Pintura vitoriana - Victorian painting
A pintura vitoriana refere-se aos estilos distintos de pintura no Reino Unido durante o reinado da Rainha Vitória (1837–1901). O reinado inicial de Victoria foi caracterizado por um rápido desenvolvimento industrial e mudanças sociais e políticas, o que fez do Reino Unido uma das nações mais poderosas e avançadas do mundo. A pintura nos primeiros anos de seu reinado foi dominada pela Royal Academy of Arts e pelas teorias de seu primeiro presidente, Joshua Reynolds . Reynolds e a academia foram fortemente influenciados pelo pintor renascentista italiano Raphael , e acreditavam que era papel de um artista fazer com que o tema de seu trabalho parecesse o mais nobre e idealizado possível. Esta foi uma abordagem bem-sucedida para os artistas do período pré-industrial, onde os principais temas das encomendas artísticas eram retratos da nobreza e cenas militares e históricas. Na época da ascensão de Victoria ao trono, essa abordagem estava começando a ser vista como obsoleta e desatualizada. A ascensão da rica classe média mudou o mercado de arte, e uma geração que cresceu na era industrial acreditava na importância da precisão e atenção aos detalhes, e que o papel da arte era refletir o mundo, não idealizar isto.
No final da década de 1840 e no início da de 1850, um grupo de jovens estudantes de arte formou a Irmandade Pré-Rafaelita como uma reação contra o ensino da Royal Academy. Seus trabalhos foram baseados na pintura da forma mais precisa possível da natureza, quando possível, e ao pintar cenas imaginárias para garantir que mostrassem o mais próximo possível a cena como ela teria aparecido, em vez de distorcer o tema da pintura para fazê-lo parecer nobre. Eles também sentiram que era função do artista contar lições de moral e escolheram temas que seriam entendidos como contos de moralidade pelo público da época. Eles ficaram particularmente fascinados com os recentes avanços científicos que pareciam refutar a cronologia bíblica , pois relacionavam a atenção dos cientistas aos detalhes e a disposição de desafiar suas próprias crenças existentes. Embora a Irmandade Pré-Rafaelita tivesse vida relativamente curta, suas idéias foram altamente influentes.
A Guerra Franco-Prussiana de 1870 levou vários artistas impressionistas franceses influentes a se mudarem para Londres, trazendo com eles novos estilos de pintura. Ao mesmo tempo, uma grave depressão econômica e a crescente disseminação da mecanização tornaram as cidades britânicas um lugar cada vez mais desagradável para se viver, e os artistas se voltaram contra a ênfase em refletir a realidade. Uma nova geração de pintores e escritores conhecida como o movimento estético sentiu que o domínio da compra de arte pela classe média mal-educada e a ênfase pré-rafaelita em refletir a realidade de um mundo feio estava levando a um declínio na qualidade de pintura. O movimento estético concentrava-se na criação de obras que representassem a beleza e os feitos nobres, como uma distração do desagrado da realidade. Como a qualidade de vida na Grã-Bretanha continuou a se deteriorar, muitos artistas passaram a pintar cenas do passado pré-industrial, enquanto muitos artistas dentro do movimento estético, independentemente de suas próprias crenças religiosas, pintaram arte religiosa, uma vez que lhes deu um motivo para pintar cenas e retratos idealizados e ignorar a feiúra e a incerteza da realidade.
A era vitoriana terminou em 1901, quando muitos dos mais proeminentes artistas vitorianos já haviam morrido. No início do século 20, as atitudes e artes vitorianas tornaram-se extremamente impopulares. O movimento modernista , que passou a dominar a arte britânica, foi inspirado nas tradições europeias e tinha pouca conexão com as obras britânicas do século XIX. Como os pintores vitorianos geralmente eram extremamente hostis a essas tradições europeias, eles foram ridicularizados ou ignorados pelos pintores e críticos modernistas na primeira metade do século XX. Na década de 1960, algumas obras pré-rafaelitas voltaram à moda entre os elementos da contracultura da década de 1960 , que as via como um predecessor das tendências dos anos 1960. Uma série de exposições nas décadas de 1960 e 1970 restaurou ainda mais sua reputação, e uma grande exposição de trabalhos pré-rafaelitas em 1984 foi uma das exposições de maior sucesso comercial na história da Tate Gallery . Embora a arte pré-rafaelita tenha retornado à popularidade, a pintura vitoriana não pré-rafaelita permanece geralmente fora de moda, e a falta de qualquer coleção significativa nos Estados Unidos restringiu um conhecimento mais amplo dela.
