Nobuo Sekine - Nobuo Sekine
Nobuo Sekine | |
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 Artista Nobuo Sekine de costas para o Oceano Pacífico, ca. 2014, Península de Palos Verdes, CA.
Foto: Gaea Woods | |
| Nascer |
19 de setembro de 1942
Saitama , Japão
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| Faleceu | 13 de maio de 2019 (76 anos)
Los Angeles , Califórnia, Estados Unidos
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| Nacionalidade | japonês |
| Educação | Tama Art University |
| Conhecido por | Arte contemporânea |
Trabalho notável |
Fase-Mãe Terra |
| Movimento | Mono-ha |
| Local na rede Internet | http://www.nobuosekine.com |
Nobuo Sekine (関 根 伸 夫, Sekine Nobuo , 19 de setembro de 1942 - 13 de maio de 2019) foi um escultor japonês que residiu em Tóquio , no Japão, e em Los Angeles , Califórnia.
Ele foi um dos principais membros do Mono-ha , um grupo de artistas que se tornou proeminente no final dos anos 1960 e 1970. Os artistas Mono-ha exploraram o encontro entre materiais naturais e industriais, como pedra, placas de aço, vidro, lâmpadas, algodão, esponja, papel, madeira, arame, corda, couro, óleo e água, arranjando-os em sua maioria inalterados , estados efêmeros. Obras que estão sob a égide Mono-ha focam tanto na interdependência dos elementos acima mencionados e no espaço circundante quanto nos próprios materiais.
Início de carreira
Nobuo Sekine nasceu em 1942 na cidade de Shiki, província de Saitama, Japão. De 1962 a 1968, ele foi aluno do departamento de pintura da Tama Art University em Tóquio, onde estudou com os influentes professores-artistas Yoshishige Saitō e Jiro Takamatsu . As pinturas e esculturas ilusionistas de Takamatsu foram fundamentais para o desenvolvimento da cena artística de Tóquio naquela época.
Os primeiros trabalhos de Sekine refletiram essa abordagem. Ele foi incluído na exposição do grupo Tricks and Vision: Stolen Eyes realizada na Galeria de Tóquio e na Galeria Muramatsu em 1968. Lá, ele exibiu a Fase No.4 (1968) (位相 No.4), uma escultura montada na parede. Dependendo do ângulo de visão da obra, sua forma cilíndrica parecia inteira ou fragmentada. Sekine realizou sua primeira exposição individual na Galeria de Tóquio no ano seguinte.
Fase - Mãe Terra
| Fase-Mãe Terra | |
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 "Fase - Mãe Terra", 1968
Terra, cimento Cilindro: 220 x 270 (diâmetro) cm, orifício: 220 x 270 (diâmetro) cm Vista da instalação na 1ª Exposição de Escultura Contemporânea do Parque Kobe Suma Rikyū Cortesia do artista Foto de Osamu Murai | |
| Artista | Nobuo Sekine |
| Ano | 1968, 2008 e 2012 |
| Modelo | arte da terra |
| Dimensões | 2,7 m × 2,2 m (110 pol x 87 pol.); 2,2 m de diâmetro (87 pol.) |
A principal virada na carreira de Sekine veio em outubro de 1968, quando ele criou a obra Fase: Mãe Terra no Parque Suma Rikyu de Kobe para a Primeira Exposição de Escultura Contemporânea ao Ar Livre (第一 回 野外 彫刻 展). Realizada com o auxílio de Susumu Koshimizu e Katsuro Yoshida, a obra consistiu em um buraco cavado no solo, com 2,7 metros de profundidade e 2,2 metros de diâmetro, com a terra escavada compactada em um cilindro exatamente com as mesmas dimensões.
Ele concebeu o trabalho como um "experimento de pensamento" que lidaria com as leis de consciência das fases do espaço - uma forma de "pensamento racional que deduz se as hipóteses de alguém são verdadeiras ou não e, em alguns casos, pode ignorar os fenômenos físicos de realidade." Ele elaborou mais ... "Se você cavar um buraco na terra e continuar cavando para sempre, eventualmente a terra será como uma casca de ovo, e se você continuar a arrancar toda a terra, ela será revertida em uma versão negativa de si mesma. "
Fase - a Mãe Terra foi uma manifestação inicial do envolvimento de Sekine com o conceito de" fase "(位相) na topologia (位相 幾何学), um ramo da matemática preocupado com espaço abstrato e conectividade - especificamente as propriedades que são preservadas sob deformações contínuas. Por meio dessa disciplina, Sekine percebeu a forma, a matéria e o espaço como infinitamente maleáveis.
