Educação em artes visuais - Visual arts education
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A educação em artes visuais é a área de aprendizagem baseada no tipo de arte que se pode ver, artes visuais - desenho , pintura , escultura , gravura e design em joias , cerâmica , tecelagem , tecidos , etc. e design aplicado a mais campos práticos, como gráficos comerciais e móveis domésticos. Os tópicos contemporâneos incluem fotografia , vídeo , filme , design e arte computacional . A educação artística pode se concentrar na criação de arte pelos alunos, em aprender a criticar ou apreciar a arte, ou em alguma combinação dos dois.
Abordagens
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A arte é freqüentemente ensinada por meio de desenho , pintura, escultura, instalação e marcações. O desenho é visto como uma atividade empírica que envolve ver, interpretar e descobrir marcas adequadas para reproduzir um fenômeno observado. O ensino de desenho tem sido um componente da educação formal no Ocidente desde o período helenístico . No Leste Asiático , a educação artística para artistas não profissionais concentrava-se tipicamente em pinceladas; a caligrafia foi contada entre as seis artes dos cavalheiros da dinastia chinesa Zhou , e a caligrafia e a pintura chinesa foram contadas entre as quatro artes dos eruditos oficiais na China imperial.
Uma abordagem alternativa para a educação artística envolve uma ênfase na imaginação, tanto na interpretação quanto na criação de arte. Muitos educadores perguntarão a seus alunos "Por que você acha que o artista fez essa escolha?", Depois de responderem, eles darão o contexto da peça e perguntarão novamente. Isso é para fazer os alunos considerarem o significado mais profundo por trás das obras, em vez de apenas mostrar a eles uma bela imagem. A educação artística também trata da experimentação e do jogo proposital, associando sua arte a mensagens conceituais e experiências pessoais. Permitir que os alunos conectem uma peça à emoção os ajuda a entender melhor como a obra de arte se conecta ao artista e seu objeto, desenvolvendo suas habilidades de pensamento crítico. Abordagens alternativas, como cultura visual e abordagens baseadas em questões, nas quais os alunos exploram questões sociais e pessoais por meio da arte, também informam a educação artística hoje.
Modelos curriculares proeminentes para a educação artística incluem:
- Um modelo sêxtuplo dividido em componentes "Criativo-Produtivo, Cultural-Histórico e Crítico-Responsivo" em algumas províncias do Canadá
- A Discipline Based Art Education (DBAE) tornou-se popular nos Estados Unidos durante as décadas de 1980 e 1990, e se concentrava em habilidades específicas, incluindo técnicas, crítica de arte e história da arte. Fortemente apoiado pelo Getty Education Institute for the Arts , o DBAE desapareceu depois que o instituto encerrou o financiamento em 1998.
- O Ensino para Comportamento Artístico (TAB) é um modelo baseado em escolhas que começou na década de 1970 em Massachusetts, nos Estados Unidos. TAB sugere que os alunos devem ser os artistas e serem guiados em seus próprios interesses artísticos individuais. Modelos curriculares baseados em TAB aumentaram em popularidade à medida que a cultura da sala de aula muda da preferência pela instrução direta para a aprendizagem centrada no aluno e baseada na investigação.
Além disso, especialmente no ensino superior na tradição das artes liberais , a arte é frequentemente ensinada como "apreciação da arte", um assunto para crítica estética, em vez de envolvimento direto.
Alguns estudos mostram que fortes programas de educação artística têm demonstrado aumento do desempenho dos alunos em outras áreas acadêmicas, devido às atividades artísticas 'exercitando o cérebro' do hemisfério direito e desatualizando seu pensamento. Veja também o desenho de Betty Edwards no lado direito do cérebro .
A educação artística não se limita às instituições de ensino formal. Alguns artistas profissionais oferecem aulas particulares ou semiprivadas em seus próprios estúdios. Isso pode assumir a forma de um aprendizado no qual o aluno aprende com um artista profissional enquanto o ajuda em seu trabalho. Uma forma desse estilo de ensino é o Método Atelier , exemplificado por Gustave Moreau, que ensinou Picasso, Braque e muitos outros artistas.
