Arte cinética - Kinetic art

George Rickey , Four Squares in Square Arrangement, 1969, terraço da New National Gallery , Berlim, Alemanha , Rickey é considerado um escultor cinético
Naum Gabo , Kinetic Construction , também intitulado Standing Wave (1919–20)

Arte cinética é a arte de qualquer meio que contenha movimento perceptível pelo espectador ou que dependa do movimento para ter efeito. As pinturas em tela que estendem a perspectiva do observador da obra de arte e incorporam movimentos multidimensionais são os primeiros exemplos de arte cinética. Falando de maneira mais pertinente, a arte cinética é um termo que hoje mais frequentemente se refere a esculturas e figuras tridimensionais , como móbiles que se movem naturalmente ou são operados por máquina (veja, por exemplo, os vídeos nesta página das obras de George Rickey , Uli Aschenborn e Sarnikoff ). As partes móveis são geralmente movidas pelo vento, um motor ou o observador. A arte cinética engloba uma ampla variedade de técnicas e estilos sobrepostos.

Há também uma parte da arte cinética que inclui o movimento virtual, ou melhor, o movimento percebido apenas de certos ângulos ou seções da obra. Este termo também entra em conflito com o termo "movimento aparente", que muitas pessoas usam quando se referem a uma obra de arte cujo movimento é criado por motores, máquinas ou sistemas elétricos. Tanto o movimento aparente quanto o virtual são estilos de arte cinética que só recentemente foram discutidos como estilos de op art. A quantidade de sobreposição entre cinética e op art não é significativa o suficiente para que artistas e historiadores da arte considerem a fusão dos dois estilos sob um termo guarda-chuva, mas há distinções que ainda precisam ser feitas.

"Arte cinética" como um apelido desenvolvida a partir de várias fontes. A arte cinética tem suas origens nos artistas impressionistas do final do século 19 , como Claude Monet , Edgar Degas e Édouard Manet, que originalmente experimentou acentuar o movimento de figuras humanas na tela. Todo esse triunvirato de pintores impressionistas buscou criar uma arte que fosse mais realista do que seus contemporâneos. Os retratos do dançarino e do cavalo de corrida de Degas são exemplos do que ele acreditava ser " realismo fotográfico "; Durante o final do século 19, artistas como Degas sentiram a necessidade de desafiar o movimento em direção à fotografia com paisagens e retratos vívidos e cadenciados .

No início dos anos 1900, certos artistas ficaram cada vez mais próximos de atribuir sua arte ao movimento dinâmico. Naum Gabo , um dos dois artistas atribuídos a nomear este estilo, escreveu frequentemente sobre a sua obra como exemplos de "ritmo cinético". Ele sentiu que sua escultura em movimento Kinetic Construction (também apelidada de Standing Wave , 1919–20) foi a primeira desse tipo no século XX. Dos anos 1920 até 1960, o estilo da arte cinética foi remodelado por vários outros artistas que fizeram experiências com móbiles e novas formas de escultura.

Origens e desenvolvimento inicial


Os avanços feitos pelos artistas para "tirar as figuras e o cenário das páginas e provar inegavelmente que a arte não é rígida" ( Calder , 1954) trouxeram inovações e mudanças significativas no estilo de composição. Édouard Manet, Edgar Degas e Claude Monet foram os três artistas do século 19 que iniciaram essas mudanças no movimento impressionista . Embora cada um tenha adotado abordagens únicas para incorporar o movimento em suas obras, eles o fizeram com a intenção de ser realistas. No mesmo período, Auguste Rodin era um artista cujos primeiros trabalhos falavam em apoio ao desenvolvimento do movimento cinético na arte. No entanto, as críticas posteriores de Auguste Rodin ao movimento desafiaram indiretamente as habilidades de Manet, Degas e Monet, afirmando que é impossível capturar exatamente um momento no tempo e dar-lhe a vitalidade que é vista na vida real.

Édouard Manet

Édouard Manet , Le Ballet Espagnol (1862).

É quase impossível atribuir o trabalho de Manet a qualquer época ou estilo de arte. Uma das suas obras que está verdadeiramente à beira de um novo estilo é Le Ballet Espagnol (1862). Os contornos das figuras coincidem com seus gestos como forma de sugerir profundidade em relação umas às outras e em relação ao cenário. Manet também acentua o desequilíbrio neste trabalho para projetar ao espectador que ele está à beira de um momento que está a segundos de passar. A sensação turva e nebulosa de cor e sombra neste trabalho coloca o espectador em um momento fugaz.

