Judy Chicago - Judy Chicago

Judy Chicago
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Nascer
Judith Sylvia Cohen

( 20/07/1939 )20 de julho de 1939 (82 anos)
Alma mater Universidade da Califórnia, Los Angeles
Conhecido por Escultura de
Pintura de Instalação
Trabalho notável
The Dinner Party
International Honor Quilt
The Birth Project
Powerplay
The Holocaust Project
Movimento Arte Feminista Contemporânea
Prêmios Tamarind Fellowship, 1972
Clientes) Anaïs Nin (mentora)
Holly Harp
Elizabeth A. Sackler

Judy Chicago (nascida Judith Sylvia Cohen ; 20 de julho de 1939 em Chicago, Illinois) é uma artista feminista americana , educadora de arte e escritora conhecida por suas grandes obras de instalação de arte colaborativa sobre imagens de nascimento e criação, que examinam o papel das mulheres na história e cultura. Durante a década de 1970, Chicago fundou o primeiro programa de arte feminista nos Estados Unidos na California State University Fresno (anteriormente Fresno State College) e atuou como um catalisador para a arte feminista e a educação artística. Sua inclusão em centenas de publicações em várias áreas do mundo mostra sua influência na comunidade artística mundial. Além disso, muitos de seus livros foram publicados em outros países, tornando seu trabalho mais acessível a leitores internacionais. O trabalho de Chicago incorpora uma variedade de habilidades artísticas, como bordado , contrabalançadas com habilidades de trabalho intensivo, como soldagem e pirotecnia . O trabalho mais conhecido de Chicago é The Dinner Party , que está permanentemente instalado no Elizabeth A. Sackler Center for Feminist Art no Brooklyn Museum . O Dinner Party celebra as conquistas das mulheres ao longo da história e é amplamente considerado como a primeira obra de arte feminista épica. Outros projetos de arte notáveis ​​de Chicago incluem International Honor Quilt , The Birth Project , Powerplay e The Holocaust Project.

Chicago foi incluída na lista das 100 pessoas mais influentes de 2018 da revista Time .

Vida pessoal inicial

Judy Chicago nasceu Judith Sylvia Cohen em 1939, filha de Arthur e May Cohen, em Chicago, Illinois . Seu pai veio de uma linhagem de vinte e três gerações de rabinos , incluindo o judeu lituano Vilna Gaon . Quebrando a tradição de sua família, Arthur se tornou um organizador do trabalho e um marxista . Ele trabalhava à noite em um correio e cuidava de Chicago durante o dia, enquanto May, que era uma ex-dançarina, trabalhava como secretária médica . A participação ativa de Arthur no Partido Comunista Americano , as visões liberais em relação às mulheres e o apoio aos direitos dos trabalhadores influenciaram fortemente as próprias formas de pensamento e crença de Chicago. Durante a era macartismo na década de 1950, Arthur foi investigado, o que dificultou a procura de trabalho e causou grande turbulência à família. Em 1945, enquanto Chicago estava sozinha em casa com seu irmão mais novo, Ben, um agente do FBI visitou a casa deles. O agente começou a fazer perguntas a Chicago, de seis anos, sobre o pai e os amigos dele, mas o agente foi interrompido no retorno de maio à casa. A saúde de Arthur piorou e ele morreu em 1953 de peritonite . May não quis discutir a morte dele com os filhos e não permitiu que comparecessem ao funeral. Chicago não aceitou sua morte até que ela se tornasse adulta; no início dos anos 1960, ela foi hospitalizada por quase um mês com uma úlcera hemorrágica atribuída a um luto não resolvido .

May amava as artes e incutiu sua paixão por elas nos filhos, o que fica evidente no futuro de Chicago como artista e na carreira do irmão Ben como ceramista . Aos três anos, Chicago começou a desenhar e foi enviado ao Art Institute of Chicago para assistir às aulas. Aos 5 anos de idade, Chicago sabia que "nunca quis fazer nada além de fazer arte" e começou a frequentar aulas no Art Institute of Chicago. Ela se inscreveu, mas teve sua admissão negada no Art Institute e, em vez disso, frequentou a UCLA com uma bolsa de estudos.

Educação e início de carreira

Enquanto estava na UCLA, ela se tornou politicamente ativa, desenhando cartazes para o capítulo da NAACP da UCLA e acabou se tornando sua secretária correspondente. Em junho de 1959, ela conheceu e encontrou um romance com Jerry Gerowitz. Ela deixou a escola e foi morar com ele, pela primeira vez tendo seu próprio estúdio. O casal pegou carona para Nova York em 1959, assim que a mãe e o irmão de Chicago se mudaram para Los Angeles para ficar mais perto dela. O casal morou em Greenwich Village por um tempo antes de retornar em 1960 de Los Angeles a Chicago para que ela pudesse terminar o curso. Chicago se casou com Gerowitz em 1961. Ela se formou em Belas Artes em 1962 e foi membro da Phi Beta Kappa Society . Gerowitz morreu em um acidente de carro em 1963, devastando Chicago e fazendo com que ela sofresse uma crise de identidade por vários anos. Ela recebeu seu Master of Fine Arts da UCLA em 1964.