Fundo
Quando Alexandrina Victoria, de 18 anos, herdou o trono do Reino Unido da Grã-Bretanha e da Irlanda como Rainha Vitória em 1837, o país gozava de paz ininterrupta desde a vitória final sobre Napoleão em 1815. Em 1832, a Lei de Representação do Povo (comumente conhecido como Reform Act) e seus equivalentes na Escócia e na Irlanda aboliram muitas das práticas corruptas do sistema político britânico, dando ao país um governo estável e relativamente representativo. A Revolução Industrial estava em andamento e, em 1838, a London and Birmingham Railway foi inaugurada, ligando o norte industrial da Inglaterra às cidades e portos do sul; em 1850, mais de 6.200 milhas (10.000 km) de ferrovias estavam instaladas e a transformação da Grã-Bretanha em uma superpotência industrial estava completa. O triunfo percebido da tecnologia, progresso e comércio pacífico foi celebrado na Grande Exposição de 1851 , organizada pelo marido de Victoria, Albert , que atraiu mais de 40.000 visitantes por dia para ver as mais de 100.000 exibições de manufatura, agricultura e engenharia em exibição.
Embora a economia da Grã-Bretanha tenha sido tradicionalmente dominada pela aristocracia latifundiária do campo, a Revolução Industrial e as reformas políticas reduziram muito sua influência e criaram uma classe média em expansão de comerciantes, fabricantes e engenheiros em Londres e nas cidades industriais do norte. Os recém-ricos geralmente gostavam de exibir sua riqueza por meio da exibição de arte, e ricos o suficiente para pagar altos preços por obras de arte, mas geralmente tinham pouco interesse nos antigos mestres , preferindo obras modernas de artistas locais. Em 1844, o Parlamento regulamentou os sindicatos artísticos , que encomendavam obras de arte de artistas famosos, pagando por eles por meio de uma loteria em que a obra acabada era o prêmio; isso não apenas ofereceu uma entrada no mundo da arte para pessoas que talvez não tivessem dinheiro para comprar uma pintura significativa, mas também estimulou um mercado crescente de gravuras .
Reynolds e a Royal Academy
A pintura britânica foi fortemente influenciada por Joshua Reynolds (1723-1792), o primeiro presidente da Royal Academy of Arts , que acreditava que o propósito da arte era "conceber e representar seus temas de maneira poética, não confinada à mera matéria de fato ", e que os artistas deveriam aspirar a imitar o pintor renascentista italiano Rafael , fazendo com que seus temas parecessem tão próximos da perfeição quanto possível.
Na época da adesão de Victoria, a Royal Academy dominava a arte britânica, sendo a Royal Academy Summer Exhibition anual o evento mais importante no mundo das artes. A Royal Academy também controlava as prestigiosas escolas de arte da Royal Academy, que ensinavam com um enfoque muito estreito nas técnicas aprovadas. A pintura no estilo de Raphael provou ser um sucesso comercial para artistas que serviam a uma nobreza principalmente interessada em retratos de família, cenas militares e cenas da história, religião e mitologia clássica, mas na época da ascensão de Victoria estava começando a ser vista como um beco sem saída. A destruição das Casas do Parlamento no final de 1834, e as competições subsequentes para selecionar artistas para decorar sua substituição, colocaram em foco a falta de artistas britânicos competentes, capazes de pintar temas históricos e literários, que na época eram considerados os mais importantes forma de pintura. A partir de 1841, a nova e altamente influente revista satírica Punch ridicularizou cada vez mais a Royal Academy e os artistas britânicos contemporâneos.
