Ivan Albright - Ivan Albright

Ivan Albright
“Auto-retrato” de Ivan Albright (1897–1983), 1934, óleo sobre tela, 291 × 4 por 191 × 4 polegadas.  Coleção do New Trier High School District 203.png
Auto-retrato , 1934, óleo sobre tela. Coleção do New Trier High School District 203
Nascer
Ivan Le Lorraine Albright

( 1897-02-20 )20 de fevereiro de 1897
Faleceu 18 de novembro de 1983 (1983-11-18)(com 86 anos)
Educação Art Institute of Chicago
A Academia Nacional de Design da
Pensilvânia Academia de Belas Artes
Conhecido por Pintura , Desenho , Poesia
Estilo Realismo mágico
Cônjuge (s) Josephine Medill Patterson

Ivan Le Lorraine Albright (20 de fevereiro de 1897 - 18 de novembro de 1983) foi um pintor, escultor e gravador americano conhecido por seus autorretratos , estudos de personagens e naturezas mortas . Devido à sua técnica e assunto sombrio, ele é frequentemente classificado entre os Realistas Mágicos e às vezes é referido como o "mestre do macabro".

De uma família de artistas e artesãos, Albright emergiu no cenário artístico americano na década de 1930 e estabeleceu uma reputação como um dos mais enigmáticos dos realistas americanos . Ele chocou, espantou e perturbou o público através de sua ênfase na fragilidade do corpo, da carne e da condição humana com obras como The Lineman (1928), Aquilo que eu deveria ter feito, não fiz (A porta) (1931 ) e The Picture of Dorian Gray (1943). Seu trabalho para destacar os mínimos detalhes e a textura de cada superfície frequentemente exigia que ele gastasse anos ou décadas em uma única pintura.

Embora as obras de Albright possam ser encontradas em museus dos Estados Unidos, o repositório mais importante de suas obras está no Art Institute of Chicago .

Vida

Adam Emory Albright (americano, 1862–1957), Barnacles , 1907, óleo sobre tela, 24 x 30 polegadas, Art Institute of Chicago. Barnacles é um exemplo da pintura de Adam usando Ivan e Malvin como modelos.

Antes do nascimento de Ivan Le Lorraine e seu irmão gêmeo idêntico Malvin Marr Albright , a família Albright, anteriormente a família "Albrecht", já era conhecida por suas obras de arte e artesanato. O tataravô paterno de Ivan, Andreas Albrecht, era um armeiro mestre na Turíngia , Alemanha , uma profissão de família transmitida ao avô de Ivan, Zachariah. Da mesma forma, o pai de Ivan, Adam Emory Albright, foi um pintor impressionista e aluno de Thomas Eakins que construiu sua reputação em paisagens e pinturas idealizadas de crianças.

Juventude e educação (1897–1925)

Ivan e Malvin nasceram em 1897 perto de Chicago em North Harvey, Illinois, filho de Adam Emory Albright e Clara Wilson Albright. Durante a juventude e até os dois completarem onze anos, o pai usava os meninos como modelos em suas pinturas. Adam também começou a ensinar os dois a desenhar aos oito anos: isso incluía aulas formais de desenho no estilo Eakins e visitas regulares ao Art Institute of Chicago . Através de seu pai, os meninos foram apresentados a vários impressionistas e realistas americanos proeminentes, incluindo Childe Hassam , Robert Henri , William Glackens , Maurice Prendergast , Edmund Tarbell e John Twachtman . Como Michael Croydon, o biógrafo de Ivan, descreve, essas experiências estabeleceram a base para as carreiras posteriores de Ivan e de seu irmão como pintor.

