha' , que celebra o fim do internamento Navajo em Fort Sumner, Novo México em 1868. Canções com bandeiras tribais e hinos nacionais também são uma parte importante do corpus musical nativo americano e são um iniciador frequente em cerimônias públicas, especialmente powwows . A música nativa americana também inclui uma variedade de canções de cortejo , canções de dança e canções populares americanas ou canadenses, como " Amazing Grace ", " Jambalaya " e " Sugar Time ". Muitas canções celebram colheita, época de plantio ou outras épocas importantes do ano.

Papel social

Bateristas da United Indians of All Tribes Foundation no Seafair Indian Days Pow Wow , Centro Cultural Daybreak Star , Seattle , Washington

A música nativa americana desempenha um papel vital na história e na educação, com cerimônias e histórias transmitindo oralmente os costumes ancestrais para as novas gerações. Tradicionalmente, diz-se que a música cerimonial nativa americana se origina de divindades ou espíritos, ou de indivíduos particularmente respeitados. Os rituais são moldados por cada aspecto de uma música, dança e figurino, e cada aspecto informa sobre os "fabricantes, usuários e símbolos importantes para a nação, tribo, aldeia, clã, família ou indivíduo". Os nativos americanos apresentam histórias por meio de canções, música e dança, e os fatos históricos assim propagados são parte integrante das crenças dos índios americanos. Lendas épicas e histórias sobre heróis culturais fazem parte das tradições musicais tribais, e esses contos costumam ser parte icônica da cultura local. Eles podem variar ligeiramente de ano para ano, com líderes recombinados e introduzindo pequenas variações. O Pueblo compõe uma série de novas canções a cada ano em um comitê que usa sonhos e visões.

Alguns nativos americanos vêem as canções como uma 'propriedade' pertencente à tribo ou indivíduo que primeiro as percebeu. Por exemplo, se um indivíduo recebeu a música em um sonho ou visão, a música pertenceria a esse indivíduo e esse indivíduo teria o poder de dar a música a outro. Em outros casos, a música seria propriedade dos povos que a originaram.

Os estilos e propósitos da música variam muito entre e entre cada tribo nativa americana. No entanto, um conceito comum entre muitos grupos indígenas é uma fusão de música e poder. Por exemplo, o povo Pima sente que muitas de suas canções foram dadas no início e cantadas pelo Criador. Acreditava-se que algumas pessoas tinham mais inclinação para o talento musical do que outras por causa do poder peculiar de um indivíduo.

Gênero

Chocalhos nas pernas de tartaruga das mulheres do sudeste, ca. 1920, coleção do Oklahoma History Center

Em várias comunidades indígenas americanas, o gênero desempenha um papel importante na música. Homens e mulheres desempenham papéis específicos do sexo em muitas atividades musicais. Instrumentos, canções e danças são frequentemente particulares a um ou outro sexo, e muitos ambientes musicais são estritamente controlados pelo sexo. Nos powwows modernos, as mulheres desempenham um papel vital como cantoras e dançarinas de apoio. O povo Cherokee , por exemplo, dançam antes dos jogos de stickball . Nestes eventos pré-jogo, homens e mulheres executam danças separadas e seguem regulamentos separados. Os homens vão dançar em círculo ao redor de uma fogueira, enquanto as mulheres dançam no mesmo lugar. Os homens cantam suas próprias canções, enquanto as mulheres têm suas canções cantadas por um ancião . Enquanto as canções masculinas invocam poder, as canções femininas desviam o poder do time adversário de stickball. Em algumas sociedades, existem costumes em que certos tambores cerimoniais devem ser tocados apenas por homens. Para os índios das planícies do sul, acredita-se que o primeiro tambor foi dado a uma mulher pelo Grande Espírito, que a instruiu a compartilhá-lo com todas as mulheres das nações nativas. No entanto, também existem proibições contra as mulheres sentadas no Beg Drum.

Muitas culturas musicais tribais apresentam relativa escassez de canções e danças femininas tradicionais, principalmente nas regiões Nordeste e Sudeste. O Sudeste é, no entanto, que abriga a tradição musical um proeminente das mulheres no uso de chocalhos perna para cerimoniais Stomp e amizade danças e cânticos das mulheres durante Cavalo e bola de jogo concursos. As tribos da costa oeste da América do Norte tendem a mais destaque na música das mulheres, com as mulheres especiais canções de amor , canções medicina e handgame canções; o sudoeste é particularmente diversificado em ofertas musicais femininas, com importantes papéis cerimoniais, instrumentais e sociais nas danças. As mulheres também desempenham um papel cerimonial vital na Dança do Sol nas Grandes Planícies e na Grande Bacia, e cantam durante as danças sociais. As mulheres Shoshone ainda cantavam as canções da Ghost Dance na década de 1980.

