John Cromwell (diretor) - John Cromwell (director)

John Cromwell
John Cromwell
Nascer	Elwood Dager ( 1886-12-23 )23 de dezembro de 1886 Toledo, Ohio , EUA
Morreu	26 de setembro de 1979 (26/09/1979)(92 anos) Santa Bárbara, Califórnia , EUA
Ocupação	Diretor, ator
Anos ativos	1912-1979
Cônjuge (s)	Alice Lindahl ( m. 19 ??; morreu em 1918) Marie Goff ​ ​ ( m.  1919; div.  1921)​ Kay Johnson ​ ​ ( m.  1928; div.  1946)​ Ruth Nelson ​ ​ ( m.  1947;sua morte 1979)​
Crianças	2, incluindo James Cromwell

John Cromwell (nascido Elwood Dager ; 23 de dezembro de 1886 - 26 de setembro de 1979) foi um ator e diretor de cinema americano. Seus filmes abrangeram os primeiros dias do som até o film noir dos anos 1950 , quando sua carreira de diretor foi interrompida pela lista negra de Hollywood .

Infância e educação

Nascido como Elwood Dager em Toledo, Ohio, em uma próspera família escocesa-inglesa, executivos da indústria do aço e do ferro, Cromwell se formou no colégio particular na Howe Military Academy em 1905, mas nunca cursou o ensino superior.

Carreira inicial de atriz, 1905-1912

Cromwell (sentado) como John Brooke com Alice Brady como Meg na produção da Broadway de Little Women (1912)

Ao deixar a escola, Cromwell imediatamente começou sua carreira no palco fazendo turnês com sociedades por ações em Chicago , e então foi para a cidade de Nova York aos 20 e poucos anos. Anunciado como Elwood Dager em sua juventude, ele mudou seu nome para John Cromwell aos 26 anos, após uma aparição no palco em 1912 em Nova York.

Cromwell fez sua estreia na Broadway no papel de John Brooke em Little Women (1912), uma adaptação do romance de Louisa May Alcott . A produção foi um sucesso imediato e teve 184 apresentações.

Ao longo da carreira de palco de Cromwell, ele trabalhou em estreita colaboração com um dos maiores produtores da Broadway da época, William A. Brady . Na verdade, praticamente todas as produções teatrais das quais Cromwell participou antes de começar sua carreira no cinema foram produzidas por Brady. The Painted Woman (1913) marcou a primeira missão de Cromwell como diretor de palco. Escrita por Frederic Arnold Kummer , a peça encerrou em dois dias. Em 1914, ele atuou e co-dirigiu produções, incluindo "Too Many Cooks" (1914), que teve 223 apresentações.

Em 1915 ele se juntou à New York Repertory Company e atuou nas estréias americanas de duas peças de George Bernard Shaw : Major Barbara em 1916, como o personagem "Charles Lomax", e em um revival de Captain Brassbound's Conversion . A carreira de palco de Cromwell foi interrompida por um breve período no Exército dos EUA durante a Primeira Guerra Mundial . Na década de 1920, ele se tornou um respeitado diretor da Broadway, muitas vezes em colaboração com os co-diretores Frank Craven ou William Brady. Cromwell freqüentemente se apresentava no palco neste período, que incluía obras dos futuros vencedores do Prêmio Pulitzer Sidney Howard e Robert E. Sherwood . Em 1927, Cromwell dirigiu e interpretou o papel principal no drama de gângster, The Racket , com o recém-chegado Edward G. Robinson estreando no tipo de papel de cara durão para o qual Robinson se tornaria sinônimo em sua carreira cinematográfica.

Em 1928, Cromwell mudou-se para Hollywood para servir como diretor de diálogos durante a transição da indústria cinematográfica para " filmes falados ". Embora Cromwell retornasse à Broadway anos mais tarde, sua principal ocupação depois de 1928 foi como diretor de cinema.

Início da carreira cinematográfica

Paramount Famous Lasky, 1929

O famoso produtor cinematográfico da Paramount Lasky , Ben Schulberg, contratou Cromwell, de 42 anos, como ator de cinema em outubro de 1928, na época da transição de toda a indústria das produções silenciosas para a nova tecnologia de som . Depois de uma performance de estreia satisfatória no talkie inicial de 1929, The Dummy, que apresentava alguns dos atores de cinema mais destacados da época: Ruth Chatterton , Fredric March , Jack Oakie e ZaSu Pitts , Cromwell foi convidado a dividir as funções de direção com Edward Sutherland , um experiente cineasta.

Embora Cromwell nunca tivesse trabalhado atrás de uma câmera, a Paramount estava ansiosa para recrutar diretores de palco experientes "por causa de seu suposto conhecimento em lidar com diálogos". Por mais errônea que seja essa suposição, Cromwell e Sutherland tiveram uma colaboração produtiva completando dois filmes falados, ambos em 1929: Close Harmony , um romance de banda de jazz, e The Dance of Life , baseado na peça Burlesque de George Mankers Watters (foi a co-direção de Sutherland sem créditos na Dança da Morte ). Cromwell teve um papel secundário em cada uma dessas produções.

Em uma entrevista de 1973 com Leonard Maltin , Cromwell ofereceu uma avaliação franca de suas dificuldades de adaptação ao novo meio como diretor de cinema:

"Eu nunca me acostumei com o alcance incrível da câmera e com o que a escolha de uma tomada pode fazer a uma cena ... [embora] eu sempre estivesse muito atento à composição. Tive que confiar muito no meu cameraman, especialmente no início . Nunca fui capaz de aprender muito sobre iluminação porque me parece que cada cameraman que eu tinha era tão diferente do anterior em sua técnica que se tornou quase impossível aprender a menos que você apenas reservasse um tempo e se dedicasse a isso. tinha que estar completamente à mercê deles ... Mas eu tive muita sorte. Tive alguns cinegrafistas maravilhosos - maravilhosos porque eles nunca me decepcionaram ... homens como Jimmy Howe , Charlie Lang , Arthur Miller . ""

Durante os primeiros filmes de Cromwell com a Paramount, ele foi encarregado de dirigir o astro de palco e cinema George Bancroft , a principal propriedade do estúdio. Bancroft atuou em vários filmes mudos de sucesso com o diretor em ascensão da Paramount, Josef von Sternberg , culminando com uma indicação de Melhor Ator por Bancroft em Thunderbolt (1930). The Mighty (1930) foi o primeiro de quatro pares de Cromwell com Bancroft, e sua primeira estréia solo como diretor.

