Melodrama - Melodrama
Um melodrama moderno é uma obra dramática em que o enredo, tipicamente sensacionalizado e de forte apelo emocional, tem precedência sobre a caracterização detalhada. Os melodramas geralmente se concentram no diálogo que costuma ser bombástico ou excessivamente sentimental, e não na ação. Os personagens são freqüentemente desenhados e podem parecer estereotipados . Os melodramas são tipicamente ambientados na esfera privada do lar, com foco em moralidade e questões familiares, amor e casamento, muitas vezes com desafios de uma fonte externa, como uma "sedutora", um canalha ou um vilão aristocrático. Um melodrama no palco, filmado ou na televisão é geralmente acompanhado por música dramática e sugestiva que oferece pistas para o público do drama que está sendo apresentado.
Em contextos musicais acadêmicos e históricos, os melodramas são dramas vitorianos nos quais a música orquestral ou cantos eram usados para acompanhar a ação. O termo agora também é aplicado a apresentações teatrais sem música, romances, filmes, televisão e transmissões de rádio incidentais. Em contextos modernos, o termo "melodrama" é geralmente pejorativo, pois sugere que a obra em questão carece de sutileza, desenvolvimento de caráter ou ambos. Por extensão, a linguagem ou comportamento que se assemelha ao melodrama é freqüentemente chamado de melodramático ; esse uso é quase sempre pejorativo.
Etimologia
O termo originou-se da palavra francesa mélodrame do início do século XIX . É derivado do grego μέλος mélos , "canção, tensão" (compare "melodia", de μελωδία melōdia , "canto, canção") e francês drame , drama (do latim tardio drāma , eventualmente derivando do grego clássico δράμα dráma , " enredo teatral ", geralmente de uma tragédia grega).
Características
A relação do melodrama com o realismo é complexa. Os protagonistas das obras melodramáticas podem ser pessoas comuns (e, portanto, desenhadas de forma realista), que se envolvem em eventos extraordinários ou personagens altamente exagerados e irrealistas. No que diz respeito às suas altas emoções e retórica dramática, o melodrama representa uma "vitória sobre a repressão". O melodrama vitoriano e eduardiano tardio combinava um foco consciente no realismo em cenários e adereços com "anti-realismo" no personagem e no enredo. O melodrama neste período buscava "uma precisão confiável na descrição de cenas incríveis e extraordinárias". O romancista Wilkie Collins é conhecido por sua atenção à precisão nos detalhes (por exemplo, em questões jurídicas) em suas obras, não importa o quão sensacional seja o enredo. Os melodramas tinham normalmente de 10 a 20.000 palavras.
Os melodramas colocam a maior parte de sua atenção na vítima. Uma luta entre escolhas boas e más , como um homem sendo encorajado a deixar sua família por uma "tentadora do mal". Outros personagens comuns são a "mulher caída", a mãe solteira, o órfão e o homem que está lutando com os impactos do mundo moderno. O melodrama examina questões familiares e sociais no contexto de uma casa particular, com seu público-alvo sendo a espectadora; secundariamente, o espectador masculino pode apreciar as tensões na tela em casa sendo resolvidas. O melodrama geralmente olha para trás, para épocas nostálgicas e ideais, enfatizando "anseios proibidos".
== Tipos == idl
Origens
A abordagem do melodrama foi revivida no drama romântico francês dos séculos 18 e 19 e nos romances sentimentais que eram populares na Inglaterra e na França. Esses dramas e romances enfocavam códigos morais em relação à vida familiar, amor e casamento, e podem ser vistos como um reflexo das questões levantadas pela Revolução Francesa , a revolução industrial e a mudança para a modernização. Muitos melodramas eram sobre uma jovem de classe média que experimentou avanços sexuais indesejados de um vilão aristocrático, sendo a agressão sexual uma metáfora para o conflito de classes. O melodrama refletia as ansiedades pós-revolução industrial da classe média, que temia tanto os mediadores aristocráticos do poder quanto a empobrecida "turba" da classe trabalhadora.