História

Música e história estão intimamente ligadas na vida dos nativos americanos. A história de uma tribo é constantemente contada e recontada através da música, que mantém viva uma narrativa oral da história. Essas narrativas históricas variam amplamente de tribo para tribo e são parte integrante da identidade tribal. No entanto, sua autenticidade histórica não pode ser verificada; além de suposições e algumas evidências arqueológicas, a documentação mais antiga da música nativa americana veio com a chegada de exploradores europeus. Instrumentos musicais e pictogramas representando música e dança datam do século VII. No entanto, evidências arqueológicas mostram que os instrumentos musicais na América do Norte datam pelo menos do período arcaico (cerca de 8.000-1.000 aC), que inclui instrumentos como chocalhos de casco de tartaruga.

Bruno Nettl se refere ao estilo da área da Grande Bacia como o estilo mais antigo e comum em todo o continente antes da Mesoamérica, mas continuou apenas na Grande Bacia e nos gêneros de canções de ninar, jogos de azar e contos em todo o continente. Um estilo com técnica vocal relaxada e ascensão pode ter se originado no México mesoamericano e se espalhado para o norte, particularmente nas áreas musicais da Califórnia-Yuman e do Oriente. De acordo com Nettl, esses estilos também apresentam simplicidade rítmica "relativa" na bateria e percussão, com material isométrico e escalas pentatônicas no canto, e motivos criados de seções mais curtas para outras mais longas.

Enquanto esse processo ocorria, três estilos asiáticos podem ter influenciado a música norte-americana no Estreito de Bering, todos apresentando uma técnica vocal pulsante e possivelmente evidente em tribos paleo-siberianas recentes, como Chuckchee, Yukaghir, Koryak. Além disso, eles podem ter influenciado as áreas de Plains-Pueblo, Athabascan e Inuit-Northwest Coast. De acordo com Nettl, a fronteira entre essas influências para o sul e para o norte acima são as áreas de maior complexidade musical: a costa noroeste, música Pueblo e música Navajo. As evidências de influências entre a costa noroeste e o México são indicadas, por exemplo, por apitos em forma de pássaros. A área de Plains-Pueblo influenciou e continua a influenciar as culturas vizinhas, com músicos contemporâneos de todas as tribos aprendendo gêneros pantribais influenciados por Plains-Pueblo, como canções do peiote.

Influência

Durante sua estada nos Estados Unidos, o compositor Antonín Dvořák afirmou que o futuro da voz americana na música residia na música afro-americana e nativa americana, e apoiou seu crescimento nos Estados Unidos. Ele tinha como objetivo descobrir a "música americana" e convocou Os compositores americanos devem buscar essas culturas musicais em busca de estudo e inspiração. (Embora as raízes musicais do nativo americano e do afro-americano sejam bastante diferentes, eles compartilham características semelhantes, como melodias pentatônicas e ritmos complexos.)

Neste estudo do som americano, ele escreveu:

"A música do povo é como uma flor rara e adorável crescendo em meio a ervas daninhas. Milhares passam por ela, enquanto outros a pisam, e assim as chances são de que ela pereça antes de ser vista por aquele espírito discriminador que irá apreciá-la acima de tudo."

Durante esse tempo, ele também escreveu sua Sinfonia nº 9, Do Novo Mundo , que se tornaria um de seus maiores sucessos.

Antes da apresentação da sinfonia, ele deixou claro o fato de que 'a obra foi escrita sob a influência direta de um estudo sério da música nacional dos índios norte-americanos'. Embora nessa época, Dvořák tivesse a impressão de que a música nativa americana era mais semelhante à música afro-americana do que realmente era, devido à presença de melodias pentatônicas nas canções de cada cultura.

Estudo acadêmico

As evidências arqueológicas da música nativa americana datam do período arcaico (cerca de 8000–1000 aC). No entanto, a documentação escrita mais antiga vem da chegada de exploradores europeus ao continente americano, e as primeiras pesquisas acadêmicas vêm do final do século XIX. Durante esse período, os primeiros musicólogos e folcloristas coletaram e estudaram a música nativa americana e propuseram teorias sobre os estilos indígenas.

