Elementos e princípios de design visual - Visual design elements and principles

Elementos e princípios de design visual descrevem ideias fundamentais sobre a prática do design visual .

Elementos do design da arte

Os elementos de design são as unidades básicas de qualquer design visual que formam sua estrutura e transmitem mensagens visuais. O pintor e teórico do design Maitland E. Graves (1902-1978), que tentou gestar os princípios fundamentais da ordem estética no design visual, em seu livro The Art of Color and Design (1941), definiu os elementos do design como linhas, direção, forma , tamanho , textura , valor e cor , concluindo que "esses elementos são os materiais com os quais todos os designs são construídos".

Elementos de arte e design
Estrela colorida contendo cores primárias, secundárias e terciárias.

Cor

A cor é o resultado da luz refletida de um objeto para os nossos olhos. A cor que nossos olhos percebem é determinada pelo pigmento do próprio objeto. A teoria da cor e o círculo cromático são freqüentemente mencionados no estudo de combinações de cores em design visual. A cor é muitas vezes considerada um elemento importante do design, pois é uma linguagem universal que apresenta as inúmeras possibilidades da comunicação visual.

Matiz , saturação e brilho são as três características que descrevem a cor.

  • O matiz pode ser simplesmente referido como "cor", como em vermelho, amarelo ou verde.
  • A saturaçãobrilho ou opacidade à cor , o que afeta a vibração da cor.
  • Valores , matizes e tons de cores são criados adicionando preto a uma cor para um tom e branco para um tom. A criação de uma tonalidade ou sombra de cor reduz a saturação .

Teoria da cor no design visual

A teoria da cor estuda a mistura e as combinações de cores. É uma das primeiras coisas que marcaram uma abordagem de design progressiva. No design visual, os designers referem-se à teoria da cor como um corpo de orientação prática para alcançar certos impactos visuais com combinações de cores específicas. O conhecimento teórico das cores é implementado nos designs para obter um design de cores bem-sucedido.

A harmonia de cores , muitas vezes referida como uma "medida de estética", estuda quais combinações de cores são harmoniosas e agradáveis ​​à vista e quais não são. A harmonia de cores é a principal preocupação dos designers, uma vez que as cores sempre existem na presença de outras cores na forma ou no espaço.

Quando um designer harmoniza cores, as relações entre um conjunto de cores são aprimoradas para aumentar a forma como elas se complementam. As cores são harmonizadas para alcançar um efeito equilibrado, unificado e esteticamente agradável para o observador.

A harmonia de cores é alcançada de várias maneiras, algumas das quais consistem na combinação de um conjunto de cores que compartilham o mesmo matiz, ou um conjunto de cores que compartilham os mesmos valores para duas das três características de cor (matiz, saturação, brilho) . A harmonia de cores também pode ser alcançada simplesmente combinando cores que são consideradas compatíveis entre si, conforme representadas na roda de cores .

Os contrastes de cores são estudados com um par de cores, em oposição à harmonia de cores, que estuda um conjunto de cores. No contraste de cores, duas cores com diferenças perceptíveis em aspectos como luminância ou saturação são colocadas lado a lado para criar contraste.

Johannes Itten apresentou sete tipos de contrastes de cores: contraste de claro e escuro, contraste de matiz, contraste de temperatura, contraste de saturação , contraste simultâneo, contraste de tamanhos e contraste de complementar. Esses sete tipos de contrastes de cores inspiraram trabalhos anteriores envolvendo esquemas de cores no design.

Os esquemas de cores são definidos como o conjunto de cores escolhido para um design. Eles geralmente são compostos de duas ou mais cores que parecem atraentes uma ao lado da outra e que criam uma sensação estética quando usadas em conjunto. Os esquemas de cores dependem da harmonia das cores , pois indicam quais cores parecem agradáveis ​​uma ao lado da outra.

Um produto de design satisfatório geralmente é acompanhado por um esquema de cores bem-sucedido. Com o tempo, ferramentas de design de cores com a função de gerar esquemas de cores foram desenvolvidas para facilitar a harmonização de cores para designers.