A educação formal e as perspectivas de carreira de Ivan na juventude e no início da idade adulta eram relativamente erráticas. Sua família mudou-se com freqüência devido à carreira de seu pai e não foi até 1910 que se estabeleceram em Hubbard Woods, onde Ivan e Malvin puderam frequentar a New Trier High School . Em 1915, Ivan entrou no College of Liberal Arts da Northwestern University , do qual foi reprovado. Em 1916 ele começou a estudar na Universidade de Illinois em Urbana , na época considerando uma carreira em arquitetura ou engenharia química. Foi somente em 1918, após uma viagem de pintura em família a Caracas , Venezuela , que Ivan começou a levar a sério a possibilidade de se tornar um artista. Naquele mesmo ano, ele exibiu publicamente seu primeiro trabalho - um estudo em aquarela das árvores em sua casa em Hubbard Woods, intitulado The Oaks in Winter - na exposição Anual de Aquarela do Art Institute of Chicago. A entrada dos Estados Unidos na Primeira Guerra Mundial também interrompeu seu início de vida adulta, pois ele e seu irmão foram alistados no Exército dos Estados Unidos como parte do Corpo Médico das Forças Expedicionárias Americanas . Enquanto estava estacionado em Nantes, França, entre 1918 e 1919, Albright produziu pelo menos oito cadernos de desenhos médicos ilustrando cirurgias e feridas em grafite e aquarela. Embora Albright ainda não fosse um desenhista talentoso, historiadores e críticos de arte costumam citar essas ilustrações como o catalisador do interesse de Albright na fragilidade da carne e da humanidade para aqueles que sofrem.

The Philosopher , 1922, óleo sobre papel colocado na tábua, 24 x 18 polegadas. Pintou enquanto Ivan frequentava o Art Institute of Chicago.

Depois de trabalhar brevemente em arquitetura e publicidade, em 1920 ele e seu irmão ingressaram no Art Institute of Chicago. Enquanto Malvin estudava escultura, Ivan estudava pintura - cada um recebendo treinamento acadêmico padrão de acordo com a filosofia tradicional do Instituto. Lá permaneceu até se formar em 1923, tendo exibido O Filósofo (1922) e recebendo Menção Honrosa do Corpo Docente em Pintura de Vida e Retrato. Após seu período no Art Institute, ele continuou seus estudos na alma mater de seu pai, a Academia de Belas Artes da Pensilvânia, com a intenção de aprender com George Bellows . Bellows estava, no entanto, na época em licença sabática na Europa, então Ivan preferiu se mudar para a National Academy of Design para estudar com Charles Webster Hawthorne . Tendo completado sua educação formal, em 1925 ele e seu irmão Malvin alugaram um estúdio na Filadélfia e sua carreira profissional como artista começou.

No início e no meio da carreira (1925–1950)

Entre 1925 e 1926, o estilo formal "barroco" maduro de Albright começou a emergir e, em muitos casos, o público em geral não estava preparado para sua "revelação nua e intransigente da condição humana". No final de 1926, Albright e seu irmão passaram três meses no sul da Califórnia, perto de San Diego . Enquanto estava lá, Albright produziu vários trabalhos que são representativos da maturidade de seu estilo, incluindo I Walk To and Fro Through Civilization e I Talk As I Walk (Follow Me, The Monk) e I Desenhe um Quadro na Areia e na Água Lavada Fora (O Teosofista) . Em 1927, ele e Malvin voltaram para Illinois, onde seu pai Adam havia reaproveitado uma velha igreja metodista para ser usada como a Galeria de Pintura e Escultura Albright. Devido à proximidade dos irmãos pelos próximos dois anos, Malvin adotou o pseudônimo Zsissly para evitar confusão com Ivan. Foi durante os anos neste estúdio que o estilo de Ivan começou a causar polêmica: em maio de 1928, seu quadro The Lineman foi usado como capa da revista especializada Electric Light and Power . Os leitores da revista acharam que a figura do atacante era imprecisa e deprimente; no entanto, a pintura teve muito mais sucesso com os críticos de arte. Não muito depois, Albright começou a trabalhar em pinturas que enfatizavam a qualidade microscópica da superfície tanto quanto a forma barroca, começando com Mulher (1928). Quando Mulher foi exibida no Museu de Arte de Toledo na 17ª Exposição de Pinturas Selecionadas de Artistas Americanos Contemporâneos em 1929, a pintura foi recebida por manifestantes que primeiro removeram a pintura, seguido por outro grupo que protestava contra a remoção da pintura.