Na pós-graduação, Chicago criou uma série que era abstrata , mas facilmente reconhecida como órgãos sexuais masculinos e femininos . Essas primeiras obras eram chamadas de bigamia e representavam a morte de seu marido. Um retratou um pênis abstrato , que foi "detido durante o vôo" antes que pudesse se unir a uma forma vaginal . Seus professores, na maioria homens, ficaram consternados com essas obras. Apesar do uso de órgãos sexuais em seu trabalho, Chicago se absteve de usar a política de gênero ou a identidade como temas.

Em 1965, Chicago exibiu obras de arte em sua primeira mostra solo, na Rolf Nelson Gallery, em Los Angeles. Chicago foi uma das apenas quatro mulheres artistas a participar do show. Em 1968, perguntou-se a Chicago por que ela não participava da exposição "California Women in the Arts" no Lytton Center , à qual ela respondeu: "Não vou participar de nenhum grupo definido como Woman, Jewish ou California. Algum dia quando todos nós crescermos, não haverá rótulos. " Chicago começou a trabalhar com escultura de gelo , que representava "uma metáfora para a preciosidade da vida", outra referência à morte de seu marido.

Estudo para Pasadena Lifesavers , prismacolor, 1968.

Em 1969, o Museu de Arte de Pasadena exibiu uma série de esculturas e desenhos de cúpula de plástico acrílico esférico de Chicago em uma galeria "experimental". A Art in America declarou que o trabalho de Chicago estava na vanguarda do movimento da arte conceitual , e o Los Angeles Times descreveu o trabalho como não mostrando sinais de "arte tipo teórica de Nova York". Chicago descreveria suas primeiras obras de arte como minimalistas e como ela tentando ser "um dos meninos". Chicago também faria experiências com arte performática , usando fogos de artifício e pirotecnia para criar "atmosferas", que envolviam flashes de fumaça colorida sendo manipulados ao ar livre. Através deste trabalho, ela tentou "feminizar" e "suavizar" a paisagem.

Durante esse tempo, Chicago também começou a explorar sua própria sexualidade em seu trabalho. Ela criou o Pasadena Lifesavers , que era uma série de pinturas abstratas que colocavam tinta acrílica sobre Plexiglas . As obras mesclavam cores para criar a ilusão de que as formas "giram, se dissolvem, abrem, fecham, vibram, gesticulam, mexem", representando sua própria descoberta de que "eu era multiorgasmática ". Chicago creditou a Pasadena Lifesavers como o ponto de virada principal em seu trabalho em relação à sexualidade e representação das mulheres.

De Cohen a Gerowitz a Chicago: mudança de nome

Quando Chicago fez seu nome como artista e passou a se conhecer como mulher, ela não se sentia mais ligada ao seu sobrenome, Cohen. Isso se deveu à tristeza pela morte de seu pai e à perda de conexão com seu nome de casada, Gerowitz, após a morte de seu marido. Ela decidiu mudar seu sobrenome para algo independente de estar conectada a um homem por casamento ou herança. Em 1965, ela se casou com o escultor Lloyd Hamrol . (Eles se divorciaram em 1979.) O proprietário da galeria, Rolf Nelson, a apelidou de "Judy Chicago" por causa de sua forte personalidade e forte sotaque de Chicago . Ela decidiu que esse seria seu novo nome. Ao mudar legalmente seu sobrenome de Gerowitz etnicamente carregado para o mais neutro Chicago, ela se libertou de uma certa identidade social. Chicago ficou horrorizada com o fato de que a aprovação da assinatura de seu novo marido foi necessária para mudar seu nome legalmente. Para comemorar a mudança de nome, ela posou para o convite da exposição vestida de boxeadora , usando um moletom com seu novo sobrenome. Ela também postou um banner na galeria em sua exposição individual de 1970 na California State University em Fullerton , que dizia: "Judy Gerowitz, por meio deste, se despoja de todos os nomes impostos a ela por meio do domínio social masculino e escolhe seu próprio nome, Judy Chicago." Um anúncio com a mesma declaração foi colocado em Artforum de outubro 1970 problema.