Em seu próximo filme, The Street of Chance , Cromwell formou um vínculo pessoal e profissional com o produtor David O. Selznick em sua primeira produção, então assistente de BP Schulberg. O filme, estrelado por William Powell , Kay Francis e Jean Arthur , foi um sucesso de bilheteria.

Uma curiosa coda para o último filme creditado de Cromwell à Paramount, intitulado Seven Days Leave (1930), é que ele nega ter dirigido o filme. De acordo com o biógrafo Kingsley Canham: "Cromwell contesta o crédito. Alegando que foi contratado para trabalhar [estritamente] em diálogos ... [ele] de fato não contribuiu em nada para o filme finalizado."

Paramount-Publix, 1930-1931

Em 1930, a Paramount Famous Lasky Corporation mudou seu nome para Paramount Publix Corporation devido à crescente importância da rede Publix Theatre.

The Texan (1930) foi a adaptação de Cromwell do conto do popular escritor O. Henry , " A Double-Dyed Deceiver ", estrelado pela estrela em ascensão da Paramount, Gary Cooper .

A Paramount novamente convocou os atores Powell e Francis em For the Defense , de Cromwell 1930 , um drama jurídico envolvendo um advogado e sua noiva criminosa. Ele dirigiu a segunda versão cinematográfica de Tom Sawyer (1930) de Mark Twain , com Jackie Coogan estrelando como o homônimo Tom.

Durante 1931-1932, Cromwell cumpriu seu compromisso de dirigir Bancroft em mais três filmes. Na verdade, Cromwell tinha concordado em continuar a trabalhar com Bancroft somente se Paramount dispostos a deixá-lo dirigir Gary Cooper e Helen Hayes em uma adaptação de Hemingway 's romance A Farewell to Arms , um projeto que nunca se materializou.

Os filmes Bancroft incluem Folha Scandal , com a co-estrela Clive Brook , de Rich Man Folly (1931), uma adaptação de Dickens ' Dombey e Filho e do Mundo e da Carne (1931), um romance set na Rússia revolucionária. A visão profissional de Cromwell sobre o desempenho de Bancroft em Rich Man's Folly suscitou estas observações:

[O papel] deveria ter sido absolutamente esplêndido para Bancroft, exceto que exigia uma consciência do material - do qual ele não tinha nenhuma! Para ele, era sempre apenas mais um papel a desempenhar da mesma maneira ...

Cromwell terminou 1931 com mais três fotos para a Paramount-Publix: Scandal Sheet , com Bancroft, Unfaithful , com Ruth Chatterton e The Vice Squad com Paul Lukas e Kay Francis .

Durante a pré-produção de The World and the Flesh de 1932 , um conto da Revolução Bolchevique de 1917, Cromwell ficou desgostoso com a qualidade do cenário, bem como com a redução acentuada da Paramount no tempo de ensaio. A perspectiva histórica de Cromwell e a experiência de palco informaram os seguintes comentários:

O Mundo e a Carne foram o ponto alto da degradação do meu ponto de vista. Era uma história tão estúpida e inventada! Eu tinha me interessado pessoalmente pela Revolução Russa e tinha ouvido muito de um jornalista ... Lincoln Steffens que estava em Moscou na época em que tudo aconteceu ... E então eu tinha uma ideia das chances de faça uma imagem real. Então ter esse ... esse conto quase nojento, o mesmo velho hash serviu de roteiro! Decidi que seria a última coisa, eu tentaria fugir. "

Nos primeiros filmes sonoros, os estúdios, tendo experiência apenas com filmes sem diálogos (mudos), cediam aos diretores de palco experientes em diálogos da Broadway, como Cromwell, que eles recrutaram durante a transição para "talkies". No início da produção de For the Defense , Cromwell relata que foi informado sobre uma mudança na política em relação aos ensaios:

Eu estabeleci o cronograma de ensaio usual [de 2 semanas e meia], mas na reunião de produção Schulberg disse 'Não podemos ter mais ensaios, John.' Perguntei o que ele queria dizer e ele continuou: 'É uma perda de tempo. Os diretores [do filme] não sabem o que fazer com os ensaios ... 'Eu também percebi isso, mas havia melhorado cada minuto do meu tempo com os ensaios, então disse' Bem, você sabe que não precisa faça isso comigo, você sabe que não perco meu tempo. ' Schulberg respondeu: 'Se eu te der o privilégio, todos eles vão querer, e isso vai apenas criar uma situação ...'

Cromwell negociou com o produtor e eles concordaram em trocar dias de filmagem em troca de dias de ensaio. Cromwell relembrou: "Acho que acabei com quatro dias de ensaio [cortando] dois dias do cronograma de filmagem. Incrível! Não pude acreditar anos depois."

Radio-Keith-Orpheum (RKO): 1933–1935

O descontentamento de Cromwell com a Paramount o levou a "sair do lote" depois de The World and the Flesh , e com a ajuda de seu agente Myron Selznick , ele se mudou para os estúdios RKO . Na época, David O. Selznick dirigia a RKO, e Cromwell relembrou sua experiência profissional lá com carinho: "A RKO sempre foi um lugar cativante para mim; tinha um sentimento distinto de independência e individualidade que nunca perdia."

Cromwell foi inicialmente designado pela RKO para dirigir "uma série de novelas e filmes sobre conflitos familiares". Entre eles estava Sweepings (1933), estrelado por Lionel Barrymore em uma performance incomumente "contida". Cromwell fez uma excelente adaptação de uma peça que dirigiu em 1926, The Silver Cord . Sua adaptação para o cinema de 1933 diz respeito a uma jovem esposa, Irene Dunne , que luta com sua intrometida sogra, Laura Hope Crews . O filme, que menosprezava a "maternidade", foi considerado audacioso em sua época.

Cromwell terminou esta série com Double Harness (1933), "um drama de interiores astuto e sofisticado" com Ann Harding e William Powell .

