Miniatura (manuscrito iluminado) - Miniature (illuminated manuscript)
A palavra miniatura , derivada do verbo latino miniare ("colorir com minium ", uma grafite vermelha ) indica uma pequena ilustração usada para decorar um manuscrito iluminado antigo ou medieval ; as ilustrações simples dos primeiros códices foram miniaturizadas ou delineadas com aquele pigmento . A escala geralmente pequena de tais pinturas medievais levou à confusão etimológica com minúcia e à sua aplicação a pinturas pequenas, especialmente miniaturas de retratos , que, entretanto, cresceram a partir da mesma tradição e pelo menos inicialmente usaram técnicas semelhantes.
Além das tradições ocidental, bizantina e armênia , há outro grupo de tradições asiáticas , que geralmente é mais ilustrativo por natureza, e de origens na decoração de livros manuscritos também se desenvolveram em pequenas pinturas de folha única para serem mantidas em álbuns, que também são chamadas de miniaturas, como os equivalentes ocidentais em aquarela e outros meios não são. Isso inclui miniaturas persas e seus ramos mogol , otomano e outros indianos .
Tradições cristãs
Itália e Bizâncio, séculos 3 a 6
As primeiras miniaturas existentes são uma série de desenhos coloridos ou miniaturas cortadas da Ilíada Ambrosiana , um manuscrito ilustrado da Ilíada do século III. Eles são semelhantes em estilo e tratamento com a arte pictórica do período clássico romano posterior . Nessas pinturas, há uma variedade considerável na qualidade do desenho, mas há muitos exemplos notáveis de desenho de figuras finas, bastante clássicas no sentimento, mostrando que a arte anterior ainda exercia sua influência. Também as indicações da paisagem que podemos encontrar são do tipo clássico, não convencionais no sentido do convencionalismo medieval, mas ainda tentando seguir a natureza, mesmo que de maneira imperfeita; assim como nos afrescos de Pompeia e outros da época romana.
De ainda maior valor do ponto de vista artístico são as miniaturas do manuscrito do Vaticano de Virgílio , conhecido como Vergilius Vaticanus , do início do século V. Eles estão em condições mais perfeitas e em uma escala maior do que os fragmentos ambrosianos e, portanto, oferecem melhor oportunidade para o exame do método e da técnica. O desenho tem um estilo bastante clássico e a ideia é que as miniaturas são cópias diretas de uma série mais antiga. As cores são opacas: de fato, em todas as miniaturas dos primeiros manuscritos, o emprego da cor do corpo era universal. O método seguido para colocar as diferentes cenas na página é altamente instrutivo sobre a prática seguida, como podemos presumir, pelos artistas dos primeiros séculos. Parece que o fundo da cena foi primeiro pintado por completo, cobrindo toda a superfície da página; então, sobre esse fundo foram pintadas as figuras e objetos maiores; e sobre estes novamente os detalhes menores à frente deles foram sobrepostos. (O algoritmo do pintor .) Novamente, com o propósito de garantir algo como a perspectiva , um arranjo de zonas horizontais foi adotado, as superiores contendo figuras em uma escala menor do que as inferiores.
Estava reservado à escola bizantina romper mais decididamente com a apresentação natural das coisas e desenvolver convenções artísticas. No entanto, nos primeiros exemplos dessa escola, o sentimento clássico ainda perdura, como testemunham as relíquias das miniaturas do Gênesis do Algodão e as melhores das miniaturas do Dióscúrido de Viena ; e nas miniaturas dos manuscritos bizantinos posteriores, que foram copiados de exemplos anteriores, a reprodução dos modelos é fiel. Mas ao comparar as miniaturas da escola bizantina em geral com suas predecessoras clássicas, tem-se a sensação de ter passado do ar livre para o claustro . Sob a restrição da dominação eclesiástica, a arte bizantina tornou-se cada vez mais estereotipada e convencional. Cresce a tendência de pintar as cores da carne em tons morenos, de alongar e emagrecer os membros e de enrijecer o andar. Marrom, cinza-azulado e matizes neutros são favoráveis. Aqui encontramos primeiro o tratamento técnico da pintura corporal, que posteriormente se tornou a prática especial dos miniaturistas italianos, ou seja, a aplicação de tonalidades reais sobre um fundo de azeitona, verde ou outra tonalidade escura. A paisagem, tal como era, logo se tornou bastante convencional, dando o exemplo daquela notável ausência da verdadeira representação da natureza, um atributo tão notável das miniaturas da Idade Média .
