Rapsódia em azul -Rhapsody in Blue

Rapsódia em azul
por George Gershwin
Capa da partitura original de Rhapsody in Blue
ISWC	T-070.126.537-3
Gênero	Jazz orquestrado
Forma	Rapsódia
Composto	Janeiro de 1924 (1924-01)
Publicados	12 de junho de 1924 Harms, Inc. (1924-06-12)
Pré estreia
Encontro	12 de fevereiro de 1924 (1924-02-12)
Localização	Eolian Hall , Nova York, EUA
Condutor	Paul Whiteman
Performers	George Gershwin (piano) Ross Gorman (clarinete)
Gravações
O United States Marine Band é 2018 desempenho da versão banda 1924 jazz, com o pianista Bramwell Tovey Arquivo ajuda

Rhapsody in Blue é uma composição musical de 1924 escrita por George Gershwin para piano solo e banda de jazz, que combina elementos da música clássica comefeitos influenciados pelo jazz . Encomendado pelo líder da banda Paul Whiteman , o trabalho estreou em um show intitulado "An Experiment in Modern Music" em 12 de fevereiro de 1924, no Aeolian Hall , na cidade de Nova York. A banda de Whiteman executou a rapsódia com Gershwin tocando piano. O arranjador de Whiteman, Ferde Grofé, orquestrou a rapsódia várias vezes, incluindo a pontuação original de 1924, apontuação da orquestra de poço de 1926e apontuação sinfônica de 1942.

A rapsódia é uma das criações mais reconhecidas de Gershwin e uma composição chave que definiu a Era do Jazz . A peça de Gershwin inaugurou uma nova era na história musical da América, estabeleceu a reputação de Gershwin como um compositor eminente e eventualmente se tornou uma das mais populares de todas as obras de concerto. A revista American Heritage postula que o famoso clarinete de abertura glissando se tornou tão instantaneamente reconhecível para o público de shows quanto o Quinto de Beethoven .

História

Comissão

O líder da banda Paul Whiteman (à esquerda) e o compositor George Gershwin (à direita)

Após o sucesso de um concerto experimental de jazz clássico realizado com a cantora canadense Éva Gauthier em Nova York em 1 de novembro de 1923, o líder da banda Paul Whiteman decidiu tentar um feito mais ambicioso. Ele pediu ao compositor George Gershwin que escrevesse uma peça semelhante a um concerto para um concerto todo de jazz em homenagem ao aniversário de Lincoln, a ser realizado no Aeolian Hall . Whiteman ficou obcecado por realizar uma composição extensa de Gershwin depois que ele colaborou com ele em Os escândalos de 1922 . Ele ficara especialmente impressionado com a "ópera jazz" de um ato de Gershwin, Blue Monday . Gershwin inicialmente recusou o pedido de Whiteman com base no fato de que - como provavelmente haveria necessidade de revisões na partitura - ele não teria tempo suficiente para compor a obra.

Logo depois, na noite de 3 de janeiro de George Gershwin e letrista Buddy DeSylva estavam jogando bilhar no Ambassador Billiard Parlor na Broadway e 52nd Street , em Manhattan. O jogo foi interrompido por Ira Gershwin , irmão de George, que estava lendo a edição de 4 de janeiro do New-York Tribune . Um artigo não assinado intitulado "What Is American Music?" sobre um show de Whiteman que estava por vir chamou a atenção de Ira. O artigo declarou falsamente que George Gershwin já estava "trabalhando em um concerto de jazz" para o concerto de Whiteman.

Gershwin ficou intrigado com o anúncio da notícia, já que ele educadamente se recusou a escrever qualquer trabalho para Whiteman. Em uma conversa telefônica com Whiteman na manhã seguinte, Gershwin foi informado de que o arquirrival de Whiteman, Vincent Lopez, planejava roubar a ideia de seu concerto experimental e não havia tempo a perder. Gershwin foi finalmente persuadido por Whiteman a compor a peça.