Ann Vickers (1933)

Cromwell terminou as filmagens de 1933 com uma adaptação então controversa do romance de Sinclair Lewis , Ann Vickers . Irene Dunne interpreta a jovem reformadora social homônima que expõe as condições degradantes nas prisões americanas e tem um caso com o jurista Walter Huston . O roteiro de Jane Murfin reflete as caracterizações do romance de Lewis, onde Vickers é uma "defensora do controle da natalidade" que se envolve em um caso extraconjugal. O roteiro atraiu a ira da Administração do Código de Produção e da Igreja Católica. O presidente do Comitê de Relações com o Estúdio (SRC), James Wingate, chamou o roteiro de "vulgarmente ofensivo". O SRC, supervisionando o MPPDA , exigiu uma revisão do roteiro de Murfin. Os gerentes da RKO protestaram e um acordo foi alcançado quando a personagem de Dunne foi liberada das acusações de adultério por uma mudança em seu estado civil. Apesar de ter recebido aprovação, a produção de RKO estimulou a formação da Administração do Código de Produção sob o cruzado moral Joseph Breen

Katharine Hepburn e Spitfire (1934)

As duas primeiras fotos de Cromwell de 1934 são denominadas "amplamente esquecíveis" de acordo com o autor Micheal Barson, começando com um "miscast" Katharine Hepburn em Spitfire .

Hepburn de 26 anos de RKO como "Spitfire" (seu apelido pejorativo) foi concebido como um "estudo de personagem" ao invés de uma narrativa genuína, para mostrar a jovem estrela em ascensão. Baseado na peça Trigger de Lula Vollmer, Hepburn tem a improvável tarefa de retratar um caipira anti-social -tomboy e curandeiro em uma comunidade rural. Cromwell admitiu que estava cético quanto à adequação de Hepburn para o papel e se opôs ao seu sotaque country artificial.

Cromwell, lutando com a configuração de suas tomadas e consciente de evitar estouros de custo, disputou com Hepburn quanto a refazer a filmagem de uma cena-chave. Os contratempos levaram à rejeição enfática de Cromwell aos seus pedidos e o diretor, "que não gostou muito do filme", ​​lembrou que "acho que essas [disputas] se refletiram no filme". No entanto, as composições visuais de Cromwell, juntamente com o trabalho de seu diretor de fotografia Edward Cronjager, mostram a performance "exuberante" de Hepburn, na qual "suas celebrações físicas das alegrias da vida tornam este um filme excêntrico e agradável".

Depois de terminar outra novela com Irene Dunne e Ralph Bellamy , This Man is Mine (1934), Cromwell embarcou em um filme que provou ser altamente ofensivo para os censores, mas imensamente popular entre os cinéfilos: Of Human Bondage .

Of Human Bondage (1934)

Embora o historiador de cinema John Baxter considere a adaptação de Cromwell do famoso romance Of Human Bondage de W. Somerset Maugham "superestimada", o crítico Jon Hopwood relata que o diretor "fez seu nome" em Hollywood com este filme.

O filme dramatiza as formas de tirania ea obsessão pessoal, em que uma garçonete sem sofisticação e sem coração, Mildred ( Bette Davis ) emprega baixa astúcia para ganhar o afeto de um clube de pés jovem estudante de medicina e discreto, Philip ( Leslie Howard ). As cenas são filmadas com grande eficiência e efeito em que “o movimento da câmera parece representar o estado emocional dos personagens”. Cromwell adaptou-se às limitações do orçamento do estúdio, empregando os cenários espartanos do interior com bons resultados para enfatizar a "irrealidade" das rotinas diárias dos estudantes de medicina.

Mildred, de Bette Davis, marca o surgimento da atriz em uma atuação "revolucionária" e "seu primeiro papel verdadeiramente excelente no cinema". A versão de Davis transmite totalmente "a vulgaridade e venalidade" do personagem, impressionando executivos de estúdios e público.

Como Ann Vickers de 1933 de Cromwell , Of Human Bondage recebeu a desaprovação da Production Code Administration (PCA), liderada por Joseph Breen. O PCA exigia uma série de alterações no cenário, entre elas a mudança do diagnóstico de sífilis de Mildred para tuberculose e a suavização da aspereza da interpretação de Davis sobre a "garçonete desleixada". A RKO obedeceu prontamente a essa censura, sob a ameaça de multa de $ 25.000 por violação.

Apesar dos executivos do estúdio terem se submetido à censura, Of Human Bondage foi piquetado nas principais cidades do meio-oeste pela Catholic National Legion of Decency . Talvez em resposta à reputação que o filme adquiriu com essas manifestações, o filme quebrou recordes de público no Hippodrome Theatre de Chicago, com centenas de espectadores rejeitados. Em todo o país, o filme teve um tremendo sucesso de bilheteria.

Quanto ao desempenho bem-sucedido de Cromwell no papel de Davis, ele nunca foi rotulado de "diretor feminino" (como o foram diretores como George Cukor ). No entanto, sua vasta experiência como intérprete de palco dotou-o de uma simpatia que atraiu ótimas atuações de seus intérpretes, especialmente as mulheres. O desempenho notável de Davis foi uma das primeiras manifestações dessa influência salutar.

O último filme lançado em 1934, dirigido por Cromwell, foi um drama romântico pós-Primeira Guerra Mundial, The Fountain, sobre uma inglesa que deve contar a seu devotado marido alemão que voltou da guerra que se apaixonou por seu namorado de infância.

O historiador de cinema Kingsley Canham considera este um filme "chave" na obra de Cromwell, mostrando a "elegância" e "segurança" do diretor em seu tratamento da decoração e sua relação com as performances.

A "inquietação e busca da alma" da esposa expatriada Julie ( Ann Harding ) e de seu amante, o passageiro britânico Lewis ( Brian Aherne ) é transmitida por meio de movimentos de câmera e com um mínimo de diálogo. A natureza "metafísica" desse romance é explicitada pela inserção de Cromwell de um trecho do poema Dejection do poeta inglês Coleridge . Canham elogia The Fountain como "sem dúvida uma das conquistas mais notáveis ​​de Cromwell ..."

Depois de terminar Of Human Bondage , Cromwell desfrutou de um agradável interlúdio fazendo Village Tale (1935), "um dos projetos favoritos de Cromwell". Compreendendo uma série de estudos de personagens, o filme apresenta Guinn "Big Boy" Williams e Ann Dvorak . Jalna e I Dream Too Much (ambas de 1935), representam um retorno às representações da "novela" de Cromwell sobre relações familiares e conflitos conjugais. A esposa do diretor, Kay Johnson, foi apresentada em Jalna e Henry Fonda estrelou em I Dream too Much .

United Artists e 20th Century Fox, 1936–1939

Após suas recentes colaborações com Pandro S. Berman e outros produtores, Cromwell se reuniu com David O. Selznick, seguindo-o para United Artists e 20th Century Fox para fazer cinco filmes: Little Lord Fauntleroy (1936), To Mary - with Love (1936) , Banjo on My Knee (1936), The Prisoner of Zenda (1937) e Algiers (1938).