Uso de cores no design visual

  • A cor é usada para criar harmonia, equilíbrio e conforto visual em um design
  • A cor é usada para evocar o humor e a emoção desejados no visualizador
  • A cor é usada para criar um tema no design
  • A cor tem significado e pode ser simbólica. Em certas culturas, cores diferentes podem ter significados diferentes.
  • A cor é usada para colocar ênfase nos elementos desejados e criar hierarquia visual em uma obra de arte
  • A cor pode criar identidade para uma determinada marca ou produto de design
  • A cor permite que os visualizadores tenham diferentes interpretações dos designs visuais. A mesma cor pode evocar emoções diferentes ou ter vários significados para diferentes indivíduos e culturas
  • Estratégias de cores são usadas para organização e consistência em um produto de design
  • No projeto arquitetônico de um ambiente de varejo, as cores afetam a tomada de decisões, o que motiva os consumidores a comprar produtos específicos
Da mesma forma, estrelas em uma constelação conectadas por meio de linhas imaginárias são um exemplo natural do uso de linhas em uma composição

Linha

A linha é um elemento de arte definido por um ponto que se move no espaço. As linhas podem ser verticais, horizontais, diagonais ou curvas. Eles podem ter qualquer largura ou textura e podem ser contínuos, implícitos ou quebrados. Além disso, existem diferentes tipos de linhas além das mencionadas anteriormente. Por exemplo, você pode ter uma linha horizontal e em zigue-zague ou uma linha vertical em zigue-zague. Linhas diferentes criam humores diferentes, tudo depende de qual humor você está usando para criar a linha.

Apontar

Um ponto é basicamente o começo de “algo” em “nada”. Ele força a mente a pensar sobre sua posição e fornece algo sobre o qual construir tanto na imaginação quanto no espaço. Alguns pontos abstratos em um grupo podem provocar a imaginação humana para vinculá-lo a formas ou formas familiares.

Forma

Uma forma é definida como uma área bidimensional que se destaca do espaço próximo ou em torno dela devido a um limite definido ou implícito, ou devido a diferenças de valor, cor ou textura. As formas são objetos e formas reconhecíveis e geralmente compostas de outros elementos de design.

Por exemplo, um quadrado desenhado em um pedaço de papel é considerado uma forma. Ele é criado com uma série de linhas que servem de limite que molda o quadrado e o separa do espaço ao seu redor que não faz parte do quadrado.

Tipos de formas

Formas geométricas ou mecânicas são formas que podem ser desenhadas usando uma régua ou compasso, como quadrados , círculos , triângulos , elipses , paralelogramos , estrelas e assim por diante. Formas mecânicas, simples ou complexas, produzem uma sensação de controle e ordem.

Formas orgânicas são formas irregulares que geralmente são complexas e se assemelham a formas encontradas na natureza . Formas orgânicas podem ser desenhadas à mão, por isso às vezes são subjetivas e só existem na imaginação do artista.

As formas curvilíneas são compostas por linhas curvas e bordas suaves. Eles transmitem uma sensação mais natural à forma. Em contraste, as formas retilíneas são compostas de arestas vivas e ângulos retos e emitem uma sensação de ordem na composição . Eles parecem mais feitos pelo homem, estruturados e artificiais . Os artistas podem escolher criar uma composição que gire principalmente em torno de um desses estilos de forma ou podem escolher combinar os dois.

Textura

Esta é apenas uma imagem bidimensional de uma árvore, mas parece ter a textura de uma casca tridimensional.

A textura refere-se às qualidades físicas e visuais de uma superfície.

Usos de textura no design

  • A textura pode ser usada para atrair ou repelir o interesse a um elemento, dependendo de quão agradável a textura é percebida.
  • A textura também pode ser usada para adicionar detalhes complexos à composição de um design.
  • No design teatral, as qualidades superficiais de um traje esculpem a aparência e a sensação de um personagem, o que influencia a forma como o público reage ao personagem.
Tipos de textura

A textura tátil , também conhecida como "textura real", refere-se à textura tridimensional física de um objeto. A textura tátil pode ser percebida pelo sentido do tato. Uma pessoa pode sentir a textura tátil de uma escultura passando a mão sobre sua superfície e sentindo suas saliências e amassados.

