Vibrato - Vibrato

Vibrato ( italiano , do particípio passado de " vibrare ", vibrar) é um efeito musical que consiste em uma mudança de tom regular e pulsante . É usado para adicionar expressão à música vocal e instrumental. O vibrato é tipicamente caracterizado em termos de dois fatores: a quantidade de variação do tom ("extensão do vibrato") e a velocidade com que o tom é variado ("taxa do vibrato").

No canto , pode ocorrer espontaneamente por meio de variações na laringe . O vibrato de um instrumento de cordas e instrumento de sopro é uma imitação dessa função vocal.

Vibrato e tremolo

Espectrograma ilustrando a diferença entre tremolo e vibrato

Os termos vibrato e tremolo às vezes são usados ​​incorretamente de forma intercambiável, embora (no mundo clássico) sejam adequadamente definidos como efeitos separados com vibrato definido como uma variação periódica na altura (frequência) de uma nota musical e tremolo como uma repetição rápida de a mesma nota (geralmente uma semicolcheia) para produzir o efeito audível de uma nota mais longa, especialmente em instrumentos que não têm a capacidade de produzir notas sustentadas longas, como o violão. Na prática, é difícil para um cantor ou instrumentista musical atingir um vibrato ou tremolo puro (onde apenas o tom ou apenas o volume é variado), e variações tanto no tom quanto no volume serão frequentemente alcançadas ao mesmo tempo. A manipulação eletrônica ou geração de sinais torna mais fácil alcançar ou demonstrar o tremolo ou vibrato puro. No mundo da guitarra elétrica e da produção de discos, o vibrato mantém o mesmo significado que no mundo clássico (uma variação periódica no tom), mas o tremolo descreve uma variação periódica no volume normalmente obtida usando unidades de efeitos externos .

Palestrante Leslie

Um alto-falante Leslie (mais conhecido por sua associação histórica e popular com o órgão Hammond ) cria vibrato como um subproduto da produção de tremolo. À medida que um alto-falante Leslie é movido pelo mecanismo giratório no qual está montado, ele se move para mais perto ou mais longe de qualquer objeto (como as orelhas do ouvinte) não montado no mecanismo. Porque a amplitude varia diretamente com a pressão do som ( A = k 1 P ) e a pressão do som varia diretamente com a distância ( P = k 2 d ), de modo que a amplitude também varia diretamente com a distância ( A = k 1 (k 2 d) = k 1 k 2 d ), a amplitude do som percebido pelo ouvinte será maior quando o alto-falante estiver no ponto de rotação mais próximo do ouvinte e menos quando o alto-falante estiver mais distante. Como o alto-falante está constantemente se movendo para perto ou para longe do ouvinte, no entanto, a rotação do mecanismo está constantemente afetando o comprimento de onda do som percebido pelo ouvinte "esticando" a onda (aumentando o comprimento de onda) ou "comprimindo-a" (diminuindo o comprimento de onda) - e porque a frequência, ou seja, o tom, é inversamente proporcional ao comprimento de onda , de modo que o aumento do comprimento de onda diminui a frequência e vice-versa, qualquer ouvinte para quem o movimento do alto-falante muda a amplitude percebida do som ( ou seja , qualquer ouvinte cuja distância do alto-falante está mudando) também deve perceber uma mudança na frequência .

Base acústica

O uso de vibrato tem como objetivo adicionar calor a uma nota. No caso de muitos instrumentos de cordas, o som emitido é fortemente direcional, particularmente em altas frequências, e as pequenas variações na afinação típicas do vibrato podem causar grandes mudanças nos padrões direcionais do som irradiado. Isso pode adicionar um brilho ao som; com um instrumento bem feito, também pode ajudar um músico solo a ser ouvido com mais clareza ao tocar com uma grande orquestra.

Este efeito direcional tem como objetivo interagir com a acústica da sala para adicionar interesse ao som, da mesma forma que um violonista pode girar a caixa em um sustain final, ou o defletor rotativo de um alto - falante Leslie girará o som a sala.