Gravação de Densmore Blackfoot Chief, 1916

No início do século 20, uma pesquisa mais sistemática começou. Foi liderado por musicólogos comparativos como Frances Densmore , Natalie Curtis , George Herzog e Helen Heffron Roberts . Densmore foi o mais prolífico da época, publicando mais de cem trabalhos sobre música nativa americana. Quando criança, Densmore ganhou uma apreciação pela música indígena ouvindo os povos Dakota , e ao longo de sua vida foi capaz de gravar mais de mil canções executadas por nativos americanos em mais de cinquenta anos, começando em 1907. Uma distinção que torna seu trabalho tão valioso, é que muitas de suas gravações foram conduzidas com indivíduos mais idosos, com pouca influência da tradição musical ocidental, e envolvem uma gama impressionante de origem geográfica. Muitas das gravações que ela fez agora estão guardadas na Biblioteca do Congresso para pesquisadores e delegações tribais.

Mais recentemente, desde a década de 1950, a música indígena americana tem feito parte da pesquisa etnomusicológica, estudada por Bruno Nettl , William Powers e David McAllester , entre outros.

Áreas de música

Nettl usa as seguintes áreas musicais que coincidem aproximadamente com as áreas culturais de Wissler, Kroeber e Driver : Inuit-Northwest coast, Great Basin, California-Yuman, Plains-Pueblo, Athabascan e Eastern.

Sudoeste

Chasi, um músico Apache de Warm Springs tocando violino Apache, 1886, foto de A. Frank Randall

Os nativos americanos do sudoeste dos Estados Unidos limitaram-se a idiofones e aerofones como meios para a produção de som datada do século VII. Os idiofones aplicáveis ​​incluíam: ressonadores de prancha, tambores com pés , pedras de percussão , idiofones sacudidos , chocalhos de vasos e sinos de cobre e argila . Os aerofones aplicáveis ​​incluíam bullroarers , apitos e flautas decomponíveis, apitos de ressonador de argila, trombetas de concha e instrumentos de junco pré-históricos . A flauta de madeira teve um significado particular.

Árido sudoeste americano é o lar de duas grandes agrupamentos de culturas estreitamente relacionados, o Pueblo e Athabaskan . As tribos Athabaskan Navajo e Apache do sul cantam em vocais nasais no estilo das planícies com monofonia não combinada, enquanto os Pueblos enfatizam um estilo monofônico relaxado, de gama baixa e altamente mesclado. As canções de Athabaskan são rápidas e usam tambores ou chocalhos , bem como um instrumento único nesta área, o violino Apache , ou "Tsii'edo'a'tl" que significa "madeira que canta" na língua apache .

As canções Pueblo são complexas e meticulosamente detalhadas, geralmente com cinco seções divididas em quatro ou mais frases caracterizadas por fórmulas introdutórias e cadenciais detalhadas. Elas têm um andamento muito mais lento do que as canções de Athabaskan e usam vários instrumentos de percussão como acompanhamento.

Piute Game Song destina-se a acompanhar a ação do jogo que está sendo jogado.

Nettl descreve a música Pueblo, incluindo Hopi , Zuni , Taos Pueblo , San Ildefonso Pueblo , Santo Domingo Pueblo e muitas outras, como uma das mais complexas do continente, apresentando comprimento e número de tons de escala aumentados ( hexatônico e heptatônico comum), variedade de forma, contorno melódico e acompanhamento percussivo, varia entre uma oitava e uma décima segunda, com complexidade rítmica igual à subárea Plains. Ele cita os Kachina músicas dançantes como a mais canções complexas e Hopi e Zuni material como o mais complexo do Pueblo, enquanto Tanoan e Keresan música é simples e intermediária entre as planícies e Pueblos ocidental. A música dos Pima e Tohono O'odham é intermediária entre as áreas musicais Plains-Pueblo e California-Yuman, com movimento melódico do Yuman, embora incluindo a ascensão , a forma e o ritmo do Pueblo.

Ele descreve Southern Athabascan música, a do Apache e Navajo, como o mais simples ao lado do estilo Great Basin, com forma estrófica , vocais tensos através da utilização de pulsação e falsete , tritonic e tetratonic escalas em tríade formação, ritmos simples e valores de duração limitada ( geralmente apenas dois por música), contornos melódicos do tipo arco e grandes intervalos melódicos com uma predominância de terças maiores e menores e quartas e quintas perfeitas com saltos de oitava não raros. As canções peiote compartilham características da música Apache e da música Plains-Pueblo, promovidas entre as planícies pelo povo Apache.