David O. Selznick convocou Cromwell para fazer uma refilmagem do filme da era muda, Little Lord Fauntleroy (1921).

A escolha do ator infantil Freddy Bartholomew para o papel-título foi um golpe de mestre de Selznick e a direção de Cromwell mostra o "puro profissionalismo" das habilidades de ator de Bartholomew. Cromwell sabiamente selecionou seu elenco de apoio da renomada "Colônia Inglesa" de expatriados britânicos de Hollywood. Um filme que enfatiza a caracterização sobre o incidente, o manuseio da câmera por Cromwell confere à imagem uma qualidade cinematográfica que evita a impressão de "literatura filmada".

O primeiro filme criado pela Selznick's International Pictures , Little Lord Fauntleroy foi sua produção mais lucrativa até E o Vento Levou (1939).

Banjo on My Knee (1936)

Selznick encarregou Cromwell de filmar "outro drama conjugal" lançado pelos estúdios da 20th Century Fox com Claire Trevor, a intrusa, e Myrna Loy e Warner Baxter como o casal feliz. Banjo on My Knee (1936), ambientado em Nova Orleans e uma comédia de erros intercalada com produções musicais, incluiu uma versão completa de " St. Louis Blues " de WC Handy . O filme tem semelhanças no cenário e na encenação com o Show Boat do diretor James Whale , lançado no mesmo ano.

Cromwell, de acordo com Canham, não consegue desenvolver cinematograficamente os personagens das co-estrelas Barbara Stanwyck e Joel McCrea e reduz os habitantes plebeus do Delta do Rio Mississippi a caricaturas.

Walter Brennan foi escalado como o patriarca rural Newt Holley, que surge como um alívio cômico bem-vindo em um filme que escreve Canham, onde "nada é fácil para as pessoas nos filmes de Cromwell e a ambição muitas vezes encobre o fracasso ou a morte de plebeus ou mesmo da realeza ruritana ".

O prisioneiro de Zenda (1937)

Ao reviver o espadachim do romancista Anthony Hope , O Prisioneiro de Zenda , David O. Selznick assumiu um risco calculado quanto ao gosto popular. O protagonista Ronald Colman estava sob contrato com a Selznick foi o fator-chave para prosseguir com o projeto. A decisão de escolher John Cromwell como diretor foi baseada em sua capacidade demonstrada de lidar com atores e em sua observância disciplinada de restrições orçamentárias.

Apesar da habilidade de Cromwell com atores masculinos e femininos, um contratempo divertido surgiu durante o desenvolvimento do roteiro e do storyboard. Ronald Colman (como o ator John Barrymore ) preferia apresentar apenas um perfil facial para a câmera para esconder seu "lado ruim". A co-estrela Madeleine Carroll logo se aproximou de Cromwell, alegando um defeito facial do mesmo lado de Colman, o que significa que qualquer close-up cara a cara na tela colocaria um ator em desvantagem.

Como o diretor Cromwell lembrou:

Liguei para Jimmy Howe [o cinegrafista] e perguntei se [Carroll] tinha um lado ruim, e ele disse: 'Você não poderia culpá-la se a colocasse de cabeça para baixo!' Então eu voltei para ela, apontando como era ridículo e que não seríamos capazes de tirar a foto se ela tivesse o mesmo lado [mau] de Colman. Depois disso, ela não falaria comigo pelo resto da foto.

Apesar do "estilo fluido da obra acabada", a autoria de várias das cenas de ação permanece em questão. Selznick foi inflexível sobre o envolvimento dos diretores George Cukor e Woody van Dyke para incutir um elemento mais expressivo na atuação ou para fornecer uma apresentação mais gráfica dos episódios de ação. A amplamente reconhecida "elegância visual" de Cromwell pode ter influenciado a "má opinião de Selznick sobre ele como diretor de ação". Tanto Cukor quanto Van Dyke não foram creditados, como era costume pelas regras do Director's Guild.

O crítico de cinema Michael Barson considera The Prisoner of Zenda, de Cromwell, o início de sua "era de ouro" entre os diretores de Hollywood, e uma produção que merece ser considerada um "clássico".

Argel (1938)

Algiers (1938), a refilmagem de Cromwell do thriller francês Pepe Le Moko (1936) do diretor Julien Duvivier , lançou a carreira de Hollywood de dois atores europeus: Charles Boyer e Hedy Lamarr . Cromwell obteve um bom desempenho de Boyer como um ladrão internacional que se equipara ao inspetor da polícia local interpretado por Joseph Calleia , tentando atrair o fugitivo francês de seu refúgio na "Casbah", o bairro natal de Argel. O diálogo, "firme e lógico", foi elaborado por John Howard Lawson , com contribuições do escritor e roteirista James M. Cain . Cromwell e seu diretor de fotografia James Wong Howe fabricaram com sucesso um fac-símile "polido" do original de Duvivier para o produtor Walter Wanger .

Cromwell se esforçou para extrair uma impressionante estreia na atuação americana do austríaco Lamarr, a quem Wanger desejava transformar em um "segundo Garbo ". Cromwell lembrou:

Eu podia sentir sua inadequação [como ator], Wanger podia sentir isso, e eu podia ver Boyer ficando preocupado ... Às vezes, a palavra personalidade é intercambiável com presença, embora não sejam a mesma coisa. Mas o princípio se aplica, e Hedy também não tinha personalidade. Como eles poderiam pensar que ela poderia se tornar um segundo Garbo? ... Bem, nós começamos o quadro, e tudo bem. Os críticos viram que ela não podia atuar, mas ela sobreviveu e venderam o filme dizendo como ela era bonita. Vou levar algum crédito por torná-la passável de atuação, mas só posso compartilhar o crédito com Boyer meio a meio.

Cromwell fez uma tentativa abortada de produtor direto Sam Goldwyn de As Aventuras de Marco Polo (em última análise, concluída pelo diretor Archie Mayo e John Ford em 1938), seguido brevemente por um retorno ao palco para dirigir Fredric March e Florence Eldridge .

Feito um para o outro e apenas no nome : Carole Lombard, 1939

John Cromwell e Sabu Dastagir no set de Feito para o Outro . Foto publicitária (Dastagir não aparece no filme).

Enquanto Selznick estava profundamente imerso na pré-produção de E o Vento Levou (1939), ele contratou Cromwell para dirigir Carole Lombard e James Stewart na comédia romântica Made for Each Other (1939). A narrativa simples de jovens recém-casados ​​lutando com "o trivial e o traumático" forneceu uma plataforma para mostrar a habilidade de Cromwell no manejo do elenco.

