Sistema de estúdio - Studio system

Um sistema de estúdio é um método de produção de filmes em que a produção e distribuição de filmes é dominada por um pequeno número de grandes estúdios de cinema . É mais frequentemente usado em referência aos estúdios de cinema de Hollywood durante a Idade de Ouro de Hollywood das décadas de 1920 a 1960, em que os estúdios produziram filmes principalmente em seus próprios lotes de produção com pessoal criativo, muitas vezes sob contrato de longo prazo, e exibição dominada por integração vertical , ou seja, a propriedade ou controle efetivo dos distribuidores e da exibição , garantindo vendas adicionais de filmes por meio de técnicas de reserva manipulativas, como a reserva em bloco .

O sistema de estúdio foi contestado sob as leis antitruste em uma decisão da Suprema Corte de 1948 que buscou separar a produção da distribuição e exibição e encerrou tais práticas, acelerando assim o fim do sistema de estúdio. Em 1954, com a televisão competindo por audiência e o último dos elos operacionais entre um grande estúdio de produção e uma cadeia de teatro rompido, a era histórica do sistema de estúdio acabou.

O período que vai da introdução do som ao início do desaparecimento do sistema de estúdio, 1927-1948, é referido por alguns historiadores do cinema como a Idade de Ouro de Hollywood. A Idade de Ouro é uma distinção puramente técnica e não deve ser confundida com o estilo da crítica cinematográfica conhecido como Cinema Clássico de Hollywood , estilo de cinema americano que se desenvolveu de 1917 a 1963 e que o caracteriza até os dias de hoje. Durante a chamada Idade de Ouro, oito empresas constituíram os grandes estúdios que promulgaram o sistema de estúdio de Hollywood. Destes oito, cinco eram conglomerados totalmente integrados, combinando a propriedade de um estúdio de produção, divisão de distribuição e uma importante rede de cinemas, além de contratos com artistas e equipe de filmagem:

Som e os Cinco Grandes

Os anos de 1927 e 1928 são geralmente vistos como o início da Idade de Ouro de Hollywood e as etapas principais finais no estabelecimento do controle do sistema de estúdio da indústria cinematográfica americana. O sucesso de The Jazz Singer , de 1927 , o primeiro longa-metragem "talkie" (na verdade, a maioria de suas cenas não tinha som gravado ao vivo ) deu um grande impulso ao então estúdio de médio porte da Warner Bros. O ano seguinte viu a introdução geral do som em toda a indústria e mais dois sucessos para a Warners: The Singing Fool , The Jazz Singer 's ainda mais lucrativo follow-up e o primeiro filme "tudo falante" de Hollywood, Lights of New York . Tão significativo foi uma série de desenvolvimentos fora da tela. A Warner Bros., agora cheia de receitas, adquiriu a extensa rede de cinemas Stanley em setembro de 1928. Um mês depois, comprou o controle da produtora First National , mais proeminente do que a própria Warners pouco antes. Com a aquisição do First National veio não apenas um estúdio e backlot de 135 acres (55 ha), mas outra grande série de cinemas. Warners tinha atingido o grande momento.

O último dos "Cinco Grandes" conglomerados de Hollywood da Idade de Ouro surgiu em 1928: RKO . A Radio Corporation of America ( RCA ), liderada por David Sarnoff , estava procurando maneiras de explorar as patentes de som de cinema, recentemente registradas como RCA Photophone , de propriedade de sua empresa-mãe, General Electric . Enquanto as principais produtoras de filmes estavam se preparando para assinar acordos exclusivos com a Western Electric para sua tecnologia, a RCA entrou no ramo do cinema por conta própria. Em janeiro, a General Electric adquiriu uma participação considerável na Film Booking Offices of America (FBO), uma distribuidora e pequena produtora de propriedade de Joseph P. Kennedy , pai do futuro presidente John F. Kennedy . Em outubro, por meio de uma série de transferências de ações , a RCA ganhou o controle da FBO e da rede de teatros Keith-Albee-Orpheum ; fundindo-os em um único empreendimento, criou a Radio-Keith-Orpheum Corporation, com Sarnoff presidindo o conselho. Com a RKO e a Warner Bros. (que logo se tornaria Warner Bros. – First National) juntando-se à Fox, Paramount e Loew's / MGM como atores principais, os cinco grandes que permaneceriam por trinta anos estavam agora em vigor.

