Robert Rauschenberg - Robert Rauschenberg

Robert Rauschenberg
Robert Rauschenberg (1968) .jpg
Rauschenberg em 1968
Nascer
Milton Ernest Rauschenberg

( 1925-10-22 )22 de outubro de 1925
Faleceu 12 de maio de 2008 (12/05/2008)(com 82 anos)
Educação Kansas City Art Institute
Académie Julian
Black Mountain College
Estudantes de Arte Liga de Nova York
Conhecido por Assemblage
Trabalho notável
Canyon (1959)
Monograma (1959)
Movimento Neo-Dada , Expressionismo Abstrato
Cônjuge (s)
( M.  1950; div.  1953)
Prêmios Prêmio Mundial de Artes Leonardo da Vinci (1995)
Praemium Imperiale (1998)

Milton Ernest " Robert " Rauschenberg (22 de outubro de 1925 - 12 de maio de 2008) foi um pintor e artista gráfico americano cujas primeiras obras anteciparam o movimento da pop art . Rauschenberg é bem conhecido por seus Combines (1954–1964), um grupo de obras de arte que incorporou objetos do cotidiano como materiais de arte e que turvou as distinções entre pintura e escultura. Rauschenberg foi pintor e escultor, mas também trabalhou com fotografia , gravura , fabricação de papel e performance.

Rauschenberg recebeu vários prêmios durante sua carreira artística de quase 60 anos. Entre os mais proeminentes estavam o Grande Prêmio Internacional de Pintura na 32ª Bienal de Veneza em 1964 e a Medalha Nacional de Artes em 1993.

Rauschenberg viveu e trabalhou na cidade de Nova York e em Captiva Island, Flórida , até sua morte em 12 de maio de 2008.

vida e carreira

Rauschenberg nasceu Milton Ernest Rauschenberg em Port Arthur, Texas , filho de Dora Carolina ( nascida Matson) e Ernest R. Rauschenberg. Seu pai era de ascendência alemã e Cherokee e sua mãe de ascendência holandesa. Seu pai trabalhava para a Gulf States Utilities, uma empresa de luz e energia. Seus pais eram cristãos fundamentalistas . Ele tinha uma irmã mais nova chamada Janet Begneaud.

Aos 18 anos, Rauschenberg foi admitido na Universidade do Texas em Austin, onde começou a estudar farmacologia , mas desistiu pouco depois devido à dificuldade do curso - não percebendo neste momento que era disléxico - e por causa de sua relutância em dissecar um sapo na aula de biologia. Ele foi convocado para a Marinha dos Estados Unidos em 1944. Com base na Califórnia , serviu como técnico neuropsiquiátrico em um hospital da Marinha até sua alta em 1945 ou 1946.

Rauschenberg posteriormente estudou no Kansas City Art Institute e na Académie Julian em Paris, França, onde conheceu a colega estudante de arte Susan Weil . Em 1948, Rauschenberg juntou-se a Weil para se matricular no Black Mountain College na Carolina do Norte.

Em Black Mountain , Rauschenberg procurou Josef Albers , fundador da Bauhaus na Alemanha, sobre quem havia lido na edição de agosto de 1948 da revista Time . Ele esperava que os métodos de ensino rigorosos de Albers pudessem conter seu desleixo habitual. Os cursos de design preliminar de Albers baseavam-se em uma disciplina rígida que não permitia qualquer "experimentação sem influência".

Rauschenberg tornou-se, nas suas próprias palavras, "burro de Albers, o exemplo notável daquilo de que não falava". Embora Rauschenberg considerasse Albers seu professor mais importante, ele encontrou uma sensibilidade mais compatível em John Cage , um compositor consagrado de música de vanguarda. Como Rauschenberg, Cage se afastou dos ensinamentos disciplinadores de seu instrutor, Arnold Schönberg , em favor de uma abordagem mais experimentalista da música. Cage forneceu a Rauschenberg o apoio e o incentivo muito necessários durante os primeiros anos de sua carreira, e os dois permaneceram amigos e colaboradores artísticos nas décadas seguintes.