Composição

Com apenas cinco semanas restantes até a estreia, Gershwin apressadamente começou a compor a obra. Mais tarde, ele afirmou que, durante uma viagem de trem para Boston , as sementes temáticas de Rapsódia em Azul começaram a germinar em sua mente. Ele disse ao biógrafo Isaac Goldberg em 1931:

Foi no trem, com seus ritmos de aço, seu estrondo [ sic ] chocalho , que tantas vezes é tão estimulante para um compositor ... Freqüentemente ouço música no coração do barulho. E aí eu de repente ouvi - e até vi no papel - a construção completa da rapsódia, do começo ao fim. Não me veio nenhum tema novo, mas trabalhei no material temático que já tinha em mente e tentei conceber a composição como um todo. Eu ouvi isso como uma espécie de caleidoscópio musical da América, de nosso vasto caldeirão , de nossa vitalidade nacional não duplicada , de nossa loucura metropolitana . Quando cheguei a Boston, tinha um enredo definido da peça, diferente de sua substância real.

Gershwin começou a compor em 7 de janeiro com a data do manuscrito original para dois pianos. Ele provisoriamente intitulou a peça como American Rhapsody durante sua composição. O título revisado Rapsódia em azul foi sugerido por Ira Gershwin após sua visita a uma exposição de pinturas de James McNeill Whistler , que tinha títulos como Nocturne in Black and Gold: The Falling Rocket e Arrangement in Gray and Black . Depois de algumas semanas, Gershwin terminou sua composição e passou a partitura para Ferde Grofé , arranjador de Whiteman. Grofé terminou de orquestrar a peça em 4 de fevereiro - apenas oito dias antes da estreia.

Pré estreia

A Rapsódia estreou em uma tarde de neve em Aeolian Hall , Manhattan , retratada aqui em 1923.

Rhapsody in Blue estreou durante uma tarde de neve na terça-feira, 12 de fevereiro de 1924, no Aeolian Hall , Manhattan . Intitulado "An Experiment in Modern Music", o tão aguardado concerto realizado por Paul Whiteman e sua Orquestra Palais Royal atraiu um "público lotado". A empolgada audiência consistia em " vaudevillians , gerentes de concertos que vêm dar uma olhada na novidade, Tin Pan Alleyites , compositores, estrelas de sinfonia e ópera, melindrosas , comedores de bolo, tudo misturado desordenadamente ". Muitas figuras influentes da época estiveram presentes, incluindo Carl Van Vechten , Marguerite d'Alvarez , Victor Herbert , Walter Damrosch , Igor Stravinsky , Fritz Kreisler , Leopold Stokowski , John Philip Sousa e Willie "o Leão" Smith .

Em uma palestra pré-concerto, o empresário de Whiteman, Hugh C. Ernst, proclamou que o objetivo do concerto era "ser puramente educacional". A música selecionada pretendia exemplificar as “melodias, harmonia e ritmos que agitam os pulsantes recursos emocionais desta jovem era inquieta ”. O programa do concerto foi extenso, com 26 movimentos musicais separados, divididos em 2 partes e 11 seções, com títulos como "True Form Of Jazz" e "Contrast — Legitimate Scoring vs. Jazzing". Na programação do programa, rapsódia de Gershwin foi apenas a penúltima peça e precedido Elgar 's Marchas de Pompa e Circunstância No. 1 .

Muitos dos primeiros números do programa supostamente impressionaram o público, e o sistema de ventilação da sala de concertos não funcionou bem. Alguns membros do público estavam partindo para as saídas quando Gershwin fez sua discreta entrada para a rapsódia. O público estava supostamente irritado, impaciente e inquieto até que o clarinete assustador glissando que abriu Rapsódia em azul foi ouvido. O glissando distinto foi criado por acaso durante os ensaios:

Como uma piada de Gershwin ... [Ross] Gorman [clarinetista virtuoso de Whiteman] tocou o compasso de abertura com um glissando perceptível, 'esticando' as notas e adicionando o que ele considerou um toque jazzístico e bem-humorado à passagem. Reagindo favoravelmente ao capricho de Gorman, Gershwin pediu-lhe que executasse a medida de abertura dessa forma ... e adicionasse o máximo de ' lamento ' possível.

A rapsódia foi então executada pela orquestra de Whiteman consistindo de "vinte e três músicos no conjunto" com George Gershwin no piano. Em um estilo característico, Gershwin escolheu improvisar parcialmente seu solo de piano. A orquestra esperou ansiosamente pelo aceno de Gershwin, que sinalizou o fim de seu solo de piano e a deixa para o conjunto retomar a execução. Como Gershwin improvisou um pouco do que estava tocando, a seção de piano solo não foi tecnicamente escrita até depois da apresentação, e permanece desconhecido como exatamente a rapsódia original soou na estréia.