Em 1863, Manet ampliou seu estudo do movimento em tela plana com Le déjeuner sur l'herbe . A luz, a cor e a composição são as mesmas, mas ele adiciona uma nova estrutura às figuras de fundo. A mulher curvada no fundo não está completamente dimensionada como se estivesse longe das figuras no primeiro plano. A falta de espaçamento é o método de Manet de criar instantâneos, um movimento quase invasivo semelhante ao embaçamento dos objetos em primeiro plano no Le Ballet Espagnol .

Edgar Degas

At the Races , 1877-1880, óleo sobre tela, de Edgar Degas, Musée d'Orsay , Paris
Edgar Degas , L'Orchestre de L'Opera (1868)

Acredita-se que Edgar Degas seja a extensão intelectual de Manet, mas mais radical para a comunidade impressionista. Os temas de Degas são o epítome da era impressionista; ele encontra grande inspiração em imagens de bailarinos e corridas de cavalos. Seus "temas modernos" nunca obscureceram seu objetivo de criar arte em movimento. Em sua peça Jeunes Spartiates s'exerçant à la lutte de 1860 , ele capitaliza os nus impressionistas clássicos, mas expande o conceito geral. Ele os coloca em uma paisagem plana e lhes dá gestos dramáticos, e para ele isso apontava para um novo tema de "juventude em movimento".

Uma de suas obras mais revolucionárias, L'Orchestre de l'Opéra (1868) interpreta formas de movimento definido e dá-lhes movimento multidimensional para além da planura da tela. Ele posiciona a orquestra diretamente no espaço do espectador, enquanto os dançarinos preenchem completamente o fundo. Degas faz alusão ao estilo impressionista de combinar movimento, mas quase o redefine de uma forma raramente vista no final do século XIX. Na década de 1870, Degas dá continuidade a essa tendência por meio de seu amor pelas corridas de cavalos de movimento único em obras como Voiture aux Courses (1872).

Não foi até 1884 com Chevaux de Course que sua tentativa de criar arte dinâmica se concretizou. Este trabalho faz parte de uma série de corridas de cavalos e partidas de pólo em que as figuras estão bem integradas na paisagem. Os cavalos e seus donos são retratados como se tivessem sido pegos em um momento de intensa deliberação e, em seguida, trotando casualmente em outros quadros. A comunidade artística impressionista e em geral ficou muito impressionada com esta série, mas também ficou chocada quando percebeu que ele baseou esta série em fotografias reais. Degas não se intimidou com as críticas de sua integração da fotografia, e isso realmente inspirou Monet a confiar em tecnologia semelhante.

Claude Monet

O estilo de Degas e Monet era muito semelhante em um aspecto: ambos baseavam sua interpretação artística em uma "impressão retiniana" direta para criar a sensação de variação e movimento em sua arte. Os temas ou imagens que foram a base de suas pinturas vieram de uma visão objetiva do mundo. Como no caso de Degas, muitos historiadores da arte consideram esse o efeito subconsciente que a fotografia teve naquele período. Seus trabalhos de 1860 refletiram muitos dos sinais de movimento que são visíveis na obra de Degas e Manet.

Em 1875, o toque de Monet torna-se muito rápido em sua nova série, começando com Le Bâteau-Atelier sur la Seine . A paisagem quase envolve toda a tela e tem movimento suficiente que emana de suas pinceladas inexatas para que as figuras façam parte do movimento. Esta pintura, juntamente com a Gare Saint-Lazare (1877-1878), prova a muitos historiadores da arte que Monet estava redefinindo o estilo da era impressionista. O impressionismo inicialmente foi definido pelo isolamento de cor, luz e movimento. No final da década de 1870, Monet foi pioneiro em um estilo que combinava os três, mantendo o foco nos temas populares da era impressionista. Os artistas costumavam ficar tão impressionados com as pinceladas finas de Monet que era mais do que movimento em suas pinturas, mas uma vibração impressionante .

