Cinema feminino - Women's cinema

O cinema feminino é uma variedade de tópicos agrupados para criar o trabalho das mulheres no cinema. Isso pode incluir mulheres desempenhando papéis nos bastidores, como diretora, cineasta, escritora e produtora, ao mesmo tempo em que abordam as histórias de mulheres e o desenvolvimento de personagens por meio de roteiros.

Diretores femininos renomados incluem Barbra Streisand , a primeira mulher a ganhar o Globo de Ouro de Melhor Diretor ( 1983 ), e Kathryn Bigelow , que é a primeira mulher a ganhar o Oscar de Melhor Diretor ( 2009 ), junto com muitas outras diretoras de todo o mundo, como Alice Guy-Blaché , Dorothy Arzner , Mary Harron , Icíar Bollaín , Jane Campion , Aparna Sen , Sofia Coppola , Agnès Varda , Patty Jenkins , Nancy Meyers , Yasmin Ahmad , Nadine Labaki , Ava DuVernay , Lucrecia Martel , Lynne Ramsay , Greta Gerwig , Rakhshān Banietemad e Ida Lupino . Muitos cineastas de sucesso também são mulheres, incluindo Maryse Alberti , Reed Morano , Rachel Morrison e Zoe White.

O cinema feminino reconhece as contribuições femininas em todo o mundo, não apenas para filmes narrativos, mas também para documentários. O reconhecimento do trabalho feminino ocorre por meio de diversos festivais e premiações, como o Festival de Cinema de Sundance.

“O cinema feminino é uma construção complexa, crítica, teórica e institucional”, explica Alison Butler. O conceito teve seu quinhão de críticas, fazendo com que algumas cineastas se distanciassem dele com medo de serem associadas à marginalização e à controvérsia ideológica.

Mulheres famosas na história do cinema

Filmes mudos

Alice Guy-Blaché foi uma pioneira do cinema e a primeira diretora feminina. Trabalhando para a Gaumont Film Company na França na época em que o cinema estava sendo inventado, ela criou La Fée aux Choux (1896). As datas de muitos dos primeiros filmes são especulativas, mas La Fée aux Choux pode muito bem ser o primeiro filme narrativo a ser lançado. Ela atuou como chefe de produção da Gaumont de 1896 a 1906 e, por fim, produziu centenas de filmes mudos na França e nos Estados Unidos.

Helen Gardner , uma jogadora do Vitagraph Studios que foi aclamada por sua interpretação de Becky Sharp na versão de 1910 da Vanity Fair , foi a primeira atriz de cinema, homem ou mulher, a formar sua própria produtora, The Helen Gardner Picture Players. A primeira produção de Gardner foi Cleópatra (1912), um dos primeiros filmes americanos de longa-metragem.

A diretora nascida nos Estados Unidos, Lois Weber foi treinada e inspirada por Guy-Blaché e obteve sucesso na criação de filmes mudos. Weber é bem conhecido por seus filmes Hypocrites (1915), The Blot (1921) e Suspense (1913). Os filmes de Weber costumam focar em questões sociais difíceis. Por exemplo, seu filme Where Are My Children? (1916) aborda as questões controversas do controle da natalidade e do aborto . E ela questionou a validade da pena capital em The People vs. John Doe (1916).

Mabel Normand foi outra importante cineasta. Ela começou como atriz e se tornou produtora-roteirista-diretora nos anos 1910, trabalhando nos primeiros curtas de Charlie Chaplin como The Tramp at Mack Sennett 's Keystone Studios . Ela ainda colaborou com Sennett em outros filmes da Keystone e, durante o final dos anos 1910 e início dos anos 1920, ela teve seu próprio estúdio de cinema e produtora. Outras atrizes notáveis ​​que se tornaram diretores incluem Grace Cunard e Nell Shipman .

As mulheres roteiristas eram muito procuradas nos primeiros anos do cinema. Frances Marion , Anita Loos e June Mathis tiveram carreiras de sucesso nas eras silenciosa e inicial. Mathis também foi a primeira executiva mulher em Hollywood .