De 1949 a 1952, Rauschenberg estudou com Vaclav Vytlacil e Morris Kantor na Art Students League de Nova York , onde conheceu os colegas artistas Knox Martin e Cy Twombly .

Rauschenberg casou -se com Susan Weil no verão de 1950 na casa da família Weil em Outer Island, Connecticut. Seu único filho, Christopher, nasceu em 16 de julho de 1951. Os dois se separaram em junho de 1952 e se divorciaram em 1953. Posteriormente, Rauschenberg teve relacionamentos românticos com os colegas artistas Cy Twombly e Jasper Johns , entre outros. Seu parceiro nos últimos 25 anos de sua vida foi o artista Darryl Pottorf, seu ex-assistente.

Na década de 1970, ele se mudou para a NoHo em Manhattan, na cidade de Nova York.

Rauschenberg comprou a Beach House, sua primeira propriedade na Ilha de Captiva , em 26 de julho de 1968. No entanto, a propriedade só se tornou sua residência permanente no outono de 1970.

Morte

Rauschenberg morreu de insuficiência cardíaca em 12 de maio de 2008, na Ilha Captiva , Flórida.

Contribuição artística

A abordagem de Rauschenberg às vezes era chamada de " Neo-Dadaísta ", rótulo que ele compartilhava com o pintor Jasper Johns . Rauschenberg afirmou que "a pintura se relaciona com a arte e a vida", e ele queria trabalhar "na lacuna entre as duas". Como muitos de seus dadaístas antecessores, Rauschenberg questionou a distinção entre objetos de arte e objetos diários, e seu uso de materiais prontas reprisou as questões intelectuais levantadas por Marcel Duchamp ‘s Fountain (1917). Influência dadaísta de Duchamp também pode ser observada em Jasper Johns' pinturas de alvos, números e bandeiras, que eram símbolos culturais familiares: "coisas que a mente já sabe".

Robert Rauschenberg, Riding Bikes , 1998, Berlim, Alemanha

No Black Mountain College, Rauschenberg experimentou uma variedade de meios artísticos, incluindo gravura, desenho, fotografia, pintura, escultura e teatro; suas obras freqüentemente apresentavam alguma combinação dessas. Ele criou suas pinturas Night Blooming (1951) em Black Mountain pressionando seixos e cascalho em pigmento preto na tela.

Do outono de 1952 à primavera de 1953, Rauschenberg viajou pela Itália e pelo Norte da África com seu colega artista e parceiro Cy Twombly . Lá, ele criou colagens e pequenas esculturas, incluindo Scatole Personali e Feticci Personali , com materiais encontrados. Ele os expôs em galerias de Roma e Florença . Para surpresa de Rauschenberg, várias obras foram vendidas; muitos que não o jogaram no rio Arno , seguindo a sugestão de um crítico de arte que revisou sua mostra.

Após seu retorno à cidade de Nova York em 1953, Rauschenberg começou a criar esculturas com materiais encontrados em seu bairro de Lower Manhattan, como sucata de metal, madeira e barbante. Ao longo da década de 1950, Rauschenberg se sustentou projetando vitrines para a Tiffany & Co. e Bonwit Teller , primeiro com Susan Weil e depois em parceria com Jasper Johns sob o pseudônimo de Matson Jones.

Em um famoso incidente de 1953, Rauschenberg solicitou um desenho do pintor expressionista abstrato Willem de Kooning com o propósito expresso de apagá-lo como uma declaração artística. Este trabalho conceitual, intitulado Erased de Kooning Drawing , foi executado com o consentimento do artista mais velho.