Ele descreve as características estruturais da música Califórnia-Yuman, incluindo a de Pomo, Miwak, Luiseno, Catalineno e Gabrielino, e as tribos Yuman, incluindo Mohave, Yuman, Havasupai, Maricopa, usando o aumento em quase todas as canções, um técnica vocal não pulsante relaxada (como música clássica europeia), uma quantidade relativamente grande de material isorítmico, algumas tendências isorrítmicas, ritmos simples, escalas pentatônicas sem semitons, uma faixa melódica média de uma oitava, sequência e figuras sincopadas , como uma semicolcheia , figura de oito notas, semicolcheia. A forma de ascensão usada varia em toda a área, geralmente sendo ritmicamente relacionada à seção anterior sem ascensão, mas diferindo no material melódico ou tom. O aumento não pode ser maior do que o tom mais alto da seção original, mas conterá um número muito maior de tons mais altos. Na Califórnia, o não-aumento é geralmente uma frase reiterada, o aumento sendo a frase transposta uma oitava acima, os Yumans usam um não-aumento de longas seções repetidas, cada um consistindo de várias frases, o aumento sendo de três a cinco frases executadas apenas uma vez, e no sul da Califórnia as duas formas anteriores e progressivas são encontradas. Um instrumento tipicamente californiano é o clapper stick , um instrumento de percussão feito pela divisão de um galho de sabugueiro usado para acompanhar cantores e dançarinos.

Hoje, no sul da Califórnia, a música tradicional do Cahuilla é mantida viva na execução das canções dos pássaros. As canções dos pássaros são um ciclo de canções que descreve a história da migração do povo Cahuilla para o sul e também contém lições sobre a vida e outros tópicos. Ao todo, são mais de 300 peças musicais, tradicionalmente executadas em uma sequência específica. As apresentações dos cantos dos pássaros começavam ao anoitecer e terminavam ao amanhecer, todas as noites durante uma semana, até que o ciclo de canções terminasse. Como tal, destreza física e vocal eram atributos muito procurados pelos performers.

Florestas Orientais

Chocalho de tartaruga masculino, feito por Tommy Wildcat ( Cherokee - Muscogee - Natchez

Habitando uma ampla faixa dos Estados Unidos e do Canadá, os povos indígenas do Eastern Woodlands , de acordo com Nettl, podem ser distinguidos pela antifonia ( canto do estilo de chamada e resposta ), o que não ocorre em outras áreas. Seu território inclui as regiões Marítima do Canadá , Nova Inglaterra , Meio-Atlântico dos EUA , Grandes Lagos e Sudeste . As canções são ritmicamente complexas, caracterizadas por frequentes mudanças métricas e uma estreita relação com a dança ritual . Flautas e apitos são instrumentos solo, e uma grande variedade de tambores, chocalhos e baquetas são tocadas. Nettl descreve a área da música oriental como a região entre o rio Mississippi e o Atlântico . Os estilos mais complexos são os de Southeastern Creek, Yuchi , Cherokee, Choctaw , Iroquois e seu grupo linguístico, sendo o estilo mais simples o do grupo linguístico algonquiano , incluindo Delaware e Penobscot . Os Shawnee de língua algonquina têm um estilo relativamente complexo influenciado pelas tribos do sudeste vizinhas.

As características de toda essa área incluem frases iterativas curtas; revertendo relacionamentos; gritos antes, durante e depois de cantar escalas pentatônicas anemitônicas ; ritmos e métricas simples e, de acordo com Nettl, técnicas antifonais ou responsórias, incluindo " polifonia imitativa rudimentar ". O movimento melódico tende a diminuir gradualmente em toda a área e os vocais incluem uma quantidade moderada de tensão e pulsação.

Planícies

Estendendo-se por todo o meio - oeste americano até o Canadá, a música da área das planícies é nasal , com tons altos e falsetes frequentes , com uma descida em terraço (uma descida passo a passo até uma oitava ) em uma monofonia não misturada . As estrofes usam repetição incompleta , o que significa que as canções são divididas em duas partes, sendo que a segunda é sempre repetida antes de voltar ao início.

Tambores de pele dupla-face grandes são característicos das tribos das Planícies, e flautas soladas (flageolet) também são comuns.

Nettl descreve os índios das planícies centrais , do Canadá ao Texas: Blackfoot, Crow, Dakota, Cheyenne, Arapaho, Kiowa e Comanche, como a subárea mais típica e simples da área musical Plains-Pueblo. A música desta área é caracterizada por extrema tensão vocal, pulsação, preferência melódica por quartas perfeitas e uma gama média de um décimo, complexidade rítmica e frequência aumentada de escalas tetratônicas . As músicas do Arapaho e Cheyenne intensificam essas características, enquanto as tribos do norte, especialmente a música Blackfoot , apresentam um material mais simples, faixas melódicas menores e menos tons de escala.