E ainda, enquanto o tratamento ascético das miniaturas obtido tão fortemente na arte bizantina, ao mesmo tempo o senso oriental de esplendor mostra-se no brilho de muitas das cores e no uso pródigo do ouro. Nas miniaturas dos manuscritos bizantinos são vistos pela primeira vez aqueles fundos de ouro brilhante que depois aparecem em tal profusão nas produções de todas as escolas de pintura ocidentais.
A influência da arte bizantina na da Itália medieval é óbvia. Os primeiros mosaicos nas igrejas da Itália, como as de Ravenna e Veneza , também fornecem exemplos da influência dominante bizantina. Mas o início da Idade Média fornece apenas alguns marcos para guiar o aluno; e só quando ele entra no século 12, com seus afrescos e miniaturas ainda trazendo a marca da tradição bizantina, ele pode se convencer de que a conexão sempre existiu durante os séculos intermediários.
Miniatura Armênia
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A pintura em miniatura armênia se destaca pela variedade de estilos e escolas. Quando em 405 Mesrop Mashtots criou as letras armênias , os manuscritos armênios apareceram e a pintura em miniatura armênia desenvolvida junto com eles. A maioria dos 25.000 manuscritos armênios que chegaram até nós em diferentes séculos são decorados com miniaturas.
Livros com conteúdo religioso eram em sua maioria decorados, porém, os miniaturistas, ou '' florescentes '', como eram chamados na época, eram capazes de expressar suas emoções e sentimentos e refletir cenas da vida real por meio de temas religiosos. Principalmente nas letras maiúsculas no início do texto, nos ornamentos colocados antes do título ou nas fotos feitas nas margens, nas letras lindamente decoradas, eles introduziram várias imagens e elementos da flora e da fauna.
Nas miniaturas armênias podem-se encontrar cenas de caça, luta de animais, performances teatrais, outras cenas da vida urbana e rural, retratos de figuras famosas da época, comissários de manuscritos . Essas miniaturas são de grande importância para o estudo da vida e estilo de vida da Armênia medieval, trajes, costumes, artesanato, natureza armênia. Alguns pintores em miniatura também deixaram seus autorretratos .
Muitos centros de pintura em miniatura operaram na Armênia em épocas diferentes. Existem centros bem conhecidos, como os de Ani , Gladzor , Tatev , Nakhichevan , Artsakh , Vaspurakan , cada um dos quais, além das características gerais típicas da arte nacional, é caracterizado por um estilo único de pintura em miniatura e tradições locais . Mais tarde, centros de pintura em miniatura foram estabelecidos também nas colônias armênias.
A arte em miniatura armênia floresceu no século 13, especialmente na Armênia Cilícia , onde as miniaturas eram mais luxuosas e elegantes. Obras de artistas em miniatura talentosos de diferentes épocas e centros como Toros Roslin , Grigor, Ignatius, Sargis Pitsak, Toros Taronetsi, Avag, Momik, Simeon Archishetsi, Vardan Artsketsi, Kirakos, Hovhannes, Hakob Jughayetsi e talvez mais tenham resistido à marcha dos tempos até agora. No entanto, os nomes de muitos outros artistas em miniatura não foram preservados.
A pintura em miniatura armênia percorreu caminhos históricos longos e difíceis; é uma testemunha do zelo criativo sem paralelo dos armênios, que nem os incontáveis desastres trazidos por invasores estrangeiros, nem as difíceis e tortuosas rotas de migração foram capazes de extinguir. Com a sua originalidade, domínio da performance, cor extraordinária, riqueza e variedade de joalharia, ocupa um lugar único e honrado não só no tesouro da arte nacional, mas também na arte mundial.