Aprendizagem
Historicamente, a arte era ensinada na Europa por meio do sistema de método de ateliê , em que os artistas contratavam aprendizes que aprendiam seu ofício da mesma maneira que em corporações como os pedreiros ou os ourives . Durante o tempo livre, o treinamento formal ocorria em oficinas de arte ou, mais frequentemente, em casa ou sozinho ao ar livre. É nesses ateliês que os artistas aprendem o ofício por meio do aprendizado com os mestres, relação que é controlada pelos estatutos das corporações. Os contratos florentinos datados do final do século 13 afirmam que se esperava que o mestre vestisse e alimentasse o aprendiz, que em troca era chamado a ser um servo fiel. Um aprendiz geralmente pagava ao mestre durante os primeiros anos de sua educação; assumindo que o aprendizado foi produtivo, o aluno seria compensado mais tarde em seu treinamento. Workshops do norte da Europa apresentavam termos semelhantes.
Inicialmente, aprender a desenhar era uma prioridade neste sistema. Michelangelo recomendou que um jovem pintor passasse um ano sozinho desenhando, depois seis anos triturando cores, preparando painéis e usando folha de ouro, período durante o qual continuaria o estudo do desenho. Outros seis anos seriam necessários para dominar a pintura a fresco e a têmpera.
Historicamente, o design teve alguma precedência sobre as artes plásticas, com escolas de design sendo estabelecidas em toda a Europa no século XVIII. Esses exemplos de habilidade e valores do início da arte européia inspiraram as gerações posteriores, incluindo os colonos da América antiga.
Apropriação cultural dentro da sala de aula
Os indivíduos que empregam a apropriação cultural têm a capacidade de produzir obras de considerável mérito estético. Usar propriedades da arte de diferentes culturas, como decoração ou emulação do processo criativo, pode promover uma maior compreensão e apreciação do artesanato de diferentes culturas. Esta técnica pode ser apreciada na produção de projetos de confecção de máscaras africanas ou indígenas, onde os alunos emulam a técnica e exploram novos métodos de uso e construção de materiais que valorizam as práticas de diferentes culturas.
Por país
Argentina
País líder no desenvolvimento das artes na América Latina , em 1875 criou a Sociedade Nacional de Estímulo das Artes, fundada pelos pintores Eduardo Schiaffino , Eduardo Sívori , entre outros artistas. Sua guilda foi reabilitada como Academia Nacional de Belas Artes em 1905 e, em 1923, por iniciativa do pintor e acadêmico Ernesto de la Cárcova , como um departamento da Universidade de Buenos Aires , a Escola Superior de Arte da Nação. Atualmente, a principal organização educacional para as artes no país é a UNA Universidad Nacional de las Artes .
Austrália
As universidades australianas que têm departamentos ou cursos de artes visuais / belas em suas instituições mudaram de modelos de ensino baseados em estúdio, associados a escolas de arte, para uma ênfase teórica / prática mais integrada. A University of Western Australia passou de um mestrado com ênfase teórica para um diploma teórico de BA em Artes.
Iniciativas de ensino baseadas em estúdio integrando elementos contextuais e de mídia foram implementadas como parte de um Projeto de Ensino de Estúdio nacional apoiado pelo Conselho Australiano de Aprendizagem e Ensino (ALTC) desde 2007.
Egito
A primeira escola de arte moderna do Egito foi inaugurada em 1908 como Cairo College of Fine Arts. Essas primeiras escolas de arte ensinaram amplamente as tradições estéticas ocidentais. Como resultado, após a independência, houve um esforço para incorporar as tradições egípcias e do Oriente Médio à arte e aos cursos de apreciação de arte. No entanto, o processo era lento; os alunos do Cairo College of Fine Arts não puderam se formar em história da arte não europeia até 1999.
França
A primeira academia, Académie royale de peinture et de sculpture , foi fundada em 1648.
Hoje em dia, a educação artística, que inclui o ensino das artes visuais, é obrigatória a partir do segundo ciclo (seis anos) e vai até ao final do ensino secundário inferior ( colégio ) .
Existem aulas voltadas para a arte ( classes à horaires aménagés ) em algumas escolas que oferecem educação artística avançada paralelamente ao ensino primário ou secundário inferior normal. Nas escolas secundárias superiores , é possível preparar um baccalauréat technologique em ciências e tecnologias de design e artes aplicadas (STD2A, antigo F12).
No ensino superior , escolas dedicadas propõem um diplôme national des métiers d'art et du design (DN MADE, diploma nacional de arte e profissões de design) com vários diplômes des métiers d'art (DMA, bacharelado em profissões artísticas) e, em seguida, diplôme supérieur d'arts appliqués (DSAA, mestrado em artes aplicadas).
Itália
As escolas de arte foram estabelecidas na Itália já no século 13, começando com uma escola de pintura em Veneza fundada por um pintor grego chamado Teófanes por volta de 1200.