A música Nettl Arapaho inclui canções cerimoniais e seculares, como a ritualística Dança do Sol , realizada no verão, quando as várias bandas do povo Arapaho se reuniam. As canções tradicionais Arapaho consistem em duas seções exibindo uma descida em terraço, com uma extensão maior que uma oitava e escalas entre quatro e seis tons. Outras canções cerimoniais eram recebidas em visões ou ensinadas como parte das iniciações de um homem em uma sociedade para sua faixa etária. As canções seculares incluem uma série de danças sociais, como as danças de três metros e canções para inspirar guerreiros ou façanhas recentes. Também há canções que dizem ser ensinadas por um espírito guardião, que devem ser cantadas apenas quando o destinatário está próximo da morte.

Grande bacia

A música da Grande Bacia é simples, discreta e ornamentada, caracterizada por melodias curtas com um intervalo menor do que uma oitava , monofonia moderadamente mesclada , vocais relaxados e abertos e, o mais incomum, estrutura de frase emparelhada, na qual uma frase melódica se repetia duas vezes, é alternado com uma a duas frases adicionais. Uma música deste tipo pode ser diagramada da seguinte forma: AA BB CC AA BB CC, etc.

Nettl descreve a música da Grande Bacia escassamente povoada, incluindo a maior parte do deserto de Utah e Nevada (Paiute, Ute, Shoshoni) e parte do sul do Oregon (Modoc e Klamath), como "extremamente simples", apresentando faixas melódicas com média quase perfeita quinto, muitas escalas tetratônicas e formas curtas. A maioria das músicas é iterativa com cada frase repetida uma vez, embora músicas ocasionais com várias repetições sejam encontradas. Muitas canções Modoc e Klamath contêm apenas uma frase repetida e muitas de suas escalas apenas duas a três notas (ditônica ou tritônica). Este estilo foi levado para as Grandes Planícies pela religião Ghost Dance, que se originou entre os Paiute, e muito freqüentemente apresenta padrões de frases emparelhadas e um estilo vocal descontraído e não pulsante. Herzog atribui as canções de ninar, histórias de canções e canções de jogo igualmente simples encontradas em todo o continente historicamente à música da Grande Bacia, que foi preservada por meio de relativo isolamento cultural e baixa população.

Costa noroeste

Vocais abertos com monofonia são comuns no noroeste do Pacífico e na Colúmbia Britânica , embora a polifonia também ocorra (esta é a única área da América do Norte com polifonia nativa). Intervalos cromáticos que acompanham longas melodias também são característicos, e os ritmos são complexos e declamatórios, derivados da fala. A instrumentação é mais diversa do que no resto da América do Norte e inclui uma grande variedade de apitos, flautas, trompas e instrumentos de percussão.

Nettl descreve a música dos Kwakwaka'wakw , Nuu-chah-nulth , Tsimshian , Makah e Quileute como algumas das mais complexas do continente, com a música das nações Salish ( Nlaka'pamux , Nuxálk e Sliammon , e outros diretamente a leste das tribos do noroeste) como sendo intermediários entre essas tribos da costa noroeste e a música inuit. A música das tribos Salish, e mais ainda da costa noroeste, intensifica as características significativas da música Inuit, veja abaixo, no entanto, seu movimento melódico é frequentemente do tipo pêndulo ("saltando em intervalos amplos de um limite da faixa para o outro "). A música da costa noroeste também "está entre as mais complicadas do continente, especialmente no que diz respeito à estrutura rítmica", apresentando padrões rítmicos intrincados distintos, mas relacionados à melodia vocal e à percussão rígida. Ele também relata o uso não registrado de polifonia incipiente na forma de drones ou intervalos paralelos, além das formas antifonal e responsorial. Os vocais são extremamente tensos, produzindo contraste dinâmico, ornamentação e pulsação, e também frequentemente usando vários acentos repentinos em um tom controlado.