Embora a RKO fosse uma exceção, os chefes dos estúdios na costa oeste, os 'magnatas do cinema', já existiam há alguns anos: Louis B. Mayer na MGM, Jack L. Warner na Warner Bros., Adolph Zukor na Paramount , Darryl F. Zanuck (na 20th Century Fox de 1935), Carl Laemmle na Universal e Harry Cohn na Columbia.

Reinado dos majores e o primeiro declínio

A classificação das Cinco Grandes em termos de lucratividade (intimamente relacionada à participação de mercado) foi amplamente consistente durante a Idade de Ouro: a MGM ocupou o primeiro lugar por onze anos consecutivos, 1931-1941. Paramount, o estúdio mais lucrativo do início da era do som (1928–30), enfraqueceu na maior parte da década seguinte, e a Fox foi o número dois na maior parte do reinado da MGM. A Paramount começou uma escalada constante em 1940, finalmente ultrapassando a MGM dois anos depois; de então até sua reorganização em 1949, foi novamente a mais bem-sucedida financeiramente das Cinco Grandes. Com exceção de 1932 - quando todas as empresas, exceto a MGM, perderam dinheiro e a RKO perdeu um pouco menos do que seus concorrentes - a RKO foi o próximo a durar ou (geralmente) durou todos os anos da Idade de Ouro, com a Warner geralmente acompanhando o pacote. Dos majors menores, o Little Three, United Artists segurou a retaguarda de forma confiável, com o Columbia mais forte na década de 1930 e a Universal à frente na maior parte dos anos 1940.

O sucesso de Hollywood cresceu durante a Grande Depressão , possivelmente porque os filmes ajudaram o público a escapar de suas dificuldades pessoais. O presidente Franklin Delano Roosevelt disse sobre Shirley Temple : "Quando o espírito do povo está mais baixo do que em qualquer outro momento durante esta Depressão, é esplêndido que por apenas quinze centavos um americano possa ir ao cinema e ver o rosto sorridente de um bebê e esqueça seus problemas ". Em 1939, havia 15.000 cinemas nos Estados Unidos, mais do que bancos; o número de cinemas per capita era o dobro de meados da década de 1980. A indústria do cinema era maior do que a das máquinas de escritório. Embora apenas a 14ª maior em receita, era a segunda no percentual de lucros que seus executivos recebiam. Grandes estrelas como Bing Crosby e Claudette Colbert receberam mais de $ 400.000 por ano ($ 7.442.105 hoje).

O fim do sistema e a morte de RKO

Uma das técnicas usadas para apoiar o sistema de estúdio era a reserva em bloco , um sistema de venda de vários filmes para uma sala de cinema como uma unidade. Essa unidade - cinco filmes era a prática padrão na maior parte da década de 1940 - normalmente incluía apenas um filme particularmente notável, o resto uma mistura de fotos de orçamento A de qualidade inferior e filmes B. Como a revista Life escreveu em 1957 em uma retrospectiva sobre o sistema de estúdio: "Não era um bom entretenimento e não era arte, e a maioria dos filmes produzidos tinha uma mediocridade uniforme, mas eles também eram uniformemente lucrativos ... O milhão -dollar mediocrity era a própria espinha dorsal de Hollywood. "

Em 4 de maio de 1948, em um processo antitruste federal conhecido como caso Paramount movido contra todas as Big Five, a Suprema Corte dos Estados Unidos proibiu especificamente a reserva em bloco. Sustentando que os conglomerados estavam de fato violando as leis antitruste, os juízes se abstiveram de tomar uma decisão final sobre como essa falha deveria ser remediada, mas o caso foi enviado de volta ao tribunal de primeira instância, de onde veio com linguagem que sugeria divórcio - o separação completa dos interesses de exibição das operações produtor-distribuidor - foi a resposta. Os Big Five, porém, pareciam unidos em sua determinação de lutar e arrastar os processos judiciais por anos, pois já haviam se mostrado adeptos - afinal, o processo da Paramount havia sido originalmente aberto em 20 de julho de 1938.