O seminal Modern Painters de John Ruskin , cujo primeiro volume foi publicado em 1843, argumentou que o propósito da arte era representar o mundo e permitir que o espectador formasse suas próprias opiniões sobre o assunto, e não idealizá-lo. Ruskin acreditava que apenas representando a natureza com a maior precisão possível o artista poderia refletir as qualidades divinas dentro do mundo natural. Uma nova geração de jovens artistas, a primeira a ter crescido em uma era industrial em que a representação precisa dos detalhes técnicos era considerada uma virtude e uma necessidade, passou a concordar com essa visão. Em 1837, Charles Dickens começou a publicar romances tentando refletir a realidade dos problemas dos dias atuais, ao invés do passado ou um presente idealizado; seus escritos foram muito admirados por muitos da nova geração de artistas.
Em 1837, o pintor Richard Dadd e um grupo de amigos formaram The Clique , um grupo de artistas rejeitando a tradição da Academia de temas históricos e retratistas em favor da pintura de gênero populista . Enquanto a maioria da Clique voltou para a Royal Academy na década de 1840, após o encarceramento de Dadd após o assassinato de seu pai em 1843, eles foram o primeiro grupo de artistas significativos a desafiar as posições da Royal Academy.
JMW Turner
Na época da ascensão de Victoria, o artista britânico vivo mais significativo era JMW Turner . Turner fez seu nome no final do século 18 com uma série de aquarelas de paisagem bem conceituadas e exibiu sua primeira pintura a óleo em 1796. Um aliado fiel da Royal Academy ao longo de sua vida, ele foi eleito Acadêmico Real em 1802 em aos 27 anos de idade. Em 1837, ele renunciou ao cargo de professor de perspectiva na Royal Academy, e em 1840 conheceu John Ruskin. O primeiro volume de Modern Painters de Ruskin foi uma defesa de Turner, argumentando que a grandeza de Turner havia se desenvolvido apesar, não por causa da influência de Reynolds e um consequente desejo de idealizar os temas de suas pinturas.
Na década de 1840, Turner estava saindo de moda. Apesar da defesa de Ruskin de seu trabalho como sendo, em última instância, "uma transcrição inteira de todo o sistema da natureza", Turner (que em 1845 havia se tornado o mais velho Acadêmico e vice-presidente da Royal Academy) passou a ser visto por jovens artistas como uma personificação bombástica e obstinação, e ser um produto de um período romântico anterior, fora de contato com a era moderna.
Irmandade Pré-Rafaelita
Em 1848, três jovens estudantes das escolas de arte da Royal Academy, William Holman Hunt , John Everett Millais e Dante Gabriel Rossetti , formaram a Irmandade Pré-Rafaelita (PRB). O PRB rejeitou as ideias de Joshua Reynolds e tinha uma filosofia baseada em trabalhar a partir da natureza com a maior precisão possível, sempre que possível, e quando era necessário pintar a partir da imaginação para se esforçar para mostrar o evento como provavelmente teria acontecido, não em a maneira que pareceria mais atraente ou nobre.
O PRB inspirou-se em exposições científicas e sentiu que esta abordagem científica era em si um instrumento de bem moral. Os detalhes intensamente trabalhados e a atenção à precisão mostraram que o trabalho árduo e a dedicação foram investidos em suas pinturas e, assim, ilustraram a virtude do trabalho, em contraste com o "manuseio solto e irresponsável" das técnicas dos Velhos Mestres ou a "indolência desafiadora" do Impressionismo . Além disso, eles sentiam que era dever do artista escolher temas que ilustrassem lições morais de algum tipo. Os primeiros trabalhos do PRB foram notados por sua inclusão de flores, o que se adequava bem ao seu propósito. As flores podiam ser usadas em quase todas as cenas, podiam ser usadas para transmitir mensagens na então popular linguagem das flores , e ilustrá-las com precisão mostrava a dedicação do artista à exatidão científica.