ártico

Os Inuit do Alasca , Territórios do Noroeste , Território Yukon , Nunavut e Groenlândia são bem conhecidos por seu canto gutural , um método incomum de vocalização encontrado apenas em algumas culturas em todo o mundo. A forma tradicional Inuit de canto gutural geralmente envolve duas mulheres em uma posição face a face, onde uma artista define um padrão rítmico com sons sonoros ou não sonoros, e a outra preenche as lacunas do ritmo com esses sons. Esses sons são muito diferentes do canto gutural em Tuvan , que inclui tons de assobio e sons nasais, mas mais proeminentemente um som de 'rosnado' baixo. Em vez disso, eles produzem sons por meio da inalação ou exalação, na maioria das vezes uma mistura de ambos em ritmo acelerado, produzindo um desempenho musical atlético. O canto na garganta é usado como base para um jogo entre os Inuit, onde cada artista tenta manter seu ritmo e ritmo do dueto sem falhar. O vencedor deste jogo é aquele que venceu o maior número de pessoas nestas competições. Melodias estreitas e efeitos declamatórios são comuns, como no noroeste. Notas repetidas marcam o fim das frases. Tambores de caixa , que são encontrados em outros lugares, são comuns, assim como um tambor de mão parecido com um pandeiro . Além disso, os povos do Ártico usavam o rugido para brinquedos infantis ou para um ritual que endurecia a neve para facilitar as viagens. Nettl descreve a música "esquimó" como uma das mais simples do continente, listando características incluindo canto recitativo, organização rítmica complexa, intervalo melódico relativamente pequeno com média de cerca de um sexto, destaque de terças maiores e segundos menores melodicamente, com movimento melódico ondulante.

Música intertribal

The Wake Singers, banda de músicos Oglala Lakota

Muitos gêneros musicais abrangem várias tribos. O pan-tribalismo é a adoção sincrética de tradições de comunidades estrangeiras. Desde a ascensão dos Estados Unidos e Canadá, os nativos americanos forjaram uma identidade comum e inventaram a música pan-indiana, incluindo powwows , canções de peiote e a Dança Fantasma .

A Ghost Dance espalhou-se pelas tribos das planícies na década de 1890 e muitas canções são cantadas hoje. Eles são caracterizados por vocais relaxados e uma faixa estreita. As canções de peiote derivadas do Apache , orações na Igreja Nativa Americana , usam uma melodia descendente e monofonia. São usados chocalhos e tambores de água , em um ritmo veloz. A Dança do Sol e a Dança da Grama das planícies são as raízes dos powwows intertribais, que apresentam música com descida em terraço e vocais nasais, ambos traços característicos da Planície.

Um exemplo de música intertribal é a AIM Song , que usa vocábulos para torná-la acessível a pessoas de todas as tribos. No entanto, devido às suas origens dos povos Lakota e Ojibwe, ainda mantém algumas características das Planícies do Norte e Grandes Lagos.

John Trudell ( Santee Dakota ) lançou um novo gênero de poesia falada na década de 1980, começando com Aka Graffiti Man (1986). A próxima década viu mais inovações na música popular nativa americana, incluindo Robbie Robertson (da banda ) lançando uma trilha sonora para um documentário, Music for the Native Americans , que teve sucesso limitado no mainstream, bem como Verdell Primeaux e Johnny Mike 's modernizados canções de peiote , que eles começaram a experimentar em Sacred Path: Healing Songs of the Native American Church .

Waila (ou música scratch de galinha de Tohono O'odham ) ganhou artistas como os Joaquin Brothers fama em comunidades indígenas americanas, enquanto equipes de hip hop como WithOut Rezervation e Robby Bee & the Boyz From the Rez ( Reserva de Educação ) têm uma característica distinta Os nativos americanos floresceram no hip hop. No século 21, a luz principal da música contemporânea nativa americana foi Martha Redbone, cujos álbuns premiados Home of the Brave (2002) e Skintalk (2005) incorporaram tanto a música tradicional quanto as referências culturais em uma mistura de soul, funk, rock e jazz que alcançou públicos em toda a Europa e Japão, bem como nas comunidades urbanas dos Estados Unidos. Enquanto isso, jovens músicos nativos como Red Earth (ver "Zia Soul" (2003) ), DJ Abel , Derek Miller , Ethnic DeGeneration , War Water e Casper estão produzindo excelente música underground (que vai do hip-hop ao funk ao reggae e metal) desafiando estereótipos de povos nativos (sem suporte de rótulo).

A ópera indiana americana é uma tradição musical intertribal, criada quando Gertrude Bonnin , uma ativista do Yankton Dakota , colaborou com um compositor clássico William Hanson para criar a ópera Sun Dance em 1913. A cantora de ópera mezzo-soprano da Cherokee Nation , Barbara McAlister atuou em muitas óperas trupes e cantou na Metropolitan Opera House de Nova York . A banda Brulé Lakota Brulé e a American Indian Rock Opera criam apresentações musicais contemporâneas em grande escala, incluindo "Concerto para Reconciliação das Culturas".

Flauta nativa americana

Uma flauta Yuchi tradicional .

A flauta nativa americana alcançou certa fama por seu som distinto, usado em uma variedade de gravações de new age e world music . Sua música era usada em rituais de namoro , cura , meditação e espirituais.