No século 18, o melodrama era uma técnica de combinar a recitação falada com pequenas peças musicais de acompanhamento. Música e diálogo falado tipicamente se alternavam nessas obras, embora a música às vezes também fosse usada para acompanhar a pantomima .
Os primeiros exemplos conhecidos são cenas da peça escolar de latim de JE Eberlin, Sigismundus (1753). O primeiro melodrama completo foi o Pigmalião de Jean-Jacques Rousseau , cujo texto foi escrito em 1762, mas foi encenado pela primeira vez em Lyon em 1770. Rousseau compôs a abertura e um Andante, mas a maior parte da música foi composta por Horace Coignet .
Um cenário musical diferente do Pigmalião de Rousseau, de Anton Schweitzer, foi apresentado em Weimar em 1772, e Goethe escreveu sobre isso com aprovação em Dichtung und Wahrheit . Pigmalião é um monodrama , escrito para um ator.
Cerca de 30 outros monodramas foram produzidos na Alemanha no quarto trimestre do século XVIII. Quando dois atores estavam envolvidos, o termo duodrama poderia ser usado. Georg Benda foi particularmente bem sucedido com seus duodramas Ariadne Auf Naxos (1775) e Medea (1778). O sucesso sensacional dos melodramas de Benda levou Mozart a usar dois longos monólogos melodramáticos em sua ópera Zaide (1780).
Outros exemplos posteriores e mais conhecidos do estilo melodramático em óperas são a cena da cova em Fidelio de Beethoven (1805) e a cena de encantamento em Der Freischütz de Weber (1821).
Após a restauração inglesa de Carlos II em 1660, a maioria dos teatros britânicos foi proibida de representar dramas "sérios", mas foi autorizada a exibir comédias ou peças musicais. Carlos II emitiu cartas patentes para permitir que apenas duas companhias de teatro de Londres realizassem dramas "sérios". Estes foram o Theatre Royal, Drury Lane e Lisle's Tennis Court em Lincoln's Inn Fields , o último dos quais mudou-se para o Theatre Royal, Covent Garden em 1720 (agora a Royal Opera House ). Os dois teatros de patentes fecharam nos meses de verão. Para preencher a lacuna, o Theatre Royal, Haymarket tornou-se o terceiro teatro de patentes em Londres em 1766.
Mais cartas patentes foram finalmente concedidas a um teatro em cada uma das várias outras cidades inglesas. Outros teatros apresentaram dramas marcados com música e, tomando emprestado o termo francês, o chamaram de melodrama para contornar a restrição. O Theatres Act 1843 finalmente permitiu que todos os teatros representassem uma peça teatral.
Século 19: opereta, música incidental e entretenimento de salão
No início do século 19, a influência da ópera levou a aberturas musicais e música incidental para muitas peças. Em 1820, Franz Schubert escreveu um melodrama, Die Zauberharfe ("A Harpa Mágica"), colocando a música por trás da peça escrita por G. von Hofmann. Não teve sucesso, como todas as aventuras teatrais de Schubert, mas o gênero melodrama era popular na época. Em uma época de músicos mal pagos, muitas peças do século 19 em Londres tiveram uma orquestra no fosso. Em 1826, Felix Mendelssohn escreveu sua conhecida abertura para Sonho de uma noite de verão , de Shakespeare , e mais tarde forneceu à peça música incidental.
Em Verdi 's La Traviata , Violetta recebe uma carta do pai de Alfredo, onde ele escreve que Alfredo agora sabe por que ela separou dele e que ele a perdoa ( 'Teneste la promessa ...'). Em sua voz falante, ela entoa as palavras do que está escrito, enquanto a orquestra recapitula a música de seu primeiro amor do Ato I: isso é tecnicamente melodrama. Em alguns momentos, Violetta irrompe em uma ária apaixonada e desesperadora ("Addio, del passato"): isto é ópera de novo.