Fase-Mãe Terra é considerada o trabalho inicial do movimento Mono-ha . A obra foi recriada em 2008 e novamente em 2012.
Outras Obras Importantes
Phase — Sponge (1968) (位相 ： ス ポ ン ジ) era um cilindro branco de esponja, distorcido sob o peso de uma folha preta de ferro colocada em cima dele. Pode-se entender a partir deste trabalho que a estrutura permanece a mesma, mesmo que haja mudanças na forma, e que o que está deformado pode ser restaurado à sua forma original. Escrevendo sobre este trabalho, Lee Ufan sugeriu que "talvez tudo que os povos primitivos tiveram que fazer foi para empilhar pedras como dolmens. No entanto, na sociedade industrial de hoje, uma placa de ferro em um cilindro de esponja elicia mais naturalmente uma resposta ”
Na primeira exposição individual de Sekine na Galeria de Tóquio em 1969, ele exibiu Phase of Nothingness — Oil Clay (1969) (空 相 - 油 土), que consistia em uma enorme massa de argila oleosa exibida em seu estado natural. Os espectadores podiam tocar nesta obra e remodelá-la, implicando que esculpida ou não, e em contraste com a sua presença física dominante, esta “escultura” era transitória. Sobre esta peça, o curador Simon Groom escreveu:
Simplesmente apresentada em seu estado natural, a enorme massa de argila parece existir em um constante estado de tensão entre nossa consciência de sua presença esmagadoramente física e nosso desejo consciente de formá-la, seja mentalmente através da profusão de formas possíveis que ela possa sugerir, ou fisicamente, atraídos como somos pela natureza tátil do material em sua infinita maleabilidade.
- Simon Groom, “Encountering Mono-ha”, Mono-ha: School of Things, Kettle's Yard, p.8, 2001
A Fase do Nada - Água (1969) (空 相 ： 水) consistia em dois recipientes de água, um um cilindro de 110 cm de altura e o outro uma caixa retangular de 30 cm de altura. Os recipientes foram pintados de preto para que a água parecesse invisível, mas como os espectadores podiam tocar na obra, assim que o tocavam, as ondulações tornavam a presença da água conhecida.
Fase do Nada / Bienal de Veneza
Em julho de 1970, junto com Shusaku Arakawa , Sekine foi escolhido para expor no Pavilhão do Japão na Bienal de Veneza . Ele contribuiu com a Fase do Nada (空 相), que consistia em uma grande pedra colocada no topo de uma alta coluna quadrada de aço inoxidável espelhado. A coluna reflete a paisagem circundante e quase desaparece de vista, enquanto a pedra parece flutuar no ar.
Seu sucesso na Bienal de Veneza fez com que ele recebesse uma série de exposições individuais na Europa, incluindo uma exposição itinerante apresentando um importante conjunto de obras escultóricas, Phase of Nothingness — Black (1978–79) (空 相 - 黒).
Fase do nada - preto
Phase of Nothingness — Black (1978–79) (空 相 - 黒) é uma série menos conhecida, mas igualmente importante, consistindo de esculturas FRP pretas que contrastam o natural e o feito pelo homem. As cerca de 50 esculturas variam de formas ásperas semelhantes a torrões que ficam baixas no chão a formas geométricas altamente polidas que se erguem como totens. Essas obras marcaram uma mudança crucial na prática de Sekine - longe do foco em matérias-primas e maleabilidade e em direção às qualidades de superfície das formas solidificadas. Sekine deliberadamente dificultou a identificação do material usado para criar essas obras - à primeira vista, não é evidente se elas são feitas de pedra, vidro, metal ou plástico. Quando Sekine instalou essas obras, ele considerou sua colocação como uma "cena topológica" governada por princípios estéticos semelhantes aos encontrados em jardins de pedra Zen - ou seja, arranjos assimétricos de elementos díspares que se combinam para representar uma paisagem mais ampla de mares, ilhas e montanhas.
Intercâmbio intelectual com Lee Ufan
Em novembro de 1968, Sekine conheceu o artista coreano Lee Ufan , que logo seria de importância central para a Mono-ha e a articulação de suas ideias. Lee estudou uma variedade de filosofias, incluindo os escritos de Lao Tzu e Chuang Tzu (que também influenciaram o trabalho de Sekine), e depois de se mudar para o Japão em 1956, estudou filosofia ocidental moderna na Universidade Nihon . Lee reconheceu a progressividade das ideias de Sekine e admirou seu trabalho, enquanto Sekine encontrou em Lee um teórico para apoiar sua prática artística e visões da arte.