Carreira artística

O movimento artístico feminista e os anos 1970

Em 1970, Chicago decidiu lecionar em tempo integral no Fresno State College , na esperança de ensinar às mulheres as habilidades necessárias para expressar a perspectiva feminina em seu trabalho. Em Fresno, ela planejou uma aula que seria formada apenas por mulheres e decidiu dar aulas fora do campus para fugir "da presença e, portanto, das expectativas dos homens". Ela deu a primeira aula de arte feminina no outono de 1970 no Fresno State College. Ele se tornou o Programa de Arte Feminista , um programa completo de 15 unidades, na primavera de 1971. Esse foi o primeiro programa de arte feminista nos Estados Unidos. Quinze alunos estudaram em Chicago no Fresno State College: Dori Atlantis, Susan Boud, Gail Escola, Vanalyne Green , Suzanne Lacy , Cay Lang, Karen LeCocq , Jan Lester, Chris Rush , Judy Schaefer, Henrietta Sparkman, Faith Wilding , Shawnee Wollenman, Nancy Youdelman e Cheryl Zurilgen. Juntas, como o Programa de Arte Feminista, essas mulheres alugaram e reformaram um estúdio fora do campus na 1275 Maple Avenue, no centro de Fresno. Aqui eles colaboraram na arte, realizaram grupos de leitura e grupos de discussão sobre suas experiências de vida que influenciaram sua arte. Todos os alunos e Chicago contribuíram com US $ 25 por mês para alugar o espaço e pagar pelos materiais. Mais tarde, Judy Chicago e Miriam Schapiro restabeleceram o Programa de Arte Feminista no California Institute of the Arts . Depois que Chicago foi para a Cal Arts, as aulas no Fresno State College foram continuadas por Rita Yokoi de 1971 a 1973, e depois por Joyce Aiken em 1973, até sua aposentadoria em 1992.

Chicago é considerada uma das "artistas feministas de primeira geração", um grupo que também inclui Mary Beth Edelson , Carolee Schneeman e Rachel Rosenthal . Elas fizeram parte do movimento de arte feminista na Europa e nos Estados Unidos no início dos anos 1970 para desenvolver a escrita e a arte feministas.

Chicago tornou-se professora no California Institute for the Arts , e foi a líder de seu Programa de Arte Feminista. Em 1972, o programa criou Womanhouse , ao lado de Miriam Schapiro , que foi o primeiro espaço de exposição de arte a expor o olhar feminino na arte. Com Arlene Raven e Sheila Levrant de Bretteville , Chicago co-fundou o Los Angeles Woman's Building em 1973. Esta escola de arte e espaço de exposição ficava em uma estrutura com o nome de um pavilhão na Exposição colombiana mundial de 1893 que apresentava arte feita por mulheres de todo o mundo. Isso abrigou o Feminist Studio Workshop, descrito pelos fundadores como "um programa experimental de educação feminina nas artes. Nosso objetivo é desenvolver um novo conceito de arte, um novo tipo de artista e uma nova comunidade artística construída a partir de vidas, sentimentos e as necessidades das mulheres. " Durante este período, Chicago começou a criar telas pintadas com spray, principalmente abstratas, com formas geométricas nelas. Essas obras evoluíram, usando o mesmo meio, para se tornarem mais centradas em torno do significado do "feminino". Chicago foi fortemente influenciada por Gerda Lerner , cujos escritos a convenceram de que as mulheres que continuavam alheias e ignorantes sobre a história das mulheres continuariam a lutar de forma independente e coletiva.

Womanhouse

Womanhouse foi um projeto que envolveu Judy Chicago e Miriam Schapiro . Tudo começou no outono de 1971 e foi a primeira exposição pública de Arte Feminista. Chicago e Schapiro tinham acabado de fundar o Programa de Arte Feminista no Instituto de Artes da Califórnia e selecionado 21 alunas para participar do curso. Eles queriam começar o ano com um projeto colaborativo de grande escala que envolvesse mulheres artistas que passavam muito tempo falando sobre seus problemas como mulheres. Eles usaram esses problemas como combustível e lidaram com eles enquanto trabalhavam no projeto. A ideia do Womanhouse surgiu durante uma discussão que tiveram no início do curso sobre o lar como um lugar com o qual as mulheres eram tradicionalmente associadas, e eles queriam destacar as realidades da feminilidade, da esposa e da maternidade dentro de casa. Chicago achava que as alunas frequentemente abordavam a produção de arte com relutância em ultrapassar seus limites devido à falta de familiaridade com ferramentas e processos e incapacidade de se ver como pessoas que trabalham. Nesse ambiente, as mulheres artistas experimentaram os papéis e experiências convencionais das mulheres e como eles poderiam ser exibidos. "O objetivo do Programa de Arte Feminista é ajudar as mulheres a reestruturar suas personalidades para serem mais consistentes com seus desejos de serem artistas e ajudá-las a construir sua arte a partir de suas experiências como mulheres." Womanhouse é uma representação dramática "verdadeira" da experiência da mulher começando na infância, abrangendo as lutas em casa, com o trabalho doméstico, a menstruação, o casamento, etc.