Os Evangelhos foram os mais ilustrados, seguidos pela Bíblia e outras coleções religiosas. As primeiras miniaturas que chegaram até nós são amostras dos séculos VI-VII. Os tipos de personagens e pinturas neles são uma reminiscência dos afrescos de Lmbat e Aruch do século VII. O "Evangelho da Rainha Mlke", "O Evangelho de Kars", "O Evangelho de Trabzon" sobreviveram ao período dos reinos de Bagratuni e Artsruni. Estes manuscritos contêm as principais características do desenvolvimento posterior da pintura em miniatura armênia: • tabernáculos colunares, • folhetos de ouro com letras maiúsculas, • pinturas do Senhor, que são os eventos da vida de Cristo, que são mencionados nas festas da igreja, • miniaturas anexadas a o texto. Uma combinação orgânica de arte bizantina e totalmente cristã pode ser encontrada neles, nas representações dos arcos dos tabernáculos do "Evangelho da Rainha Mlke", motivos egípcios, decoração arquitetônica de pinturas evangélicas e elementos da arte helenística.
As miniaturas maiores dos Evangelhos da Armênia Menor relacionados à arte em miniatura do Cristianismo Primitivo em 1038 (Matenadaran após Mesrop Mashtots, Yerevan, manuscrito N 6201), preservando antigas regras estilísticas e pictóricas, contêm novidades que formaram a base de toda iconografia armênia subsequente, por exemplo , a representação do Cristo nu na cruz. O desenvolvimento gráfico do estilo do grupo de manuscritos é óbvio na Escola de Pintura em Miniatura de Vaspurakan . Um grupo de manuscritos do final do século XI, liderado pelo Evangelho de Moghni, formou a escola de Ani cujas formas estilísticas guardam semelhanças com as miniaturas pré-góticas, que mostram as origens orientais destas últimas. As miniaturas desse grupo destacam-se no estilo de afresco monumental. Nos manuscritos do século 12, as tradições da arte em miniatura dos séculos 10 a 11 foram desenvolvidas, dotadas de acentos trágico-emocionais, e uma grande importância foi dada aos motivos vegetal-animais. Na primeira metade do século 13, antes das invasões mongóis, a pintura em miniatura floresceu na Grande Armênia ("Evangelho de Haghpat", "Evangelho dos Tradutores"). A pintura em miniatura recebeu uma nova qualidade sem precedentes na Armênia Cilícia. Manuscritos requintados foram coletados nos mosteiros e na corte real e, além do clero, os manuscritos foram encomendados por membros da corte real e conselheiros.
O significado da igreja ritual dos manuscritos diminuiu, eles eram frequentemente encomendados para uso pessoal, para satisfazer o gosto refinado dos conselheiros e seus sentimentos religiosos. O tamanho dos livros diminuiu, os pintores em miniatura voltaram-se mais para a representação da realidade e dos países vizinhos (Bizâncio և países europeus). Os famosos pintores em miniatura Grigor Mlichetsi, Toros Roslin, Sargis Pitsak e outros apareceram criando elegantes manuscritos reais ("Jantar do Rei Hetum II", "Evangelho da Rainha Keran"). Uma situação política relativamente estável em algumas regiões da Grande Armênia contribuiu para o desenvolvimento da pintura em miniatura. Enquanto os representantes da Escola de Pintura Miniatura Gladzor se destacam com personalidades estressadas, os artistas de Vaspurakan (Simeon Artchishetsi, Zakaria Akhtamartsi, Rstakes, Kirakos Aghbaketsi e outros) voltaram para tradições de pintura mais unificadas. O famoso centro da pintura em miniatura foi a Escola Tatev de Pintura em Miniatura, chefiada por Grigor Tatevatsi, depois de quem a arte em miniatura armênia continuou nas colônias da Crimeia, Nova Julfa, Constantinopla e outros lugares. Nos séculos 17 a 18, a pintura em miniatura de livros armênios gradualmente deu lugar à arte de impressão da ilustração de livros.
Europa, séculos 8 a 12
Nas escolas nativas de iluminação da Europa Ocidental, a decoração era apenas o motivo principal. Nos manuscritos do período merovíngio , na escola que ligava Frankland e o norte da Itália, e que é conhecida como lombarda ou franco-lombarda, nos manuscritos da Espanha , nas produções da arte insular das Ilhas Britânicas , o desenho de figuras era pouco conhecido, servindo mais como uma característica de decoração do que como uma representação da forma humana.