Reação e sucesso do público

Carl Van Vechten , Marguerite d'Alvarez e Victor Herbert estavam entre as muitas pessoas eminentes na platéia.

Após a conclusão da rapsódia, houve "aplausos tumultuosos para a composição de Gershwin" e, de forma bastante inesperada, "o concerto, em todos os aspectos, exceto o financeiro, foi um 'nocaute'." O concerto rapidamente se tornou historicamente significativo devido à estreia da rapsódia, e seu programa "se tornaria não apenas um documento histórico, encontrando seu caminho para monografias estrangeiras sobre jazz, mas também uma raridade".

Após o sucesso da estreia de rapsódia, apresentações futuras se seguiram. A primeira apresentação britânica de Rhapsody in Blue aconteceu no Savoy Hotel em Londres em 15 de junho de 1925. Foi transmitida ao vivo pela BBC . Debroy Somers regeu os Savoy Orpheans com o próprio Gershwin ao piano. A peça voltou a ser ouvida no Reino Unido durante a segunda digressão europeia da Paul Whiteman Orchestra, nomeadamente a 11 de abril de 1926, no Royal Albert Hall , com Gershwin na platéia. O concerto do Royal Albert Hall foi gravado - embora não tenha sido lançado - pela Gramophone Company / HMV .

No final de 1927, a banda de Whiteman havia tocado Rapsódia em Azul aproximadamente 84 vezes, e sua gravação vendeu um milhão de cópias. Para que a peça inteira caísse nos dois lados de um disco de 12 polegadas , a rapsódia teve que ser tocada em uma velocidade mais rápida do que o normal em um show, o que deu uma sensação apressada e um pouco de rubato foi perdido. Mais tarde, Whiteman adotou a peça como música tema de sua banda e abriu seus programas de rádio com o slogan "Everything new but the Rhapsody in Blue ".

resposta crítica

Críticas contemporâneas

Em contraste com a recepção calorosa do público dos concertos, os críticos musicais profissionais da imprensa deram à rapsódia críticas decididamente mistas. Pitts Sanborn declarou que a rapsódia "começa com um tema promissor bem enunciado", mas "logo se esgota numa passagem vazia e numa repetição sem sentido". Uma série de comentários foram particularmente negativos. Um crítico de música opinativo, Lawrence Gilman - um entusiasta de Richard Wagner que mais tarde escreveria uma crítica devastadora de Porgy and Bess de Gershwin - criticou duramente a rapsódia como "derivada", "obsoleta" e "inexpressiva" na crítica do New-York Tribune em fevereiro 13, 1924.

Outros revisores foram mais positivos. Samuel Chotzinoff, crítico musical do New York World , admitiu que a composição de Gershwin "fez do jazz uma mulher honesta", enquanto Henrietta Strauss, do The Nation, opinou que Gershwin "acrescentou um novo capítulo à nossa história musical". Olin Downes , ao criticar o concerto no The New York Times , escreveu:

Esta composição mostra um talento extraordinário, pois mostra um jovem compositor com objetivos que vão muito além dos de sua laia, lutando com uma forma da qual está longe de ser mestre ... Apesar de tudo isso, ele se expressou em uma forma significativa e, no geral, altamente original ... Seu primeiro tema ... não é uma mera melodia de dança ... é uma ideia, ou várias ideias, correlacionadas e combinadas em ritmos variados e contrastantes que imediatamente intrigam o ouvinte. O segundo tema é mais à maneira de alguns colegas do Sr. Gershwin. Tuttis são muito longos, cadências são muito longas, a peroração no final perde uma grande medida da selvageria e magnificência que poderia facilmente ter se fosse preparada de forma mais ampla e, por tudo isso, o público estava agitado e muitos endurecidos showgoer animado com a sensação de um novo talento encontrando sua voz.

No geral, uma crítica recorrente levantada por críticos de música profissionais era que a peça de Gershwin era essencialmente sem forma e que ele havia colado aleatoriamente segmentos melódicos.