A era vitoriana foi caracterizada pelo rápido avanço científico e pela rápida mudança de atitudes em relação à religião, à medida que os avanços na geologia, astronomia e química refutavam a cronologia bíblica . O PRB achou esses avanços fascinantes, pois eram baseados na atenção aos detalhes e na vontade de desafiar as crenças existentes com base em fatos observados. O fundador da PRB, William Holman Hunt, liderou uma revolução na arte religiosa inglesa, visitando a Terra Santa e estudando evidências arqueológicas e as roupas e aparência das pessoas locais para pintar cenas bíblicas com a maior precisão possível.
Em 1854, o PRB entrou em colapso como organização, mas seu estilo continuou a dominar a pintura britânica. Uma exposição de trabalhos pré-rafaelitas na Exposição Universal de Paris de 1855 foi bem recebida. A Exposição de Tesouros de Arte de 1857 em Manchester, que exibiu obras de artistas contemporâneos ao lado de 2.000 obras de mestres europeus, recebeu 1.300.000 visitantes, aumentando ainda mais a consciência dos estilos de pintura modernos. Em 1856, o colecionador de arte John Sheepshanks apresentou sua coleção de pinturas modernas à nação, que junto com as exposições da Grande Exposição formaram o Museu South Kensington em junho de 1857 (posteriormente dividido em Museu Victoria and Albert de artes visuais e Museu da Ciência de engenharia e tecnologia de fabricação).
A pintura permaneceu um campo dominado por artistas masculinos nesta época. Em 1859, uma petição de 38 mulheres artistas foi distribuída a todos os Royal Academicians solicitando a abertura da Academia para mulheres. Mais tarde naquele ano, Laura Herford apresentou um desenho de qualificação para a Academia assinado simplesmente "AL Herford"; quando a Academia o aceitou, a Academia aceitou-a como sua primeira aluna em 1860. A Escola de Belas Artes Slade , fundada em 1871, recrutava ativamente alunas.
Amor, luxúria e beleza
Na década de 1860, o movimento pré-rafaelita se fragmentou, com alguns de seus adeptos abandonando o realismo estrito em favor da poesia e da atratividade. Particularmente no caso de Rossetti, isso tendeu a ser incorporado em pinturas de mulheres. Tal como aconteceu com muitos outros artistas e escritores da época, à medida que sua fé religiosa diminuía, Rossetti viu cada vez mais o amor como o assunto mais importante.
Este movimento no sentido de representar os efeitos do amor tornou-se explícito em Venus Verticordia ("Vênus, a viradora de corações"), pintado por Rossetti em meados da década de 1860. O título e assunto vêm de John Lemprière 's Bibliotheca Classica , e refere-se a uma oração a Vênus para converter os corações de mulheres romanas longe de deboche e luxúria e volta para a modéstia e virtude. Ao redor de Vênus, as rosas representam o amor, a madressilva representa a luxúria e o pássaro representa a brevidade da vida humana. Ela segura a Maçã Dourada da Discórdia e a flecha de Cupido , considerada uma referência à Guerra de Tróia e à destrutividade do amor.
John Ruskin não gostou da pintura intensamente. Embora agora se pense que sua antipatia pela pintura era devido a uma antipatia pela representação da forma feminina nua, ele alegou que seus problemas com a pintura eram com a representação das flores, escrevendo a Rossetti para avisá-lo de que "Elas eram maravilhoso para mim, em seu realismo; horrível - não posso usar outra palavra - em sua grosseria: mostrando enorme poder, mostrando certas condições de não sentimento que estão por trás de tudo o que você está fazendo agora ". A hostilidade de Ruskin em relação à pintura levou a uma briga entre Ruskin e Rossetti, e Rossetti se afastou dos pensamentos pré-rafaelitas e se afastou da nova doutrina da arte pela arte exposta por Algernon Charles Swinburne .