De maneira semelhante, os vitorianos costumavam adicionar "música incidental" no diálogo a uma peça pré-existente, embora esse estilo de composição já fosse praticado na época de Ludwig van Beethoven ( Egmont ) e Franz Schubert ( Rosamunde ). (Este tipo de produção frequentemente luxuosa agora se limita principalmente ao filme (veja a trilha sonora ) devido ao custo de contratação de uma orquestra. A tecnologia de gravação moderna está produzindo um certo renascimento da prática no teatro, mas não na escala anterior.) Uma versão particularmente completa desta forma, a música incidental de Sullivan para The Foresters de Tennyson , está disponível online, completa com vários melodramas, por exemplo, o nº 12 encontrado aqui. Alguns operetas exibem melodrama no sentido de música tocada em diálogo falado, por exemplo, Gilbert e Sullivan 's Ruddigore (ela própria uma paródia de melodramas, no sentido moderno) tem um curto 'mélodrame'(reduzido ao diálogo sozinho em muitas produções) no segundo ato; Orpheus in the Underworld, de Jacques Offenbach , abre com um melodrama interpretado pelo personagem de "Opinião Pública"; e outras peças de opereta e musicais podem ser consideradas melodramas, como o "Recit and Minuet" em Gilbert e Sullivan's The Sorcerer . Como exemplo das, vários longos discursos musicais americanos em Lerner e Loewe 's Brigadoon são entregues ao longo de um acompanhamento de música evocativa. A técnica também é freqüentemente usado em espanhol zarzuela , tanto nos séculos 19 e 20, e continuou também a ser utilizado como um "efeito especial" na ópera, por exemplo Richard Strauss 's Die Frau ohne Schatten .
Em Paris, o século 19 viu um florescimento do melodrama nos muitos teatros que estavam localizados no popular Boulevard du Crime , especialmente na Gaîté . Tudo isso chegou ao fim, porém, quando a maioria desses teatros foi demolida durante a reconstrução de Paris pelo Barão Haussmann em 1862.
No final do século 19, o termo melodrama havia se restringido quase exclusivamente a um gênero específico de entretenimento de salão: palavras faladas mais ou menos ritmicamente (geralmente poesia) - não cantadas, às vezes mais ou menos encenadas, pelo menos com alguma estrutura dramática ou enredo - sincronizado com o acompanhamento de música (geralmente piano). Foi desprezado como um gênero para autores e compositores de estatura inferior (provavelmente também porque virtualmente nenhuma realização do gênero ainda é lembrada). Provavelmente também foi a época em que a conotação de ação exagerada barata foi associada ao termo pela primeira vez. Como uma narrativa e música câmara de mistura de género, que foi eclipsada quase durante a noite de uma única composição de cross-over: Schoenberg 's Pierrot Lunaire (1912), onde Sprechgesang foi usada em vez de palavras ritmicamente ditas, e que teve uma maior liberdade e mais imaginativa curso sobre a prerrogativa de enredo .
Ópera
A grande maioria das óperas são melodramas. As tensões emocionais são comunicadas e amplificadas pela música apropriada. A maioria dos enredos envolve personagens superando ou sucumbindo a eventos maiores do que a vida de guerra, traição, amor monumental, assassinato, vingança, discórdia filial ou ocorrências grandiosas semelhantes. A maioria dos personagens é desenhada de forma simplista, com distinções claras entre os virtuosos e os maus, e o desenvolvimento do caráter e a sutileza das situações são sacrificados. Os eventos são organizados para se adequar melhor aos traços do personagem para demonstrar seus efeitos emocionais no personagem e nos outros.