Revisões retrospectivas

Anos após sua estreia, Rhapsody in Blue continuou a dividir os críticos musicais principalmente devido à sua percepção de incoerência melódica. Constant Lambert , um maestro britânico, foi abertamente desdenhoso em relação ao trabalho:

O compositor [George Gershwin], tentando escrever um concerto Lisztiano em um estilo de jazz, usou apenas os elementos não bárbaros na música de dança, o resultado sendo nem bom jazz nem bom Liszt, e em nenhum sentido da palavra um bom concerto .

Em um artigo no The Atlantic Monthly em 1955, Leonard Bernstein , que mesmo assim admitiu que adorava a peça, afirmou:

Rapsódia em azul não é uma composição real no sentido de que tudo o que acontece nela deve parecer inevitável, ou até mesmo inevitável. Você pode cortar partes dele sem afetar o todo de nenhuma forma, exceto para torná-lo mais curto. Você pode remover qualquer uma dessas seções coladas e a peça continuará com a mesma coragem de antes. Você pode até mesmo intercambiar essas seções entre si e nenhum dano será causado. Você pode fazer cortes dentro de uma seção ou adicionar novas cadências ou tocá-las com qualquer combinação de instrumentos ou apenas no piano; pode ser uma peça de cinco minutos ou uma peça de seis minutos ou uma peça de doze minutos. E, de fato, todas essas coisas estão sendo feitas para ele todos os dias. Ainda é a Rapsódia em Azul .

Orquestração

Ferde Grofé , o arranjador-chefe de Whiteman de 1920 a 1932, criou o primeiro arranjo da Rapsódia em azul de Gershwin .

Como Gershwin não tinha conhecimento suficiente de orquestração em 1924, Ferde Grofé - o pianista e arranjador-chefe de Whiteman - foi uma figura-chave para possibilitar o sucesso meteórico da rapsódia, e os críticos argumentaram que os arranjos da Rapsódia de Grofé garantiram seu lugar na cultura americana . O biógrafo de Gershwin, Isaac Goldberg, observou em 1931 que Grofé desempenhou um papel crucial no triunfo da estreia:

No calor da ocasião, a contribuição de Ferdie [ sic ] Grofé, o arranjador da equipe de Whiteman que marcou a Rapsódia em dez dias, foi esquecida ou ignorada. É verdade que uma parte apreciável da pontuação foi indicada por Gershwin; no entanto, a contribuição de Grofé foi de importância primordial, não só para a composição, mas para a pontuação de jazz do futuro imediato.

A familiaridade de Grofé com os pontos fortes da banda de Whiteman foi um fator chave em sua pontuação em 1924. Esta orquestração foi desenvolvida para piano solo e os vinte e três músicos de Whiteman. Para a seção de palhetas, Ross Gorman (Reed I) tocou um oboé, um heckelphone , um clarinete em B ♭ , saxofones sopranino em E ♭ e B ♭ , um saxofone alto , um clarinete E ♭ soprano e clarinetes alto e baixo ; Donald Clark (Reed II) tocou saxofone soprano em B ♭ , saxofones alto e barítono , e Hale Byers (Reed III) tocou saxofone soprano em B ♭ , saxofone tenor , saxofone barítono e flauta .

Para a seção de metais, dois trompetes em B ♭ foram tocados por Henry Busse e Frank Siegrist; duas trompas em F tocadas por Arturo Cerino e Al Corrado; dois trombones tocados por Roy Maxon e James Casseday, e uma tuba e um contrabaixo tocados por Guss Helleburg e Albert Armer respectivamente.

A seção de percussão incluiu uma bateria , tímpanos e um glockenspiel tocado por George Marsh; um piano normalmente tocado por Ferde Grofé ou Henry Lange; um banjo tenor tocado por Michael Pingatore e um complemento de violinos.

Este arranjo original - com seus requisitos instrumentais únicos - foi amplamente ignorado até seu renascimento nas reconstruções que começaram em meados da década de 1980, devido à popularidade e facilidade de manutenção das pontuações posteriores. Após a estreia em 1924, Grofé revisou a partitura e fez novas orquestrações em 1926 e 1942, cada vez para orquestras maiores. Seu arranjo para uma orquestra de teatro foi publicado em 1926. Essa adaptação foi orquestrada para uma " orquestra de poço " mais padrão , que incluía uma flauta, um oboé, dois clarinetes, um fagote, três saxofones; duas trompas francesas, duas trombetas e dois trombones; bem como a mesma percussão e cordas complementam como a versão posterior de 1942.