No entanto, nos bastidores da RKO, por muito tempo o mais instável financeiramente dos conglomerados, a decisão do tribunal passou a ser vista como um desenvolvimento que poderia ser usado em benefício do estúdio. No mesmo mês em que a decisão foi proferida, o multimilionário Howard Hughes adquiriu o controle acionário da empresa. Como RKO controlava o menor número de cinemas de qualquer um dos Big Five, Hughes decidiu que iniciar um efeito dominó de divórcio poderia realmente ajudar a colocar seu estúdio em pé de igualdade com seus concorrentes. Hughes sinalizou sua disposição ao governo federal de assinar um decreto de consentimento obrigando o fim de sua indústria cinematográfica. Segundo o acordo, Hughes dividiria seu estúdio em duas entidades, RKO Pictures Corporation e RKO Theatres Corporation, e se comprometeria a vender sua participação em uma ou outra até uma determinada data. A decisão de Hughes de conceder o divórcio abalou o argumento dos advogados do resto dos Cinco Grandes de que tais separações eram inviáveis.

Enquanto muitos hoje apontam para a decisão do tribunal de maio, na verdade é o acordo de Hughes com o governo federal - assinado em 8 de novembro de 1948 - que foi realmente a sentença de morte para a Idade de Ouro de Hollywood. A Paramount logo capitulou, assinando um decreto de consentimento semelhante no mês de fevereiro seguinte. O estúdio, que havia lutado contra o divórcio por tanto tempo, tornou-se o primeiro dos grandes a se separar, antes do previsto, finalizando o desinvestimento em 31 de dezembro de 1949. Nessa época, havia 19.000 cinemas nos Estados Unidos.

Por meio do acordo de Hughes com as autoridades federais e com os de outros estúdios que logo se seguiram, o sistema de estúdio perdurou por mais meia década. O maior estúdio que se adaptou às novas circunstâncias com o sucesso mais imediato foi o menor, United Artists; sob uma nova equipe de gestão que assumiu em 1951, as despesas gerais foram reduzidas com o encerramento de seu contrato de arrendamento com a instalação de produção de Pickford-Fairbanks e novos relacionamentos com produtores independentes, agora muitas vezes envolvendo investimento direto, foram forjados - um modelo de negócios que Hollywood cada vez mais emularia nos próximos anos. O sistema de estúdio em torno do qual a indústria foi organizada por três décadas finalmente expirou em 1954, quando Loew's, o último reduto, rompeu todos os laços operacionais com a MGM.

A manobra de Hughes ajudou a quebrar o sistema de estúdio, mas fez pouco para a RKO. Sua liderança revolucionária - juntamente com o esgotamento do público para a televisão que estava afetando toda a indústria - afetou o estúdio e ficou evidente para os observadores de Hollywood. Quando Hughes tentou se livrar de sua participação na RKO em 1952, ele teve que recorrer a um sindicato com sede em Chicago, liderado por negociantes obscuros sem experiência no cinema. O negócio fracassou, então Hughes estava de volta ao comando quando a rede de teatros RKO foi finalmente vendida como mandado em 1953. Naquele ano, a General Tire and Rubber Company, que estava expandindo sua pequena divisão de transmissão de uma década, abordou Hughes sobre o disponibilização da cinemateca da RKO para programação. A Hughes adquiriu a propriedade quase total da RKO Pictures em dezembro de 1954 e concretizou a venda de todo o estúdio com a General Tire no verão seguinte.

Os novos proprietários rapidamente recuperaram seu dinheiro com a venda dos direitos de TV da biblioteca que eles estimavam para a C&C Television Corp., uma subsidiária de uma empresa de bebidas. (A RKO reteve os direitos das poucas estações de TV que a General Tire havia trazido.) Segundo o acordo, os filmes perderam sua identidade RKO antes de serem enviados pela C&C às estações locais; o famoso logotipo de abertura, com seu globo e torre de rádio, foi removido, assim como as outras marcas registradas do estúdio.