Na Suécia, Anna Hofman-Uddgren foi a primeira cineasta do país - produzindo o filme mudo Stockholmsfrestelser em 1911. Ela também atuou no filme. No entanto, Ebba Lindkvist dirigiu o curta de drama , Värmländingarna , que estreou na Suécia em 27 de Outubro de 1910, portanto, tecnicamente fazendo-o cineasta primeira mulher.

Hollywood Clássica

À medida que o cinema americano se tornou uma indústria altamente comercializada na década de 1920 e seu conteúdo tornou-se cada vez mais convencionalizado, as oportunidades para produtoras e diretoras se tornaram cada vez menores. Na época em que o som chegou aos Estados Unidos em 1927 e nos anos imediatamente seguintes, os papéis femininos atrás das câmeras eram em grande parte limitados a roteiristas, figurinistas, decoradores de cenários, maquiadores e outros. E a implementação da autocensura na indústria na forma do Código Hays em 1934 significou que tópicos como controle de natalidade e aborto eram tabu. Dorothy Arzner foi a única diretora mulher a sobreviver neste ambiente hostil. Ela fez isso produzindo filmes bem feitos, mas formalmente bastante convencionais. No entanto, é possível traçar elementos feministas em seus filmes. Os críticos de cinema consideram seu filme, Dance, Girl, Dance , sobre duas mulheres lutando para ter sucesso no show business, particularmente interessante do ponto de vista feminista. Quando o filme foi selecionado para inclusão no National Film Registry , notou-se que "As dançarinas, interpretadas por Maureen O'Hara e Lucille Ball , se esforçam para preservar sua própria integridade feminista, enquanto lutam por seu lugar no centro das atenções e pela amor do protagonista masculino Louis Hayward . " Além de Dance, Girl, Dance , Arzner também trabalhou com algumas das atrizes mais formidáveis ​​de Hollywood - incluindo Katharine Hepburn em Christopher Strong (1933) e Joan Crawford em The Bride Wore Red (1937).

Cinema experimental e vanguardista

O cinema experimental e de vanguarda é o gênero considerado mais próximo das cineastas e que também avança a temática feminina. Annette Kuhn, por exemplo, notou essa afinidade especial, citando que baixos investimentos de dinheiro e 'profissionalismo' significam que é mais aberto do que a indústria cinematográfica convencional para mulheres. Ambos Pam cozinheiro e Laura Mulvey também observou um alinhamento e aliança do experimental e cinema de vanguarda com interesse feminista e política feminista. Especificamente, Mulvey explicou que os filmes convencionais ou de Hollywood são incapazes de proporcionar a experiência da contradição, reforçando o anti-realismo e, é aqui que o cinema de vanguarda é útil para as mulheres e o feminismo porque compartilham "um interesse comum na política de imagens e problemas de linguagem estética. "

O envolvimento das mulheres no cinema experimental e de vanguarda teve início no início do século XX, embora fosse limitado devido aos constrangimentos das convenções sociais da época. Foi só depois da guerra que as mulheres se envolveram ativamente neste gênero cinematográfico. Germaine Dulac foi um dos protagonistas do movimento cinematográfico de vanguarda francês após a Primeira Guerra Mundial. Há também o caso dos filmes visionários de Maya Deren , que pertenceram aos clássicos do cinema experimental e tiveram como foco a vanguarda norte-americana. . A tendência contemporânea não se opôs à entrada das cineastas no cinema de vanguarda, embora, em seus primeiros anos, elas não tenham recebido tanta aclamação da crítica quanto seus colegas homens.

Shirley Clarke foi uma figura importante da cena do cinema independente americano em Nova York nos anos cinquenta. Seu trabalho é incomum, na medida em que dirigiu excelentes filmes experimentais e longas, bem como documentários. Joyce Wieland foi uma cineasta experimental canadense . O National Film Board of Canada permitiu que muitas mulheres produzissem filmes de animação não comerciais. Na Europa, artistas como Valie Export estiveram entre as primeiras a explorar o potencial artístico e político dos vídeos .