Tocar mídia

Paul Whiteman voltou a interpretar Rapsódia em Azul no filme Rei do Jazz (1930), com arranjos de Grofé.

O arranjo posterior de 1942 por Grofé foi para uma orquestra sinfônica completa . É pontuada para piano solo e uma orquestra composta por duas flautas, dois oboés, dois clarinetes em B ♭ e A , um clarinete baixo , dois fagotes, dois saxofones alto em E ♭ , um saxofone tenor em B ♭ ; três trompas francesas em Fá, três trombetas em Si ♭ , três trombones, uma tuba; uma seção de percussão que inclui tímpanos, um prato suspenso , uma caixa , um bombo , um tam-tam , um triângulo , um glockenspiel e pratos ; um banjo tenor; e cordas . Desde meados do século 20, esta versão de 1942 foi o arranjo normalmente executado por orquestras clássicas e se tornou um grampo do repertório de concertos até 1976, quando Michael Tilson Thomas gravou a versão original da banda de jazz pela primeira vez, empregando o rolo de piano real de Gershwin de 1925 com uma orquestra de jazz completa.

Outros arranjos de Grofé da peça de Gershwin incluem aqueles feitos para o filme de Whiteman de 1930, King of Jazz , e a configuração da banda de concerto (tocável sem piano) concluída em 1938 e publicada em 1942. A proeminência dos saxofones nas orquestrações posteriores é um pouco reduzida, e o A parte do banjo pode ser dispensada, já que sua contribuição principalmente rítmica é fornecida pelas cordas internas.

O próprio Gershwin fez versões da peça para piano solo e também para dois pianos. A versão solo é notável por omitir várias seções da peça. A intenção de Gershwin de eventualmente fazer uma orquestração própria está documentada na correspondência de 1936-37 da editora Harms .

Gravações notáveis

Relançamento do final dos anos 1930 do lançamento elétrico de 1927 de Rhapsody in Blue como Victor 35822A de Paul Whiteman e sua Orquestra de Concertos com George Gershwin no piano. Em 1974, nomeado para o Grammy Hall of Fame .

Existem duas gravações de George Gershwin realizando versões resumidas de sua composição com a orquestra de Paul Whiteman. Uma gravação acústica de 10 de junho de 1924 produzida pela Victor Talking Machine Company , e com duração de 8 minutos e 59 segundos, e uma gravação elétrica de 21 de abril de 1927 feita por Victor, com duração de 9 minutos e 1 segundo (aproximadamente metade da duração do trabalho completo). Esta versão foi conduzida por Nathaniel Shilkret após uma discussão entre Gershwin e Whiteman. Além das duas versões acima mencionadas, um rolo de piano de 1925 capturou a performance de Gershwin em uma versão para dois pianos.

A orquestra de Whiteman posteriormente executou uma versão truncada da peça no filme de 1930 The King of Jazz com Roy Bargy no piano solo. Whiteman regravou a peça para a Decca em um disco de 12 polegadas e 78 rpm (29051) em 23 de outubro de 1938. No entanto, foi somente na Grande Depressão que ocorreu a primeira gravação completa da composição, com o pianista Jesús María Sanromá e Arthur Fiedler regendo a Boston Pops Orchestra , foi lançado pela RCA Victor em 1935. Fiedler e os Boston Pops fizeram outra gravação popular da obra em som estereofônico com Earl Wild ao piano para RCA Victor em 1959.

Durante a Segunda Guerra Mundial , uma gravação do pianista Oscar Levant com a Orquestra da Filadélfia regida por Eugene Ormandy foi feita em 21 de agosto de 1945. Essa gravação, rotulada Columbia Masterworks 251, tornou-se um dos álbuns mais vendidos daquele ano. Mais de uma década depois, em 1958, a Orquestra Filarmônica de Hamburgo regida por Hans-Jürgen Walther e com David Haines no piano gravou uma versão 8:16 para a Somerset Records . A capa do álbum contou com uma photographie de nuit do Edifício Chrysler -um Art Deco de estilo arranha-céu -e torno paisagem urbana com uma tonalidade azul.