Em uma série de comentários que apareceu em várias revistas de arte de 1969 a 1970, Lee afirmou ter identificado o surgimento de "uma nova estrutura" revelando "o mundo como ele é". A teoria de Lee privilegiou “coisas ou substâncias” dispostas em um “local” que, juntas, produzem um “encontro com o ser”, vividamente real e livre da bifurcação sujeito / objeto. “O ato de Sekine, então, não significa transformar o mundo em um objeto de cognição como no caso do objeto”, escreveu Lee, “mas liberá-lo em meio a fenômenos não objetivos, no reino da percepção; isto é, deixar o mundo existir em seu próprio ser. ”
Exposições
A primeira exposição individual de Sekine foi na Galeria de Tóquio em 1969. Desde então, ele fez várias exposições individuais no Japão, incluindo na Bienal de Veneza em 1970. Exposições individuais de seu trabalho foram realizadas em Copenhague, [Galeria La Bertesca] Gênova, [ Galeria La Bertesca] Milão, Tóquio e Nagoya.
De 1978 a 1979, “Phase of Nothingness — Black” foi o tema de uma exposição individual que viajou do Künsthalle Düsseldorf , Alemanha, ao Museu de Arte Moderna da Louisiana , Humlebæk, Dinamarca; o Museu Kröller-Müller , Otterlo, Holanda; e o Centro de Arte Henie-Onstad , Høvikodden, Noruega.
Sekine também foi incluído em pesquisas de marcos, como Reconsidering Mono-ha , Museu Nacional de Arte, Osaka, 2005; Arte Japonesa depois de 1945: Scream Against the Sky, realizado no Museu de Arte de Yokohama, Museu Guggenheim SoHo , Nova York, e Museu de Arte Moderna de São Francisco , 1994; e Japon des Avant Garde s 1910-1970, Centre Georges Pompidou , Paris, 1986.
O trabalho de Sekine recebeu atenção renovada nos Estados Unidos após sua inclusão em Requiem for the Sun: The Art of Mono-ha , na Blum & Poe , Los Angeles, em fevereiro de 2012. Esta exposição foi a primeira pesquisa de Mono-ha no Estados Unidos. O trabalho de Sekine também foi apresentado em Tóquio 1955–1970: A New Avant Garde no Museum of Modern Art de Nova York, em 2012. Além disso, sua primeira mostra individual nos Estados Unidos foi realizada na Blum & Poe em janeiro de 2014.
A Sekine foi representada pelas galerias Blum & Poe (Los Angeles, Nova York, Tóquio) e Tokyo Gallery + BTAP (Tóquio, Pequim).
Morte
Sekine morreu em 13 de maio de 2019 em Los Angeles , Califórnia , aos 76 anos.
Coleções
O trabalho de Nobuo Sekine está na coleção de vários museus, incluindo:
- Museu ao ar livre de Hakone, Hakone
- Museu de Arte Contemporânea de Hara , Tóquio
- Museu de Arte Contemporânea da Cidade de Hiroshima, Hiroshima
- Museu de Arte Moderna da Louisiana , Dinamarca
- Museu Nacional de Arte de Osaka
- Henie-Onstad Art Center , Noruega
- Museu de Arte da Cidade de Takamatsu , Kagawa
- Museu Municipal de Arte da Toyota, Toyota
Prêmios
1969
Concour Prize, 1ª Exposição Internacional de Escultura Contemporânea, Hakone, Japan Prize
Group Work, 6ª Bienal de Paris, Paris, França
1968
Concour Prize, 8ª Exposição de Arte Contemporânea do Japão, Tóquio
Prêmio do Jornal Asahi, Exposição de Escultura Contemporânea, Parque Suma Rikyu,
Primeiro Prêmio Kobe
, 5ª Exposição, Museu de Arte Contemporânea, Nagaoka
Prêmio Comendatório de 1967 , 11ª Exposição de Arte Shell, Tóquio
Bibliografia
- Japon des avant gardes: 1910–1970 . Paris: Centre Georges Pompidou, 1986.
- Chong, Doryun. Tóquio 1955–1970: A New Avant-Garde . Nova York: Museu de Arte Moderna, 2012.
- Koplos, Janet. Escultura Japonesa Contemporânea . Nova York: Abbeville Press, 1991.
- Yoshitake, Mika. Requiem for the Sun: The Art of Mono-ha . Los Angeles: Blum & Poe, 2012.
Referências
Autobiografia
Fukei no Yubiwa (Anel da Natureza)