Auguste Rodin

Auguste Rodin a princípio ficou muito impressionado com as "obras vibrantes" de Monet e a compreensão única de Degas sobre as relações espaciais. Como artista e autor de críticas de arte, Rodin publicou vários trabalhos apoiando esse estilo. Ele afirmou que o trabalho de Monet e Degas criou a ilusão de "que a arte captura a vida por meio de uma boa modelagem e movimento". Em 1881, quando Rodin esculpiu e produziu suas próprias obras de arte, ele rejeitou suas noções anteriores. A escultura colocou Rodin em uma situação difícil que ele achava que nenhum filósofo nem ninguém poderia resolver; como os artistas podem transmitir movimento e movimentos dramáticos de obras tão sólidas quanto esculturas? Depois que esse enigma lhe ocorreu, ele publicou novos artigos que não atacavam intencionalmente homens como Manet, Monet e Degas, mas propagavam suas próprias teorias de que o impressionismo não é comunicar movimento, mas apresentá-lo de forma estática.

Surrealismo do século 20 e arte cinética inicial

O estilo surrealista do século 20 criou uma transição fácil para o estilo da arte cinética. Todos os artistas agora exploravam assuntos que não seriam socialmente aceitáveis ​​para retratar artisticamente. Os artistas foram além de pintar apenas paisagens ou acontecimentos históricos, e sentiram a necessidade de mergulhar no mundano e no extremo para interpretar novos estilos. Com o apoio de artistas como Albert Gleizes , outros artistas de vanguarda como Jackson Pollock e Max Bill se sentiram como se tivessem encontrado uma nova inspiração para descobrir esquisitices que se tornaram o foco da arte cinética.

Albert Gleizes

Gleizes foi considerado o filósofo ideal das artes do final do século 19 e início do século 20 na Europa e, mais especificamente, na França. Suas teorias e tratados de 1912 sobre o cubismo deram-lhe uma reputação renomada em qualquer discussão artística. Essa fama é o que lhe permitiu atuar com considerável influência no apoio ao estilo plástico ou ao movimento rítmico da arte nas décadas de 1910 e 1920. Gleizes publicou uma teoria sobre o movimento, que articulou ainda mais suas teorias sobre os usos psicológicos e artísticos do movimento em conjunto com a mentalidade que surge quando se considera o movimento. Gleizes afirmou repetidamente em suas publicações que a criação humana implica a renúncia total da sensação externa. Para ele, era isso que tornava a arte móvel, quando para muitos, incluindo Rodin, ela era rígida e inabalavelmente imóvel.

Gleizes primeiro enfatizou a necessidade de ritmo na arte. Para ele, ritmo significava a coincidência visualmente agradável de figuras em um espaço bidimensional ou tridimensional. As figuras devem ser espaçadas matematicamente ou sistematicamente para que pareçam interagir umas com as outras. As figuras também não devem ter características muito definidas. Eles precisam ter formas e composições que não são claras, e a partir daí o espectador pode acreditar que as próprias figuras estão se movendo naquele espaço confinado. Ele queria pinturas, esculturas e até mesmo as obras planas de artistas de meados do século 19 para mostrar como as figuras podiam transmitir ao observador que havia um grande movimento contido em um determinado espaço. Como filósofo, Gleizes também estudou o conceito de movimento artístico e como ele atraiu o espectador. Gleizes atualizou seus estudos e publicações na década de 1930, no momento em que a arte cinética estava se tornando popular.

Jackson Pollock

Quando Jackson Pollock criou muitas de suas obras famosas, os Estados Unidos já estavam na vanguarda dos movimentos de arte popular e cinética. Os novos estilos e métodos que ele usou para criar suas peças mais famosas lhe renderam o lugar na década de 1950 como o líder incontestável dos pintores cinéticos . Seu trabalho foi associado à pintura de ação cunhada pelo crítico de arte Harold Rosenberg nos anos 1950. Pollock tinha um desejo irrestrito de animar todos os aspectos de suas pinturas. Pollock repetidamente disse a si mesmo: "Estou em todas as pinturas". Ele usou ferramentas que a maioria dos pintores nunca usaria, como varas, espátulas e facas. Ele pensou nas formas que criou como sendo "objetos lindos e erráticos" .