O final dos anos 1960 viu um renascimento das raízes centrado na flauta, com uma nova onda de flautistas e artesãos como Doc Tate Nevaquaya ( Comanche ) e Carl Running Deer . Flautistas nativos americanos notáveis ​​e premiados incluem: Mary Youngblood , Kevin Locke , Charles Littleleaf , Jay Red Eagle , Robert Tree Cody , Robert Mirabal , Joseph Firecrow e Jeff Ball . Tommy Wildcat é um flautista contemporâneo que faz as tradicionais flautas de cana-de-rio Cherokee . De especial importância é R. Carlos Nakai ( Changes , 1983), que alcançou o status de disco de ouro e credibilidade mainstream por sua mistura da flauta com outros gêneros contemporâneos.

A flauta nativa americana é a única flauta no mundo construída com duas câmaras de ar - há uma parede dentro da flauta entre a câmara de ar superior (lenta) e a câmara inferior que tem o apito e os orifícios para os dedos. A câmara superior também serve como ressonador secundário, o que dá à flauta seu som característico. Há um orifício na parte inferior da câmara de ar "lenta" e um orifício (geralmente) quadrado no topo da câmara de jogo. Um bloco (ou "pássaro") com um espaçador é amarrado no topo da flauta para formar uma corrente de ar fina e plana para o buraco do apito (ou "janela"). Algumas flautas mais modernas usam um entalhe no bloco ou na flauta para eliminar a necessidade de um espaçador.

A "tradicional" flauta nativa americana foi construída usando medidas baseadas no corpo - o comprimento da flauta seria a distância da axila ao pulso, o comprimento da câmara de ar superior seria a largura de um punho, a distância do apito até o primeiro orifício também tem a largura do punho, a distância entre os orifícios seria a largura de um polegar e a distância do último orifício até o final seria geralmente a largura do punho. Ao contrário da música ocidental, a música tradicional dos índios americanos não tinha referência de tom padrão, como A440 , portanto, as flautas não eram padronizadas para o tom.

Flautas históricas de nativos americanos são geralmente afinadas a uma variação da escala pentatônica menor (como você tocaria as teclas pretas em um piano), o que dá ao instrumento seu som lamentoso distinto. Recentemente, alguns fabricantes começaram a experimentar escalas diferentes, dando aos jogadores novas opções melódicas. Além disso, as flautas modernas geralmente são afinadas em tons de concerto (como A ou D) para que possam ser tocadas facilmente com outros instrumentos. As notas fundamentais das flautas nativas americanas modernas abrangem uma faixa de cerca de três oitavas e meia, de C2 a A5.

As flautas nativas americanas geralmente têm 5 ou 6 orifícios, mas os instrumentos podem ter desde nenhum orifício até sete (incluindo um orifício para o polegar). Vários fabricantes empregam diferentes escalas e dedilhados para suas flautas.

Algumas flautas nativas americanas modernas são chamadas de flautas "drone" e são duas (ou mais) flautas construídas juntas. Geralmente, a câmara do drone toca uma nota fixa que a outra flauta pode tocar em harmonia.

Bateria

Tambor e baquetas em repouso

A bateria é altamente influente na música indígena americana. Diferentes tribos têm diferentes tradições sobre seus tambores e como tocá-los. Para tambores maiores do tipo dance ou powwow, a construção básica é muito semelhante na maioria das tribos: uma moldura de madeira ou um tronco entalhado e oco, com pele de veado crua ou pele de alce esticada através da abertura por correias de tendões. Tradicionalmente, os tambores dos índios americanos são grandes, com 60 a 90 centímetros de diâmetro, e são tocados em comunidade por grupos de cantores que se sentam ao redor deles em um círculo. Para tambores de mão menores de um lado, uma estrutura ou concha mais fina é usada e uma superfície de couro cru é amarrada em apenas um lado, com laços no outro. Outros tipos incluem dois estilos básicos de tambores de água: o tipo Iroquois e o tipo Yaqui. O tambor de água iroquesa é um pequeno recipiente de madeira em forma de copo, com água dentro e uma pele curtida umedecida esticada na abertura superior; a umidade e a rigidez da pele curtida produzem mudanças no tom à medida que o tambor de água é tocado ao longo do tempo. O tipo de tambor de água Yaqui é, na verdade, uma meia cabaça, grande em tamanho, que flutua em uma banheira de água como uma bolha na superfície; a superfície redonda externa da cabaça é batida com uma baqueta, e as vibrações são amplificadas usando o tubo de água como ressonador.