A escola anglo-saxônica , desenvolvida especialmente em Canterbury e Winchester , provavelmente derivou seu desenho à mão livre característico de modelos romanos clássicos, pouco influenciados pelo elemento bizantino. As maiores qualidades das miniaturas dos séculos 10 e 11 desta escola residem no desenho de contorno fino, que teve uma influência duradoura na miniatura inglesa dos séculos posteriores. Mas a escola anglo-saxônica do sul se destaca da linha geral de desenvolvimento da miniatura medieval ocidental.
Sob os monarcas carolíngios , desenvolveu-se uma escola de pintura derivada de modelos clássicos, principalmente do tipo bizantino. Nesta escola, que deve sua origem ao incentivo de Carlos Magno , vê-se que a miniatura aparece em duas formas. Em primeiro lugar, há a miniatura verdadeiramente convencional seguindo o modelo bizantino, os temas sendo geralmente os retratos dos Quatro Evangelistas , ou retratos dos próprios imperadores: as figuras formais; as páginas brilhantemente coloridas e douradas, geralmente definidas em ambientes arquitetônicos de um tipo fixo e desprovidas de paisagem no sentido real da palavra. Acompanhado como estava de decoração profusa na borda e inicial, ele estabeleceu o padrão para as escolas continentais posteriores do Ocidente. Por outro lado, há também a miniatura em que se tenta ilustrar, como, por exemplo, a representação de cenas bíblicas . Aqui há mais liberdade; e traçamos o estilo clássico que copia os modelos romanos, em oposição aos bizantinos.
A influência que a escola carolíngia exerceu sobre as miniaturas dos artistas anglo-saxões do sul mostra-se no uso alargado da cor do corpo e no emprego mais elaborado do ouro na decoração. Um manuscrito como a Bênção de Santo Æthelwold , bispo de Winchester , 963 a 984, com sua série de miniaturas desenhadas no estilo nativo, mas pintadas em pigmentos opacos, exibe a influência da arte estrangeira. Mas o desenho real permaneceu essencialmente nacional, marcado pelo tratamento próprio da figura humana e pela disposição da cortina com dobras esvoaçantes. O estilo foi refinado, tendendo ao exagero e desproporção dos membros. Com a Conquista Normanda, esta notável escola nativa morreu.
Com o despertar da arte no século 12, a decoração dos manuscritos recebeu um impulso poderoso. Os artistas da época primavam pela orla e pela inicial, mas na miniatura também havia desenho vigoroso, com linhas de contornos ousados e estudo cuidadoso das cortinas. Os artistas se tornaram mais experientes no desenho de figuras e, embora ainda houvesse a tendência de repetir os mesmos temas da mesma maneira convencional, o esforço individual produziu neste século muitas miniaturas de caráter muito nobre.
A conquista normanda trouxe a Inglaterra diretamente para o domínio da arte continental; e agora começou aquele agrupamento das escolas francesa e inglesa e flamenga , que, fomentada pelo crescente intercâmbio e movida por impulsos comuns, resultou nas magníficas produções dos iluminadores do noroeste da Europa a partir da última parte do século 12 em diante .
Mas de paisagem natural não há nada, a menos que rochas e árvores de caráter estereotipado possam ser consideradas. Portanto, o pano de fundo da miniatura do século XII e dos séculos imediatamente seguintes tornou-se o campo de decoração para dar maior relevo às figuras em cena. E assim surgiu a prática de preencher todo o espaço com uma folha de ouro, muitas vezes polida: um método brilhante de ornamento que já vimos praticado na escola bizantina. Devemos também notar o tratamento convencional das figuras sagradas, que continuam daqui em diante, por um sentido de veneração, a serem vestidas com as vestes tradicionais dos primeiros séculos, enquanto as outras figuras da cena vestem as roupas comuns da época.
Europa, séculos 13 a 15
Entrando no século XIII, alcançamos o período em que se pode dizer que a miniatura justifica a falsa etimologia moderna que ligou o título à minúcia. O estilo amplo e ousado do século 12 dá lugar ao preciso e ao minuto. Os livros em geral trocaram sua forma do fólio grande para o octavo e em tamanhos menores. Houve uma maior demanda por livros; e o pergaminho era limitado em quantidade e precisava ir mais longe. A caligrafia ficou menor e perdeu a redondeza do século XII. As contrações e abreviações nos textos aumentaram amplamente em número. Em todos os lugares há um esforço para economizar espaço. E assim com a miniatura. As figuras eram pequenas, com traços delicados nas feições e corpos e membros delgados e organizados. Os fundos brilham com cores e ouro polido; e padrões delicados de fraldas de ouro e cores alternativos abundam. Freqüentemente, e especialmente em manuscritos ingleses, os desenhos são apenas tingidos ou lavados com cores transparentes. Também neste século a miniatura invade a inicial. Enquanto nos períodos anteriores os rolos de flores em negrito estavam na moda, agora uma pequena cena é introduzida nos espaços em branco da carta.