Em 1961, Rauschenberg explorou uma abordagem conceitual semelhante, apresentando uma ideia como a própria obra de arte. Ele foi convidado a participar de uma exposição na Galerie Iris Clert em Paris, onde artistas iriam apresentar retratos de Clert , o galerista. A apresentação de Rauschenberg consistia em um telegrama declarando "Este é um retrato de Iris Clert, se assim o disser."

Em 1962, as pinturas de Rauschenberg estavam começando a incorporar não apenas objetos encontrados, mas também imagens. Depois de uma visita ao estúdio de Andy Warhol naquele ano, Rauschenberg começou a usar um processo de serigrafia , geralmente reservado para meios comerciais de reprodução, para transferir as fotos para a tela. As pinturas em serigrafia feitas entre 1962 e 1964 levaram os críticos a identificar o trabalho de Rauschenberg com a Pop art .

Rauschenberg havia experimentado tecnologia em suas obras de arte desde a fabricação de seus primeiros Combines em meados da década de 1950, onde às vezes usava rádios, relógios e ventiladores elétricos como materiais escultóricos. Mais tarde, ele explorou seu interesse em tecnologia enquanto trabalhava com o cientista pesquisador da Bell Laboratories, Billy Klüver . Juntos, eles realizaram alguns dos experimentos de base tecnológica mais ambiciosos de Rauschenberg, como Soundings (1968), uma instalação de luz que respondia ao som ambiente. Em 1966, Klüver e Rauschenberg lançaram oficialmente Experimentos em Arte e Tecnologia (EAT), uma organização sem fins lucrativos criada para promover colaborações entre artistas e engenheiros.

Robert Rauschenberg, sem título, 1963, óleo, serigrafia, metal e plástico sobre tela

Em 1969, a NASA convidou Rauschenberg para testemunhar o lançamento da Apollo 11 . Em resposta a esse evento marcante, Rauschenberg criou sua série de litografias da Lua Pedregada . Isso envolveu a combinação de diagramas e outras imagens dos arquivos da NASA com seus próprios desenhos e texto manuscrito.

A partir de 1970, Rauschenberg trabalhou em sua casa e estúdio em Captiva, Flórida . Os primeiros trabalhos que criou em seu novo estúdio foram Cardboards (1971–72) e Early Egyptians (1973–74), para os quais ele confiou em materiais de origem local, como papelão e areia. Enquanto seus trabalhos anteriores frequentemente destacavam imagens e materiais urbanos, Rauschenberg agora favorecia o efeito de fibras naturais encontradas em tecido e papel. Ele imprimiu em têxteis usando sua técnica de transferência de solvente para fazer as séries Hoarfrost (1974–76) e Spread (1975–82); o último apresentava grandes extensões de tecido colado em painéis de madeira. Rauschenberg criou sua série Jammer (1975–76) usando tecidos coloridos inspirados em sua viagem a Ahmedabad, Índia , uma cidade famosa por seus têxteis. A simplicidade sem imagens da série Jammer é um contraste impressionante com os Hoarfrosts cheios de imagens e a coragem de seus primeiros trabalhos feitos na cidade de Nova York.

As viagens internacionais tornaram-se uma parte central do processo artístico de Rauschenberg após 1975. Em 1984, Rauschenberg anunciou o início de seu Rauschenberg Overseas Culture Interchange (ROCI) nas Nações Unidas . Quase inteiramente financiado pelo artista, o projeto ROCI consistiu em uma turnê de sete anos por dez países ao redor do mundo. Rauschenberg tirou fotos em cada local e fez obras de arte inspiradas nas culturas que visitou. Os trabalhos resultantes foram exibidos em uma exposição local em cada país. Rauschenberg costumava doar uma obra de arte para uma instituição cultural local.