A predominância do melodrama nas obras do bel canto de Donizetti, Bellini e virtualmente todos os Verdi e Puccini é clara com exemplos numerosos demais para listar. A grande multidão de heroínas que precisam enfrentar e superar situações de amor impossíveis em face de circunstâncias grandiosas é amplamente exemplificada por Lúcia, Norma, Leonora, Tosca, Turandot, Mimi, Cio-Cio-San, Violetta, Gilda e muitos outros .
Tcheco
No contexto do Renascimento Nacional Tcheco , o melodrama assumiu um significado especificamente nacionalista para os artistas tchecos, começando por volta da década de 1870 e continuando até a Primeira República Tchecoslovaca do período entre guerras. Essa nova compreensão do melodrama originou-se principalmente de estudiosos e críticos do século XIX como Otakar Hostinský , que considerou o gênero uma contribuição exclusivamente "tcheca" para a história da música (com base nas origens nacionais de Georg Benda , cujos melodramas haviam sido em alemão). Tais sentimentos levaram um grande número de compositores tchecos a produzir melodramas baseados na poesia romântica tcheca, como a Kytice de Karel Jaromír Erben .
O compositor romântico Zdeněk Fibich, em particular, defendeu o gênero como um meio de definir a declamação tcheca corretamente: seus melodramas Štědrý den (1874) e Vodník (1883) usam durações rítmicas para especificar o alinhamento da palavra falada e do acompanhamento. A principal realização de Fibich foi Hippodamie (1888-1891), uma trilogia de melodramas encenados em uma noite inteira sobre os textos de Jaroslav Vrchlický com múltiplos atores e orquestra, composta em um estilo musical wagneriano avançado. As principais contribuições de Josef Suk na virada do século incluem melodramas para peças em dois estágios de Julius Zeyer : Radúz a Mahulena (1898) e Pod Jabloní (1901), ambos com uma longa história performática.
Seguindo os exemplos de Fibich e Suk, muitos outros compositores tchecos definiram melodramas como obras autônomas baseadas na poesia do Renascimento Nacional, entre eles Karel Kovařovic , Otakar Ostrčil , Ladislav Vycpálek , Otakar Jeremiáš , Emil Axman e Jan Zelinka. Vítězslav Novák incluiu partes do melodrama em sua ópera Lucerna de 1923 , e Jaroslav Ježek compôs cenas-chave para as peças teatrais de Osvobozené divadlo como melodrama (mais notavelmente o prólogo de abertura da farsa antifascista Osel a stín (1933), apresentada pelo personagem de Dionísio em ritmo de bolero ). A prática dos melodramas tchecos diminuiu após o protetorado nazista .
Vitoriana
O melodrama do palco vitoriano apresentava seis personagens comuns : o herói, o vilão, a heroína, um pai idoso, um ajudante e um servo do pai idoso envolvido em uma trama sensacional com temas de amor e assassinato. Freqüentemente, o herói bom, mas não muito inteligente, é enganado por um vilão intrigante, que está de olho na donzela em perigo até que o destino intervenha no final para garantir o triunfo do bem sobre o mal. Duas características centrais foram o coup de théàtre, ou reversão da fortuna, e a claptrap: um discurso de costas contra a parede do herói que força o público a aplaudir.
O melodrama inglês evoluiu da tradição do drama populista estabelecido durante a Idade Média por peças de mistério e moralidade , sob influências da commedia dell'arte italiana , bem como do drama alemão Sturm und Drang e do melodrama parisiense do período pós-revolucionário. Um notável melodramatista francês foi Pixérécourt, cujo La Femme à deux maris era muito popular.
A primeira peça inglesa a ser chamada de melodrama ou 'melodrame' foi A Tale of Mystery (1802) de Thomas Holcroft . Este foi um exemplo do gênero gótico , um exemplo teatral anterior do qual foi The Castle Specter (1797) de Matthew Gregory Lewis . Outros melodramas góticos incluem The Miller and his Men (1813) de Isaac Pocock , The Woodsman's Hut (1814) de Samuel Arnold e The Broken Sword (1816) de William Dimond .