Para comparar o trabalho das três escolas, o desenho da miniatura inglesa, no seu melhor, é talvez o mais gracioso; o francês é o mais limpo e preciso; o flamengo, incluindo o da Alemanha ocidental, é menos refinado e em linhas mais duras e mais fortes. Quanto às cores, o artista inglês atinge matizes bastante mais claros do que os das outras escolas: uma parcialidade deve ser observada para o verde-claro, para o azul-acinzentado e para o lago. O artista francês amava tons mais profundos, especialmente ultramar. O flamengo e o alemão pintaram, via de regra, em cores menos puras e com tendência ao peso. Uma característica notável nos manuscritos franceses é o ouro em tons de vermelho ou cobre usado em suas iluminações, em forte contraste com o metal mais claro da Inglaterra e dos Países Baixos.
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É notável como a arte da miniatura ao longo do século 13 manteve sua alta qualidade tanto no desenho quanto na cor, sem nenhuma mudança muito marcante. Ao longo do século, a Bíblia e o Saltério foram a favor; e, naturalmente, os mesmos temas e as mesmas cenas percorreram o período e foram repetidos por artista após artista; e o próprio caráter desses livros sagrados tenderia a restringir a inovação. Mas, no final do período, obras seculares como os romances estavam crescendo em popularidade e proporcionaram um campo mais amplo para a invenção do artista ilustrador. Portanto, com o início do século XIV sobrevém uma mudança palpável de estilo. Passamos para linhas mais fluidas; não para os traços e curvas ousadas do século 12, mas para um estilo gracioso, delicado e flexível que produziu as belas figuras oscilantes do período. Na verdade, a miniatura agora começa a se libertar do papel de membro integrante do esquema decorativo de iluminação e a se desenvolver no quadro, dependendo de seu próprio mérito artístico para a posição que ocupará no futuro. Isso é demonstrado pelo lugar mais proeminente que a miniatura agora assume, e por sua crescente independência da borda decorativa e inicial.
Mas, ao mesmo tempo, enquanto a miniatura do século 14 se esforça para se dissociar do resto dos detalhes iluminados do manuscrito, em si mesma ela floresce na decoração. Além da maior elasticidade do desenho figurado, há um desenvolvimento paralelo nos desenhos dos fundos. As fraldas ficam mais elaboradas e mais brilhantes; a beleza do ouro polido é realçada pelos padrões pontilhados que são freqüentemente trabalhados nele; as copas góticas e outras características arquitetônicas que se tornou prática introduzir acompanharam naturalmente o desenvolvimento da arquitetura do período. Em suma, a grande expansão do sentimento artístico na decoração do melhor tipo, que é tão proeminente na obra superior do século XIV, é igualmente notável na miniatura iluminada.
No início do século, o desenho inglês é muito gracioso, as figuras curvando-se com um movimento ondulante que, se não fosse tão simples, seria uma afetação. Tanto no contorno dos corpos-de-prova, lavado com cor transparente, quanto no integral. exemplos pintados, a melhor obra inglesa desta época é insuperável. A arte francesa ainda mantém sua precisão caprichada, as cores mais vivas que as da Inglaterra e os rostos delicadamente indicados sem muita modelagem. As produções dos Países Baixos, ainda mantendo o estilo mais pesado do desenho, aparecem grosseiras ao lado das obras das outras escolas. A arte em miniatura alemã desse período também não ocupa posição elevada, sendo geralmente mecânica e de caráter rústico. Com o passar do tempo, a miniatura francesa quase monopoliza o campo, destacando-se no brilho das cores, mas perdendo muito de sua pureza de desenho, embora o padrão geral ainda permaneça alto. A escola inglesa gradualmente retrocede e, sem dúvida devido a causas políticas e às guerras com a França, parece não ter produzido nenhuma obra de muito valor. É apenas no final do século 14 que há um avivamento.