De volta a Hollywood, os novos proprietários da RKO estavam tendo pouco sucesso no ramo de produção de filmes e, em 1957, a General Tire encerrou a produção e vendeu as principais instalações da RKO para a Desilu , a produtora de Lucille Ball e Desi Arnaz . Assim como a United Artists, o estúdio agora não tinha mais um estúdio; ao contrário da UA, ela mal possuía seus filmes antigos e não via lucro na produção de novos. Em 1959, ela abandonou totalmente a indústria do cinema.

Na europa e ásia

Embora o sistema de estúdio seja amplamente identificado como um fenômeno americano, as produtoras de filmes em outros países às vezes alcançaram e mantiveram a integração total de maneira semelhante aos Cinco Grandes de Hollywood. Como o historiador James Chapman descreve,

Na Grã-Bretanha, apenas duas empresas alcançaram a integração vertical completa (a Rank Organization e a Associated British Picture Corporation ). Outros países onde ocorreu algum nível de integração vertical foram a Alemanha durante a década de 1920 (Universum Film Aktiengesellschaft ou Ufa ), a França durante a década de 1930 ( Gaumont -Franco-Film-Aubert e Pathé -Natan) e o Japão ( Nikkatsu , Shochiku e Toho ). Em Hong Kong, a Shaw Brothers adotou o sistema de estúdio para seus filmes wuxia ao longo dos anos 1950-60. A Índia, que representa talvez o único rival sério da indústria cinematográfica dos Estados Unidos devido ao seu domínio tanto do seu próprio mercado quanto do da diáspora asiática, nunca alcançou qualquer grau de integração vertical.

Por exemplo, em 1929, quase 75% dos cinemas japoneses estavam conectados com Nikkatsu ou Shochiku, os dois maiores estúdios da época.

Depois do sistema

Nós nos encontramos ... lidando com empresas em vez de indivíduos.

-  Harry Cohn da Columbia Pictures, 1957

Sistema baseado em estrelas

Na década de 1950, Hollywood enfrentou três grandes desafios: o caso da Paramount encerrando o sistema de estúdio, a nova popularidade da televisão e os gastos do consumidor pós-Segunda Guerra Mundial proporcionando ao seu público muitas outras opções de lazer. A escala de sucessos e fracassos de bilheteria cresceu, com um "meio perigoso" consistindo de filmes que na era anterior teriam dado dinheiro. Um cineasta afirmou em 1957 que "[o] desastre absoluto hoje é fazer uma mediocridade de um milhão de dólares. Um deles você pode perder não apenas seu investimento total, mas sua camisa total." Naquele ano, Hollywood estava fazendo apenas cerca de 300 longas-metragens por ano, em comparação com cerca de 700 na década de 1920. Darryl F. Zanuck , chefe da 20th Century Fox, não teve envolvimento direto com o estúdio de 1956 a 1962, e Louis B. Mayer , demitido da MGM em 1951, morreu em 1957. Harry Cohn de Columbia, que morreu no ano seguinte, informou os investidores no relatório anual do estúdio de 1957 que:

Nos encontramos em um mercado altamente competitivo para esses talentos [estrelas, diretores, produtores, escritores]. Nas estruturas tributárias de hoje, o salário daqueles com quem lidamos é menos convidativo do que a oportunidade de ganhos de capital. Encontramo-nos, portanto, lidando com empresas em vez de indivíduos. Também nos vemos forçados a lidar em termos de uma porcentagem dos lucros do filme, ao invés de um salário garantido como no passado. Isso é mais notável entre as estrelas principais.

A maioria dos atores se tornou freelancer após o fim do sistema de estúdio. Os financiadores exigiam cada vez mais atores, diretores e escritores famosos para projetos para reduzir o risco de fracasso. A crescente importância do mercado externo - 40 a 50% da receita total de Hollywood em 1957 - também enfatizou os nomes das estrelas como atrações de bilheteria. Com seu novo poder, "trabalhar por nada" - receber uma porcentagem do lucro em vez de um salário - tornou-se um símbolo de status para as estrelas. Um ator de primeira linha pode esperar 50% do lucro, com garantia mínima, ou 10% da receita bruta. Cary Grant , por exemplo, recebeu mais de $ 700.000 (equivalente a $ 5,3 milhões em 2019) de seus 10% do bruto para To Catch a Thief (1955), enquanto o diretor e produtor Alfred Hitchcock recebeu menos de $ 50.000. Em um caso extremo, a Paramount prometeu a Marlon Brando 75% do lucro do que se tornou o One-Eyed Jacks (1961). (Por causa da contabilidade de Hollywood , os estúdios ainda recebiam grande parte da receita antes de qualquer participação nos lucros; portanto, eles preferiam 50% do lucro a 10% do bruto.) Os salários maiores também aumentaram o poder de agentes de talentos , como Lew Wasserman, da MCA, cujo escritório agora foi apelidado de " Fort Knox ".