Extensão típica de vibrato

A extensão da variação no tom durante o vibrato é controlada pelo executante. A extensão do vibrato para cantores solo é geralmente menor que um semitom (100 centavos ) de cada lado da nota, enquanto os cantores em um coro normalmente usam vibrato mais estreito com uma extensão de menos de um décimo de semitom (10 centavos ) de cada lado. Os instrumentos de sopro e arco geralmente usam vibratos com uma extensão de menos de meio semitom de cada lado.

O uso do Vibrato em vários gêneros musicais

O vibrato às vezes é considerado um efeito adicionado à própria nota, mas em alguns casos é uma parte tão completa do estilo da música que pode ser muito difícil para alguns intérpretes tocar sem ele. O jazz sax tenor jogador Coleman Hawkins descobriu que tinha essa dificuldade quando solicitado para jogar uma passagem com e sem vibrato por Leonard Bernstein ao produzir seu álbum de registro "O que é Jazz" para demonstrar a diferença entre os dois. Apesar de sua técnica, ele não conseguia tocar sem vibrato. O saxofonista da Orquestra de Benny Goodman, George Auld, foi contratado para interpretar o papel.

Muitos músicos clássicos, especialmente cantores e tocadores de cordas , têm um problema semelhante. O violinista e professor Leopold Auer , escrevendo em seu livro Violin Playing as I Teach It (1920), aconselhou violinistas a praticar tocar completamente sem vibrato, e a parar de tocar por alguns minutos assim que se percebessem tocando vibrato para para obter controle total sobre sua técnica.

Na musica classica

O uso de vibrato na música clássica é uma questão de alguma controvérsia. Durante grande parte do século 20, foi usado quase continuamente na execução de peças de todas as épocas do barroco em diante, especialmente por cantores e violinistas.

A ascensão da performance com conhecimento histórico nocional ("período") a partir da década de 1970 mudou dramaticamente seu uso, especialmente na música das eras Barroca e Clássica. No entanto, não há nenhuma prova real de que os cantores executavam sem vibrato na era barroca. Notavelmente, o compositor Lodovico Zacconi defendeu que o vibrato "deve sempre ser usado".

A música vocal do renascimento quase nunca é cantada com vibrato como regra, e parece improvável que nunca tenha sido; no entanto, deve ser entendido que o "vibrato" ocorre em uma ampla gama de intensidades: lento, rápido, amplo e estreito. A maioria das fontes que condenam a prática parecem estar se referindo a uma oscilação ampla, lenta e perceptível no tom, geralmente associada a emoções intensas, enquanto o ideal para o vibrato moderno, e possivelmente em tempos anteriores também, era imitar o timbre natural do voz adulta cantando, da qual uma medida de vibrato (já foi mostrado) raramente está ausente.

Leopold Mozart ‘s Versuch einer gründlichen Violinschule (1756), por exemplo, fornece uma indicação do estado de vibrato em jogo cadeia no final do período barroco. Nele, ele admite que "há intérpretes que tremem consistentemente em cada nota como se tivessem febre permanente", condenando a prática e sugerindo que o vibrato deve ser usado apenas em notas sustentadas e no final das frases quando usado como um ornamento. Isso, no entanto, não dá nada mais do que uma indicação do próprio gosto pessoal de Mozart, baseado no fato de que ele foi um erudito compositor rococó / clássico tardio . Mozart reconhece a diferença entre o vibrato pesado e ornamental que ele considera questionável, e uma aplicação mais contínua da técnica menos intrusiva para o propósito de melhorar a qualidade do tom (neste caso, ele não se refere a ele como "vibrato" ou "tremolo" em tudo; descrevendo-o apenas como um aspecto do dedilhado correto). Nesse aspecto, ele se assemelha a seu contemporâneo, Francesco Geminiani, que defendia o uso de vibrato "tão freqüentemente quanto possível" em notas curtas para esse fim. Embora não haja prova auditiva, como as gravações de áudio não existiam há mais de 150 anos, de que os tocadores de cordas na Europa não usavam vibrato, seu uso excessivo foi quase universalmente condenado pelas principais autoridades musicais da época.

Certos tipos de vibrato, então, eram vistos como um ornamento, mas isso não significa que fossem usados ​​com moderação. Também no sopro, parece que o vibrato na música até o século 20 era visto como um ornamento a ser usado seletivamente. Martin Agricola, escrevendo em sua Musica instrumentalis deudsch (1529), escreve sobre vibrato dessa maneira. Ocasionalmente, compositores até o período barroco indicavam o vibrato com uma linha ondulada na partitura . Novamente, isso não sugere que não fosse desejado para o resto da peça, assim como o uso infrequente do termo em obras do século 20 sugere que não é usado em outro lugar.