A partir de meados da década de 1980, Rauschenberg se concentrou em serigrafar imagens em uma variedade de metais com tratamentos diferentes, como aço e alumínio espelhado. Ele criou muitas séries das chamadas “pinturas de metal”, incluindo: Borealis (1988–92), Urban Bourbons (1988–1996), Phantoms (1991) e Night Shades (1991). Além disso, ao longo da década de 1990, Rauschenberg continuou a utilizar novos materiais enquanto ainda trabalhava com técnicas mais rudimentares. Como parte de seu envolvimento com as mais recentes inovações tecnológicas, em sua última série de pinturas, ele transferiu imagens fotográficas a jato de tinta digital para uma variedade de suportes de pintura. Para seus Retiros Arcadianos (1996), ele transferiu imagens para afrescos úmidos. Para manter seu compromisso com o meio ambiente, Rauschenberg usou corantes e pigmentos biodegradáveis ​​e água em vez de produtos químicos no processo de transferência.

As pinturas brancas , pinturas pretas e pinturas vermelhas

Em 1951, Rauschenberg criou sua série White Painting na tradição da pintura monocromática estabelecida por Kazimir Malevich , que reduziu a pintura às suas qualidades mais essenciais para uma experiência de pureza estética e infinito. As pinturas brancas foram exibidas na Stable Gallery de Eleanor Ward, em Nova York, no outono de 1953. Rauschenberg usava tinta de casa branca e rolos de pintura todos os dias para criar superfícies lisas e sem embelezamento que inicialmente aparecem como telas em branco. Em vez de percebê-los sem conteúdo, no entanto, John Cage descreveu as pinturas brancas como "aeroportos para as luzes, sombras e partículas"; superfícies que refletiam delicadas mudanças atmosféricas na sala. O próprio Rauschenberg disse que eles foram afetados pelas condições ambientais, "então você quase poderia dizer quantas pessoas estão na sala." Como as pinturas brancas , as pinturas pretas de 1951–1953 foram executadas em vários painéis e eram predominantemente obras de uma única cor. Rauschenberg aplicou tinta preta fosca e brilhante em fundos texturizados de jornal sobre tela, ocasionalmente permitindo que o jornal permanecesse visível.

Em 1953, Rauschenberg mudou da série Pintura Branca e Pintura Negra para o expressionismo intensificado de sua série Pintura Vermelha . Ele considerou o vermelho como "a cor mais difícil" para pintar e aceitou o desafio pingando, colando e espremendo camadas de pigmento vermelho diretamente sobre fundos de tela que incluíam tecido estampado, jornal, madeira e pregos. As complexas superfícies de materiais das pinturas vermelhas foram as precursoras da conhecida série Combine de Rauschenberg (1954-1964).

Combines

Rauschenberg coletou objetos descartados nas ruas de Nova York e os trouxe de volta para seu estúdio, onde os integrou em seu trabalho. Ele afirmou que "queria algo diferente do que eu poderia fazer e eu queria usar a surpresa e a coletividade e a generosidade de encontrar surpresas. [...] Então o próprio objeto foi alterado pelo seu contexto e, portanto, tornou-se um novo coisa."

O comentário de Rauschenberg sobre a lacuna entre arte e vida fornece o ponto de partida para uma compreensão de suas contribuições como artista. Ele viu a beleza potencial em quase tudo; ele disse uma vez: "Eu realmente sinto muito pelas pessoas que pensam que coisas como saboneteiras, espelhos ou garrafas de Coca são feias, porque ficam cercadas por coisas assim o dia todo, e isso deve deixá-las infelizes". Sua série Combine deu aos objetos do dia-a-dia um novo significado, trazendo-os para o contexto das belas-artes ao lado de materiais de pintura tradicionais. Os Combines eliminaram as fronteiras entre arte e escultura para que ambas estivessem presentes em uma única obra de arte. Enquanto "Combina" se refere tecnicamente ao trabalho de Rauschenberg de 1954 a 1964, Rauschenberg continuou a utilizar objetos do cotidiano, como roupas, jornais, detritos urbanos e papelão ao longo de sua carreira artística.