Lombard estava ansioso por um papel com potencial dramático (ela havia sido designada como "A comédia da Rainha do Maluco " em seus papéis anteriores). Ela se beneficiou do roteiro direto "que permitiu uma grande compreensão dos personagens e uma quantidade incomum de flexibilidade na interpretação do elenco". A interpretação dramática de Lombard da esposa Jane Mason surge como "casual e muito humana". Stewart é perfeitamente adequado para o papel do jovem marido nada assertivo, mas carinhoso, que precisa da orientação diplomática de sua esposa mais madura.

Um sucesso de crítica distinto, mas indistinto nas bilheterias, Cromwell ficou encantado com a oportunidade de dirigir Lombard em seu próximo longa-metragem: In Name Only (1939). Outra produção em um gênero que Cromwell estava bem equipado para apresentar - o melodrama conjugal - Lombard interpreta "a outra mulher" para o rico Cary Grant , preso em um casamento infeliz com o possessivo Kay Francis .

A Julie de Lombard, uma viúva, sofrendo de "ilusões destruídas" de possuir Grant, deve primeiro abandonar todas as esperanças antes que o destino intervenha em seu nome. Grant mantém sua "irreverência natural" para apresentar uma série de cenas cômicas que evitam minar a credibilidade de seu personagem, e a obsessiva matrona de Kay Francis concorda em dar a Grant o divórcio com esta injúria maligna: "Espero que vocês dois sejam miseráveis!" A compreensão geral de Cromwell da atmosfera dramática serve para misturar as performances e "quase consegue".

O historiador Kingley Canham oferece uma visão sobre como Cromwell lida com as "ilusões românticas" inerentes às narrativas melodramáticas:

"A realidade está sempre presente no trabalho de Cromwell, emergindo mesmo em suas ofertas mais leves ... a atitude do diretor em relação ao seu material de 'novela' difere de outros artistas [como] Cukor , Borzage e Stahl ... no sentido de que ele é basicamente anti -romântica, minimizando o sentimentalismo e optando pelo realismo e praticidade. "

Abe Lincoln em Illinois (1940)

Os executivos da RKO encarregaram Cromwell de adaptar a peça do dramaturgo Robert Sherwood , Abe Lincoln on Illinois , que foi produzida com grande aclamação na Broadway em 1938. A produção teatral vencedora do Prêmio Pulitzer referia-se ao início da carreira do presidente dos Estados Unidos, Abraham Lincoln , que liderou o Sindicato forças à vitória na Guerra Civil Americana . O desenrolar da guerra na Europa e no Extremo Oriente deu uma ressonância especial ao assunto.

Apesar do fato de que a 20th Century Fox estava bem avançada na produção de um filme de John Ford estrelado por Henry Fonda que dramatizava os mesmos eventos na vida de Lincoln, isso não impediu as licitações pelos direitos do filme de drama histórico de Sherwood e o produtor independente Max Gordon financiou seu compra por $ 250.000, a ser filmado pelos estúdios RKO. O ator de teatro Raymond Massey , que interpretou o papel de Lincoln na produção da Broadway, foi selecionado, com a aprovação de Sherwood, para interpretar o papel de Abe Lincoln em Illinois no cinema .

A caracterização de Lincoln por Cromwell é distinta da de Ford em Young Mr. Lincoln (1939). Enquanto Ford apresenta uma figura mitológica que ascende de um humilde advogado rural à posição mais exaltada do país, Cromwell's confia menos na iconografia e enfatiza detalhes históricos que revelam o caráter inicial de Lincoln como menos exaltado: "Raymond Massey [emerge] como um bem menos Lincoln confiante do que Henry Fonda. "

A apresentação da relação histórica de Lincoln com Ann Rutledge (interpretada por May Howard) é usada por Cromwell para estabelecer aspectos do personagem essencial de Lincoln e evita a romantização de Rutledge por Ford em Young Abe Lincoln , que apresenta um elogio sentimental à beira do túmulo.

A atriz Ruth Gordon , em sua aparição de estreia nas telas como a futura Sra. Lincoln, fornece um antídoto chave para o inexperiente Lincoln de Cromwell, que é preguiçoso, cético e sem ambição. Mary Todd, de Gordon, começa a preparar Lincoln para enfrentar seu destino na expectativa de se casar com ele, fornecendo "uma interpretação cinematográfica notavelmente astuta". O trabalho de iluminação e câmera do diretor de fotografia James Wong Howe documenta com eficácia a transformação em Lincoln que rendeu a Howe uma indicação ao Oscar.

Vitória (1940)

Já em 1919, Cromwell se interessou profundamente pelo drama psicológico do romancista Joseph Conrad Victory: An Island Tale (1915), sobre um expatriado inglês que tenta se retirar como recluso para uma pequena ilha da Indonésia . Sua existência solitária é desfeita quando ele resgata uma jovem, levando à infiltração de seu santuário por uma gangue de sociopatas, com resultados trágicos. Cromwell contatou pessoalmente Conrad logo após a publicação de Victory para obter os direitos de produção e dramáticos da obra, apenas para descobrir que a permissão havia sido concedida ao produtor Laurence Irving e McDonald Hastings, respectivamente. Cromwell dirigiu uma versão de sua adaptação nos Estados Unidos na década de 1920 que rapidamente falhou.

Vinte anos depois, Cromwell filmou sua versão para as telas, Victory (1940), para a Paramount, com Fredrick March como o recluso Hendrik Heyst e Betty Field como Alma, e Cedric Hardwicke como o patológico Sr. Jones (também servindo como narrador). (O relacionamento profissional de Cromwell com March começou na Broadway em 1925, quando ele dirigiu March em Kay Horton's Harvest.)

Cromwell estava insatisfeito com parte do elenco de Victory, particularmente com o ator britânico Cedric Hardwicke:

"Então [havia] o Sr. Hardwicke, que eu conhecia - ou pensava que conhecia - muito bem. Não sei o que diabos aconteceu com ele. Ele simplesmente apagou-se de mim por completo, e senti que ele não deu nenhuma indicação do que a parte era sobre ... parecia não haver esforço da parte dele. "

Cromwell considerou seu próximo projeto mais satisfatório. Na adaptação para o cinema de Cromwell, assim termina Nossa Noite (1941), uma adaptação da Erich Maria Remarque romance Flotsam (1939), Fredric March desempenha um fugitivo anti-nazista perseguido por autoridades austríacas fascistas. Em sua fuga, ele encontra outros exilados, interpretados por Glenn Ford e Margaret Sullavan , e sua liberdade só é alcançada por meio de um sacrifício final. Erich von Stroheim aparece em um papel coadjuvante como oficial da SS nazista Brenner.