Em 1975, o primeiro livro de Chicago, Through the Flower , foi publicado; "descreveu suas lutas para encontrar sua própria identidade como mulher artista".

O jantar

Chicago decidiu levar a lição de Lerner a sério e agiu para ensinar as mulheres sobre sua história. Essa ação se tornaria a obra-prima de Chicago , The Dinner Party , agora na coleção do Museu do Brooklyn . Demorou cinco anos e custou cerca de US $ 250.000 para ser concluído. Primeiro, Chicago concebeu o projeto em seu estúdio em Santa Monica : um grande triângulo, que mede 14 por 13 por 36 pés, consistindo de 39 talheres . Cada cenário comemora uma figura feminina histórica ou mítica, como artistas, deusas, ativistas e mártires. Treze mulheres estão representadas em cada lado, comparável ao número que dizem estar em um coven de bruxas tradicional e o triplo do número de participantes na Última Ceia. Os corredores de mesa bordados são costurados no estilo e na técnica da época da mulher. Vários outros nomes de mulheres estão gravados no "Piso do Patrimônio", sobre o qual a peça está assentada. O projeto se concretizou com a assistência de mais de 400 pessoas, principalmente mulheres, que se voluntariaram para auxiliar no bordado , na criação de esculturas e em outros aspectos do processo. Quando The Dinner Party foi construído pela primeira vez, era uma exposição itinerante. Através da Flor, sua organização sem fins lucrativos, foi originalmente criada para cobrir as despesas de criação e viagens da obra de arte. Jane Gerhard dedicou um livro a Judy Chicago e The Dinner Party , intitulado "The Dinner Party: Judy Chicago and The Power of Popular Feminism, 1970–2007."

A inspiração para The Dinner Party veio de uma experiência pessoal em que Chicago se viu em um evento dominado por homens. Este evento incluiu homens e mulheres com alto nível educacional, porém os homens dominaram a conversa e a essência do espaço. Chicago destaca mulheres importantes que muitas vezes são esquecidas, dando crédito àquelas que defenderam os direitos das mulheres. Este trabalho é menos uma declaração e mais uma homenagem e uma forma de gratidão e inspiração. Chicago queria que a peça ensinasse sobre a luta pelo poder e pela igualdade que as mulheres enfrentaram em sociedades dominadas pelos homens. Ele considera a possibilidade de um encontro entre mulheres poderosas e como isso pode mudar a história humana.

Muitos críticos de arte, incluindo Hilton Kramer do The New York Times, não ficaram impressionados com seu trabalho. O Sr. Kramer sentiu que a visão pretendida por Chicago não foi transmitida por meio desta peça e "parecia uma calúnia ultrajante na imaginação feminina". Embora os críticos de arte achassem que seu trabalho carecia de profundidade e o jantar era apenas "vaginas nos pratos", ele foi popular e cativou o público em geral. Chicago estreou seu trabalho em seis países em três continentes. Ela alcançou mais de um milhão de pessoas por meio de sua arte. Seu trabalho pode não ter agradado os críticos, mas sua mensagem feminista cativou o público e homenageou suas 39 figuras históricas e 999 outras mulheres.

Em uma entrevista de 1981, Chicago disse que o retrocesso de ameaças e castigo odioso em reação ao trabalho trouxe o único período de risco de suicídio que ela já experimentou em sua vida, caracterizando-se como "como um animal ferido". Ela afirmou que buscou refúgio da atenção pública ao se mudar para uma pequena comunidade rural e que amigos e conhecidos assumiram funções de apoio administrativo para ela, como abrir sua correspondência , enquanto ela se dedicava ao trabalho de Bordando Nossa Herança , o livro que documenta o projeto. Ela ainda disse,

Se eu avançar agora, é por causa de uma rede de suporte que está sendo construída e que me permitirá seguir em frente. Meu destino como artista está totalmente ligado ao meu destino como membro do sexo feminino. E à medida que nós, como mulheres, avançamos, eu sigo em frente. Isso é algo muito, muito difícil de aceitar porque, é tipo, eu também não poderia fazer todo o caminho; mas percorri um longo caminho, sei que percorri um longo caminho. E isso significa que outras mulheres podem ir tão longe e mais longe.

Projeto de nascimento e PowerPlay

De 1980 a 1985, Chicago criou o Birth Project . Demorou cinco anos para criar. A peça usou imagens de parto para celebrar o papel da mulher como mãe. Chicago se inspirou para criar este trabalho coletivo devido à falta de imagens e representação do nascimento no mundo da arte. A instalação reinterpretou a narrativa da criação do Gênesis , que focava na ideia de que um deus masculino criou um ser humano, Adão , sem o envolvimento de uma mulher. Chicago descreveu a peça como revelando um "eu feminino primordial escondido entre os recessos da minha alma ... a mulher que deu à luz é parte do amanhecer da criação". Auxiliaram no projeto 150 costureiros dos Estados Unidos, Canadá e Nova Zelândia , trabalhando em 100 painéis, por quilting , macramê , bordados e outras técnicas. O tamanho da peça significa que raramente é exibida em sua totalidade. A maioria das peças do Projeto Nascimento está no acervo do Museu de Albuquerque .