The Farmer's Kitchen , 1933–34, óleo sobre tela, 36 x 30,13 polegadas.

Em 1931 e na Grande Depressão , a carreira de Albright estava se estabelecendo e em julho daquele ano ele exibiu quatorze pinturas no Art Institute of Chicago ao lado de outros artistas George e Martin Baer. Após a conclusão do monumental Into the World There Came a Soul Called Ida (1929–30), ele começou sua obsessão de uma década com sua obra-prima Aquilo que eu deveria ter feito, não fiz (A porta) (1931) . De acordo com Albright, a Depressão não afetou significativamente sua carreira porque as pessoas não compravam suas pinturas "quer os tempos fossem bons ou ruins, [então] não fazia a menor diferença". Na verdade, o sucesso de seu pai nas vendas de arte e no mercado imobiliário permitiu a Albright viver confortavelmente durante os anos 1930. No entanto, como muitos outros artistas do período, Albright participou do Public Works of Art Project em Illinois. Ele deveria receber trinta e oito dólares por semana no programa como um artista de "classe A", mas afirmou que nunca recebeu pagamento por seus trabalhos. Durante o projeto, Albright concluiu duas pinturas: The Farmer's Kitchen (1933–34) e Self-Portrait (1934). The Farmer's Kitchen , agora abrigado no Smithsonian American Art Museum , atendeu em particular às expectativas do PWAP de imagens de americanos trabalhadores e é, de fato, tematicamente a mais próxima das pinturas de Albright às dos populares Regionalistas . O assunto, no entanto, permitiu a Albright exibir na mulher cansaço e deterioração e, assim, criticar a perspectiva positivista de artistas regionalistas como Grant Wood e Doris Lee .

A década de 1940 trouxe uma série de mudanças na vida de Albright. Sua mãe, Carla Wilson Albright, morreu em 8 de maio de 1939 e, de coração partido, ele, Malvin e Adam passaram os verões seguintes pintando no Maine. Durante este período, em 1941, Albright concluiu o trabalho em The Door e começou a trabalhar em seu companheiro de fato Poor Room - Não Há Tempo, Sem Fim, Não Hoje, Não Ontem, Não Amanhã, Apenas o Eterno e Eterno e Eterno Sem Fim (The Window) , que Albright continuaria a trabalhar intermitentemente pelos próximos vinte e um anos. Work on The Window experimentou sua primeira interrupção quando Ivan e Malvin foram convidados a pintar para a adaptação Metro-Goldwyn-Mayer de The Picture of Dorian Gray , dirigido por Albert Lewin . Para seu retrato, Albright insistiu em trabalhar sob as mesmas luzes fortes do set, então, para compensar, ele desenvolveu uma nova sensibilidade agressiva em torno da cor que persistiria em seu trabalho até os anos 1970. Em 1946, a vida pessoal de Albright mudou ainda mais quando, em 27 de agosto, ele se casou com Josephine Medill Patterson Reeve, após o que o casal se mudou brevemente para Billings , Montana e depois para o sul, para Ten Sleep , Wyoming , antes de retornar para Chicago. Após o casamento, Albright adotou os filhos de Josephine e em 1947, os Albrights tiveram um filho Adam Medill, e dois anos depois, em 1949, eles tiveram uma filha Blandina Van Etten.

Carreira final (1950-1983)

A interrupção final do trabalho de Albright em A janela foi a encomenda do Retrato de Mary Block (1955–57) e, de fato, o retrato e o autorretrato dominam grande parte da produção da parte final da carreira de Albright. Ao concluir The Window em 1962, ele imediatamente começou a trabalhar em um retrato póstumo de seu sogro, o capitão Joseph Medill Patterson (1962-64), um oficial durante a Primeira Guerra Mundial e fundador do New York Daily News . Da mesma forma, enquanto ele e sua família estavam de férias em Aspen, Colorado, em 1963, ele executou o autorretrato de Aspen , capturando objetivamente o artista aos sessenta e seis anos.