Esse renascimento foi atribuído a uma conexão com a florescente escola de Praga , uma escola que, no esquema de colorir, sugere uma influência sulista após o casamento de Ricardo II com Ana da Boêmia em 1382. O novo estilo de pintura em miniatura inglesa é distinto pela riqueza de cores e pela modelagem cuidadosa dos rostos, o que se compara favoravelmente ao tratamento mais discreto dos artistas franceses contemporâneos. Atenção semelhante às características também marca a escola flamenga ou holandesa do norte neste período e no início do século XV; e, portanto, pode ser considerado um atributo da arte germânica, distinto do estilo francês.
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A promessa de um novo desenvolvimento na pintura em miniatura inglesa, entretanto, não se cumpriu. No primeiro quartel do século XV produziram-se exemplares de grande mérito, mas paralisados no desenho e acorrentados pelas convenções medievais. A arte nativa praticamente chegou ao fim em meados do século, justamente quando a melhor apreciação da natureza estava rompendo com a velha representação convencional da paisagem na arte europeia e transformando a miniatura em quadro moderno. Qualquer pintura em miniatura a ser produzida na Inglaterra depois dessa época seria obra de artistas estrangeiros ou de artistas que imitaram um estilo estrangeiro. A condição do país durante a Guerra das Rosas explica suficientemente o abandono da arte. Assim, a história da miniatura do século 15 deve ser buscada nos manuscritos das escolas continentais.
Primeiro, temos que considerar o norte da França e os Países Baixos. À medida que sai do século XIV e entra no século XV, a miniatura de ambas as escolas começa a exibir maior liberdade de composição; e há uma tendência adicional de visar mais ao efeito geral pelo colorido do que à limpeza do desenho. Isso foi encorajado pelo campo mais amplo aberto ao miniaturista. Livros de todos os tipos foram ilustrados, e livros sagrados, Bíblias e Saltérios e livros litúrgicos , não eram mais os principais, senão os únicos, manuscritos iluminados. E, no entanto, havia uma classe de manuscrito que alcançou o maior destaque e que era ao mesmo tempo litúrgica. Era o Horae , ou Livro das Horas , livros devocionais para uso individual, que se multiplicavam em grande número e continham alguns dos melhores trabalhos dos miniaturistas. A decoração desses pequenos volumes escapou em grande parte das restrições convencionais que seu caráter religioso poderia ter imposto. Além disso, a demanda por manuscritos iluminados já havia estabelecido um comércio regular; e sua produção não se limitava, como antes, ao claustro. Artistas seculares de manuscritos iluminados notáveis incluem Mestre Honoré da escola parisiense.
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No início do século, o antigo tratamento convencional da paisagem ainda se mantinha; nem o fundo com fraldas e dourados deixou de ser usado. Na verdade, em alguns dos melhores espécimes franceses da época, os padrões das fraldas são mais brilhantes do que nunca. Mas a paisagem natural do segundo quartel do século afirma-se de forma mais decidida, embora com falhas de perspectiva. Somente após o surgimento de outra geração é que houve uma verdadeira apreciação do horizonte e do efeito atmosférico.
As miniaturas das escolas francesa e flamenga correram bastante paralelas por um tempo, mas depois de meados do século as características nacionais tornaram-se mais marcadas e divergentes. A miniatura francesa começou a se deteriorar, embora alguns exemplos muito bons foram produzidos pelos artistas mais talentosos da escola. O desenho da figura era mais descuidado, e a pintura tendia à dureza sem profundidade, que o artista se esforçava por aliviar com um excesso de sombreamento dourado.
A escola flamenga na última parte do século XV atingiu a sua maior excelência. A miniatura flamenga afetava extrema suavidade e profundidade de cor; também um cuidado cada vez maior no tratamento dos detalhes, das cortinas, da expressão dos traços: o tipo flamengo do rosto da Virgem, por exemplo, com sua testa cheia e alta, nunca se pode enganar. Nas melhores miniaturas flamengas do período, o artista consegue apresentar uma suavidade e um brilho de cor maravilhosos; nem o alto padrão cessou com o século 15, pois muitos espécimes excelentes ainda permanecem para atestar o favor pelo qual foi mantido por mais algumas décadas.