Cromwell ficou particularmente satisfeito com o roteiro de Talbot Jennings e, embora o filme não tenha sido um sucesso comercial, Cromwell considerou So Ends the Night "um dos meus melhores".

Filho da Fúria (1942)

Cromwell desacreditou sua próxima missão, Son of Fury , como estritamente "um projeto de estúdio". Financiado generosamente pela 20th Century Fox, mas controlado em todas as fases para garantir seu sucesso comercial, Cromwell se limitou a usar seus "conjuntos luxuosos" de Darryl F. Zanuck para fabricar uma peça de época "uma fantasia da 20th Century Fox".

O protagonista, Benjamin Blake, herdeiro de um baronete , é interpretado pelo ator infantil Roddy McDowell na juventude, e depois por Tyrone Power na idade adulta. Curiosamente, embora um lapso de tempo mostre a transformação do jovem Blake de menino em homem, seu tio, Sir Arthur Blake George Sanders , não mostra sinais perceptíveis de envelhecimento.

Cromwell se lembra de ter gostado de seu trabalho com o ator principal Tyrone Power "e particularmente com [co-estrela] Gene Tierney " já que ele "nunca a tinha visto em um filme que eu gostava até Son or Fury e acho que foi porque trabalhei muito para conseguir que ela pare de agir e seja simples. "

O historiador Kingsley Canham emitiu este julgamento sobre a direção da imagem de Cromwell:

“ Son of Fury contém os dois extremos da carreira de Cromwell, [e] infelizmente, no confronto entre bom gosto, orçamento pródigo e caracterização atmosférica de um lado e subserviência à influência do estúdio de outro, este último prova ser o mais forte fator."

Desde que você se foi (1944)

Como parte da promoção de sua protegida, Jennifer Jones , de 25 anos , Selznick alistou Cromwell para dirigir um hino à família americana durante a guerra, Since You Went Away (1944).

O historiador de cinema Kingley Canham descreve Since You Went Away como "sem dúvida uma das obras de propaganda de guerra mais superiores, polidas e eficazes a emergir do cinema durante a Segunda Guerra Mundial." Selznick, insatisfeito com o roteiro escrito pela autora Margaret Buell Wilder, reformulou-o para criar uma celebração da frente doméstica americana como uma “fortaleza inexpugnável” que sustenta o esforço de guerra dos EUA.

O elenco estabelecido conta com Claudette Colbert , Shirley Temple , Joseph Cotton , Lionel Barrymore , Robert Walker e Agnes Moorehead . A maneira como Cromwell lida com as cenas estabelece, escreve Canham, "um calor e uma convicção" que superam as performances superficiais. Apesar do forte envolvimento usual de Selznick na produção, a distribuição de elenco e técnicos de Cromwell foi tal que “sua reputação como profissional de Hollywood poderia ter sobrevivido inteiramente com a força de Since You Went Away ”.

Sucesso comercial e de crítica, o filme recebeu nove indicações ao Oscar - incluindo Melhor Filme, praticamente todo o elenco e todos os créditos técnicos - mas ganhando apenas uma, pela trilha de Max Steiner.

The Enchanted Cottage (1945) e Anna and the King of Siam (1946)

Cromwell voltou à RKO para fazer um de seus filmes mais pessoalmente gratificantes, The Enchanted Cottage (1945), um remake da produção do filme mudo de 1924 do diretor John S. Robertson , ambos baseados na famosa peça de Arthur Wing Pinero de 1921 sobre o mesmo nome.

Atores de John Cromwell (L) Merle Oberon e Dana Andrews no set de Night Song (1948).

Uma fantasia romântica, "tratada com percepção e sentimento" por Cromwell, conta a história (apresentada em flashbacks) de um veterano de combate desfigurado Robert Young retornando da Primeira Guerra Mundial e uma donzela "patinho feio" Dorothy McGuire , que se casam e descobrem juntos o poder transformador do amor. O pianista e compositor Herbert Marshall , cego na guerra, contribui para seu triunfo pessoal.

Retornando à 20th Century Fox, Cromwell embarcou em outro projeto satisfatório, Anna and the King of Siam , "uma demonstração da habilidade de Cromwell" filmada em preto e branco e ganhando Oscars de cinema e direção de arte. A história de 1944 da autora Margaret Landon é baseada nas memórias da anglo-indiana Anna Leonowens , que serviu como governanta do rei Mongkut do Sião (hoje Tailândia) na década de 1860. O Rei é interpretado por Rex Harrison e a governanta por Irene Dunne . Sua tarefa é tutorar seus numerosos filhos gerados com seu harém e "guiar o rei em questões de Estado e de casa", informada por suas sensibilidades pequeno-burguesas. Cromwell evita tanto o alívio da comédia menor quanto o espetáculo, concentrando-se no desenvolvimento do personagem do Rei e Ana.

Sucesso de bilheteria e do Oscar, o conto de Leonowens apareceu como um musical de Rodgers e Hammerstein na Broadway em 1951 e no cinema na versão do diretor Walter Lang de 1956, O Rei e Eu , estrelado por Yul Brynner e Deborah Kerr .

Em 1947, RKO atribuiu a Cromwell o drama Night Song, estrelado por Dana Andrews e Merle Oberon, sobre uma mulher rica da sociedade que se esforça para avançar na carreira de uma pianista cega. Denominado "um desastre [e] um filme inacreditável", a única graça salvadora do filme é uma participação especial de Arthur Rubinstein tocando ao piano.

Durante o período pós-Segunda Guerra Mundial, Cromwell's criou uma série de filmes que são considerados film noir e refletem a trama do diretor como um companheiro de viagem acusado de simpatia pelos comunistas pelos investigadores do House Un-American Activities Committee e executivos de Hollywood durante o era McCarthyite emergente . Cromwell afirmou que "Nunca fui nada que sugerisse um Vermelho , e nunca houve a menor evidência para me acusar de ser um." No entanto, Cromwell estaria na lista negra da indústria cinematográfica de Hollywood de 1952 a 1958.

Dead Reckoning (1947): Columbia Pictures

Cromwell (embaixo à esquerda) no set de Dead Reckoning, Lizbeth Scott e Humphrey Bogart, na extrema direita.