As décadas de 1950 e 1960 apresentaram poucas obras em grande escala de Albright, mas o viram expandir seus horizontes com viagens. Entre 1948 e 1964, Albright produziu diversos óleos e guaches com temas ocidentais. Isso ocorreu em parte porque, por meio de Josephine e sua irmã Alicia Patterson Guggenheim , a artista adquiriu a propriedade parcial de um rancho em Dubois , Wyoming. O rancho era um cenário adequado para uma série de obras de arte com tema ocidental, incluindo Roaring Fork, Wyoming (1948) , The Purist (1949), The Wild Bunch (Hole in the Wall Gang) (1951), Tin (1952–54) e The Rustlers (1959, 1963-1964). Da mesma forma, após o falecimento de Alicia em 1963, Ivan e Josephine herdaram sua plantação na Geórgia , ao norte de Jacksonville , o que levou Albright a ter um interesse particular no pântano como assunto. O tempo de Ivan na Geórgia entre 1963 e 1965 foi em parte, porém por necessidade, já que a cidade de Chicago decidiu demolir seu estúdio na Ogden Avenue para abrir caminho para um shopping center. Além disso, apesar de ter sido homenageado com uma retrospectiva no Art Institute of Chicago e no Whitney Museum of American Art em 1964-1965, Albright sentiu-se condenado ao ostracismo pela comunidade artística de Chicago. A arte contemporânea era na época dominada pela Pop-Art e pelo Minimalismo , muito diferente do estilo figurativo de Albright. Em parte para escapar dessa "cena", Ivan e Josephine se mudaram para Woodstock , Vermont , em 1963, mas só puderam começar a morar lá em tempo integral em 1965, quando a propriedade foi totalmente reformada. Foi lá que Albright concluiu seu último grande trabalho, se a vida fosse vida - não haveria morte (The Vermonter) (1966-77), usando o modelo Kenneth Harper Atwood, fazendeiro de bordo aposentado e ex-membro do Câmara dos Representantes de Vermont .

No final dos anos 1950 e 1960, ele empregou a ponta de metal para desenhos. "The Last of the Old WoodStock Inn" foi desenhado em 1968, usando prata, platina, ouro, cobre e latão em papel VideoMedia.

Enquanto Albright tinha setenta e cinco anos, o desenvolvimento de cataratas deixou a visão de Albright cada vez mais deteriorada. Felizmente isso foi revertido e em 1977 ele fez seu primeiro transplante de córnea. Naquele ano, ele doou grande parte de seu trabalho ao Art Institute of Chicago, e no ano seguinte sua primeira biografia de Michael Croydon foi publicada. Apesar do transplante dar a Albright um novo sentido de vida, sua saúde logo se deteriorou. Sua última série de pinturas foi um grupo de autorretratos executados entre 1981 e 1983. A série foi iniciada a pedido da Galleria degli Uffizi em Florença para um autorretrato para adicionar à sua coleção de autorretratos de grandes mestres em honra de seu 400º aniversário. Enquanto uma das pinturas está agora no Uffizi, Albright produziu mais de vinte e quatro no total em uma variedade de estilos e mídias. O último deles ele completou após um derrame e apenas alguns dias antes de morrer em 18 de novembro de 1983.

Estilo e obras

Desenvolvimento artístico

Eu Sou Aquele de Quem Ele Falou (Samson) , 1925, óleo sobre tela, 26 1/8 x 20 1/8 polegadas. Samson é uma obra de transição para Albright, pois mostra seu movimento em direção a um estilo "barroco", mas ainda não mostra sua atenção meticulosa à superfície.

Foi somente na década de 1930 que Albright desenvolveu uma técnica consistente para suas obras. A técnica incluía a criação de vários desenhos detalhados, a criação de sua própria paleta de cores e a pintura com centenas de pequenos pincéis. A técnica demorada de Albright não só permitiu a descrição detalhada da deterioração física de objetos e pessoas, mas permitiu-lhe incorporar uma infinidade de pequenas mudanças no ponto de vista e destacar as relações entre os objetos. A combinação de Albright de realismo extremo com uma paleta de cores violenta e sinistra levou os críticos de arte a categorizar seu trabalho com as obras de realistas mágicos americanos .