Impacto na sociedade

Impacto do feminismo de segunda onda

No final dos anos 60, quando a segunda onda do feminismo começou, a Nova Esquerda estava no auge. Ambos os movimentos se opuseram fortemente ao "cinema dominante", ou seja, Hollywood e o cinema de autoria burguesa europeia masculina. Hollywood foi acusada de promover a opressão ao disseminar estereótipos sexistas, racistas e imperialistas. As mulheres participaram de novos coletivos mistos como Newsreel , mas também formaram seus próprios grupos de filmes. Os primeiros filmes feministas geralmente focavam em experiências pessoais. A primeira obra-prima foi Wanda, de Barbara Loden , um dos retratos mais pungentes da alienação já feitos.

O feminismo da segunda onda se revelaria em diferentes formas nos filmes na última parte do século 20, como com a ideia de "irmandades" no cinema, um bom exemplo disso é Steel Magnolias em 1989. Outros conceitos do feminismo de segunda onda nos filmes envolvia a opressão das mulheres e a dificuldade de se identificar com a ideia de feminilidade. Durante esse tempo, o feminismo no cinema também seria representado como um contra-cinema por meio do qual os cineastas tentariam desconstruir intencionalmente o modelo do filme clássico. Este estilo de feminista contra-cinema pode ser visto nas obras de artistas como Sally Potter 's Suspense em 1979.

Representando a sexualidade

Resistir à opressão da sexualidade feminina era um dos objetivos centrais do feminismo de segunda onda . O aborto ainda era muito controverso em muitas sociedades ocidentais e as feministas se opunham ao controle do estado e da igreja. A exploração da sexualidade feminina assumiu muitas formas: enfocando formas de sexualidade censuradas por muito tempo ( lesbianismo , sadomasoquismo ) ou mostrando a heterossexualidade do ponto de vista de uma mulher. Birgit Hein , Elfi Mikesch , Nelly Kaplan , Catherine Breillat e Barbara Hammer são alguns dos diretores a serem lembrados.

Um filme notável por sua representação empática do trabalho sexual é Working Girls (1986) de Lizzie Borden . Molly, uma lésbica branca em um relacionamento mestiço estável, é uma fotógrafa educada em Yale que optou por aumentar sua renda por meio do trabalho sexual em um bordel urbano discreto. Acompanhamos Molly no que acaba sendo seu último dia de trabalho, entendendo suas interações profissionais com seus "johns" por meio de sua perspectiva, um ponto de vista totalmente original, já que, até o filme de Borden, as trabalhadoras do sexo eram amplamente retratadas de forma estereotipada. O personagem e a situação simpáticos e bem-redondos da história humanizam o trabalho sexual, e o próprio filme combate a postura anti-pornografia apregoada por muitas feministas de segunda onda, que Borden rejeita como repressiva.

Normalmente as mulheres são retratadas como dependentes de outros personagens, excessivamente emocionais e confinadas a empregos de baixo status quando comparadas a personagens masculinos ambiciosos e empreendedores (Bussey & Bandura, 1999). As mulheres no cinema são grosseiramente deturpadas e definitivamente sub-representadas. Os papéis que os homens desempenham são o de super-herói, o homem de negócios rico ou o vilão todo-poderoso. Quando se trata dos papéis que as mulheres desempenham, tendem a ser a dona de casa, a mulher que não consegue um homem, a vagabunda ou a secretária. A verdadeira comparação é masculinidade versus feminilidade. O teste de Bechdel para o cinema é uma espécie de teste de tornassol que examina a representação das mulheres na mídia. Os 3 fatores testados são: 1. Há pelo menos 2 mulheres no filme que têm nomes? 2. Essas mulheres conversam entre si? 3. Eles conversam sobre algo que não seja um homem? (Sharma & Sender, 2014). Muitos papéis atribuídos às mulheres as tornam dependentes da contraparte masculina ou limitam o seu papel. Outra característica de seu posicionamento de papel é que as mulheres têm duas vezes mais chances de desempenhar um papel relacionado à vida, em vez de um papel relacionado ao trabalho. Hollywood raramente opta por ter as mulheres como chefes todo-poderosos ou mesmo por ter uma carreira de sucesso. Alguns exemplos violam essa norma, como A proposta ou Não sei como ela o faz . Mesmo nesses dois filmes, a contraparte masculina é um papel forte e em ambos a protagonista feminina depende de ambos os atores para o enredo. As mulheres não se destacam nos filmes e raramente são o centro das atenções sem um homem para roubar os holofotes. Alguns papéis retratados em filmes recentes trabalharam contra essa norma, como Katniss em Jogos Vorazes e Furiosa em Mad Max: Fury Road . Esses papéis quebram a norma, já que as mulheres geralmente são retratadas como dependentes de outros personagens, excessivamente emocionais e confinadas a empregos de baixo status em comparação com personagens masculinos empreendedores e ambiciosos (Bussey & Bandura, 1999). As mulheres no cinema são grosseiramente deturpadas e sub-representadas.