Chicago não estava pessoalmente interessado na maternidade. Embora admirasse as mulheres que escolheram esse caminho, ela não o achou certo para si mesma. Em 2012, ela disse: "Não havia nenhuma maneira na terra que eu pudesse ter filhos e a carreira que tive."

Sobrepondo-se ao Projeto de nascimento , Chicago começou a trabalhar de forma independente no PowerPlay em 1982 . A série de pinturas em grande escala, desenhos, relevos de papel fundido e relevos de bronze é completamente diferente do Projeto Nascimento . O que ambas as séries, no entanto, têm em comum é que seus temas tratam de questões raramente retratadas na arte ocidental. Paradoxalmente, a série PowerPlay foi inspirada na viagem de Chicago à Itália, onde viu as obras-primas de artistas renascentistas que representavam a tradição artística ocidental. Como Judy Chicago escreveu em seu livro autobiográfico: “Fui muito influenciada por realmente ver as principais pinturas da Renascença. Olhar para sua escala monumental e clareza me levou a decidir lançar meu exame de masculinidade na tradição clássica do nu heróico e fazê-lo em uma série de pinturas a óleo em grande escala. ”

Já os títulos das obras como Crippled by the Need to Control / Blind Individuality, Pissing on Nature, Driving the World to Destruction, Na Shadow of the Handgun, Disfigured by Power , etc., indicam o foco de Chicago no comportamento violento masculino. No entanto, as imagens coloridas de expressões faciais e partes de corpos masculinos expressam não apenas agressão e poder, mas também vulnerabilidade, como Ai / Homem , para a qual seu marido Donald Woodman posou. Enquanto pesquisava a natureza e a história da masculinidade, Judy Chicago descobriu que quase não havia material, “quase como se apenas as mulheres fossem um gênero a ser estudado e sobre o qual escrever. E o que existia não parecia tão esclarecedor. ”

Levando em consideração sua luta para se tornar uma reconhecida artista de sucesso no mundo da arte dominado pelos homens e seu contínuo desprezo pelo trabalho de Chicago, a série parece ser muito relevante para sua vida pessoal. Ela dependia “de [seu] próprio senso de verdade, trabalhando a partir da observação, experiência e, claro, [sua] raiva de como tantos homens parecem agir de forma destrutiva em relação às mulheres e ao mundo em geral”.

Ao retratar corpos masculinos, Chicago substituiu o olhar tradicional masculino por um feminino, mostrando como as mulheres viam os homens. Como ela mesma disse: “Eu sabia que não queria continuar perpetuando o uso do corpo feminino como repositório de tantas emoções; parecia que tudo - amor, pavor, saudade, ódio, desejo e terror - foi projetado na mulher por artistas masculinos e femininos, embora com perspectivas muitas vezes diferentes. Eu me perguntei que sentimentos o corpo masculino poderia ser feito para expressar. ”

PowerPlay é um dos trabalhos menos conhecidos e provavelmente mais incompreendidos de Chicago.” É bastante intrigante que esta poderosa série tenha recebido tão “pouca atenção na época de sua primeira exibição, em 1986”. No entanto, hoje em dia, a série “não poderia ser mais relevante para o nosso diálogo contemporâneo sobre os abusos de poder que vivemos e testemunhamos em primeira mão”.

Um novo tipo de colaboração e o Projeto Holocausto

Em meados da década de 1980, os interesses de Chicago "foram além das 'questões de identidade feminina' para uma exploração do poder masculino e da impotência no contexto do Holocausto". O Projeto Holocausto de Chicago : Das Trevas à Luz (1985-93) é uma colaboração com seu marido, o fotógrafo Donald Woodman , com quem ela se casou na véspera de Ano Novo de 1985. Embora os maridos anteriores de Chicago fossem judeus , não foi até que ela conheceu Woodman que ela começou a explorar sua própria herança judaica. Chicago conheceu o poeta Harvey Mudd, que havia escrito um poema épico sobre o Holocausto . Chicago estava interessada em ilustrar o poema, mas decidiu criar seu próprio trabalho, usando sua própria arte, visual e escrita. Chicago trabalhou ao lado do marido para concluir a peça, que levou oito anos para ser concluída. A peça, que documenta vítimas do Holocausto, foi criada durante um período de perda pessoal na vida de Chicago: a morte de seu irmão Ben por causa da doença de Lou Gehrig e a morte de sua mãe por câncer .