Pintura de animais
Desde a época de George Stubbs (1724-1806), a Grã-Bretanha tem uma forte tradição de pintura de animais , um campo que ganhou respeito devido às altamente proficientes pinturas de animais de James Ward no início do século XIX. A criação seletiva de gado, especialmente cães, tornou-se muito popular, levando a um lucrativo mercado de desenhos e pinturas de animais premiados. No início do século 19, as Terras Altas da Escócia experimentaram um aumento dramático de popularidade entre os ricos da Grã-Bretanha, principalmente pelas oportunidades que ofereciam para a caça . Um pintor em particular, Edwin Landseer (1802–1873), aproveitou a oportunidade oferecida pelo boom das viagens escocesas, viajando para a Escócia pela primeira vez em 1824 e retornando a cada ano para caçar, atirar, pescar e esboçar.
Landseer tornou-se conhecido por suas pinturas de paisagens, pessoas e particularmente a vida selvagem da Escócia, a ponto de suas pinturas, junto com os romances de Sir Walter Scott , se tornarem o principal meio pelo qual as pessoas no resto do Reino Unido chegaram imagem Escócia. Suas obras tinham uma demanda tão alta que os direitos de gravura (o direito de fazer cópias impressas de uma obra) geralmente eram vendidos por pelo menos três ou quatro vezes o custo de venda de cada obra, e era raro que uma obra sua fosse vendida por menos de £ 1000. Em 1840, Landseer sofreu um surto de doença mental e sofreu de alcoolismo e doenças mentais pelo resto de sua vida, embora tenha continuado a trabalhar com sucesso. Anos depois, ele se tornou mais conhecido como o designer dos leões de bronze na base da Coluna de Nelson , inaugurada em 1867.
Landseer e outros pintores de animais, como o britânico Rivière, também se tornaram conhecidos por pinturas sentimentais de cães. O Enlutado Chefe do Velho Pastor de Landseer , mostrando um cão pastor sentado ao lado de um caixão, foi particularmente bem visto por John Ruskin, que o descreveu como "um poema comovente sobre tela, que, não se pode duvidar, fez com que muitos corações robustos" interpretar a mulher 'levando-a às lágrimas ". Muitos dos artistas do período eram caçadores perspicazes e aceitavam como um dado adquirido que a natureza era inerentemente cruel e que aprender a abraçar essa crueldade era uma marca de masculinidade. Nesse contexto, cães que exibem emoções eram um tópico muito popular em uma época de rápido declínio da fé religiosa, sugerindo a possibilidade de uma nobreza dentro da natureza que transcendia a crueldade e a vontade de viver como força motriz.
Movimento estético
Na década de 1870, a Longa Depressão destruiu a economia e a confiança da Grã-Bretanha, e o espírito de progresso simbolizado pela Grande Exposição começou a enfraquecer, a ponto de em 1904 GK Chesterton descrever o Palácio de Cristal como "o templo de um credo esquecido". Alguns artistas em ascensão, como George Frederic Watts, reclamaram que o mecanismo crescente da vida diária e a importância da prosperidade material para a classe média cada vez mais dominante da Grã-Bretanha estavam tornando a vida moderna cada vez mais sem alma. A Guerra Franco-Prussiana de 1870 fez com que um grande número de artistas franceses como Claude Monet e Camille Pissarro se mudassem para Londres, trazendo com eles novos estilos de pintura. Crítico de arte Walter Pater 's The Renaissance , publicado em 1873, liderou uma revolta contra Pré-Raphaelitism, argumentando que a única maneira digna de vida a conduta de um era através da busca do prazer e do amor pela arte e beleza para seu próprio bem.
Contra esse pano de fundo, uma nova geração de pintores como Frederic Leighton e James Abbott McNeill Whistler afastou-se das tradições de contar histórias e moralizar, pintando obras projetadas para apelo estético em vez de sua narrativa ou tema. Whistler menosprezou a obsessão pré-rafaelita por precisão e realismo, reclamando que seu público havia desenvolvido "o hábito de olhar não para uma imagem, mas através dela". Os pré-rafaelitas e seus campeões remanescentes protestaram vigorosamente contra esse novo estilo de arte, assim como a Royal Academy, levando Sir Coutts Lindsay a criar a Grosvenor Gallery em 1877 para mostrar o trabalho de artistas ignorados pela Royal Academy.