Em 1973, a peça foi gravada pelo artista brasileiro de jazz-rock Eumir Deodato em seu álbum Deodato 2 . O single alcançou as posições de pico da Billboard de número 41 Pop, número 10 de Easy Listening. Um arranjo disco foi gravado pelo pianista francês Richard Clayderman em 1978 e é uma de suas peças de assinatura.

No final dos anos 1970, o interesse pelo arranjo original foi reavivado. Em 14 de fevereiro de 1973, recebeu sua primeira apresentação desde a Era do Jazz: o maestro Kenneth Kiesler garantiu as permissões necessárias e liderou o trabalho com o pianista Paul Verrette em seu campus da Universidade de New Hampshire . Suas reconstruções foram gravadas por Michael Tilson Thomas e a Columbia Jazz Band em 1976, e por Maurice Peress com Ivan Davis ao piano, como parte de uma reconstrução do 60º aniversário de todo o concerto de 1924. André Watts (1976), Marco Fumo (1974) e Sara Davis Buechner (2005) lançaram gravações da obra para piano solo, assim como Eric Himy (2004) em uma versão que apresentava a partitura curta original não truncada. Enquanto isso, equipes de dois pianos como José Iturbi e Amparo Iturbi , bem como Katia e Marielle Labèque também gravaram a peça. Michel Camilo gravou a peça em 2006, ganhando um Grammy Latino .

Formulário e análise

Os compassos de abertura da partitura de Gershwin para a rapsódia, muitas vezes referida como o "tema Glissando".

Como um concerto de jazz, Rhapsody in Blue foi escrita para piano solo com orquestra. Uma rapsódia difere de um concerto por apresentar um movimento estendido em vez de movimentos separados. As rapsódias geralmente incorporam passagens de natureza improvisada - embora escritas em uma partitura - e são irregulares na forma, com contrastes acentuados e exuberância emocional. A música varia de solos de piano intensamente rítmicos a seções lentas, amplas e ricamente orquestradas. Conseqüentemente, a Rapsódia "pode ​​ser considerada uma fantasia , sem nenhuma fidelidade estrita à forma".

A abertura de Rapsódia em azul é escrita como um trinado de clarinete seguido por um legato, 17 notas em escala diatônica. Durante um ensaio, o virtuoso clarinetista de Whiteman, Ross Gorman, representou a parte superior da escala como um glissando cativante e semelhante a um trombone . Gershwin ouviu e insistiu que fosse repetido na performance. O efeito é produzido usando os músculos da língua e da garganta para alterar a ressonância da cavidade oral, controlando assim o aumento contínuo do tom. Muitos clarinistas abrem gradualmente os orifícios de timbre da mão esquerda em seus instrumentos durante a passagem do último concerto F para o concerto superior B ♭ também. Esse efeito agora se tornou uma prática de desempenho padrão para o trabalho.

Rapsódia em azul apresenta invenção rítmica e inspiração melódica e demonstra a capacidade de Gershwin de escrever uma peça com estrutura melódica e harmônica em grande escala. A peça é caracterizada por uma forte inter-relação motívica . Muito do material motivic é apresentado nas primeiras 14 medidas . O musicólogo David Schiff identificou cinco temas principais mais uma sexta "etiqueta". Destes, dois aparecem nos primeiros 14 compassos, e a etiqueta aparece no compasso 19. Dois dos três temas restantes estão ritmicamente relacionados ao primeiro tema no compasso 2, que às vezes é chamado de "tema Glissando" - após o abrindo glissando no solo de clarinete - ou o "tema Ritornello". O tema restante é o “Tema do trem”, que é o primeiro a aparecer no ensaio 9 após o material de abertura. Todos esses temas contam com a escala de blues , que inclui sétimas baixas e uma mistura de terças maiores e menores. Cada tema aparece na forma orquestrada e como um solo de piano. Existem diferenças consideráveis ​​no estilo de apresentação de cada tema.