Medo de entrar na cinematografia

Muitas mulheres temem (ed) até mesmo entrar na indústria cinematográfica, quanto mais produzir vários trabalhos na indústria. Diz-se que tanto os trabalhadores quanto as mulheres acreditam que contratar mulheres na indústria é arriscado ou arriscado. Existem muitos atos discriminatórios contra as mulheres durante o processo de contratação para a indústria, como discriminação por idade e o fornecimento de taxas de pagamento mais baixas. A maioria das trabalhadoras da indústria cinematográfica só se torna freelancer, o que na maioria dos casos as impede de criar carreiras e ganhar a vida com sua paixão por cinema / cinematografia. Essas são as táticas do medo em vigor, propositalmente ou não, para impedir que as mulheres prosperem na indústria cinematográfica.

No entanto, há muito mais discriminação de gênero em relação às mulheres depois que elas recebem o emprego e realmente começam a ajudar e / ou produzir trabalho. As estatísticas mostram que não há muitas mulheres em cargos de chefia no setor. Em comparação com o número de mulheres contratadas, fica claro que as mulheres não têm a chance de manter seus empregos por longos períodos. “No entanto, é notável que as mulheres perderam seus empregos a uma taxa seis vezes maior que a dos homens, indicando a vulnerabilidade particular e elevada das mulheres na indústria”. As mulheres não estão sendo promovidas a cargos mais elevados com a frequência que seus colegas homens e nem mesmo têm a chance de permanecer o tempo suficiente para serem promovidas. São vários os problemas que acontecem durante o processo de contratação e até mesmo nas experiências pós-contratação de mulheres que podem fazer com que outras mulheres tenham medo de entrar no setor.

A forma como as mulheres são tratadas no local de trabalho também são uma evidência das desigualdades contra elas na indústria cinematográfica. As taxas de remuneração e as expectativas das mulheres em sua formação / experiência em cinematografia são muito diferentes das dos trabalhadores do sexo masculino. Existem muitos cenários na indústria que mostram a mulher com mais qualificações para o trabalho do que o homem, mas ganha menos dinheiro pelo mesmo trabalho do que o homem. “É importante notar que as mulheres nesta área são significativamente mais qualificadas do que os homens, com uma proporção maior de diplomadas e uma diferença ainda mais significativa no número de mulheres, em comparação com os homens, com graus mais elevados (Skillset, 2010a: 6 ). " Mesmo as mulheres superqualificadas são tratadas como se não fossem, o que faz com que trabalhem arduamente para se tornarem melhores e serem recompensadas como seus colegas homens. Todas essas desigualdades e discriminação em relação às mulheres na indústria cinematográfica criam um medo para as mulheres até mesmo quererem entrar na indústria.