Em 1957, os produtores independentes fizeram 50% dos filmes americanos de longa-metragem. Além de trabalhar para outros, atores importantes como Gregory Peck e Frank Sinatra criaram suas próprias produtoras e compraram roteiros. Os principais diretores independentes George Stevens , Billy Wilder e William Wyler também viram seus salários aumentar, em parte porque seu envolvimento atraiu atores famosos. Os estúdios cada vez mais forneciam fundos e instalações para produtores independentes em vez de fazer seus próprios filmes ou, assim como a United Artists, eles se concentravam na distribuição. Embora a televisão tenha prejudicado Hollywood, empresas de produção de TV como a Desilu e as próprias divisões de TV dos estúdios cinematográficos ajudaram a salvar a indústria usando instalações que antes não eram utilizadas.

Distribuição, televisão, recessão e conglomerado de Hollywood

No início da década de 1960, os grandes estúdios começaram a reeditar filmes mais antigos para distribuição e se transformaram na produção principalmente de telefilmes e b-movies para suprir a demanda de programação da TV. Entre 1969 e 1971, a indústria passou por uma severa recessão, em parte devido aos fracassos de grande orçamento, mas logo se recuperou artisticamente com filmes como O Poderoso Chefão (1972) e Chinatown (1974).

O aparecimento de George Lucas 's Star Wars (1977) tornou-se o protótipo para o moderno de sucesso . O lançamento de filmes em centenas de locais se tornou a norma com sucessos como as sequências de Star Wars de Lucas , The Empire Strikes Back e Return of the Jedi , sucessos consecutivos de Spielberg com Raiders of the Lost Ark e ET the Extra- Terrestre e o desenvolvimento do vídeo doméstico e da televisão por cabo. Enquanto isso, o orçamento descontrolado de Heaven's Gate (1980) e sua receita de bilheteria limitada levaram à venda de United Artists.

De 1990 a 1995, New Hollywood se tornou mais um conglomerado de Hollywood e rapidamente dominou toda a indústria de entretenimento global. Hoje, três majores da Idade de Ouro continuam a existir como grandes entidades de estúdio de Hollywood, todas as quais agora são propriedade de um conglomerado de mídia maior: Paramount (propriedade da National Amusements via ViacomCBS ), Warner Bros. (propriedade da AT&T via WarnerMedia , pendente fusão com Discovery, Inc. ) e Universal (propriedade da Comcast via NBCUniversal ). Além disso, até o momento, a Sony Pictures (de propriedade da Sony ) foi formada pela fusão da Columbia e da Tri-Star, enquanto o Walt Disney Studios (de propriedade da Disney ) emergiu como um grande, o que resultou em um "Big Six" até a aquisição da A 20th Century Fox da Disney, anunciada no final de 2017, foi concluída no início de 2019, tornando-se um "Big Five" mais uma vez. Sem incluir Walt Disney, todos esses assim chamados grandes estúdios baseiam-se essencialmente no modelo não dos clássicos Big Five, mas dos antigos United Artists: ou seja, eles são principalmente distribuidores-patrocinadores (e locatários do estúdio físico), em vez de empresas de produção reais.