Nas observações anteriores, o que foi dito a respeito do tratamento cuidadoso dos detalhes aplica-se ainda mais às miniaturas executadas em grisaille , nas quais a ausência de cor convidava a uma acentuação ainda mais forte desse tratamento. Isso é talvez mais observável nas miniaturas de grisaille do norte de Flandres , que muitas vezes sugerem, especialmente nas fortes linhas angulares das cortinas, uma conexão com a arte do gravador de madeira.
Itália, séculos 13 a 15
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A miniatura flamenga, entretanto, não conquistou o favor da Europa Ocidental sem rival. Esse rival surgiu no sul e atingiu a perfeição ao mesmo tempo que a miniatura dos Países Baixos no século XV. Tratava-se da miniatura italiana, que passou pelos mesmos estágios das miniaturas da Inglaterra, França e Países Baixos. A intercomunicação entre os países da Europa estava bem estabelecida para que o caso fosse diferente. Em manuscritos italianos do tipo normal, a influência da arte bizantina é muito manifesta durante os séculos XIII e XIV. O antigo sistema de tingir a carne sobre o verde azeitona ou algum pigmento semelhante, que fica exposto nas linhas dos traços, obtendo-se assim uma tez morena, continuou a ser praticado de forma mais ou menos modificada até ao século XV. Como regra, os pigmentos usados são mais opacos do que os empregados nas escolas do norte; e o artista confiava mais na cor apenas para obter o efeito desejado do que na mistura de cor e ouro que dava resultados tão brilhantes nos padrões de fraldas da França. O vermelho vivo dos miniaturistas italianos é peculiarmente deles. O desenho da figura é menos realista do que a arte contemporânea dos manuscritos ingleses e franceses, pois a forma humana é freqüentemente espessa. Em geral, a miniatura italiana, antes de sua grande expansão no século 14, está muito atrás das miniaturas do norte. Mas com o século 15, sob a influência do Renascimento , avançou para a linha de frente e rivalizou com as melhores obras da escola flamenga. A utilização de pigmentos mais espessos permitiu ao miniaturista obter a superfície dura e polida tão característica da sua obra e manter a nitidez dos contornos, sem perder a profundidade e a riqueza da cor que se comparam às mesmas qualidades da escola flamenga.
O estilo italiano foi seguido nos manuscritos da Provença nos séculos XIV e XV. Teve efeito também na escola do norte da França, pela qual também foi influenciado. Nos manuscritos do sul da Alemanha, também está em evidência. Mas os princípios que foram revisados como guiando o desenvolvimento da miniatura nas escolas mais importantes se aplicam igualmente a todas. Como a miniatura da escola flamenga, a miniatura italiana ainda era trabalhada, até certo ponto, com sucesso, sob patrocínio especial, mesmo no século XVI; mas com o rápido deslocamento do manuscrito pelo livro impresso, a ocupação do miniaturista foi encerrada.
Outras tradições
Apesar das objeções do Islã à arte figurativa , a Pérsia e o mundo persa continuaram o que parece ter sido uma tradição pré-existente de ilustração de livros, enquanto a miniatura árabe figurativa era relativamente incomum, exceto figuras em imagens práticas, como diagramas. No entanto, na arte islâmica, os manuscritos de luxo, incluindo os do Alcorão (que nunca foram ilustrados com imagens figurativas), eram frequentemente decorados com desenhos altamente elaborados de padrões geométricos, arabescos e outros elementos, às vezes como borda do texto. Isso é conhecido como "iluminação".
persa
A arte persa tem uma longa tradição de uso de miniaturas, tanto para livros ilustrados quanto para peças individuais, que foram coletadas em álbuns ( muraqqa ). A miniatura Mughal tradição foi fortemente influenciada pela Pérsia, e começou quando um grupo de artistas foi recrutado para a Índia, miniaturas de ter caído em desgraça na corte persa de Tahmasp mim . Reza Abbasi (1565–1635), considerado um dos mais renomados pintores persas de todos os tempos, se especializou na miniatura persa, com preferência por temas naturalistas. Hoje, suas obras sobreviventes podem ser encontradas em muitos dos principais museus do mundo ocidental , como o Smithsonian , o Louvre e o Metropolitan Museum of Art .