Suplementando o gótico, o próximo subgênero popular foi o melodrama náutico, lançado por Douglas Jerrold em seu Black-Eyed Susan (1829). Outros melodramas náuticos incluíram The Mutiny at the Nore (1830) de Jerrold e The Red Rover (1829) de Edward Fitzball (Rowell 1953). Os melodramas baseados em situações urbanas tornaram-se populares em meados do século XIX, incluindo The Streets of London (1864) de Dion Boucicault ; e Lost in London (1867) por Watts Phillips, enquanto o melodrama da prisão, o melodrama da temperança e o melodrama imperialista também apareceram - este último tipicamente apresentando as três categorias do nativo "bom", o nativo bravo mas perverso e o nativo traiçoeiro.
Os romances de sensação das décadas de 1860 e 1870 não apenas forneceram material fértil para adaptações melodramáticas, mas são melodramáticos por si só. Um exemplo notável desse gênero é Lady Audley's Secret de Elizabeth Braddon adaptado, em duas versões diferentes, por George Roberts e CH Hazlewood. Os romances de Wilkie Collins têm as características do melodrama, sendo sua obra mais conhecida, The Woman in White, considerada por alguns críticos modernos como "o melodrama mais brilhante do período".
O vilão costuma ser o personagem central do melodrama, e o crime era o tema favorito. Isso incluiu dramatizações das carreiras assassinas de Burke e Hare , Sweeney Todd (apresentado pela primeira vez em The String of Pearls (1847) por George Dibdin Pitt ), o assassinato de Maria Marten no Celeiro Vermelho e as façanhas bizarras de Spring Heeled Jack . Os infortúnios de um prisioneiro libertado são o tema do sensacional The Ticket-of-Leave Man (1863), de Tom Taylor .
Os primeiros filmes mudos, como Os perigos de Pauline, tinham temas semelhantes. Mais tarde, depois que os filmes mudos foram substituídos pelos 'falados', o ator de teatro Tod Slaughter , aos 50 anos, transferiu para a tela os melodramas vitorianos nos quais havia interpretado um vilão em sua carreira teatral anterior. Esses filmes, que incluem Maria Marten ou Murder in the Red Barn (1935), Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street (1936) e The Ticket of Leave Man (1937) são um registro único de uma forma de arte do passado.
Ramificações genéricas
- Northrop Frye via tanto a propaganda quanto a propaganda como formas melodramáticas que os cultos não podem levar a sério.
- A política da época apela ao melodrama para articular uma visão de mundo. Assim, Richard Overy argumenta que a Grã-Bretanha dos anos 1930 via a civilização como melodramaticamente ameaçada - "Nesse grande melodrama, a Alemanha de Hitler era a vilã; a civilização democrática, a heroína ameaçada"; - enquanto Winston Churchill forneceu o herói melodramático maior do que a vida necessário para articular a resistência contra a parede durante o Blitz .
Moderno
O melodrama clássico é menos comum do que costumava ser na televisão e nos filmes do mundo ocidental. No entanto, ainda é amplamente popular em outras regiões, especialmente na Ásia e em países hispânicos. O melodrama é um dos principais gêneros (junto com o romance, a comédia e a fantasia) usados nos dramas da televisão latino-americana (novelas), particularmente na Venezuela , México , Colômbia , Argentina e Brasil , e nos dramas da televisão asiática, especialmente na Coreia do Sul , Japão , Taiwan , China , Paquistão , Tailândia , Índia , Turquia e (em uma fusão das culturas hispânica e asiática) as Filipinas . Comunidades de expatriados na diáspora desses países proporcionam à audiência um mercado global.