Os temas das obras de Albright incluem morte, vida, espiritual vs. físico e os efeitos do tempo. Os títulos de suas obras eram igualmente complexos. Ele não daria o nome de uma pintura até que ela estivesse concluída, quando então apresentaria várias possibilidades antes de decidir por uma. Por exemplo, a pintura de uma janela é intitulada Quarto pobre - Não há tempo, sem fim, sem hoje, sem ontem, sem amanhã, apenas o para sempre e para sempre e para sempre sem fim (a janela) . A pintura é geralmente referida apenas por essas duas últimas palavras. Outra pintura, E o homem criou Deus à sua própria imagem , tinha as palavras do título invertidas para Deus criou o homem à sua própria imagem quando percorreu o sul dos Estados Unidos para evitar controvérsia.

Obras principais

No mundo surgiu uma alma chamada Ida (1929–30)

Esta pintura é uma representação grotesca de uma mulher que (com base no título) se chama Ida. Dentro desta pintura há várias referências à ideia de que o corpo humano é fraco e que todos nós estamos presos em nossas formas físicas. Parece haver um conflito acontecendo entre a alma e o corpo. A figura está sentada em uma sala bagunçada e em mau estado de conservação. Ela está se olhando em um espelho de mão com uma expressão de tristeza no rosto. Uma leitura disso é que ela está triste por causa de sua idade e falta de beleza. Algumas pessoas acreditam que ela é um ator idoso ou possivelmente uma prostituta. Ida é semelhante a muitas das outras obras de Albright devido à aparência morta e decadente da figura, bem como aos significados mais profundos (e muitas vezes sombrios) que estão escondidos dentro dela.

O que eu deveria ter feito, não fiz (a porta) (1931-1941)

Uma de suas pinturas mais famosas, intitulada Aquilo que eu deveria ter feito, não fiz (A porta) , levou dez anos para ser concluída e ganhou o prêmio máximo em três grandes exposições na cidade de Nova York , Chicago e Filadélfia em 1941. O O prêmio no Metropolitan Museum of Art de Nova York rendeu-lhe um prêmio de compra de $ 3.500 para a pintura e seu lugar na coleção permanente, mas Albright fixou o preço de compra em $ 125.000. Em vez disso, ele levou a primeira medalha, permitindo-lhe manter o trabalho. Esta pintura está atualmente em exibição no Art Institute of Chicago .

The Picture of Dorian Gray (1943)

The Picture of Dorian Gray, 1943, óleo sobre tela, 85 x 42 polegadas.

Em 1943, Albright foi contratado para criar a pintura titular para Albert Lewin 'adaptação cinematográfica s de Oscar Wilde ' s The Picture of Dorian Gray . Suas representações naturalísticas e exageradas da decadência o tornaram adequado para criar a imagem do Dorian corrompido. Seu irmão foi originalmente escolhido para fazer a pintura inicial não corrompida de Gray. No entanto, a pintura utilizada no filme final é de Henrique Medina . Quando mudanças na pintura de Medina foram necessárias para mostrar a queda de Gray, Albright as pintou. Sua pintura do corrompido Dorian Gray reside atualmente no Art Institute of Chicago.

Reputação e legado

As pinturas de Albright podem ser encontradas em algumas das coleções institucionais mais importantes dos Estados Unidos, incluindo o Museum of Modern Art , o Metropolitan Museum of Art , o Detroit Institute of Arts , a National Gallery of Art , o Whitney Museum of American Art , e o Museu Solomon R. Guggenheim . A maior e mais importante coleção de obras de arte e arquivos de Albright está no Art Institute of Chicago , demonstrando sua relação singular com a instituição. Entre doações do artista, de sua família e de seus patrocinadores, o Instituto hoje conta com 137 pinturas, desenhos, gravuras e esculturas. Por sua vez, o Instituto trabalha para divulgar seu legado por meio da publicação de catálogos acadêmicos e exposição de obras. As principais retrospectivas de seu trabalho foram realizadas em 1964 e 1997. Além disso, exibições menores foram realizadas em 1978, 1984 e 2018.