  • Os pintores usam impasto para construir picos e criar textura em suas pinturas.
  • A textura pode ser criada por meio de colagem . É quando os artistas montam objetos tridimensionais e os aplicam em uma superfície bidimensional, como um pedaço de papel ou tela, para criar uma composição final.
  • Papier collé é outra técnica de colagem em que os artistas colam papel em uma superfície para criar diferentes texturas em sua superfície.
  • Montagem é uma técnica que consiste em reunir vários objetos tridimensionais em uma escultura, que também pode revelar texturas ao observador.

A textura visual , também conhecida como "textura implícita", não é detectável pelo nosso sentido do tato, mas pelo nosso sentido da visão. A textura visual é a ilusão de uma textura real em uma superfície bidimensional. Qualquer textura percebida em uma imagem ou fotografia é uma textura visual. Uma fotografia de casca de árvore áspera é considerada uma textura visual. Ele cria a impressão de uma textura real em uma superfície bidimensional que permaneceria lisa ao toque, não importa o quão áspera seja a textura representada.

Na pintura, diferentes tintas são usadas para obter diferentes tipos de texturas. Tintas como óleo , acrílico e encáustica são mais espessas e opacas e são usadas para criar impressões tridimensionais na superfície. Outras tintas, como a aquarela , costumam ser utilizadas para texturas visuais, por serem mais finas e transparentes, além de não deixarem muita textura tátil na superfície.

Padrão

Muitas texturas parecem repetir o mesmo motivo . Quando um motivo é repetido inúmeras vezes em uma superfície, resulta em um padrão . Os padrões são frequentemente usados ​​em design de moda ou design têxtil , onde os motivos são repetidos para criar padrões decorativos em tecidos ou outros materiais têxteis . Os padrões também são usados ​​em projetos arquitetônicos , onde elementos estruturais decorativos, como janelas , colunas ou frontões , são incorporados ao projeto de construção.

Espaço

No design, o espaço se preocupa com a área profunda no momento do design designado, o design ocorrerá. Para um design bidimensional, o espaço diz respeito à criação da ilusão de uma terceira dimensão em uma superfície plana:

  • Sobreposição é o efeito em que os objetos parecem estar uns sobre os outros. Essa ilusão faz com que o elemento superior pareça mais próximo do observador. Não há como determinar a profundidade do espaço, apenas a ordem de proximidade.
  • O sombreamento adiciona marcas de radiação para fazer um objeto de uma superfície bidimensional parecer tridimensional.
  • Destaque, Luz de transição, Núcleo da Sombra, Luz Refletida e Sombra projetada dão a um objeto uma aparência tridimensional.
  • Perspectiva linear é o conceito relacionado a como um objeto parece menor quanto mais longe ele se afasta.
  • A Perspectiva Atmosférica se baseia em como o ar atua como um filtro para alterar a aparência de objetos distantes.

Forma

No design visual, a forma é descrita como a maneira como um artista organiza os elementos na totalidade de uma composição. Também pode ser descrito como qualquer objeto tridimensional . A forma pode ser medida, de cima para baixo (altura), lado a lado (largura) e de trás para frente (profundidade). A forma também é definida por luz e escuridão. Ele pode ser definido pela presença de sombras nas superfícies ou faces de um objeto. Existem dois tipos de forma, geométrica (artificial) e natural (forma orgânica). A forma pode ser criada pela combinação de duas ou mais formas. Pode ser realçado por tom, textura ou cor. Pode ser ilustrado ou construído.

Princípios do design da arte

Princípios aplicados aos elementos de design que os unem em um design. A maneira como esses princípios são aplicados determina o quão bem-sucedido um projeto pode ser.