Guerras de vibrato

Música de compositores românticos tardios como Richard Wagner e Johannes Brahms agora é tocada com um vibrato bastante contínuo. No entanto, alguns músicos especializados em performances historicamente informadas, como o maestro Roger Norrington , argumentam que é improvável que Brahms, Wagner e seus contemporâneos esperassem que fosse tocado dessa forma. Essa visão causou considerável controvérsia. A visão de que o vibrato contínuo foi inventado por Fritz Kreisler e alguns de seus colegas é sustentada pelas primeiras gravações de som, que supostamente demonstram que esse uso abundante de vibrato apareceu apenas no século XX.

O alegado crescimento do vibrato na execução orquestral do século 20 foi traçado por Norrington estudando as primeiras gravações de áudio, mas seus oponentes afirmam que suas interpretações não são apoiadas pelas amostras reais. Norrington afirma que o vibrato nas primeiras gravações é usado apenas seletivamente, como um dispositivo expressivo; a Orquestra Filarmônica de Berlim não foi gravada usando vibrato comparável ao vibrato moderno até 1935, e a Orquestra Filarmônica de Viena não até 1940. As orquestras francesas parecem ter tocado com vibrato contínuo um pouco antes, dos anos 1920.

Os defensores do vibrato afirmam que as limitações sônicas das gravações de 78 rpm, particularmente no que diz respeito aos sobretons e informações de alta frequência, tornam difícil uma avaliação incontestável das técnicas anteriores de execução (embora, deva ser dito, as primeiras gravações de cantores líricos consigam mostrar claramente até que ponto um vibrato está presente [ou não] em suas vozes). Além disso, os defensores do vibrato apontam que uma distinção precisa ser feita entre o tipo de vibrato usado por um solo e o vibrato seccional de um conjunto de cordas inteiro, que não pode ser ouvido como uma quantidade uniforme como tal. Em vez disso, ele se manifesta em termos de calor e amplitude do som produzido, em oposição a uma oscilação perceptível de altura. O fato de que já na década de 1880 compositores como Richard Strauss (em seus poemas sonoros "Don Juan" e "Morte e Transfiguração"), bem como Camille Saint-Saëns (Sinfonia No. 3 "Órgão") pediram aos tocadores de cordas para tocar certas passagens "sem expressão" ou "sem nuance" sugerem um pouco o uso geral do vibrato dentro da orquestra como algo natural; da mesma forma, as indicações de Mahler e Debussy que exigem especificamente o uso de vibrato em certas passagens podem sugerir a prática oposta.

Apesar disso, o uso de vibrato na música romântica tardia ainda é comum, embora desafiado por Roger Norrington e outros do movimento performático historicamente informado. Performances de compositores de Beethoven a Arnold Schoenberg com vibrato limitado agora são comuns. Norrington causou controvérsia durante o 2008 Proms temporada através da realização de Edward Elgar 's Variações Enigma , eo Last Night of the Proms , em estilo não-vibrato, que ele chama de tom puro . Alguns consideram que, embora possa não ser o que o compositor imaginou, o vibrato adiciona uma profundidade emocional que melhora o som da música. Outros acham que o som mais fraco de tocar sem vibração é preferível. Na música clássica do século 20 , escrita numa época em que o uso do vibrato era generalizado, às vezes há uma instrução específica para não usá-lo (em alguns dos quartetos de cordas de Béla Bartók, por exemplo). Além disso, alguns compositores clássicos modernos, especialmente compositores minimalistas , são contra o uso do vibrato em todos os momentos.

Na música barroca

No clavicórdio, tremolo ( bebung ) se refere a um efeito de vibrato criado pela variação da pressão das teclas.

Teóricos e autores de tratados sobre técnica instrumental da época usavam regularmente o tremolo ou bebung para se referir ao vibrato em outros instrumentos e na voz; no entanto, não houve acordo uniforme sobre o que o termo significava.