Chicago usou o trágico evento do Holocausto como um prisma para explorar a vitimização, a opressão, a injustiça e a crueldade humana. Para buscar inspiração para o projeto, Chicago e Woodman assistiram ao documentário Shoah , que inclui entrevistas com sobreviventes do Holocausto em campos de concentração nazistas e outros locais relevantes do Holocausto. Eles também exploraram arquivos de fotos e textos escritos sobre o Holocausto. Eles passaram vários meses em campos de concentração e visitaram Israel . Chicago trouxe outras questões para o trabalho, como o ambientalismo , o genocídio dos nativos americanos e a Guerra do Vietnã . Com esses assuntos, Chicago procurou relacionar questões contemporâneas ao dilema moral por trás do Holocausto. Esse aspecto da obra gerou polêmica dentro da comunidade judaica, devido à comparação do Holocausto com essas outras preocupações históricas e contemporâneas. O Projeto Holocausto: Da Escuridão à Luz consiste em dezesseis trabalhos em grande escala feitos de uma variedade de meios, incluindo: tapeçaria , vitral , trabalho em metal, trabalho em madeira, fotografia, pintura e costura de Audrey Cowan . A mostra termina com uma peça que mostra um casal judeu no sábado . A peça compreende 3.000 pés quadrados, proporcionando uma experiência de exposição completa para o espectador. O Projeto Holocausto: Das Trevas à Luz foi exibido pela primeira vez em outubro de 1993 no Museu Spertus em Chicago. A maior parte do trabalho da peça é realizada no Centro do Holocausto em Pittsburgh, Pensilvânia.

Nos seis anos seguintes, Chicago criou trabalhos que exploraram as experiências de vítimas de campos de concentração. Galit Mana, da revista Jewish Renaissance , observa: "Essa mudança de foco levou Chicago a trabalhar em outros projetos com ênfase na tradição judaica", incluindo Voices from the Song of Songs (1997), em que Chicago "introduz o feminismo e a sexualidade feminina em sua representação de fortes personagens femininos bíblicos. "

Trabalho e vida atual

Em 1985, Chicago se casou com o fotógrafo Donald Woodman . Para comemorar o 25º aniversário de casamento do casal, ela criou uma "Ketubah Renovação" em 2010.

Em 1994, Chicago iniciou a série "Resolutions: A Stitch in Time", concluída ao longo de um período de seis anos. A obra de arte foi exibida ao público no Museu de Arte e Design de Nova York em 2000.

Em 1996, Chicago e Woodman se mudaram para o Belen Hotel , um histórico hotel ferroviário em Belen, Novo México, que Woodman passou três anos transformando em uma casa.

Os arquivos de Chicago estão na Biblioteca Schlesinger do Radcliffe College , e sua coleção de livros de história e cultura feminina está na coleção da Universidade do Novo México . Em 1999, Chicago recebeu o prêmio UCLA Alumni Professional Achievement Award e recebeu títulos honorários da Lehigh University , Smith College , Duke University e Russell Sage College . Em 2004, Chicago recebeu o Prêmio Mulher Visionária do Moore College of Art & Design . Ela foi nomeada homenageada do National Women's History Project pelo Mês da História da Mulher em 2008. Chicago doou sua coleção de materiais educacionais de arte feminista para a Penn State University em 2011. Em 2012, foi relatado que ela morava no Novo México. Em 2011, Chicago voltou a Los Angeles para a abertura da exposição "Concurrents" no Getty Museum e executou uma peça de instalação baseada em fogos de artifício no campo de futebol do Pomona College , local onde ela havia se apresentado na década de 1960.

Chicago teve duas exposições individuais no Reino Unido em 2012, uma em Londres e outra em Liverpool . A exposição de Liverpool incluiu o lançamento do livro de Chicago sobre Virginia Woolf . Outrora uma parte periférica de sua expressão artística, Chicago agora considera que a escrita está bem integrada em sua carreira. Naquele ano, ela também recebeu o prêmio pelo conjunto de sua obra na Feira de Arte de Palm Springs.

Ela foi entrevistada para o filme de 2018 ! Women Art Revolution .

Chicago se esforça para se esforçar, explorando novas direções para sua arte; no início de sua carreira, ela freqüentou a escola de carrocerias para aprender a aerografar e expandiu sua prática para incluir uma variedade de mídias, incluindo vidro. Assumir tais riscos é mais fácil quando se segue a filosofia de Chicago: "Não estou voltado para minha carreira. Os pontos de Damien Hirst venderam, então ele fez milhares de pontos. Eu, tipo, nunca faria isso! me ocorrer. "

Arte de Chicago é realizada nas coleções permanentes de vários museus, incluindo o Museu Britânico , o Museu Brooklyn , The Getty Confiança , O Los Angeles County Museum of Art , New Mexico Museum of Art , a Galeria Nacional de Arte , o Museu Nacional das Mulheres nas as Artes , a Academia de Belas Artes da Pensilvânia e o Museu de Arte Moderna de São Francisco .