Robert Rauschenberg, Canyon, 1959, Combine painting
Robert Rauschenberg, Rhyme , 1956, Combine painting

Suas peças de transição que levaram à criação de Combines foram Charlene (1954) e Collection (1954/1955), onde colou objetos como lenços, lâmpadas elétricas, espelhos e histórias em quadrinhos. Embora Rauschenberg tenha implementado jornais e tecidos padronizados em suas pinturas pretas e Red Paintings , nos Combines ele deu aos objetos do cotidiano uma proeminência igual à dos materiais de pintura tradicionais. Considerado um dos primeiros Combines, Bed (1955) foi criado espalhando tinta vermelha em uma colcha, lençol e travesseiro muito usados. A obra foi pendurada verticalmente na parede como uma pintura tradicional. Por causa das conexões íntimas dos materiais com a própria vida do artista, Bed é frequentemente considerado um autorretrato e uma impressão direta da consciência interior de Rauschenberg. Alguns críticos sugeriram que o trabalho poderia ser lido como um símbolo de violência e estupro, mas Rauschenberg descreveu Bed como "um dos quadros mais amigáveis ​​que já pintei". Entre seus mais famosos Combines estão aqueles que incorporam animais taxidermizados, como Monogram (1955–1959), que inclui uma cabra angorá empalhada , e Canyon (1959) , que apresenta uma águia dourada empalhada . Embora a águia tenha sido resgatada do lixo, Canyon atraiu a ira do governo devido ao Ato de Proteção à Águia Careca e Dourada de 1940.

Os críticos originalmente viam os Combines em termos de suas qualidades formais: cor, textura e composição. A visão formalista da década de 1960 foi posteriormente refutada pelo crítico Leo Steinberg , que disse que cada Combine era "uma superfície receptora na qual os objetos estão espalhados, na qual os dados são inseridos." De acordo com Steinberg, a horizontalidade do que ele chamou de "plataforma plana de Rauschenberg O plano de pintura "substituiu a verticalidade tradicional da pintura e, subsequentemente, permitiu as superfícies unicamente ligadas por materiais da obra de Rauschenberg.

Performance e dança

Rauschenberg começou a explorar seu interesse pela dança depois de se mudar para Nova York no início dos anos 1950. Ele foi exposto pela primeira vez à dança de vanguarda e à arte performática no Black Mountain College, onde participou da peça de teatro nº 1 de John Cage (1952), frequentemente considerada o primeiro acontecimento . Ele começou a projetar cenários, iluminação e figurinos para Merce Cunningham e Paul Taylor . No início dos anos 1960, ele se envolveu nos experimentos radicais de dança-teatro na Judson Memorial Church em Greenwich Village e coreografou sua primeira apresentação, Pelican (1963), para o Judson Dance Theatre em maio de 1963. Rauschenberg era amigo íntimo de Cunningham- dançarinos afiliados, incluindo Carolyn Brown , Viola Farber e Steve Paxton , todos os quais apareceram em seus trabalhos coreografados. A conexão em tempo integral de Rauschenberg com a Merce Cunningham Dance Company terminou após sua turnê mundial de 1964. Em 1966, Rauschenberg criou a performance Open Score para parte de 9 Evenings: Theatre and Engineering no 69th Regiment Armory , Nova York. A série foi fundamental para a formação de Experimentos em Arte e Tecnologia (EAT).

Em 1977, Rauschenberg, Cunningham e Cage se reconectaram como colaboradores pela primeira vez em treze anos para criar Travelogue (1977), para o qual Rauschenberg contribuiu com os figurinos e cenários. Rauschenberg não coreografou suas próprias obras depois de 1967, mas continuou a colaborar com outros coreógrafos, incluindo Trisha Brown , pelo resto de sua carreira artística.

Comissões

Ao longo de sua carreira, Rauschenberg criou vários pôsteres em apoio a causas que eram importantes para ele. Em 1965, quando a revista Life o encarregou de visualizar um Inferno moderno, ele não hesitou em desabafar com a Guerra do Vietnã e outras questões sociopolíticas contemporâneas, incluindo violência racial, neonazismo , assassinatos políticos e desastre ecológico.