Este estilo evoluiu para sua técnica de gotejamento. Pollock pegou várias vezes baldes de tinta e pincéis e os sacudiu até que a tela ficasse coberta de linhas irregulares e traços irregulares. Na fase seguinte de seu trabalho, Pollock testou seu estilo com materiais incomuns. Ele pintou seu primeiro trabalho com tinta de alumínio em 1947, intitulado Catedral e a partir daí ele tentou seus primeiros "respingos" para destruir a unidade do próprio material. Ele acreditava de todo o coração que estava libertando os materiais e a estrutura da arte de seus confinamentos forçados, e foi assim que chegou à arte comovente ou cinética que sempre existiu.

Max Bill

Max Bill tornou-se um discípulo quase completo do movimento cinético na década de 1930. Ele acreditava que a arte cinética deveria ser executada de uma perspectiva puramente matemática. Para ele, usar princípios e entendimentos matemáticos era uma das poucas maneiras de criar um movimento objetivo. Essa teoria se aplica a todas as obras de arte que ele criou e como ele as criou. Bronze, mármore, cobre e latão foram quatro dos materiais que ele usou em suas esculturas. Ele também gostava de enganar o olhar do espectador quando ele ou ela se aproximava de uma de suas esculturas pela primeira vez. Em sua Construção com cubo suspenso (1935-1936), ele criou uma escultura móvel que geralmente parece ter uma simetria perfeita, mas uma vez que o observador a olha de um ângulo diferente, há aspectos de assimetria.

Móbiles e escultura

As esculturas de Max Bill foram apenas o começo do estilo de movimento que a cinética explorou. Tatlin, Rodchenko e Calder pegaram especialmente as esculturas estáticas do início do século 20 e deram-lhes a mais leve liberdade de movimento. Esses três artistas começaram testando movimentos imprevisíveis e, a partir daí, tentaram controlar o movimento de suas figuras com aprimoramentos tecnológicos. O termo "móvel" vem da capacidade de modificar como a gravidade e outras condições atmosféricas afetam o trabalho do artista.

Embora haja muito pouca distinção entre os estilos de móbiles na arte cinética, há uma distinção que pode ser feita. Os móbiles não são mais considerados móbiles quando o espectador tem controle sobre seus movimentos. Esta é uma das características do movimento virtual. Quando a peça só se move em certas circunstâncias que não são naturais, ou quando o espectador controla o movimento ainda que ligeiramente, a figura opera em movimento virtual.

Os princípios da arte cinética também influenciaram a arte do mosaico . Por exemplo, peças de mosaico com influência cinética costumam usar distinções claras entre ladrilhos claros e escuros, com formato tridimensional, para criar sombras e movimentos aparentes.

Vladimir Tatlin

O artista russo e membro fundador do movimento Construtivismo Russo Vladimir Tatlin é considerado por muitos artistas e historiadores da arte a primeira pessoa a concluir uma escultura móvel . O termo móvel não foi cunhado até a época de Rodchenko, mas é muito aplicável ao trabalho de Tatlin. Seu móbile é uma série de relevos suspensos que só precisam de uma parede ou de um pedestal e ficariam suspensos para sempre. Este primeiro móvel, Contre-Reliefs Libérés Dans L'espace (1915) é julgado como uma obra incompleta. Era um ritmo, muito semelhante aos estilos rítmicos de Pollock, que dependia do entrelaçamento matemático de planos que criava uma obra suspensa livremente no ar.

A Torre de Tatlin ou o projeto para o 'Monumento à Terceira Internacional' (1919–20), foi um projeto para um edifício de arquitetura cinética monumental que nunca foi construído. Foi planejado para ser erguido em Petrogrado (hoje São Petersburgo ) após a Revolução Bolchevique de 1917, como sede e monumento do Comintern (a Terceira Internacional).

Tatlin nunca sentiu que sua arte fosse um objeto ou produto que precisasse de um começo ou um fim claros. Ele sentia, acima de tudo, que seu trabalho era um processo em evolução. Muitos artistas com quem ele fez amizade consideraram o celular verdadeiramente completo em 1936, mas ele discordou veementemente.