Os Países Baixos
A Associação Holandesa de Professores de Arte (Nederlandse Vereniging voor Tekenonderwijs) foi fundada em 1880 e começou a publicar uma revista mensal em 1884. Desde o final do século 20, a crescente diversidade da sociedade holandesa tornou a arte holandesa e a educação artística cada vez mais multicultural .
Reino Unido
A educação artística formal surgiu no Reino Unido no início do século 19, motivada em parte por um desejo de igualar a qualidade do trabalho de design que está sendo feito na França. O modelo inicialmente adotado foi o das escolas comerciais alemãs. O príncipe Albert foi particularmente influente na criação de escolas de arte no Reino Unido.
Atualmente no Reino Unido, o currículo de arte é prescrito pelo Currículo Nacional do governo, exceto em escolas públicas ou pagantes. O Príncipe Charles criou a Escola de Desenho do Príncipe em Hoxton para preservar o ensino do desenho acadêmico.
Estados Unidos
O estudo da apreciação da arte na América começou com o Movimento Artistas de Hoje no final do século 19 e começou a desaparecer no final da década de 1920. O estudo de imagens era uma parte importante do currículo da educação artística. A atenção à estética nas salas de aula despertou o interesse do público em embelezar a escola, o lar e a comunidade, o que ficou conhecido como “Arte na Vida Diária”. A ideia era levar cultura para a criança mudar os pais. O movimento de estudo de imagens extinguiu-se no final da década de 1920, como resultado de novas ideias sobre o aprendizado da apreciação da arte por meio do trabalho em estúdio que se tornaram mais populares nos Estados Unidos.
O filósofo educacional americano e reformador escolar John Dewey foi influente na ampliação do acesso à educação artística nos Estados Unidos no final do século 19 e início do século 20.
Desde a Segunda Guerra Mundial , a formação artística mudou para as escolas primárias e a arte contemporânea tornou-se um campo cada vez mais acadêmico e intelectual. Antes da Segunda Guerra Mundial, um artista geralmente não precisava de um diploma universitário. Desde então, o Bacharelado em Belas Artes e depois o Mestrado em Belas Artes tornaram-se graus recomendados para ser um artista profissional, facilitado pela aprovação do GI Bill em 1944, que enviou uma onda de veteranos da Segunda Guerra Mundial para a escola, escola de arte incluído. Os departamentos de arte da universidade se expandiram rapidamente. Artistas americanos que podem ter estudado em escolas boêmias de uso intensivo de artesanato, como Art Students League , Black Mountain College ou a Hans Hofmann School of Art em Greenwich Village ; em vez disso, começou a se matricular em universidades. Nos anos 60, The School of Visual Arts , Pratt Institute e Cooper Union na cidade de Nova York e outras escolas de arte em todo o país, como o Kansas City Art Institute , o San Francisco Art Institute , a School of the Art Institute of Chicago , o A Escola do Museu de Belas Artes de Boston , Princeton e Yale se tornou uma das primeiras academias de arte. Essa tendência se espalhou dos Estados Unidos para todo o mundo.
A matrícula em aulas de arte no ensino médio atingiu o pico no final dos anos 1960 - início dos anos 1970. Com o No Child Left Behind (NCLB) (que mantém as artes como parte da "vida diária", mas não exige relatórios ou dados de avaliação nessa área), houve um declínio adicional da educação artística nas escolas públicas americanas. O Departamento de Educação dos Estados Unidos agora concede bolsas de Desenvolvimento e Disseminação do Modelo de Artes na Educação para apoiar organizações com experiência em arte em seu desenvolvimento de currículos artísticos. Depois de 2010, uma estimativa de 25% das escolas públicas de ensino médio do país encerrarão todos os programas de arte. Várias empresas de "tecnologia educacional ", como Kadenze e edX , tentaram mitigar essa perda por meio da educação artística online.
As organizações nacionais que promovem a educação artística incluem Americanos for the Arts, incluindo Art. Peça mais. , sua campanha nacional de conscientização pública sobre educação artística; Associação para o Avanço da Educação Artística; Parceria de Educação Artística .;
Organizações profissionais para educadores de arte incluem a National Art Education Association , que publica o jornal Art Education amigável ao profissional e o jornal de pesquisa Studies in Art Education ; USSEA ( Sociedade dos Estados Unidos para a Educação pela Arte ) e InSEA (Sociedade Internacional para a Educação pela Arte).