Em 30 de dezembro de 1979, o Miami Herald imprimiu 650.000 exemplares da Tropic , sua revista de domingo, com capa desenhada por Rauschenberg. Em 1983, ele ganhou um Grammy por seu design de álbum do Talking Heads , Speaking in Tongues . Em 1986, Rauschenberg foi contratado pela BMW para pintar um BMW 635 CSi em tamanho real para a sexta edição do famoso BMW Art Car Project . O carro de Rauschenberg foi o primeiro do projeto a apresentar reproduções de obras do Metropolitan Museum of Art de Nova York, além de suas próprias fotografias.

Em 1998, o Vaticano encomendou uma obra de Rauschenberg em homenagem ao Jubileu do ano 2000, a ser exibida na Sala Litúrgica Padre Pio , em San Giovanni Rotondo, Itália. Trabalhando em torno do tema do Juízo Final , Rauschenberg criou The Happy Apocalypse (1999), uma maquete de seis metros de comprimento . Em última análise, foi rejeitado pelo Vaticano com base no fato de que a descrição de Deus de Rauschenberg como uma antena parabólica era uma referência teológica inadequada.

Trabalho

Exposições

Rauschenberg teve sua primeira exposição individual na Betty Parsons Gallery na primavera de 1951. Em 1953, enquanto na Itália, ele foi notado por Irene Brin e Gaspero del Corso e eles organizaram sua primeira exposição europeia em sua famosa galeria em Roma . Em 1953, Eleanor Ward convidou Rauschenberg para participar de uma exposição conjunta com Cy Twombly na Stable Gallery . Em sua segunda exposição individual em Nova York na Charles Egan Gallery em 1954, Rauschenberg apresentou suas pinturas vermelhas (1953–1953) e Combines (1954–1964). Leo Castelli montou uma exposição individual de Combines de Rauschenberg em 1958. A única venda foi uma aquisição pelo próprio Castelli de Bed (1955), agora na coleção do Museu de Arte Moderna de Nova York .

A primeira retrospectiva da carreira de Rauschenberg foi organizada pelo Museu Judaico de Nova York em 1963. Em 1964 ele se tornou um dos primeiros artistas americanos a ganhar o Grande Prêmio Internacional de Pintura na Bienal de Veneza ( Mark Tobey e James Whistler já haviam ganho prêmios de pintura em 1895 e 1958, respectivamente). Uma retrospectiva de meio de carreira foi organizada pela National Collection of Fine Arts (agora Smithsonian American Art Museum ), Washington, DC, e viajou pelos Estados Unidos entre 1976 e 1978.

Na década de 1990, uma retrospectiva foi realizada no Solomon R. Guggenheim Museum , Nova York (1997), que viajou para museus em Houston, Colônia e Bilbao em 1999. Uma exposição de Combines foi apresentada no Metropolitan Museum of Art , Nova York (2005; viajou para o Museu de Arte Contemporânea, Los Angeles , Centre Georges Pompidou , Paris, e Moderna Museet , Estocolmo, até 2007). A primeira retrospectiva póstuma de Rauschenberg foi montada na Tate Modern (2016; viajou para o Museu de Arte Moderna de Nova York e o Museu de Arte Moderna de São Francisco em 2017).

Outras exposições incluem: Robert Rauschenberg: Jammers, Gagosian Gallery , Londres (2013); Robert Rauschenberg: The Fulton Street Studio , 1953–54 , Craig F. Starr Associates (2014); A Visual Lexicon, Galeria Leo Castelli (2014); Robert Rauschenberg: Works on Metal , Gagosian Gallery, Beverly Hills (2014); Rauschenberg na China , Ullens Center for Contemporary Art , Pequim (2016); e Rauschenberg: The 1/4 Mile no Los Angeles County Museum of Art (2018–2019).