Alexander Rodchenko

Alexander Rodchenko Dance. Uma Composição Sem Objeto , 1915

O artista russo Alexander Rodchenko , amigo e colega de Tatlin que insistia que seu trabalho estava completo, continuou o estudo de celulares suspensos e criou o que ele considerou "não-objetivismo". Esse estilo era um estudo menos focado em móbiles do que em pinturas em tela e objetos que eram imóveis. Ele se concentra na justaposição de objetos de diferentes materiais e texturas como uma forma de despertar novas ideias na mente do espectador. Ao criar descontinuidade com a obra, o espectador presumia que a figura estava se movendo para fora da tela ou do meio ao qual estava restrita. Um de seus trabalhos em tela intitulado Dance, an Objectless Composition (1915) incorpora esse desejo de colocar itens e formas de diferentes texturas e materiais juntos para criar uma imagem que atraiu o foco do observador.

No entanto, nas décadas de 1920 e 1930, Rodchenko encontrou uma maneira de incorporar suas teorias de não-objetivismo no estudo móvel. Sua construção suspensa de 1920 é um móbile de madeira que fica pendurado em qualquer teto por uma corda e gira naturalmente. Esta escultura móvel possui círculos concêntricos que existem em vários planos, mas toda a escultura gira apenas horizontal e verticalmente.

Alexander Calder

Alexander Calder, Red Mobile, 1956, Folha de metal pintada e hastes de metal, uma obra exclusiva - Museu de Belas Artes de Montreal

Alexander Calder é um artista que muitos acreditam ter definido com firmeza e exatamente o estilo dos celulares na arte cinética. Ao longo dos anos de estudo de suas obras, muitos críticos alegam que Calder foi influenciado por uma ampla variedade de fontes. Alguns afirmam que os sinos de vento chineses eram objetos que se assemelhavam muito à forma e à altura de seus primeiros móbiles. Outros historiadores da arte argumentam que os celulares dos anos 1920 de Man Ray , incluindo Shade (1920), tiveram uma influência direta no crescimento da arte de Calder.

Quando Calder ouviu pela primeira vez essas afirmações, ele imediatamente advertiu seus críticos. "Eu nunca fui e nunca serei um produto de nada além de mim mesmo. Minha arte é minha, por que se preocupar em dizer algo sobre minha arte que não é verdade?" Um dos primeiros celulares de Calder, Mobile (1938) foi o trabalho que "provou" a muitos historiadores da arte que Man Ray teve uma influência óbvia no estilo de Calder. Ambos Shade e Mobile têm um único fio preso a uma parede ou estrutura que o mantém no ar. As duas obras têm uma característica enrugada que vibra quando o ar passa por elas.

Apesar das semelhanças óbvias, o estilo de celulares de Calder criou dois tipos que agora são referidos como o padrão na arte cinética. Existem móbiles-objeto e móbiles suspensos. Os objetos móveis em suportes vêm em uma ampla variedade de formas e tamanhos e podem se mover de qualquer maneira. Os móbiles suspensos foram feitos inicialmente com vidro colorido e pequenos objetos de madeira pendurados em longos fios. Os móbiles de objetos faziam parte do estilo emergente de Calder de móbiles que eram originalmente esculturas fixas.

Pode-se argumentar, com base em sua forma e postura semelhantes, que os primeiros objetos móveis de Calder têm muito pouco a ver com arte cinética ou arte em movimento. Na década de 1960, a maioria dos críticos de arte acreditava que Calder havia aperfeiçoado o estilo dos objetos móveis em criações como o Cat Mobile (1966). Nesta peça, Calder permite que a cabeça e a cauda do gato sejam submetidas a movimentos aleatórios, mas seu corpo é estacionário. Calder não deu início à tendência de móbiles suspensos, mas foi o artista que se tornou conhecido por sua aparente originalidade na construção de móbiles.

Um de seus primeiros móbiles suspensos, McCausland Mobile (1933), é diferente de muitos outros móbiles contemporâneos simplesmente por causa das formas dos dois objetos. A maioria dos artistas móveis, como Rodchenko e Tatlin, nunca teria pensado em usar essas formas, porque elas não pareciam maleáveis ​​ou mesmo remotamente aerodinâmicas.

Apesar de Calder não ter divulgado a maioria dos métodos que usou ao criar seu trabalho, ele admitiu que usou relações matemáticas para fazê-los. Ele apenas disse que criou um móbile balanceado usando proporções de variação direta de peso e distância. As fórmulas de Calder mudavam a cada novo celular que ele fazia, de modo que outros artistas nunca poderiam imitar com precisão o trabalho.