	"Rapsódia em azul" (capa) Uma versão de solo de piano de 2018 de Rapsódia em azul de Gershwin
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A estrutura harmônica da rapsódia é mais difícil de analisar. A peça começa e termina em B ♭ importante, mas modula em direcção a direcção de sub-dominante muito cedo, retornando para B ♭ importante no final, de uma forma abrupta. A abertura modula "para baixo", por assim dizer, por meio das teclas B ♭ , E ♭ , A ♭ , R ♭ , G ♭ , B, E e, finalmente, para Lá maior. A modulação através do círculo das quintas na direção reversa inverte as relações tonais clássicas, mas não as abandona. Toda a seção intermediária reside principalmente em Dó maior, com incursões em Sol maior (a relação dominante). Tais modulações ocorrem livremente, embora nem sempre com direção harmônica. Gershwin freqüentemente usa uma progressão harmônica recursiva de terças menores para dar a ilusão de movimento quando, na verdade, uma passagem não muda de tom do começo ao fim. A modulação por terços é uma característica comum da música Tin Pan Alley .

As influências do jazz e de outros estilos contemporâneos estão presentes no Rhapsody in Blue . Os ritmos ragtime são abundantes, assim como o ritmo cubano " clave ", que também funciona como ritmo de dança no jazz de Charleston . As próprias intenções de Gershwin eram corrigir a crença de que o jazz precisava ser tocado estritamente no tempo para que se pudesse dançar. Os tempos da rapsódia variam amplamente, e há um uso quase extremo do rubato em muitos lugares. A influência mais clara do jazz é o uso de notas azuis , e a exploração de sua relação de meio-tom desempenha um papel fundamental na rapsódia. O uso dos chamados instrumentos "vernáculos", como acordeão , banjo e saxofones na orquestra, contribui para seu jazz ou estilo popular, e os dois últimos desses instrumentos permaneceram parte da pontuação "padrão" da orquestra de Grofé.

Gershwin incorporou vários estilos diferentes de piano em seu trabalho. Ele usou as técnicas de piano stride , piano inovador , piano cômico e o estilo de piano song-plugger . O estilo rítmico e improvisado do Stride piano é evidente na seção "agitato e misterioso", que começa quatro compassos após o ensaio 33, bem como em outras seções, muitas das quais incluem a orquestra. Piano novidade pode ser ouvido no ensaio 9 com a revelação do tema Trem. As hesitações e o estilo alegre do piano cômico, uma abordagem vaudeville do piano que ficou bem conhecida por Chico Marx e Jimmy Durante , são evidentes no ensaio 22.

Legado e influência

Zeitgeist cultural

O trabalho de Gerswhin foi citado por escritores e estudiosos como a personificação do zeitgeist da Era do Jazz , com suas melindrosas e bares clandestinos . Acima: Patronos e uma melindrosa aguardam a abertura de um bar clandestino em 1921.

De acordo com o crítico Orrin Howard da Filarmônica de Los Angeles , a rapsódia de Gershwin "deixou uma marca indelével na história da música americana, na fraternidade de compositores e intérpretes sérios - muitos dos quais estiveram presentes na estreia - e no próprio Gershwin, por sua a recepção entusiástica o encorajou a outros projetos mais sérios. "

Howard postula que o legado da obra é melhor entendido como incorporando o zeitgeist cultural da Era do Jazz :

Começando com aquele solo de clarinete incomparável e extravagante, Rapsódia ainda é irresistível, com sua vibração rítmica sincopada, seu toque abandonado e impudente que fala mais sobre os loucos anos 20 do que mil palavras, e sua genuína beleza melódica colorida de um azul profundo e jazzístico por as sétimas e terças bemoladas que tiveram suas origens nas canções dos escravos afro-americanos .

Embora a rapsódia de Gershwin "não tenha sido de forma alguma um exemplo definitivo de jazz na Era do Jazz", historiadores da música como James Ciment e Floyd Levin concordaram de forma semelhante que é a composição chave que encapsula o espírito da era.

Já em 1927, o escritor F. Scott Fitzgerald opinou que Rhapsody in Blue idealizou o zeitgeist jovem da Era do Jazz. Nas décadas subsequentes, tanto a última era quanto as obras literárias relacionadas de Fitzgerald foram frequentemente ligadas culturalmente por críticos e estudiosos à composição de Gershwin. Em 1941, o historiador social Peter Quennell opinou que o romance de Fitzgerald, O Grande Gatsby, personificava "a tristeza e a alegria remota de uma música de Gershwin". Consequentemente, Rapsódia em Azul foi usado como um leitmotiv dramático para o personagem de Jay Gatsby no filme de 2013 O Grande Gatsby , uma adaptação cinematográfica do romance de 1925 de Fitzgerald.