Alguns autores influentes como Matteson e Hiller acreditavam que o tremor natural na voz ocorria "sem torná-la mais alta ou mais baixa". Isso pode ser conseguido em instrumentos de corda variando a velocidade do arco, acenando com a mão ou rolando o arco com os dedos. No órgão, um efeito semelhante é criado pelo tremulante . (Contraditório à sua descrição, Hiller recomendou que os tocadores de cordas variassem o tom girando os dedos para criar o efeito).

Outros autores parecem diferenciar por graus. Leopold Mozart inclui o tremolo no capítulo 11 de seu tratado de violino, mas descreve uma técnica de vibrato sem nome no capítulo 5 sobre a produção de tons. Seu filho, Wolfgang Amadeus Mozart , parece ter uma definição exatamente oposta à de seu pai: em uma carta ao pai, Mozart critica os cantores por "pulsarem" sua voz além da flutuação natural da voz, a última das quais sendo agradável deveria ser imitado no violino, ventos e clavicórdio (com bebung).

Para outros autores como Tartini , Zacconi e Bremner (aluno de Geminiani ), não há distinção entre os dois.

Os tratados de flauta da época descrevem uma variedade de técnicas para aplanar , bem como vibrato, agitando a flauta com flutuações de tom variando de quase nada a muito grande.

Na ópera

Todas as vozes humanas podem produzir vibrato. Este vibrato pode variar em largura (e rapidez) durante o treinamento. Na ópera, ao contrário do pop, o vibrato começa no início da nota e continua até o final da nota, com ligeiras variações de largura durante a nota.

Tradicionalmente, no entanto, o cultivo deliberado de um vibrato particularmente amplo e difundido por cantores de ópera de países latinos foi denunciado por críticos de música e pedagogos de língua inglesa como uma falha técnica e uma mancha estilística (ver Scott, citado abaixo, Volume 1, pp. 123-127). Eles esperavam que os vocalistas emitissem um fluxo puro e constante de som claro - independentemente de estarem cantando na igreja, na plataforma do concerto ou no palco operístico.

Durante o século 19, por exemplo, críticos de Nova York e Londres, incluindo Henry Chorley , Herman Klein e George Bernard Shaw , castigaram uma sucessão de tenores visitantes do Mediterrâneo por recorrerem a um vibrato excessivo e constantemente pulsante durante suas apresentações. Shaw chamou os piores infratores de "balas de cabra" em seu livro Music in London 1890-1894 (Constable, London, 1932). Entre os censurados por essa falha estavam figuras célebres como Enrico Tamberlik , Julián Gayarre , Roberto Stagno , Italo Campanini e Ernesto Nicolini - sem mencionar Fernando Valero e Fernando De Lucia , cujos tons trêmulos são preservados nos discos de 78 rpm que eles fizeram no início do século XX.

A popularidade de um vibrato exagerado entre muitos (mas não todos) tenores mediterrâneos e professores de canto desta época foi rastreada por musicólogos até o influente exemplo dado pelo virtuoso vocalista do início do século 19, Giovanni Battista Rubini (1794-1854 ) Rubini o empregou com grande sucesso como um recurso comovente nas novas óperas românticas de Gaetano Donizetti e Vincenzo Bellini . Uma série de jovens tenores italianos - incluindo o renomado Giovanni Matteo Mario (1810-1883) - copiaram a inovação de Rubini para aumentar o impacto emocional da música que eles estavam cantando e para facilitar a entrega da fioritura "por, por assim dizer, subindo e descendo o vibrato "(para citar Scott; ver p. 126).

Antes do advento do carismático Rubini, todo cantor de ópera bem-educado evitava usar um vibrato conspícuo e contínuo porque, de acordo com Scott, variava o tom da nota sendo cantada a um grau inaceitável e era considerado artificial artifício decorrente de controle inadequado da respiração. Comentaristas da imprensa britânica e norte-americana e professores de canto continuaram a concordar com essa opinião muito depois de Rubini ter aparecido e partido.