Os estúdios da Warner Bros., com a estrela de cinema Humphrey Bogart sob contrato, relutantemente concordaram em uma troca de ator com a Columbia Pictures de Harry Cohn , tornando Bogart disponível por um período limitado de tempo para o estúdio rival. Bogart teve a opção de escolher seu diretor e roteiro, e escolheu Cromwell. Cromwell relembrou seu primeiro encontro com Bogart na produção da Broadway de 1922, Drifting (Bogart nos papéis de Ernie Crockett e O Terceiro Marido):

"Eu coloquei Humphrey Bogart no palco quando ele era criança; ele costumava ficar no Playhouse Theatre [e] sentava-se nos ensaios ... [uma vez, quando um músico não apareceu], alguém pensou em Bogart, que era na época o mais responsável, o mais charmoso [dos jovens jogadores em potencial]. Ele estava, é claro, com os olhos arregalados para fazer isso, e acho que ele me disse uma vez: 'Sr. Cromwell ... Eu encaro o público quando Falo minhas falas ou falo com os personagens? ' Passei por todas essas coisas com ele, mas a jogada foi um fracasso terrível. "

Em Dead Reckoning , Bogart retrata um endurecido veterano da Segunda Guerra Mundial que se envolve em uma perseguição mortal para localizar o assassino de um companheiro de armas. Sensual Lizabeth Scott serve como noir femme-fatale . A narrativa muitas vezes incoerente reflete a luta de Cromwell para dar sentido ao roteiro desconcertante. Cromwell lembrou:

"não tínhamos história. [Os roteiristas] forneceram a pilha usual de coisas que sempre tiveram à mão para ver quem poderiam repassá-la ... Eu finalmente consegui este, um tipo de coisa nociva, mas talvez senti que [ Bogart e eu] poderíamos fazer algo com isso. "

Apesar dessas limitações conceituais, Cromwell atinge um nível de coerência que oferece um filme vigoroso no estilo noir .

Comitê de Atividades Não Americanas de Hollywood e da Câmara (HUAC)

Durante as investigações do House Un-American Activities Committee (HUAC) em 1947 na indústria cinematográfica, John Cromwell foi identificado como uma pessoa de interesse ligada à suposta subversão comunista em Hollywood. Cromwell se descreveu como "um democrata 'liberal'" e afirma que não se tornou politicamente ativo até a campanha de reeleição do presidente dos Estados Unidos, Franklin Delano Roosevelt , pela terceira vez para a Casa Branca em 1940. A maior parte disso, de acordo com Cromwell, limitava-se a coletar as taxas de adesão do Comitê Democrático de Hollywood, que consistia em "3.000 membros". Em uma entrevista de 1973 com o historiador de cinema Leonard Maltin para a revista Action , Cromwell relatou os esforços do estúdio para minar seu trabalho durante a caça às bruxas anticomunista :

"Comecei a sentir a pressão muito bem ... Eu pedi ao meu agente para descobrir se eu estava em uma lista de 200 nomes [de supostos comunistas] que deveria circular universalmente em todos os grandes estúdios, e ele fez o que ele poderia descobrir e disse: 'Absolutamente não!' E eu senti que era virtualmente uma liberação porque meu nome estava na lista do estado local [da Califórnia] e tinha aparecido com muita frequência. Então, consegui o contrato da RKO. "

O agente de Cromwell negociou um excelente contrato cinematográfico, mas em poucas semanas RKO foi comprado pelo produtor cinematográfico e ideólogo anticomunista Howard Hughes . Como lembrou Cromwell, “a completa liberdade da política entre os estúdios se desfez em fumaça”. Ele disse que a mudança de propriedade causou um êxodo de roteiristas e técnicos dos estúdios cujas "reputações" eram percebidas pelos executivos de Hollywood como "tingidas" de simpatias pelo comunismo: os escritores "sabiam que era inútil ficar lá".

Permanecendo sob contrato, Cromwell decidiu perseverar na RKO, confiante de que "eles não poderiam me prejudicar muito". Ao contrário, Cromwell percebeu um esforço consciente para forçá-lo a sair quando os executivos da RKO lhe apresentaram um ultimato: aceitar roteiros e roteiros ditados pelo estúdio ou violar seu contrato. Cromwell estava convencido de que um roteirista havia abordado Hughes, instando-o a comprar os direitos de uma história que seria tão repulsiva para Cromwell que o diretor seria obrigado a rejeitá-la - fornecendo à RKO motivos para rescindir seu lucrativo contrato. Cromwell descreve seu dilema:

"eles acabaram de me enviar um roteiro e disseram 'esta será sua próxima tarefa. Eu olhei o roteiro e o nome era Casei-me com um comunista e achei isso meio engraçado ... Nunca li um roteiro tão ruim no meu vida; quanto mais eu pensava nisso, mais convencido eu ficava de que nunca poderia ser feito ... [mas] eu decidi aguentar. "

Cromwell relata que o estúdio imediatamente designou um roteirista para a equipe de pré-produção que era "um dos piores [anticomunistas] ' caçadores de bruxas ' de Hollywood, e vi que isso foi muito deliberado". Vários roteiristas foram encarregados de desenvolver um roteiro viável a partir da história falha. Eles entraram em conflito com Cromwell, finalmente convencendo a gerência da RKO de que era "logicamente" impossível fazer o filme. Quando atrasos na produção ameaçaram desencadear a cláusula de "salário triplo" no contrato de Cromwell, a RKO emprestou Cromwell à Warner Bros. para fazer o Caged .

Caged (1950)

A imagem noir de Cromwell , Caged (1950), é uma denúncia de uma hierarquia social e sexual americana estabelecida no microcosmo da prisão de uma mulher. Entre os "filmes mais amargos" de Cromwell, o historiador Kingsley Canham descreve sua formulação:

"Ele se acumula em uma progressão de acusações estruturadas em termos de sua importância. Os homens são vistos como a ruína da mulher; o tratamento duro na prisão os brutaliza; a indiferença oficial e a malandragem impedem a ajuda liberal; e sua corrupção é completada pelo contato com os criminosos empedernidos que são elas próprias vítimas. "

Uma produção da Warner Brothers, Cromwell adotou os efeitos visuais, o assunto e a música dramática características das fotos do estúdio, incluindo seus diálogos “duros”.

No centro do trabalho de Cromwell - e “elenco contra o tipo” - estão as fortes atuações de Eleanor Parker , Agnes Moorehead , Hope Emerson , Betty Garde e Lee Patrick , por meio de quem ele “defende”.