Pesado o Remo para Aquele que Está Cansado, Pesado o Casaco, Pesado o Mar , 1929, óleo sobre tela, 53 1/4 x 34 polegadas.

A coleção do Art Institute of Chicago foi o resultado da habilidade de Albright em consolidar sua reputação entre os museus e colecionadores de alto nível. Durante as décadas de 1940 e 1950, Albright permitiu repetidamente que instituições proeminentes trocassem obras por exemplos superiores: em 1947, o Institute trocou Woman (1928) por Into the World There Came a Soul Called Ida (1929–30); e em 1956, junto com o financiamento de doadores, eles negociaram Ida junto com Pesado o Remo para Aquele que Está Cansado, Pesado o Casaco, Pesado o Mar (1929) e Oh Deus, Arenques, Bóias, o Mar Cintilante (1940) pela obra-prima de Albright The Door (1931–1941). Em 1977, Albright doou 75 de sua coleção pessoal ao museu, devolvendo várias obras que haviam sido comercializadas anteriormente. Após a morte de Albright, sua viúva Josephine Patterson Albright doou mais vinte autorretratos, bem como uma coleção de materiais de arquivo, agora mantidos pelas Bibliotecas Ryerson & Burnham no Art Institute of Chicago . O arquivo inclui fotografias, álbuns de recortes, esboços, cadernos, um filme e outros materiais que documentam sua vida e carreira.

Referências

Bibliografia

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  • Sweet, Frederick A. Ivan Albright: uma exposição retrospectiva organizada pelo Art Institute of Chicago em colaboração com o Whitney Museum of American Art. Chicago: Art Institute of Chicago, 1964. Catálogo da exposição.