Resistindo à violência e resistência violenta

Resistir à violência patriarcal foi uma preocupação fundamental do feminismo da segunda onda durante os anos 1960-1980. Conseqüentemente, muitas feministas da segunda onda participaram dos movimentos pacifistas dos anos oitenta, assim como suas antepassadas nos movimentos pacifistas mais antigos. Os efeitos que o conflito da guerra teve sobre as mulheres após a Guerra Fria foram freqüentemente esquecidos. Os conflitos pós-guerra fria resultaram em mulheres sujeitas a cada vez mais formas de tortura, estupro e violência. Isso causou um aumento nas organizações de mulheres pela paz e iniciativas de protesto contra a violência contra as mulheres, resultando em mais críticas ao clichê patriarcal da mulher 'pacífica'. Mulheres cineastas documentaram a participação de mulheres em movimentos de resistência anti-imperialistas. Inspirados pela deusa hindu Mãe Kali - tradicionalmente associada à sexualidade, violência e ternura maternal - os cineastas alemães Birgit e Wilhelm Hein criaram seu Filme Kali, que retrata as mulheres como violentas e ameaçadoras, o oposto do estereótipo inocente de "zelador" geralmente atribuído a personagens femininos. Os cineastas reunidos encontraram imagens de gêneros "triviais", o único domínio do cinema em que a representação de mulheres agressivas era permitida.

Os cineastas também começaram a assumir representações de sexualidade e gênero em filmes dirigidos especificamente a estudantes universitários. Como a agressão sexual no campus continua a invadir as universidades, os cineastas começaram a criar filmes que abordam essas questões. Em 2014, um grupo de alunos e professores da Texas Tech University criou a série de filmes "Sexism | Cinema" para fornecer educação sobre violência contra mulheres e abuso sexual em campi universitários. Em 2015, os filmes foram exibidos e mais de 500 alunos estiveram presentes.

(Re-) entrando no mainstream

Kathryn Bigelow trabalha em gêneros dominados por homens, como ficção científica, ação e terror. Ela se tornou a primeira mulher a ganhar um Oscar de Melhor Diretor e o Directors Guild of America Award em 2010 por The Hurt Locker . Em 2013, seu filme Zero Dark Thirty foi recebido com aclamação universal e arrecadou US $ 95 milhões nas bilheterias dos Estados Unidos. Bigelow foi nomeado para Melhor Diretor no BAFTA Awards , Golden Globe Awards e Directors Guild of America Award, entre outros. No entanto, ela não conseguiu ser indicada para a categoria no 85º Oscar, no que foi amplamente visto como uma afronta .

Anne Fletcher dirigiu quatro filmes financiados pelo estúdio: Step Up (2006), 27 Dresses (2008), The Proposal (2009) e The Guilt Trip (2012), que arrecadaram mais de $ 343 milhões nas bilheterias dos EUA e $ 632 milhões em todo o mundo. Ela também está contratada para dirigir a sequência do filme Enchanted , de 2007 .

Os filmes de Catherine Hardwicke arrecadaram um total acumulado de US $ 551,8 milhões. Seus filmes de maior sucesso são Twilight (2008) e Red Riding Hood (2011).

Nancy Meyers teve sucesso com seus cinco filmes: The Parent Trap (1998), What Women Want (2000), Something's Gotta Give (2003), The Holiday (2006) e It's Complicated (2009), que acumularam $ 1.157 milhões em todo o mundo. Antes de iniciar sua carreira como diretora, ela escreveu alguns outros filmes de sucesso como Private Benjamin (1980), pelo qual foi indicada ao Oscar de Melhor Roteiro Original , Baby Boom (1987) ou Pai da Noiva (1991).

Sofia Coppola é uma realizadora aclamada pela crítica que também teve sucesso financeiro. Seu filme premiado, Lost in Translation (2003) arrecadou mais de US $ 119 milhões. The Virgin Suicides (1999), Marie Antoinette (2006) e The Bling Ring (2013) também fizeram sucesso. Seu pai é Francis Ford Coppola .

Ava DuVernay é a diretora do aclamado Selma (2014), bem como a primeira mulher afro-americana a dirigir um filme com orçamento de três dígitos, A Wrinkle in Time (2018).

Estatisticas

Um estudo feito pela USC Annenberg pesquisou o que significava ser uma mulher na indústria cinematográfica, não importando se ela trabalhava nos bastidores ou se eram personagens de ficção. O USC Annenberg analisou dois grupos de teste para filmes, os 100 melhores filmes de cada ano de 2007 a 2015 e os 100 melhores filmes de 2015.