Em 2020, a UNESCO declarou a arte em miniatura do Azerbaijão , Irã , Turquia e Uzbequistão como uma das obras-primas do patrimônio cultural imaterial da humanidade.
Índia
Sob o patrocínio da Dinastia Pala, a pintura em miniatura foi introduzida na Índia pintando manuscritos budistas em folhas de palmeira . Um dos primeiros exemplos sobreviventes de manuscritos budistas ilustrados em folha de palmeira é Aṣṭasāhasrikā Prajñāpāramitā datado de 985 DC preservado na biblioteca da Universidade de Cambridge. A arte de Pala iluminou manuscritos desenvolvidos em centros budistas de Bihar e Bengala . As pinturas em miniatura de Pala não apenas inspiraram pinturas em miniatura nepalesa e tibetana, mas também inspiraram o hinduísmo e o jainismo a desenvolver suas próprias tradições de pintura em miniatura em períodos posteriores.
A pintura Mughal desenvolvida durante o período do Império Mughal (séculos 16 - 18) e geralmente era confinada a miniaturas como ilustrações de livro ou como obras individuais para serem mantidas em álbuns. Ele surgiu da tradição da pintura persa em miniatura introduzida na Índia por Mir Sayyid Ali e Abd al-Samad em meados do século XVI. Ele logo se afastou de suas origens safávidas ; com a influência de artistas hindus, as cores tornaram-se mais brilhantes e as composições mais naturalistas. O assunto era predominantemente secular, consistindo principalmente em ilustrações de obras de literatura ou história, retratos de membros da corte e estudos da natureza. Em seu auge, o estilo de pintura mogol representou um casamento elegante das artes persa, europeia e hindi.
Nos sultanatos muçulmanos do Decão, os estilos de pintura em miniatura surgiram com influência direta da Pérsia e, com alguns, da pintura hindu existente. O estilo de pintura Deccan era mais livre e extravagante do que a pintura Mughal, se não tão consistente em qualidade ou naturalismo. Conforme os Mughals conquistaram os sultanatos no século 17, os artistas se dispersaram. Uma versão do estilo Mughal espalhou-se pelas cortes principescas, principalmente hindus, no norte da Índia, especialmente na pintura Rajput , onde vários estilos diferentes se desenvolveram. A pintura Pahari cobre uma série de pequenos pátios no sopé do Himalaia, e o estilo Bikaner veio mais ao sul. No século 18, os tribunais Rajput estavam produzindo a pintura indiana mais inovadora.
império Otomano
A tradição do Império Otomano começou sob a influência persa, e miniaturas persas foram cuidadosamente coletadas pelos sultões. Mas um estilo otomano distinto logo se desenvolveu, um pouco menos sofisticado e com um interesse maior pela narrativa e registrando a história do império. A iluminação otomana também foi amplamente usada em manuscritos judiciais.
Falsificações
As miniaturas são forjadas por vários motivos. Miniaturas islâmicas forjadas que representam avanços científicos são feitas por artesãos turcos como souvenirs e muitas vezes podem ser encontradas inofensivamente como fotos de banco de dados na Internet ou em materiais de aprendizagem formal. Miniaturas europeias medievais também foram forjadas por várias pessoas para enganar os colecionadores, sendo um dos mais notáveis falsificadores o falsificador espanhol .
Veja também
Notas
Referências
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Leitura adicional
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Avivamento do século 19
- Sandra Hindman, Michael Camille , Nina Rowe & Rowan Watson, Manuscript Illumination in the Modern Age: Recovery and Reconstruction , Evanston: Northwestern University, 2001.
- Thomas Coomans e Jan De Maeyer (ed.), O Renascimento da Iluminação Medieval no Século XIX (KADOC Artes, 9), University Press Leuven, 2007, 336 p.
links externos
- Scriptorium Digital
- Biblioteca Britânica, Catálogo de Manuscritos Iluminados
- Initiale - Catálogo de manuscritos enluminés
- Breve inventário de manuscritos iluminados em Herzogenburg / Áustria
- Kurzinventar der illuminierten Handschriften em Stift Stams / Áustria
- A Idade Média Iluminada . Várias centenas de textos iluminados digitalizados das coleções da biblioteca nacional francesa. (comercial)
- Desvendando os segredos de pintores e iluminadores medievais
- Pintura em miniatura da Ásia Central
- Miniaturas armênias (fotos)