Assim, quando Enrico Caruso (1873–1921) - o tenor mediterrâneo mais emulado do século 20 - fez sua aclamada estreia do Metropolitan Opera de Nova York em novembro de 1903, um dos atributos vocais específicos pelos quais ele foi elogiado pelos críticos musicais foi a ausência de um vibrato perturbador de seu canto. O crítico acadêmico William James Henderson escreveu no jornal The Sun , por exemplo, que Caruso "tem uma voz pura de tenor e não tem o típico balido italiano". As gravações do gramofone de Caruso apóiam a avaliação de Henderson. (Outros tenores proeminentes do Mediterrâneo do final do século 19 ao início do século 20 que, como Caruso, não "baliram" foram Angelo Masini, Francesco Tamagno , Francesco Marconi , Francisco Viñas, Emilio De Marchi , Giuseppe Borgatti e Giovanni Zenatello , enquanto o fenômeno era raro entre os tenores franceses, alemães, russos e anglo-saxões do mesmo período - ver Scott.)

O uso intencional de um vibrato pronunciado pelos tenores mediterrâneos é uma prática que se extinguiu ao longo dos últimos 100 anos, em grande parte devido ao exemplo de Caruso. Os últimos praticantes realmente importantes deste estilo e método de canto foram Alessandro Bonci (no período 1900-1925) e Giacomo Lauri-Volpi (no período 1920-1950). Ambos apresentavam obras de bel canto , da época de Rubini, em seus repertórios operísticos, e ambos podem ser ouvidos em gravações que captam fielmente o brilho distinto inerente ao seu timbre .

Sopranos operáticos italianos ou espanhóis treinados , mezzo-sopranos e barítonos exibindo um vibrato pronunciado também não escaparam à censura dos árbitros britânicos e norte-americanos do bom canto. Na verdade, Adelina Patti e Luisa Tetrazzini foram as únicas sopranos italianas a desfrutar do status de estrela em Londres e Nova York no final das eras vitoriana e eduardiana, enquanto seus compatriotas e coevos conhecidos como Gemma Bellincioni e Eugenia Burzio (entre vários outros ) não agradou aos ouvidos dos anglófonos porque, ao contrário de Patti e Tetrazzini, eles possuíam vozes instáveis ​​e carregadas de vibrato - veja Scott para avaliações de suas respectivas técnicas. Para dar um exemplo feminino adicional de uma data posterior, sempre que a vivaz mezzo-soprano dos anos 1920 e 30, Conchita Supervía , se apresentava em Londres, ela era advertida na imprensa por seu tom excessivamente vibrante e vibrante, que era cruelmente comparado por ela detratores da tagarelice de uma metralhadora ou do chocalho de dados em uma xícara.

Em 1883, Giuseppe Kaschmann (né Josip Kašman ) - um barítono principal do La Scala de Milão - foi criticado por seu vibrato forte quando cantou no Met, e a administração do teatro não o reconectou na temporada seguinte, embora outros aspectos de seu canto foram admirados. (Kaschmann nunca se apresentou na Grã-Bretanha, mas permaneceu um artista popular nos países latinos por várias décadas; em 1903, ele fez algumas gravações que exibiam muito bem sua vibração perpétua.) Da mesma forma, outro dos principais barítonos da Itália, Riccardo Stracciari , foi incapaz de transformar seus compromissos líricos pré- Primeira Guerra Mundial em Londres e Nova York em triunfos inequívocos devido a um estremecimento intrusivo em seu tom. Posteriormente, moderou seu vibrato, conforme mostram os discos que fez para a Columbia Records em 1917-1925, o que lhe permitiu seguir uma carreira significativa não apenas em sua terra natal, mas também na ópera de Chicago.

Existe outro tipo de falha ligada ao vibrato que pode afligir as vozes dos artistas operísticos, especialmente aqueles que estão envelhecendo - a saber, a oscilação lenta e muitas vezes irregular produzida quando o vibrato do cantor se solta dos efeitos de forçar, separar excessivamente ou simplesmente desgaste. e rasgo no corpo causado pelo estresse de uma longa carreira nos palcos.

Referências: Para obter mais informações sobre o emprego histórico do vibrato por vocalistas clássicos, consulte a pesquisa de dois volumes de Michael Scott , The Record of Singing (publicada por Duckworth, Londres, em 1977 e 1979); Tenor de John Potter : História de uma Voz (Yale University Press, New Haven & London, 2009); e 30 anos de música em Londres , de Herman Klein (Century, New York, 1903).