Unidade / harmonia

De acordo com Alex White, autor de The Elements of Graphic Design , alcançar a unidade visual é o principal objetivo do design gráfico. Quando todos os elementos estão de acordo, um design é considerado unificado. Nenhuma parte individual é considerada mais importante do que todo o design. Um bom equilíbrio entre unidade e variedade deve ser estabelecido para evitar um design caótico ou sem vida.

Métodos

  • Perspectiva : sensação de distância entre os elementos.
  • Similaridade : capacidade de parecer repetível com outros elementos.
  • Continuação: a sensação de ter uma extensão de linha ou padrão.
  • Repetição: elementos sendo copiados ou imitados várias vezes.
  • Ritmo : é alcançado quando a posição recorrente, tamanho, cor e uso de um elemento gráfico tem uma interrupção do ponto focal.
  • Alterar o tema básico gera unidade e ajuda a manter o interesse.

Equilíbrio

É um estado de tensão e equilíbrio equalizados, que nem sempre pode ser calmo.

Tipos de equilíbrio em design visual

A imagem superior tem equilíbrio simétrico e a imagem inferior tem equilíbrio assimétrico
  • Simetria
  • O equilíbrio assimétrico produz um equilíbrio informal que atrai a atenção e é dinâmico.
  • O equilíbrio radial é organizado em torno de um elemento central. Os elementos colocados em equilíbrio radial parecem "irradiar" de um ponto central de forma circular.
  • No geral, é uma forma de mosaico de equilíbrio que normalmente surge do excesso de elementos colocados em uma página. Devido à falta de hierarquia e contraste, essa forma de equilíbrio pode parecer barulhenta, mas às vezes silenciosa.

Hierarquia / Dominância / Ênfase

Um bom design contém elementos que conduzem o leitor por cada elemento na ordem de seu significado. O tipo e as imagens devem ser expressos do mais importante para o menos importante. A dominância é criada pelo contraste de tamanho, posicionamento, cor, estilo ou forma. O ponto focal deve dominar o design com escala e contraste sem sacrificar a unidade do todo.


Escala / proporção

Usar o tamanho relativo dos elementos uns contra os outros pode atrair a atenção para um ponto focal. Quando os elementos são projetados maiores do que a vida, a escala está sendo usada para mostrar o drama.

Similaridade e contraste

O planejamento de um design consistente e semelhante é um aspecto importante do trabalho de um designer para tornar seu ponto focal visível. Muita semelhança é enfadonha, mas sem semelhança elementos importantes não existirão e uma imagem sem contraste é tranquila, então a chave é encontrar o equilíbrio entre semelhança e contraste.

Ambiente semelhante

Existem várias maneiras de desenvolver um ambiente semelhante:

  • Construa uma estrutura organizacional interna única.
  • Manipule formas de imagens e texto para correlacionar.
  • Expresse continuidade de página a página nas publicações. Os itens a serem observados incluem cabeçalhos, temas, bordas e espaços.
  • Desenvolva um manual de estilo e siga-o.

Contrastes

  • Espaço
    • Preenchido / Vazio
    • Perto / Longe
    • 2-D / 3-D
  • Posição
    • Esquerda direita
    • Isolado / agrupado
    • Centrado / fora do centro
    • Superior / Inferior
  • Forma
    • Simples / Complexo
    • Bela / feia
    • Inteiro / Quebrado
  • Direção
    • Estabilidade / Movimento
  • Estrutura
    • Organizado / Caótico
    • Mecânico / Desenhado à Mão
  • Tamanho
    • Grande pequeno
    • Profundo / Raso
    • Gordo / Fino
  • Cor
    • Escala de cinza / cor
    • Preto e Branco / Cor
    • Claro / Escuro
  • Textura
    • Fino / Grosso
    • Liso / áspero
    • Nítido / opaco
  • Densidade
    • Transparente / Opaco
    • Espessura fina
    • Líquido / Sólido
  • Gravidade
    • Luz pesada
    • Estável / Instável

Movimento é o caminho que o olho do observador percorre na obra de arte, geralmente para áreas focais. Esse movimento pode ser direcionado ao longo das linhas, bordas, forma e cor da obra de arte e muito mais.

Veja também

Notas

Referências

links externos