Vários escritores, como o dramaturgo e jornalista americano Terry Teachout , compararam o próprio Gershwin ao personagem de Gatsby devido à sua tentativa de transcender seu passado de classe baixa, seu sucesso meteórico abrupto e sua morte precoce quando estava na casa dos trinta.

Retrato musical da cidade de Nova York

Rhapsody in Blue foi interpretado como um retrato musical da Era do Jazz de Nova York.

Rapsódia em azul foi interpretada como um retrato musical da cidade de Nova York do início do século 20. O escriba cultural Darryn King escreveu no The Wall Street Journal que "A fusão de jazz e tradições clássicas de Gershwin captura o cadinho próspero da Era do Jazz de Nova York".

Da mesma forma, o historiador da música Vince Giordano opinou que "a sincopação , as notas azuis, os ritmos ragtime e jazz que Gershwin escreveu em 1924 eram realmente uma sensação da cidade de Nova York naquela época incrível. O ritmo da cidade parece estar lá . " O pianista Lang Lang ecoa esse sentimento: "Quando ouço Rhapsody in Blue , de alguma forma vejo o Empire State Building . Vejo o New York Skyline no centro de Manhattan e já vejo os cafés [no] Times Square ."

Consequentemente, a composição foi usada neste contexto em um segmento de Nova York para o filme de animação Fantasia 2000 da Walt Disney Pictures de 1999 , no qual a peça é usada como moldura lírica para um conjunto de animação estilizado desenhado no estilo do famoso ilustrador Al Hirschfeld . Também foi usado na seqüência de abertura do filme Manhattan, de Woody Allen , de 1979 . O filme serve como "uma carta de amor cinematográfica para a cidade, que definiu sua montagem de abertura das cenas quintessenciais de Nova York para o famoso concerto de jazz de Gershwin".

Influência em compositores

A rapsódia de Gershwin influenciou vários compositores. Em 1955, Rapsódia em Azul serviu de inspiração para uma composição do notável acordeonista / compositor John Serry Sr., que foi posteriormente publicada em 1957 como American Rhapsody . Brian Wilson , líder dos Beach Boys , afirmou em várias ocasiões que Rhapsody in Blue é uma de suas peças favoritas. Ele a ouviu pela primeira vez quando tinha dois anos de idade e se lembra que "amou". De acordo com o biógrafo Peter Ames Carlin , foi uma influência em seu álbum Smile . Rhapsody in Blue também inspirou uma colaboração entre o pianista cego Derek Paravicini e o compositor Matthew King em um novo concerto, intitulado Blue, estreado no South Bank Centre em Londres em 2011.

Outro uso

Rapsódia em azul foi tocada simultaneamente por 84 pianistas na cerimônia de abertura dos Jogos Olímpicos de Verão de 1984 em Los Angeles. Os pianistas Herbie Hancock e Lang Lang executaram Rapsódia em Azul no 50º Grammy Awards em 10 de fevereiro de 2008. Desde 1980, a peça tem sido usada pela United Airlines em seus anúncios, em vídeos de segurança pré-voo e na passarela subterrânea do Terminal 1 no Aeroporto Internacional O'Hare de Chicago . Na década de 1980 e no início da década de 1990, ele também estava abaixo da previsão de viagens de negócios no The Weather Channel quando a United patrocinou o segmento.

Status de preservação

Em 22 de setembro de 2013, foi anunciado que uma edição crítica musicológica da partitura orquestral completa seria lançada. A família Gershwin, trabalhando em conjunto com a Biblioteca do Congresso e a Universidade de Michigan , está trabalhando para tornar essas partituras disponíveis ao público. Embora todo o projeto Gershwin possa levar 40 anos para ser concluído, a edição Rhapsody in Blue será um dos primeiros volumes.

Rhapsody in Blue entrou em domínio público em 1 ° de janeiro de 2020 , embora as gravações individuais possam permanecer protegidas por direitos autorais.

Referências

Notas

Citações

Bibliografia

Fontes de impressão

Fontes online

links externos

• Rapsódia em azul : pontuações no projeto de biblioteca de partituras de música internacional
• Rapsódia em azul : Yuja Wang Performance 2016 (vídeo; 16:01) noYouTube
• Manuscrito original de Gershwin para Rapsódia em azul na Biblioteca do Congresso