No jazz

A maioria dos músicos de jazz da primeira metade do século 20 usava vibrato mais ou menos continuamente. Desde a década de 1950 e o surgimento do bebop , o uso contínuo do vibrato saiu de moda em favor de um uso mais seletivo.

No folk

Cantores de música folclórica e instrumentistas nas tradições da América do Norte e da Europa Ocidental raramente usam vibrato, reservando-o para ornamentação ocasional. Também tende a ser usado por intérpretes de transcrições ou retrabalhos de música folclórica que foram feitos por compositores de formação clássica, como Benjamin Britten ou Percy Grainger . Vibrato de larguras e velocidades variadas pode ser usado nas tradições da música folclórica de outras regiões, como Europa Oriental , Bálcãs , Oriente Médio , Ásia Oriental ou Índia .

No pop

No pop (ao contrário da ópera), o vibrato geralmente começa em algum lugar na parte final da nota. No caso de algumas baladistas pop, o vibrato pode ser tão amplo a ponto de constituir uma oscilação pronunciada, embora não tão pronunciada quanto a presente nas vozes operísticas. Muitos cantores usam software de correção de tom em que o efeito pode ser reduzido ou eliminado.

Técnicas para produção de vibrato

Nem todos os instrumentos podem produzir vibrato, pois alguns têm tons fixos que não podem ser variados em graus suficientemente pequenos. A maioria dos instrumentos de percussão são exemplos disso, por exemplo, o xilofone .

Cantoria

Existem três processos diferentes de vibrato de voz que ocorrem em diferentes partes do trato vocal. Tipos de vibrato de Peter-Michael Fischer definidos pelo local de produção:

  • O músculo vocal vibra a uma frequência de 6,5 a 8 Hz .
  • O diafragma vibra em uma frequência abaixo de 5 Hz de vibrato
  • Uma combinação dos dois, resultando em um vibrato cuja frequência está entre 5 e 6,5 Hz de vibrato. Fischer escreve:

“Essa combinação é relativamente estável nas vozes mais bonitas. Uma característica importante é que as funções parciais podem aparecer durante a música como“ acentos ”: No contexto da apresentação a onda expressiva domina o caráter respirativo, lírico, mas de forma acelerada, ou onda glótica, traço duro heróico, mas de forma lenta. "

-  Peter-Michael Fischer.

Alguns estudos mostram que o vibrato é o resultado de um tremor neuromuscular nas pregas vocais. Em 1922, Max Schoen foi o primeiro a comparar o vibrato a um tremor devido às seguintes semelhanças:

  • Vibrato e tremores têm uma mudança na amplitude
  • Ambos ocorrem quando os músculos estão sob tensão
  • Nem estão sob o controle automático da pessoa
  • Vibrato e tremores ocorrem na metade da taxa de descarga muscular normal

Instrumentos de teclado

Alguns tipos de órgão podem produzir vibrato alterando a pressão do ar que passa pelos tubos ou por vários dispositivos mecânicos (veja os Órgãos de Hammond ou Wurlitzer, por exemplo). O clavicórdio , embora tecnicamente um instrumento de teclado de afinação fixa, é capaz de produzir um tipo de vibrato conhecido como Bebung , variando a pressão na tecla conforme a nota soa. Alguns teclados digitais podem produzir um efeito de vibrato eletrônico, seja pressionando as teclas ou usando um joystick ou outro controlador MIDI.

Instrumentos de corda

Petrowitsch Bissing foi um instrutor do método vibrato no violino e publicou um livro intitulado Cultivation of the Violin Vibrato Tone .

O método de produção de vibrato em outros instrumentos varia. Em instrumentos de cordas , por exemplo, o dedo usado para parar a corda pode ser balançado na escala ou, na verdade, movido para cima e para baixo na corda para um vibrato mais amplo.

Muitos instrumentistas de cordas contemporâneos variam o tom de baixo, apenas até a nota nominal e não acima dela, embora grandes pedagogos do violino do passado, como Carl Flesch e Joseph Joachim, se referissem explicitamente ao vibrato como um movimento em direção à ponte, significando para cima no tom , —E o violoncelista Diran Alexanian , em seu tratado de 1922, Traité théorique et pratique du Violoncelle , mostra como se deve praticar o vibrato partindo da nota e depois subindo em um movimento rítmico. Em um estudo acústico realizado em 1996 pela Acoustical Society of America , junto com o Wellesley College e o Massachusetts Institute of Technology , descobriu que o tom percebido de uma nota com vibrato "é o de sua média", ou o meio do tom flutuante.