Cromwell voltou à RKO (com John Houseman produzindo) na tentativa dos estúdios de duplicar o sucesso de Caged, novamente um drama policial, onde Dennis O'Keefe é o objeto de amor de Jane Greer e Lizabeth Scott : The Company She Keeps (1951) . Cromwell falhou em usar totalmente o elenco talentoso e dramatizar com eficácia o roteiro confuso.

The Racket (1951)

O último filme de Cromwell antes de sua expulsão pelos estúdios de Hollywood sob a lista negra anticomunista foi The Racket (1951). A peça de Bartlett Cormack foi produzida na Broadway em 1927, com Cromwell no papel principal do Capitão McQuigg (com o futuro ator de cinema Edward G. Robinson em um pequeno papel). Na adaptação para o cinema mudo de 1928 da peça dirigida por Lewis Milestone e produzida por Howard Hughes de 22 anos, Robinson é elevado ao papel do gangster Nick Scanlon nesta versão em filme mudo. Robert Mitchum repete o papel do honesto capitão da polícia Thomas McQuigg, o mesmo personagem que o diretor Cromwell havia atuado na Broadway em 1927.

A versão cinematográfica de Cromwell é um noir sombrio e pessimista que desfila o gangsterismo da "estrutura empresarial ... os bandidos sem cérebro ... os fiadores e policiais corruptos e juízes corruptos para o invisível 'Homem' no topo". O filme, que inclui cenas de luta cheias de suspense e eficazes, oferece "entretenimento capaz".

Tão familiarizado com o material quanto Cromwell estava, Howard Hughes da RKO rejeitou sua versão final e convocou o diretor Nicholas Ray para filmar cenas adicionais. Cromwell teria saído do set com nojo. Devido à sua lista negra pelos estúdios de Hollywood, Cromwell não seria reabilitado para a indústria cinematográfica até 1958.

A Deusa (1958)

John Cromwell (como General Daniel A. Grimshaw) e Kirk Douglas (como Gen. Melville A. Goodwin) no set de Top Secret Affair (1957)

Durante os anos de inatividade forçada do estúdio em 1952, o único compromisso de Cromwell em Hollywood foi um pequeno papel de ator em Top Secret Affair (1957), dirigido por HC Potter e estrelado por Kirk Douglas e Susan Hayward . O historiador Kingsley Canham relata que o ex-diretor foi "ativo no teatro" durante esses anos intermediários. Cromwell foi seduzido a retornar à direção de filmes quando a Columbia Pictures prometeu a ele a opção de fazer o "primeiro corte" do longa-metragem proposto. A Deusa (1958) seria seu último grande trabalho cinematográfico e "em muitos aspectos um de seus melhores filmes".

A história e o roteiro do dramaturgo Paddy Chayefsky detalham a trágica ascensão e queda de uma atriz fictícia de Hollywood, Emily Ann Faulkner / Rita Shawn. Cromwell optou por apresentar a saga em três episódios cronológicos e dramáticos: "Retrato de uma jovem, Maryland 1930" (Faulkner interpretado por Patty Duke , de 9 anos ), "Retrato de uma jovem" e "Retrato de uma Deusa ”(as duas últimas interpretadas por Kim Stanley ).

Cromwell usa o filme como plataforma para "parodiar amargamente o emocionalismo de seus primeiros filmes", ligando os episódios pela repetição de fragmentos de diálogo dos personagens que "ecoam" ao longo do filme.

A Deusa surge como o ajuste de contas de Cromwell com a indústria cinematográfica de Hollywood. A caracterização de Emily Ann Faulkner e Rita Shawn surge como uma acusação ao sistema de Hollywood. O historiador de cinema Kingsley Canham observa:

"A heroína de Cromwell é tanto vítima quanto monstro; ela tem uma ambigüidade de caráter que muitas de suas vilãs compartilham, mas ele não mostra piedade ou pena pela mecânica da indústria cinematográfica a quem acusa por sua queda. O filme oferece a ele uma oportunidade para dar vazão à sua relação de amor / ódio para o resto da vida na indústria cinematográfica. "

Cromwell descobriu que seus direitos de “primeira edição” eram inadequados para preservar sua obra e, na edição subsequente realizada por meio dos esforços do escritor Chayefsky, A Deusa foi reduzida à metade de seu comprimento original. Por fim, Cromwell abandonou o projeto.

A carreira de Cromwell no cinema terminou com dois filmes sem brilho: The Scavengers (1959), estrelado por Vince Edwards e Carol Ohmart , feito nas Filipinas, e um drama de baixo orçamento, A Matter of Morals feito na Suécia em 1961, com Maj-Britt Nilsson e Patrick O'Neal .

Vida depois de hollywood

Cromwell dedicou o resto de sua carreira principalmente ao teatro onde a havia começado. Ele escreveu três peças, todas encenadas em Nova York; estrelou ao lado de Helen Hayes em um revival de What Every Woman Knows , dirigiu a companhia original da Broadway, Desk Set , e finalmente encontrou satisfação artística em quatro temporadas no teatro Tyrone Guthrie em Minneapolis, fundado pelo diretor britânico expatriado em 1963 quando ele, como Cromwell ficou desencantado com o crescente comercialismo da Broadway.

Cromwell foi escalado por Robert Altman para o papel de Mr. Rose no filme 3 Women (1977), estrelado por Shelley Duvall e Sissy Spacek , e como Bishop Martin em A Wedding (1978), estrelado por Desi Arnaz Jr. , Carol Burnett , Geraldine Chaplin , Mia Farrow , Vittorio Gassman e Lillian Gish . Sua esposa Ruth Nelson também apareceu em ambos os filmes de Altman.

Vida pessoal

Cromwell se casou quatro vezes. Sua primeira esposa, a atriz Alice Lindahl, morreu de gripe em 1918. Ele e a atriz Marie Goff se divorciaram. Em seguida, Cromwell se casou com a atriz Kay Johnson em 1928, divorciando-se em 1946). Seu casamento final, com a atriz Ruth Nelson (1947-1979), durou até a morte. Cromwell e Johnson tiveram dois filhos; um é o ator James Cromwell .

Morte

Ele morreu aos 92 anos em Santa Bárbara, Califórnia, de embolia pulmonar .

Filmografia

Carreira no palco: Ator, Diretor, Produtor, 1912-1928

Notas de rodapé

Referências

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links externos

• John Cromwell no banco de dados da Broadway na Internet
• John Cromwell na IMDb
• John Cromwell em Find a Grave