As coisas chegaram ao auge em 1877, quando John Ruskin visitou uma exposição de pinturas Noturnas de Whistler na Grosvenor Gallery. Ele escreveu sobre o quadro Nocturne in Black and Gold - The Falling Rocket , que Whistler estava "pedindo duzentos guinéus para jogar um pote de tinta no rosto do público". Whistler processou por difamação, o caso chegando aos tribunais em 1878. O juiz do caso causou risos no tribunal quando, referindo-se a Nocturne: Blue and Gold - Old Battersea Bridge , perguntou a Whistler "Qual parte da foto é a ponte? "; o caso terminou com Whistler premiado com indenização simbólica de um centavo , os custos do julgamento levando-o à falência.
O movimento estético , como Pater e seus sucessores passaram a ser conhecidos, tornou-se cada vez mais influente; foi patrocinado por Whistler e Oscar Wilde e até sua morte em 1883 pelo ex-pré-rafaelita Dante Gabriel Rossetti, e foi popularizado com o público pela bem-sucedida ópera cômica de Gilbert e Sullivan , Patience . O movimento considerou a ascensão da classe média de compradores de arte em Birmingham e Manchester, ricos o suficiente para comprar arte, mas insuficientemente educados para mostrar bom gosto, como tendo levado ao declínio da qualidade da arte britânica. Juntamente com isso, eles sentiam que, uma vez que a industrialização e o capitalismo estavam tornando o mundo cada vez menos atraente, a ênfase dos pintores pré-rafaelitas e daqueles influenciados por eles em refletir a realidade o mais próximo possível estava levando à perda da beleza da arte. Consequentemente, os artistas do movimento estético viram na tarefa do artista uma distração da feiura da realidade para seus espectadores, leitores e ouvintes, e de tentar destacar e enfatizar a beleza do mundo e a nobreza das boas ações, mesmo que os próprios artistas não acreditem mais nessas coisas. A eleição de Frederick Leighton em 1878 como presidente da Royal Academy foi de alguma forma para curar a brecha dentro do mundo da arte britânica, enquanto Leighton se esforçava para garantir que a Exposição de Verão fosse aberta a jovens artistas e artistas trabalhando em novos estilos.
Os pintores do movimento estético orgulhavam-se de seu distanciamento da realidade, trabalhando em estúdios e raramente se misturando ao público. Da mesma forma, os temas de suas pinturas raramente estavam envolvidos em qualquer tipo de atividade; as figuras humanas normalmente ficam de pé, sentam-se ou ficam imóveis, geralmente com expressões faciais inexpressivas.
Revival clássico
À medida que o século avançava e a combinação de mecanização, declínio econômico, caos político e fé religiosa tornavam a Grã-Bretanha um lugar cada vez mais desagradável para se viver, a população cada vez mais olhava para os tempos pré-industriais como uma idade de ouro . Como parte dessa tendência, os artistas passaram a ser atraídos por temas e técnicas pré-industriais, e os compradores de arte foram particularmente atraídos por artistas que podiam fazer conexões entre os dias atuais e esses tempos idealizados, como a Idade Média , que era vista como o período na qual as instituições-chave da Grã-Bretanha moderna começaram e que foram popularizadas no imaginário público pelos romances de Sir Walter Scott.