O vibrato amplo, tão amplo quanto um tom completo, é comumente usado entre guitarristas e adiciona a expressividade típica de um vocal ao som. Esse efeito pode ser obtido tanto pelo movimento dos dedos no braço da guitarra quanto pelo uso de um arremate de vibrato, alavanca que ajusta a tensão das cordas.

Alguns violinistas, como Leônidas Kavakos , usam o vibrato do arco movendo a mão direita ligeiramente para cima e para baixo para mudar o ângulo e a pressão do arco e, assim, oscilar o tom e a intensidade de uma nota. A primeira descrição conhecida desta técnica no violino foi por Francesco Geminiani . Essa técnica não se limitava ao violino, mas era conhecida por músicos de todos os instrumentos de corda na Itália, França, Alemanha e Inglaterra durante o período barroco. Sylvestro Ganassi dal Fontego é conhecido por ter descrito esta técnica para o viol da gamba já no século XVI.

Woodwind

Os tocadores de instrumentos de sopro geralmente criam vibrato modulando seu fluxo de ar no instrumento. Isso pode ser realizado através do vibrato do estômago, a pulsação do diafragma ligeiramente para cima e para baixo, ou do vibrato da garganta, uma variação da tensão das cordas vocais para manipular a pressão do ar como os cantores fazem. Os músicos de outros instrumentos podem empregar técnicas menos comuns. Os saxofonistas tendem a criar vibrato movendo repetidamente a mandíbula para cima e para baixo ligeiramente. Os clarinistas raramente tocam com vibrato, mas se o fazem, o método do saxofone é comum devido à semelhança das boquilhas e palhetas para saxofone e clarinete.

Latão

Tocadores de instrumentos de sopro podem produzir vibrato alterando repetidamente e rapidamente a embocadura , ou usando e modelando os lábios e músculos faciais, essencialmente "dobrando" repetidamente a nota. Isso é chamado de vibrato labial e é provavelmente a técnica de vibrato mais comumente usada em um instrumento de sopro inferior. Também é conhecido por dar o melhor som e timbre em um instrumento de sopro e é incentivado em conjuntos de metais de nível superior ou militarista.

Os músicos também podem produzir vibrato agitando suavemente a buzina, o que varia a pressão do bocal contra o lábio. Isso é conhecido como vibrato de mão. É mais favorecido em metais superiores, mas não possui a mesma qualidade de som que vibrato labial e em níveis superiores e pode ser visto como um erro técnico, mais notável no treinamento de latão de estilo militar.

Em um trombone , um músico pode fornecer um vibrato ligeiramente mais pronunciado movendo suavemente o slide para frente e para trás, centralizando em uma nota para dar um efeito lírico. Freqüentemente, esta é mais uma técnica de jazz e é chamada de vibrato de slide . Na execução de metais, o vibrato diafragmático é possível, mas é visto como uma técnica imatura por músicos universitários ou profissionais, pois essa técnica interfere no fluxo de ar adequado dos pulmões para o instrumento. O uso de vibrato diafragmático em uma configuração de metais é prejudicial para o som e a resistência que um tocador de metais pode produzir e, portanto, é fortemente desencorajado em qualquer nível de treinamento musical.

Auto-vibrato

Alguns instrumentos podem ser tocados apenas com vibrato mecânico constante (ou nenhum). Este efeito é notável em organistas elétricos usando um alto-falante Leslie , o mais popular dos quais usa um vibrato de duas velocidades; um certo grau de expressão é obtido com a aceleração entre as velocidades. O vibrato no theremin , que é um instrumento de afinação continuamente variável sem "interrupções", pode variar de delicado a extravagante e muitas vezes serve para mascarar os pequenos ajustes de afinação que o instrumento exige.

Alguns fabricantes também constroem pedais de efeito de vibrato que imitam o vibrato natural, mas também podem produzir velocidades muito mais rápidas. O efeito vibrato é próximo ao efeito chorus .

Exemplos sonoros

Veja também

Referências

links externos