Movimento virtual

Na década de 1940, novos estilos de móbiles, assim como muitos tipos de esculturas e pinturas, incorporaram o controle do espectador. Artistas como Calder, Tatlin e Rodchenko produziram mais arte na década de 1960, mas também estavam competindo com outros artistas que atraíam públicos diferentes. Quando artistas como Victor Vasarely desenvolveram várias das primeiras características do movimento virtual em sua arte, a arte cinética enfrentou fortes críticas. Essa crítica perdurou por anos até a década de 1960, quando a arte cinética estava em um período adormecido.

Materiais e eletricidade

Vasarely criou muitas obras que foram consideradas interativas na década de 1940. Uma de suas obras Gordes / Cristal (1946) é uma série de figuras cúbicas que também são movidas a eletricidade. Quando ele mostrou essas figuras pela primeira vez em feiras e exposições de arte, ele convidou as pessoas até as formas cúbicas para apertar o botão e iniciar o show de cores e luzes. O movimento virtual é um estilo de arte cinética que pode ser associado a móbiles, mas a partir desse estilo de movimento existem duas distinções mais específicas de arte cinética.

Movimento aparente e op art

Movimento aparente é um termo atribuído à arte cinética que evoluiu apenas na década de 1950. Os historiadores da arte acreditavam que qualquer tipo de arte cinética móvel independente do observador tem movimento aparente. Este estilo inclui obras que vão desde a técnica de gotejamento de Pollock até o primeiro móbile de Tatlin. Na década de 1960, outros historiadores da arte desenvolveram a frase " op art " para se referir a ilusões de ótica e a todas as artes opticamente estimulantes que estavam na tela ou estacionárias. Essa frase freqüentemente entra em conflito com certos aspectos da arte cinética que incluem móbiles que geralmente são fixos.

Em 1955, para a exposição Mouvements na galeria Denise René em Paris, Victor Vasarely e Pontus Hulten promoveram no seu "Manifesto amarelo" algumas novas expressões cinéticas baseadas no fenómeno óptico e luminoso e também no ilusionismo da pintura. A expressão "arte cinética" nesta forma moderna apareceu pela primeira vez no Museum für Gestaltung de Zürich em 1960 e teve seus principais desenvolvimentos na década de 1960. Na maioria dos países europeus, geralmente incluía a forma de arte ótica que faz uso principalmente de ilusões de ótica , como a op art , representada por Bridget Riley , bem como a arte baseada no movimento representada por Yacov Agam , Carlos Cruz-Diez , Jesús Rafael Soto , Gregorio Vardanega , Martha Boto ou Nicolas Schöffer . De 1961 a 1968, o GRAV ( Groupe de Recherche d'Art Visuel ) fundado por François Morellet , Julio Le Parc , Francisco Sobrino , Horacio Garcia Rossi , Yvaral , Joël Stein e Vera Molnár foi um grupo coletivo de artistas opto-cinéticos. Segundo o seu manifesto de 1963, o GRAV apelou à participação direta do público com influência no seu comportamento, nomeadamente através da utilização de labirintos interativos .

Trabalho contemporâneo

Em novembro de 2013, o Museu do MIT inaugurou 5000 Moving Parts , uma exposição de arte cinética, apresentando as obras de Arthur Ganson , Anne Lilly , Rafael Lozano-Hemmer , John Douglas Powers e Takis . A mostra inaugura um "ano da arte cinética" no Museu, com programação especial relacionada à forma de arte.

A arte neocinética é popular na China, onde você pode encontrar esculturas cinéticas interativas em muitos lugares públicos, incluindo o Parque Internacional de Esculturas de Wuhu e em Pequim.

O Aeroporto de Changi , em Cingapura , tem uma coleção de obras de arte com curadoria, incluindo instalações cinéticas em grande escala de artistas internacionais ART + COM e Christian Moeller .

Trabalhos selecionados

Escultores cinéticos selecionados

Artistas cinéticos selecionados

Veja também

Referências

Leitura adicional

links externos

  • Kinetic Art Organization (KAO) - KAO - Maior Organização Internacional de Arte Cinética (filme Kinetic Art e biblioteca de livros, Museu KAO planejado)