Outro tipo de tambor chamado tambor de foi encontrado em vários sítios arqueológicos nativos americanos do sudoeste e centro da Califórnia habitados, ou formalmente habitados, pelas tribos de índios Miwok , Maidu , Nahua e Hopi . Esses tambores eram frequentemente troncos ocos de seção transversal em semicírculo colocados sobre poços 'ressonantes' cobertos de madeira, posicionados de acordo com o costume em kivas ou casas de dança. Os tambores eram tocados batendo-se no topo do tronco oco com os postes da estrutura usados ​​para estabilizar.

Prêmios

O dedicado Native American Music Awards , que propôs com sucesso o Prêmio Grammy de Melhor Álbum de Música Nativa Americana, foi lançado em 1998 e continua a ser realizado anualmente. O Native American Music Awards ou NAMA foi o primeiro programa de premiação nacional para música nativa americana na América do Norte. Os prêmios nasceram da necessidade de um maior reconhecimento para as iniciativas musicais dos índios americanos e continuam sendo a maior organização profissional baseada em membros do mundo.

De 2001 a 2011, o American Grammy Awards apresentou um prêmio anual de Melhor Álbum de Música Nativa Americana , e o Canadian Juno Awards apresentou um prêmio anual de Gravação Aborígine do Ano . Em 6 de abril de 2011, foi anunciado que o Prêmio Grammy de Melhor Álbum de Música Nativa Americana seria mesclado com as categorias de Melhor Álbum de Música Havaiana e Melhor Álbum de Música Zydeco ou Cajun em uma nova categoria, Melhor Álbum de Música Regional Roots . Essa mudança foi parte de uma reestruturação massiva das categorias do Grammy.

Amostras

  • Mídia: Bice'waan_Song.ogg é uma gravação da Biblioteca do Congresso , coletada por Alice Cunningham Fletcher e Francis La Flesche e publicada em 1897. O cantor é George Miller, que provavelmente nasceu por volta de 1852. Foi descrito como: " A verdadeira canção de amor, chamada pelo Omaha Bethae waan, uma designação antiga e não um nome descritivo, é cantada geralmente nas primeiras horas da manhã, quando o amante mantém seu encontro amoroso e espera que a donzela saia da tenda e vá para a primavera. Eles pertencem ao namoro secreto e às vezes são chamados de Me-the-g'thun wa-an - canções de namoro ... Eles eram cantados sem tambor, sino ou chocalho, para acentuar o ritmo em que essas canções são subordinado à tonalidade e é sentido apenas nas frases musicais ... As vibrações com o propósito de dar maior expressão não eram apenas afetadas pelo tremolo da voz, mas eram realçadas pelo aceno da mão ou um borrifo de artemésia antes do lábios, enquanto o corpo muitas vezes balançava suavemente ao ritmo hm da canção (Fletcher, 1894, p. 156). "
  • Baixe a gravação de Ghost Dance e música de jogo dos Nativos Americanos Paiute e Arapaho da Biblioteca do Congresso, Emile Berliner e a coleção do Nascimento da Indústria da Gravação ; realizada por James Mooney (possivelmente junto com Charles Mooney; nenhum dos dois é considerado nativo americano) em 5 de julho de 1894

Veja também

Notas

Referências

  • Browner, Tara (2009), Música das Primeiras Nações: Tradição e Inovação na América do Norte Nativa , University of Illinois Press, ISBN 9780252022210
  • Crawford, Richard (2001). Vida musical da América . Nova York: WW Norton & Company. ISBN 0-393-04810-1.
  • Herndon, Marcia (1980). Música nativa americana . Norwood, Pensilvânia: Norwood Editions.
  • Means, Andrew (2000). "Ha-Ya-Ya, Weya Ha-Ya-Ya!". Em Broughton, Simon; Mark Ellingham; James McConnachie; Orla Duane (eds.). The Rough Guide to World Music: Volume 2, América Latina e do Norte, Caribe, Índia, Ásia e Pacífico . Londres: Rough Guides. ISBN 1-85828-636-0.
  • Nettl, Bruno (1956). Música na cultura primitiva . Harvard University Press.
  • Nettl, Bruno (1965). Música Folclórica e Tradicional dos Continentes Ocidentais . Prentice-Hall.
  • Wilson, Chesley Goseyun (1994). Quando a Terra era como nova: canções e histórias do Western Apache . World Music Press. ISBN 0-937203-57-2.
  • Ellen Koskoff, ed. (2001). The Garland Encyclopedia of World Music: Volume 3, Estados Unidos e Canadá . Nova York e Londres: Garland Publishing. ISBN 0-8240-6040-7.

Leitura adicional

links externos