Contra esse pano de fundo, surgiu uma grande moda para pinturas sobre temas medievais, particularmente lendas arturianas e temas religiosos. Muitos dos artistas mais notáveis do período, particularmente do movimento estético, optaram por trabalhar nesses temas apesar de sua falta de fé religiosa, pois deu uma desculpa legítima para pintar figuras e cenas idealizadas e evitar refletir a realidade da Grã-Bretanha industrial . ( Edward Burne-Jones , que apesar de sua falta de fé cristã foi o pintor de imagens religiosas mais significativo do período, disse a Oscar Wilde que "Quanto mais materialista se torna a ciência, mais anjos devo pintar".) Outros pintores começaram a pintar diferentes períodos do passado idealizado; Lawrence Alma-Tadema pintou cenas da Roma Antiga , o ex-pré-rafaelita John Everett Millais começou a pintar no estilo dos pintores do período imediatamente anterior à Revolução Industrial, como Joshua Reynolds e Thomas Gainsborough , e Frederic Leighton se especializou em cenas altamente idealizadas de Grécia Antiga .
Embora antes houvesse modas para pinturas históricas na história britânica, a do final do século 19 era única. Em avivamentos anteriores, que datam do Renascimento até o final do século 18, o mundo antigo simbolizava grandeza, dinamismo e virilidade. Em contraste, o movimento estético e seus seguidores procuraram emular as obras mais passivas (e geralmente femininas) do mundo clássico, como a Vênus de Milo . Os pintores desse período enfatizaram a passividade e o drama interno, em vez do dinamismo visto em obras anteriores que retratam o mundo clássico. Eles também, novamente ao contrário dos revivals clássicos anteriores, trabalharam principalmente em cores brilhantes, em vez de tentar sugerir a aparência brilhante, mas sombria, da construção em pedra clássica.
Nem todos os membros do movimento estético subscreveram a reação contra o presente em favor de um passado idealizado. Whistler, em particular, foi mordaz em relação a essa visão, descartando o sentimento como "esse levantar da sobrancelha em depreciação do presente - esse pathos em referência ao passado".
Influência francesa e o surgimento de colônias de arte
Mesmo entre artistas que não pintaram quadros do passado, a influência da reação contra a modernidade muitas vezes teve um efeito. Na pintura de paisagem em particular, os artistas geralmente abandonaram o esforço de pintar representações realistas de vistas e, em vez disso, se concentraram nos efeitos da iluminação e na captura de elementos do campo pré-industrial que eles sentiam que seriam destruídos. Cenas campestres e imagens de camponeses (principalmente fazendeiros e pescadores e suas famílias) tornaram-se um tópico muito popular na Grã-Bretanha e em toda a Europa em processo de industrialização. Colônias de arte começaram a se abrir em locais considerados particularmente pitorescos, permitindo que artistas e estudantes trabalhassem no campo e encontrassem pessoas genuínas do campo, enquanto ainda estavam na companhia de pessoas com interesses semelhantes. A mais influente dessas colônias foi a Newlyn School, no oeste da Cornualha , que foi fortemente influenciada pelo estilo de Jules Bastien-Lepage, no qual pinceladas individuais permanecem visíveis, sugerindo a simplicidade grosseira da vida idealizada no campo. As técnicas introduzidas pela Newlyn School e outros estilos impressionistas franceses semelhantes , como os de Edgar Degas, foram, por sua vez, adotadas por pintores de outras partes do país, como Walter Sickert , enquanto John William Waterhouse fundiu fundos pintados no estilo de Bastien-Lepage com Pré- Imagens rafaelitas de lendas históricas e clássicas.
Essa difusão das técnicas francesas foi vista com profundo ceticismo pela geração anterior de pintores. Os pintores britânicos historicamente se orgulhavam de cada um ter um estilo distinto e facilmente reconhecível, e viam os pintores de influência francesa e francesa como sendo indevidamente semelhantes entre si no estilo e, como disse John Everett Millais, "contentam-se em perder sua identidade em sua imitação de seus mestres franceses ". George Frederic Watts viu a ascensão do estilo francês como reflexo de uma cultura crescente de preguiça dentro da Grã-Bretanha como um todo, enquanto William Holman Hunt se preocupava com a falta de significado dos temas das pinturas. Apesar das reformas de Leighton na Royal Academy, a Summer Exhibition permaneceu fechada principalmente para esses pintores, levando à fundação em 1886 do New English Art Club como um espaço de exposição em Londres para pintores de influência francesa. O New English Art Club, por sua vez, sofreu um cisma em 1889 entre os pintores que pintaram a vida rural e a natureza, e uma facção liderada por Walter Sickert que se sentiu mais influenciada pelo impressionismo e técnicas experimentais.