Em 1996, a Time Warner adquiriu a outrora independente New Line Cinema por meio da compra da Turner Broadcasting System . Em 2008, a New Line foi fundida na Warner Bros., onde continua a existir como subsidiária. Cada um dos Cinco Grandes de hoje controla divisões de " arte " quase independentes , como a Paramount Vantage . Miramax Filmes (que originalmente era um estúdio independente) foi propriedade da Disney até 2010. A maioria também tem divisões que se concentram em filmes de gênero, filmes B literalmente em virtude de seus baixos orçamentos ou espiritualmente - por exemplo, Screen Gems da Sony . Uma das chamadas divisões indie, Focus Features da Universal , lança filmes de arte sob essa marca principal. Tanto a Focus quanto a divisão de arte da Disney, Searchlight Pictures , são grandes o suficiente para se qualificarem como mini-majors. Duas grandes firmas independentes também se qualificam como mini-majors, Lionsgate e Metro Goldwyn Mayer . Eles estão em algum lugar entre as versões mais recentes do antigo "maior-menor" - assim como a Columbia e a Universal estavam nas décadas de 1930 e 1940, exceto que Lionsgate e The WC têm cerca de metade de sua participação no mercado - e as principais unidades de produção independente da Idade de Ouro, como Samuel Goldwyn Inc. e as empresas de David O. Selznick .

Era independente e o início do segundo declínio

Em meados da década de 2010, os grandes estúdios passaram a produzir filmes convencionais que atraem o público (filmes de gênero, sequências, 3-D e filmes de super-heróis). Como esses filmes correm o risco de perder dinheiro nas bilheterias (e alguns, de fato, perderam), abriu-se uma oportunidade para as empresas independentes produzirem filmes que, nos últimos anos, atrapalharam outros grandes estúdios de cinema para o Oscar de Melhor Filme . A Academia de Artes e Ciências Cinematográficas (que produz o Prêmio da Academia anual ) geralmente concede o Oscar de Melhor Filme para filmes de substância e alta qualidade, em vez do popular filme mainstream. Nos últimos anos, os vários prêmios ganhos para filmes independentes como Spotlight ( Open Road , 2015), Moonlight ( A24 , 2016) e Parasite , ( Neon , 2019) tiveram um grande impacto na bilheteria de outros grandes filmes de estúdio , e possivelmente o destino dos próprios grandes estúdios, e ainda hoje com a última onda de filmes independentes. Esse domínio contínuo do filme independente é a prova de que seu sucesso não depende de nenhum formato de filme, seja 3-D, CinemaScope ou qualquer formato grande, como IMAX . Os resultados recentes do Festival de Cinema de Cannes e a falta de filmes americanos vencedores desses prêmios também podem ter afetado o domínio do cinema independente.

Veja também

Referências

Origens

Publicados

  • Bergan, Ronald (1986). A História dos Artistas Unidos. Nova York: Crown. ISBN  0-517-56100-X
  • Chapman, James (2003). Cinemas do mundo: filme e sociedade de 1895 até o presente. Londres: Reaktion Books. ISBN  1-86189-162-8
  • Finler, Joel W. (1988). The Hollywood Story. Nova York: Crown. ISBN  0-517-56576-5
  • Goodwin, Doris Kearns (1987). Os Fitzgeralds e os Kennedys. Nova York: Simon e Schuster. ISBN  0-671-23108-1
  • Hirschhorn, Clive (1979). A história da Warner Bros. Nova York: Crown. ISBN  0-517-53834-2
  • Jewell, Richard B., com Vernon Harbin (1982). A história da RKO. Nova York: Arlington House / Crown. ISBN  0-517-54656-6
  • Orbach, Barak Y. (2004). "Antitruste e Preços na Indústria Cinematográfica", Yale Journal on Regulation vol. 21, não. 2, verão (disponível online ).
  • Regev, Ronnie (2018). Trabalhando em Hollywood: como o Studio System transformou a criatividade em trabalho. Chapel Hill, NC: University of North Carolina Press.
  • Schatz, Thomas (1998 [1988]). O gênio do sistema: a produção de filmes de Hollywood na era dos estúdios Londres: Faber e Faber. ISBN  0-571-19596-2
  • Schatz, Thomas (1999 [1997]). Boom and Bust: American Cinema na década de 1940. Berkeley: University of California Press. ISBN  0-520-22130-3
  • Utterson, Andrew (2005). Tecnologia e cultura - o leitor de filmes. Nova York: Routledge / Taylor & Francis. ISBN  0-415-31984-6

On-line

De autoria

Arquivamento