Em entrevista a Gloria Steinem em 2018, Chicago descreveu seu “objetivo como artista” é “criar imagens nas quais a experiência feminina seja o caminho para o universal, em oposição a aprender tudo através do olhar masculino”.

Em 2021, ela foi introduzida no Hall da Fama Nacional das Mulheres .

Uma grande exposição retrospectiva, intitulada Judy Chicago: A Retrospective, foi exibida no De Young Museum em San Francisco em 2021.

Estilo e trabalho

Chicago foi inspirada pela mulher "comum", que foi o foco do movimento feminista do início dos anos 1970. Essa inspiração transbordou em seu trabalho, especialmente em The Dinner Party , como um fascínio pelo trabalho têxtil e pelo artesanato , tipos de arte muitas vezes culturalmente associados às mulheres. Chicago treinou-se em "artes machistas", tendo aulas de carroceria automotiva, construção de barcos e pirotecnia. Por meio do trabalho corporal com automóveis, ela aprendeu técnicas de pintura em spray e a habilidade de fundir cor e superfície a qualquer tipo de mídia, o que se tornaria uma marca registrada de seu trabalho posterior. As habilidades aprendidas na construção de barcos seriam usadas em seu trabalho de escultura, e a pirotecnia seria usada para criar fogos de artifício para peças performáticas. Essas habilidades permitiram que Chicago trouxesse fibra de vidro e metal para sua escultura e, eventualmente, ela se tornaria uma aprendiz de Mim Silinsky para aprender a arte da pintura em porcelana, que seria usada para criar obras no Jantar . Chicago também adicionou a habilidade do vitral ao seu cinto de ferramentas artísticas, que ela usou para o Projeto Holocausto . A fotografia se tornou mais presente no trabalho de Chicago à medida que seu relacionamento com o fotógrafo Donald Woodman se desenvolveu. Desde 2003, Chicago trabalha com vidro .

A colaboração é um aspecto importante das obras de instalação de Chicago. Womanhouse, The Dinner Party , The Birth Project e The Holocaust Project foram todos concluídos como um processo colaborativo com Chicago e centenas de participantes voluntários. As habilidades das artesãs voluntárias variam, frequentemente conectadas às artes femininas "estereotipadas", como as artes têxteis . Chicago faz questão de reconhecer seus assistentes como colaboradores, uma tarefa na qual outros artistas falharam notavelmente.

Através da flor

Em 1978, Chicago fundou Through the Flower , uma organização de arte feminista sem fins lucrativos. A organização busca educar o público sobre a importância da arte e como ela pode ser usada como uma ferramenta para enfatizar as conquistas das mulheres. Through the Flower também atua como mantenedor das obras de Chicago, tendo cuidado do armazenamento do The Dinner Party , antes de encontrar um lar permanente no Museu do Brooklyn. A organização também manteve o The Dinner Party Curriculum, que serve como um "currículo vivo" para a educação sobre as ideias e pedagogia da arte feminista . O aspecto online do currículo foi doado à Penn State University em 2011.

Carreira docente

Judy Chicago percebeu o sexismo que grassava nas instituições de arte moderna, museus e escolas enquanto fazia sua graduação e pós-graduação na UCLA na década de 1960. Ironicamente, ela não questionou essa observação quando era estudante. Na verdade, ela fez exatamente o oposto ao tentar combinar - tanto em sua arte quanto em seu estilo pessoal - o que ela considerava masculinidade com os estilos e hábitos artísticos de seus colegas masculinos. Não só começou a trabalhar com materiais industriais pesados, mas também fumava charutos, vestia-se "masculina" e ia a espectáculos de motociclismo. Essa consciência continuou a crescer à medida que ela reconhecia como a sociedade não via as mulheres como artistas profissionais da mesma forma que reconhecia os homens. Irritada com isso, Chicago canalizou essa energia e a usou para fortalecer seus valores feministas como pessoa e professora. Enquanto a maioria dos professores baseava suas aulas na técnica, formas visuais e cores, a base para os ensinamentos de Chicago estava no conteúdo e no significado social da arte, especialmente no feminismo . Vinda da comunidade artística dominada por homens com a qual Chicago estudou por tantos anos, ela valorizou a arte com base em pesquisas, visões sociais ou políticas e / ou experiência. Ela queria que seus alunos crescessem em suas profissões artísticas sem ter que sacrificar o que a feminilidade significava para eles. Chicago desenvolveu uma metodologia de educação artística na qual "conteúdo centrado na mulher", como menstruação e parto, é incentivado pela professora como conteúdo " pessoal é político " para a arte. Chicago defende o professor como facilitador, ouvindo ativamente os alunos a fim de orientar as pesquisas de conteúdo e a tradução do conteúdo em arte. Ela se refere à sua metodologia de ensino como " pedagogia da arte participativa ".