Notas finais

  1. ^ a b c "Ivan Albright" . O Art Institute of Chicago . Recuperado em 15 de fevereiro de 2021 .
  2. ^ James Rondeau, " Prefácio ", em Ivan Albright Paintings no Art Institute of Chicago (The Art Institute of Chicago, 2019), para 3.
  3. ^ a b James Rondeau, " Prefácio " , em Ivan Albright Paintings no Art Institute of Chicago (The Art Institute of Chicago, 2019), para 2.
  4. ^ James Rondeau, " Prefácio ", em Ivan Albright Paintings no Art Institute of Chicago (The Art Institute of Chicago, 2019), para 1.
  5. ^ John P. Murphy, " Flesh: Ivan Albright and the Aesthetics of Ugliness ", em Ivan Albright Paintings no Art Institute of Chicago (The Art Institute of Chicago, 2019), para 19.
  6. ^ Michael Croydon, Ivan Albright (Nova York: Abbeville Press, 1978), 19-20.
  7. ^ Michael Croydon, Ivan Albright (Nova York: Abbeville Press, 1978), 23.
  8. ^ a b Michael Croydon, Ivan Albright (New York: Abbeville Press, 1978), 25.
  9. ^ a b Michael Croydon, Ivan Albright (New York: Abbeville Press, 1978), 26.
  10. ^ Michael Croydon, Ivan Albright (Nova York: Abbeville Press, 1978), 27.
  11. ^ Michael Croydon, Ivan Albright (Nova York: Abbeville Press, 1978), 27-28.
  12. ^ Michael Croydon, Ivan Albright (Nova York: Abbeville Press, 1978), 28.
  13. ^ Robert Cozzolino, "Plates", em Ivan Albright , ed. Susan F. Rossen (Nova York: Hudson Hills Press, 1997), placa 2.
  14. ^ Sarah Kelly Oehler, " Introdução ", em Ivan Albright Paintings no Art Institute of Chicago (The Art Institute of Chicago, 2019), para 11.
  15. ^ John P. Murphy, " Flesh: Ivan Albright and the Aesthetics of Ugliness ", em Ivan Albright Paintings no Art Institute of Chicago (The Art Institute of Chicago, 2019), para 20.
  16. ^ Donnell, Courtney Graham, "A Painter Am I: Ivan Albright", em Ivan Albright, e d. Susan F. Rossen (Nova York: Hudson Hills Press, 1997), 19.
  17. ^ a b Michael Croydon, Ivan Albright (New York: Abbeville Press, 1978), 30.
  18. ^ a b Michael Croydon, Ivan Albright (New York: Abbeville Press, 1978), 31.
  19. ^ Michael Croydon, Ivan Albright (Nova York: Abbeville Press, 1978), 43.
  20. ^ Michael Croydon, Ivan Albright (Nova York: Abbeville Press, 1978), 35-36.
  21. ^ Michael Croydon, Ivan Albright (Nova York: Abbeville Press, 1978), 37.
  22. ^ a b c d Michael Croydon, Ivan Albright (New York: Abbeville Press, 1978), 38.
  23. ^ Robert Cozzolino, "Plates", em Ivan Albright , ed. Susan F. Rossen (Nova York: Hudson Hills Press, 1997), placa 10.
  24. ^ Michael Croydon, Ivan Albright (Nova York: Abbeville Press, 1978), 44.
  25. ^ Michael Croydon, Ivan Albright (Nova York: Abbeville Press, 1978), 81.
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  27. ^ a b Robert Cozzolino, "Plates", em Ivan Albright , ed. Susan F. Rossen (Nova York: Hudson Hills Press, 1997), placa 31.
  28. ^ Talvez como uma forma de ganhar dinheiro adicional na década de 1930, Albright e seu irmão Malvin manufaturaram e comercializaram carvão vegetal sob o nome American Artists Charcoal Company a partir de um conjunto de fornos atrás do estúdio de Warrensville. Veja: Michael Croydon, Ivan Albright (Nova York: Abbeville Press, 1978), 176-177.
  29. ^ Michael Croydon, Ivan Albright (Nova York: Abbeville Press, 1978), 95.
  30. ^ a b Michael Croydon, Ivan Albright (New York: Abbeville Press, 1978), 97.
  31. ^ "Auto-retrato de Albright, New Trier Township High School - Winnetka IL" . Living New Deal . Recuperado em 6 de fevereiro de 2021 .
  32. ^ Michael Croydon, Ivan Albright (Nova York: Abbeville Press, 1978), 101-102.
  33. ^ Michael Croydon, Ivan Albright (Nova York: Abbeville Press, 1978), 104.
  34. ^ Michael Croydon, Ivan Albright (Nova York: Abbeville Press, 1978), 125.
  35. ^ Michael Croydon, Ivan Albright (Nova York: Abbeville Press, 1978), 112.
  36. ^ Michael Croydon, Ivan Albright (Nova York: Abbeville Press, 1978), 113.
  37. ^ a b Michael Croydon, Ivan Albright (New York: Abbeville Press, 1978), 121.
  38. ^ Mais tarde, Albright se tornou o sogro da futura secretária de Estado dos Estados Unidos, Madeleine Albright, por meio docasamento deseu filho Joseph Medill Patterson Albright com ela até o divórcio em 1982.
  39. ^ a b c Michael Croydon, Ivan Albright (New York: Abbeville Press, 1978), 135.
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  66. ^ Sarah Kelly Oehler, " Introdução ", em Ivan Albright Paintings no Art Institute of Chicago (The Art Institute of Chicago, 2019), parágrafo 10.
  67. ^ Sarah Kelly Oehler, " Introdução ", em Ivan Albright Paintings no Art Institute of Chicago (The Art Institute of Chicago, 2019), para 12.
  68. ^ Sarah Kelly Oehler, " Introdução ", em Ivan Albright Paintings no Art Institute of Chicago (The Art Institute of Chicago, 2019), para 3.
  69. ^ Sarah Kelly Oehler, " Introdução ", em Ivan Albright Paintings no Art Institute of Chicago (The Art Institute of Chicago, 2019), para 3-5.
  70. ^ a b Sarah Kelly Oehler, " Introdução " , em Ivan Albright Paintings no Art Institute of Chicago (The Art Institute of Chicago, 2019), para 2.

Veja também

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