Filme
Os filmes de melodrama são um subgênero de filmes dramáticos caracterizados por uma trama que apela às emoções intensas do público . Eles geralmente dependem do desenvolvimento de personagens estereotipados , interação e temas altamente emocionais. Filmes melodramáticos tendem a usar enredos que muitas vezes lidam com crises de emoção humana, romance ou amizade fracassada , situações familiares tensas, tragédia , doença , neuroses ou dificuldades emocionais e físicas . Vítimas, casais, personagens virtuosos e heróicos ou protagonistas sofredores (geralmente heroínas ) em melodramas são confrontados com tremendas pressões sociais, ameaças, repressão, medos, eventos improváveis ou dificuldades com amigos, comunidade , trabalho , amantes ou família. O formato melodramático permite que o personagem trabalhe suas dificuldades ou supere os problemas com resistência resoluta , atos de sacrifício e bravura inabalável .
Os críticos de cinema às vezes usam o termo pejorativamente para conotar um conto irrealista, cheio de pathos e exagerado de romance ou situações domésticas com personagens estereotipados (muitas vezes incluindo uma personagem feminina central) que atrairia diretamente o público feminino. "Os melodramas se concentram em questões familiares e temas de dever e amor. Como os melodramas enfatizam a unidade familiar, as mulheres são normalmente representadas em um papel subordinado e tradicional. A mulher é mostrada enfrentando o autossacrifício e a repressão. Nos melodramas, os homens são mostrados no ambiente doméstico estereotipadamente feminino ; assim, para resolver os desafios apresentados pela história, o masculino deve aprender a negociar esse espaço "feminino". Como os homens que estão aprendendo a operar no âmbito doméstico aparecem "menos masculinos ... e mais feminizados", isso faz com que melodramas que atraem espectadores do sexo feminino. Os melodramas concentram sua atenção em um personagem vítima.
Uma vez que os melodramas se passam em uma casa e em uma pequena cidade, pode ser um desafio para o cineasta criar um senso de ação, visto que tudo ocorre em uma esfera claustrofóbica; uma maneira de adicionar mais locais é por meio de flashbacks do passado. A sensação de estar preso geralmente causa desafios para crianças, adolescentes e personagens femininas. A sensação de estar preso leva a obsessões por objetos inalcançáveis ou outras pessoas, e agressividade interna ou "agressividade por procuração". As feministas notaram quatro categorias de temas: aqueles com uma paciente feminina, uma figura materna, um "amor impossível" e o melodrama paranóico.
A maioria dos melodramas cinematográficos das décadas de 1930 e 1940, conhecidos como "choros" ou "tearjerkers", foram adaptações de ficção feminina, como romances e romances históricos. Os melodramas enfocam a subjetividade e a perspectiva das mulheres e o desejo feminino; no entanto, devido ao Código Hays , esse desejo não podia ser explicitamente mostrado na tela dos anos 1930 ao final dos anos 1960, então o desejo feminino é deserotizado.
Durante a década de 1940, os melodramas britânicos de Gainsborough fizeram sucesso com o público. Um diretor de filmes de melodrama da década de 1950 foi Douglas Sirk, que trabalhou com Rock Hudson em Written on the Wind e All That Heaven Allows , ambos grampos do gênero. Melodramas como os filmes Moment of Truth da TV dos anos 1990 visavam o público de mulheres americanas retratando os efeitos do alcoolismo , violência doméstica , estupro e coisas do gênero. Típico do gênero é o filme de 1999 de Anjelica Huston , Agnes Browne . Na década de 1970, Rainer Werner Fassbinder , muito influenciado por Sirk, contribuiu para o gênero ao se envolver com a classe em The Merchant of Four Seasons (1971) e Mother Küsters Goes to Heaven (1975), com orientação sexual e co - dependência em The Merchant of Four Seasons (1971). Lágrimas amargas de Petra von Kant (1972) e com racismo, xenofobia e preconceito de idade em Fear Eats the Soul (1974). Mais recentemente, Todd Haynes renovou o gênero com seu filme de 2002, Far from Heaven .