Legado

Rauschenberg acreditava fortemente no poder da arte como um catalisador para a mudança social. O Rauschenberg Overseas Culture Interchange (ROCI) começou em 1984 como um esforço para estimular o diálogo internacional e aumentar a compreensão cultural por meio da expressão artística. Uma exposição da ROCI foi à mostra na National Gallery of Art, DC, em 1991, concluindo uma turnê por dez países: México, Chile, Venezuela, China, Tibete, Japão, Cuba, URSS, Alemanha e Malásia.

Em 1970, Rauschenberg criou um programa chamado Change, Inc., para conceder bolsas de emergência únicas de até US $ 1.000 para artistas visuais com base na necessidade financeira. Em 1990, Rauschenberg criou a Fundação Robert Rauschenberg (RRF) para promover a conscientização sobre as causas pelas quais ele se preocupava, como a paz mundial, o meio ambiente e questões humanitárias. Em 1986, Rauschenberg recebeu o Golden Plate Award da American Academy of Achievement . Ele foi premiado com a Medalha Nacional de Artes pelo presidente Bill Clinton em 1993. Em 2000, Rauschenberg foi homenageado com o Prêmio de Excelência por Contribuições Artísticas para a Luta contra a AIDS da amfAR .

RRF hoje possui muitas obras de Rauschenberg de todos os períodos de sua carreira. Em 2011, a fundação apresentou The Private Collection of Robert Rauschenberg em colaboração com a Gagosian Gallery , apresentando seleções da coleção de arte pessoal de Rauschenberg. Os lucros da exposição ajudaram a financiar as atividades filantrópicas da fundação. Também em 2011, a fundação lançou seu projeto "Artista como Ativista" e convidou o artista Shepard Fairey para se concentrar em um tema de sua escolha. O trabalho editado que ele fez foi vendido para arrecadar fundos para a Coalition for the Homeless . A RRF continua a apoiar artistas emergentes e organizações artísticas com doações e colaborações filantrópicas todos os anos. A RRF possui diversos programas de residência que acontecem na sede da fundação em Nova York e na propriedade do falecido artista em Captiva Island , Flórida.

Em 2013, Dale Eisinger, da Complex, classificou Open Score (1966) em sétimo lugar em sua lista das maiores obras de arte performática de todos os tempos.

Mercado de arte

Em 2010, o Studio Painting (1960‑61), um dos Combines de Rauschenberg originalmente estimado em US $ 6 milhões a US $ 9 milhões, foi comprado da coleção de Michael Crichton por US $ 11 milhões na Christie's , em Nova York. Em 2019, a Christie's vendeu a serigrafia Buffalo II (1964) por US $ 88,8 milhões, quebrando o recorde anterior do artista.

Lobby pelos royalties de revenda de artistas

No início dos anos 1970, Rauschenberg pressionou o Congresso dos EUA para aprovar um projeto de lei que compensaria os artistas quando seus trabalhos fossem revendidos no mercado secundário. Rauschenberg começou sua luta pelos royalties de revenda do artista depois que o barão dos táxis Robert Scull vendeu parte de sua coleção de obras de arte pop e expressionista abstrata por US $ 2,2 milhões. Scull comprou originalmente as pinturas Thaw (1958) e Double Feature (1959) de Rauschenberg por $ 900 e $ 2.500 respectivamente; cerca de uma década depois, Scull vendeu as peças por $ 85.000 e $ 90.000 em um leilão de 1973 na Sotheby Parke Bernet em Nova York.

Os esforços de lobby de Rauschenberg foram recompensados ​​em 1976, quando o governador da Califórnia, Jerry Brown, sancionou a Lei de Realeza de Revenda da Califórnia de 1976. O artista continuou a buscar legislação de royalties de revenda em todo o país após a vitória na Califórnia.

Veja também

Referências

Leitura adicional

links externos