Legado
A inauguração da Tate Gallery em 1897, aberta para exibir a coleção de arte vitoriana do comerciante de açúcar Sir Henry Tate , provou ser o último triunfo da pintura vitoriana. Leighton e Millais morreram no ano anterior; Burne-Jones morreu em 1898, seguido por Ruskin em 1900 e a própria Victoria em 1901.
Na década de 1910, os estilos vitorianos de arte e literatura caíram drasticamente de moda na Grã-Bretanha e, em 1915, a palavra " vitoriano " havia se tornado um termo depreciativo. Muitas pessoas atribuíram a eclosão da Primeira Guerra Mundial , que devastou a Grã-Bretanha e a Europa, ao legado da era vitoriana, e as artes e a literatura associadas ao período tornaram-se profundamente impopulares. Lytton Strachey 's eminente vitorianos (1918) e Max Beerbohm ' s Rossetti e seu círculo (1922), ambos extremamente bem sucedido e influente, paródia trouxe da era vitoriana e artistas vitorianos para o mainstream literário, enquanto o cada vez mais influente modernismo movimento, que passou a dominar a arte britânica no século 20, inspirou-se em Paul Cézanne e tinha pouca consideração pela pintura britânica do século 19.
Ao longo do século 20, o trabalho dos impressionistas e pós-impressionistas franceses do século 19 cresceu em valor e importância. Como os pré-rafaelitas e os membros do movimento estético, que entre eles haviam dominado a pintura vitoriana, se uniram no final do século 19 na condenação da influência francesa e da preguiça e insignificância do impressionismo e do pós-impressionismo, eles foram ridicularizados ou rejeitado por muitos pintores e críticos modernistas na primeira metade do século XX.
Na década de 1940 , The Pre-Raphaelite Tragedy , de William Gaunt , juntamente com um desejo geral durante a guerra de celebrar as conquistas da cultura britânica, levou a um renascimento do interesse pela arte vitoriana. Uma série de grandes museus britânicos realizaram eventos e exposições em 1948 para marcar o centenário da Irmandade Pré-Rafaelita, mas críticos de arte da moda como Wyndham Lewis zombaram do PRB como uma irrelevância pretensiosa.
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Uma grande exposição em 1951–52 na Royal Academy of Arts , Os primeiros cem anos da Royal Academy 1769–1868 trouxe uma série de obras britânicas do século 19 para um público mais amplo, mas a opinião geral sobre a arte vitoriana permaneceu baixa.
Na década de 1960, alguns aspectos da arte vitoriana tornaram-se populares na contracultura dos anos 1960 , quando o pré-rafaelitismo em particular começou a ser visto como um precursor da pop art e de outras tendências contemporâneas. Uma série de exposições sobre artistas individuais pré-rafaelitas e influenciados por PRB nas décadas de 1960 e 1970 aumentaram ainda mais sua reputação, e uma grande exposição em 1984 no que era então a Tate Gallery (agora Tate Britain) mostrando todo o movimento pré-rafaelita foi uma das exposições de maior sucesso comercial da história da galeria.
A arte vitoriana não pré-rafaelita permaneceu fora de moda. Em 1963 Flaming June , uma das mais significativas entre as peças clássicas de Sir Frederic Leighton , chegou ao mercado em Londres por apenas £ 50 (cerca de £ 1.100 nos termos de hoje), e em 1967 o historiador de arte Quentin Bell sentiu-se capaz de escrevem que a arte vitoriana era "estética e, portanto, historicamente insignificante". Embora a arte vitoriana não pré-rafaelita tenha experimentado um ligeiro renascimento nos anos subsequentes, ela permanece fora de moda, e a falta de qualquer coleção significativa nos Estados Unidos reteve o interesse global no tópico.
Notas de rodapé
Referências
Notas
Bibliografia
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