A arte criada no Programa de Arte Feminista e Womanhouse introduziu perspectivas e conteúdos sobre a vida das mulheres que haviam sido tabus na sociedade, inclusive no mundo da arte. Em 1970, Chicago desenvolveu o Programa de Arte Feminista na California State University, Fresno, e implementou outros projetos de ensino que concluem com uma exposição de arte de alunos como Womanhouse with Miriam Schapiro na CalArts, e SINsation em 1999 na Indiana University, From Theory to Practice : A Journey of Discovery at Duke University em 2000, At Home: A Kentucky Project with Judy Chicago e Donald Woodman na Western Kentucky University em 2002, Envisioning the Future at California Polytechnic State University e Pomona Arts Colony em 2004, e Evoke / Invoke / Provoke na Vanderbilt University em 2005. Vários alunos envolvidos em projetos de ensino de Judy Chicago estabeleceram carreiras de sucesso como artistas, incluindo Suzanne Lacy , Faith Wilding e Nancy Youdelman .

No início dos anos 2000, Chicago organizou seu estilo de ensino em três partes: preparação, processo e criação de arte. Cada um tem um propósito específico e é crucial. Durante a fase de preparação, os alunos identificam uma preocupação pessoal profunda e, em seguida, pesquisam essa questão. Na fase do processo, os alunos se reúnem em um grupo para discutir os materiais que planejam usar e o conteúdo do trabalho. Finalmente, na fase de criação de arte, os alunos encontram materiais, esboçam, criticam e produzem arte.

Livros de Chicago

  • O Jantar: Um Símbolo da Nossa Herança . Garden City, NY: Anchor Press / Doubleday (1979). ISBN  0-385-14567-5 .
  • com Susan Hill. Bordando Nossa Herança: O Trabalho de Costura da Festa do Jantar . Garden City, NY: Anchor Press / Doubleday (1980). ISBN  0-385-14569-1 .
  • O Projeto Nascimento . Nova York: Doubleday (1985). ISBN  0-385-18710-6 .
  • Além da flor: a autobiografia de uma artista feminista . Nova York: Penguin (1997). ISBN  0-14-023297-4 .
  • Kitty City: um livro felino de horas . Nova York: Harper Design (2005). ISBN  0-06-059581-7 .
  • Através da Flor: Minha Luta como Mulher Artista . Lincoln: Authors Choice Press (2006). ISBN  0-595-38046-8 .
  • com Frances Borzello . Frida Kahlo: Cara a cara . Nova York: Prestel USA (2010). ISBN  3-7913-4360-2 .
  • Institutional Time: A Critique of Studio Art Education . Nova York: The Monacelli Press (2014). ISBN  9781580933667 .

Notas explicativas

Citações

Fontes gerais

  • Anon (2018). "Entrevistas com artistas, curadores e críticos" . ! Women Art Revolution - Destaque em Stanford . Arquivado do original em 23 de agosto de 2018 . Recuperado em 23 de agosto de 2018 .
  • Bloch, Avital (editor) e Lauri Umansky (editor). Impossível de segurar: Mulheres e cultura na década de 1960 . Nova York: NYU Press (2005). ISBN  0-8147-9910-8 .
  • Felder, Deborah G. e Diana Rosen. Cinquenta mulheres judias que mudaram o mundo . Yucca Valley: Citadel (2005). ISBN  0-8065-2656-4 .
  • Lewis, Richard L. e Susan Ingalls Lewis. O poder da arte . Florença: Wadsworth (2008). ISBN  0-534-64103-2 .
  • Wylder, Thompson Viki D. e Lucy R. Lippard. Judy Chicago: Trials and Tributes . Tallahassee: Museu de Belas Artes da Florida State University (1999). ISBN  1-889282-05-7 .

Leitura adicional

  • Dickson, Rachel (ed.), Com contribuições de Judy Battalion, Frances Borzello, Diane Gelon, Alexandra Kokoli, Andrew Perchuk. Judy Chicago . Lund Humpries, Ben Uri (2012). ISBN  978-1-84822-120-8 .
  • Levin, Gail. Tornando-se Judy Chicago: Uma Biografia do Artista . Nova York: Crown (2007). ISBN  1-4000-5412-5 .
  • Lippard, Lucy, Elizabeth A. Sackler, Edward Lucie-Smith e Viki D. Thompson Wylder. Judy Chicago . ISBN  0-8230-2587-X .
  • Lucie-Smith, Edward. Judy Chicago: An American Vision . Nova York: Watson-Guptill (2000). ISBN  0-8230-2585-3 .
  • Direito Fora da História: Judy Chicago . DVD. Phoenix Learning Group (2008).

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