A educação por meio das artes visuais é uma influência importante e eficaz para permitir que os alunos, desde a mais tenra idade, compreendam e implementem o processo democrático fundamental enfatizado na estrutura social dos Estados Unidos. Em 2008, a Avaliação Nacional do Progresso Educacional (NAEP) estudou 7.900 alunos de oito séries nas áreas de arte e música. As descobertas do estudo concluíram que as alunas obtiveram pontuações mais altas do que seus colegas do sexo masculino tanto em música quanto em artes visuais.
Olivia Gude , que recebeu a bolsa Lowenfeld Lecture Scholarship da National Art Education Association em 2009, falou sobre as inúmeras maneiras pelas quais a educação artística é fundamental na formação de um cidadão autônomo e consciente do mundo. Ela afirma que:
Por meio da educação artística, os alunos desenvolvem habilidades aprimoradas para compreender a construção de significado de outras pessoas. Por meio da educação artística de qualidade, os jovens desenvolvem a capacidade de aprender vários empregos com muito mais facilidade do que outros. Mais significativamente, o envolvimento com as artes ensina os jovens a perceber a complexidade como prazer e possibilidade, não como uma incerteza irritante. A autoconsciência elevada se estende à consciência intensificada dos outros. . .
Michelle Marder Kamhi , que escreveu sobre educação artística , é altamente crítica em relação às tendências recentes no campo nos Estados Unidos e em outros lugares. Ela descarta grande parte da arte contemporânea exibida nos principais museus como gestos políticos que não são arte. Em "Rethinking Art Education", capítulo 8 de seu livro Who Says That Art? , ela se concentra em duas tendências no campo que ela pensa "deveriam ser uma preocupação para cidadãos atenciosos, mesmo para aqueles com pouco interesse em arte". Por exemplo, um artigo de opinião dela no Wall Street Journal criticava o Brinco de Judi Werthein - uma peça de " arte performática " que consistia principalmente em Werthein distribuindo tênis especialmente equipados para imigrantes ilegais - que havia sido recomendado para estudo por uma arte proeminente educador em uma sessão de conferência da NAEA.
Educação especial
A arte-educação foi combinada com a educação especial antes mesmo de haver reformas para criar acomodações especiais para crianças com necessidades especiais em salas de aula típicas. Quando se trata de arte, os arteterapeutas costumam ser usados para se conectar com alunos com necessidades especiais. No entanto, alguns arteterapeutas tiram os alunos da sala de aula, fazendo com que eles fiquem para trás em seus outros trabalhos escolares, como matemática, inglês e ciências. Por causa disso, a arte-terapia é reservada para alunos que não têm muitas chances de melhorias de longo prazo, mas sim de habilidades de desenvolvimento de curto prazo, ou para aqueles que buscam aumentar suas capacidades gerais.
O educador especial Jean Lokerson e a educadora de arte Amelia Jones escreveram que “a sala de arte é um lugar onde as dificuldades de aprendizagem podem se transformar em recursos de aprendizagem”. Os alunos com necessidades especiais muitas vezes saem de suas conchas e ficam entusiasmados com a criação. A arte também é uma forma de educadores especiais ensinarem a seus alunos fundamentos que eles podem nem mesmo perceber.
Há estudos em andamento que comprovam que arte e educação especial andam de mãos dadas. Os testes continuam a provar que a arte em qualquer sala de aula, mas especialmente em salas de aula de educação especial, faz com que os alunos se sintam motivados, entusiasmados e, em alguns casos, até mesmo promovem o aprendizado em outras áreas disciplinares.
Tendências atuais em teoria e bolsa de estudos
O domínio da educação artística está se ampliando para incluir uma gama mais ampla de cultura visual e popular. As tendências atuais na bolsa de estudos empregam abordagens pós-modernas e de cultura visual para a educação artística, consideram os efeitos do globalismo na produção e interpretação de imagens e focam o interesse renovado em questões de criatividade. Dentro da NAEA, pesquisas e publicações estão sendo direcionadas para questões de aprendizagem, comunidade, defesa de direitos, pesquisa e conhecimento. Desde 2016, o Art Education Research Institute (AERI) realiza um simpósio anual que apóia pesquisas e bolsas de estudos críticas, sistemáticas, empíricas e teóricas que abordam questões intelectuais e práticas importantes no campo da educação artística. A AERI busca promover uma ampla gama de práticas e metodologias de pesquisa rigorosas extraídas das artes, humanidades e ciências sociais para melhorar a investigação relacionada ao ensino e aprendizagem nas e por meio das artes visuais.
Veja também
- Escolas de arte
- Artes na educação
- Integração de artes
- Educação ambiental baseada nas artes
- Artista de ensino