Para os 100 melhores filmes de 2015, as mulheres foram protagonistas e co-protagonistas em 32 deles, enquanto dos 32 filmes, apenas 3 deles incluíam uma raça diferente da caucasiana. Dos milhares de papéis falados, apenas 32 personagens eram LGBT e desses personagens, 40% deles eram racialmente diversificados. Personagens femininos também eram três vezes mais prováveis ​​de serem vistos em um contexto sexual.

Nos bastidores, havia estatísticas semelhantes às dos personagens femininos de ficção. Diretores, roteiristas e produtoras mulheres representaram 19% das 1.365 pessoas necessárias para criar os 100 melhores filmes em 2015. A porcentagem de escritoras (11,8%) e produtoras (22%) pode ser considerada alta em comparação com as mulheres diretores (7,5%). Dos 7,5% das cineastas, três delas eram afro-americanas e uma asiática.

Para os 100 melhores filmes de cada ano de 2007 a 2015, dos 800 filmes, 4,1% foram dirigidos por mulheres.

Documentários

Embora ainda exista uma lacuna entre o percentual de cineastas e cineastas, as mulheres tendem a se envolver mais em documentários. Há uma porcentagem maior de mulheres dirigindo documentários do que mulheres dirigindo filmes narrativos. Chegou um ponto em que as diretoras quase não eram notadas ou nem eram reconhecidas.

Cineastas femininas como feministas

No mundo do cinema, muitas cineastas não recebem muita atenção ou chance de mostrar do que são capazes. Essa questão ainda está sendo debatida, mas vários ativistas buscam mudar e superar esse tipo de desigualdade. Esses ativistas têm como objetivo sensibilizar e produzir uma mudança social para o que é veiculado atualmente na mídia. Durante a década de 1990, surgiram muitos filmes apresentando cineastas de diferentes nacionalidades e grupos raciais. Por exemplo, um dos filmes lançados naquele ano chama-se Irmãs no Cinema, dirigido por Yvonne Welbon . Este documentário tinha como objetivo demonstrar como as diretoras afro-americanas inspecionam seu lugar atual no negócio. Ao dar a essas cineastas a oportunidade de mostrar seu trabalho e demonstrar suas ações, os documentários feministas serão tão importantes quanto qualquer outro documentário. Não só isso, mas muitos documentários tendem a mostrar diferentes ativistas sociais que buscam uma mudança social, aumentando a conscientização e reforçando as cineastas.

Teto de celulóide

O Centro de Estudos das Mulheres na Televisão e no Cinema dedicou 18 anos ao estudo das mulheres na indústria cinematográfica. Um relatório anual é criado, discutindo como as mulheres contribuíram como cineastas. A maioria das descobertas da pesquisa mostra que, estatisticamente, ela diz o mesmo de ano para ano. Os filmes mais lucrativos dos últimos 20 anos, com exceção de filmes estrangeiros e reedições, foram monitorados e estudados pela Celluloid Ceiling para fornecer informações sobre as contribuições e o emprego das mulheres nesses filmes. De acordo com o Centro para o Estudo das Mulheres na Televisão e no Cinema da San Diego State University, em 2017, “as mulheres representavam 18% de todos os diretores, escritores, produtores, produtores executivos, editores e cinegrafistas que trabalhavam nas 250 maiores bilheterias nacionais filmes. "O mesmo estudo concluiu que, em 2017, 10 ou mais mulheres ocupavam um desses cargos em 1% dos filmes, em comparação com 10 ou mais homens contratados para esses cargos em 70% dos filmes. As informações do Celluloid Ceiling mostram que mais mulheres tendem a ser empregadas em projetos cinematográficos dirigidos por mulheres. Segundo o Duke Journal of Gender Law and Policy, "em filmes com pelo menos uma diretora feminina, 53% dos roteiristas eram mulheres. Por outro lado, em filmes com diretores homens, as mulheres representavam apenas 10% dos escritores. "Estatisticamente, as diretoras geralmente criam filmes sobre e para mulheres e contratam mulheres para assumir os papéis de personagens principais ou protagonistas. The Duke Journal of Gender Law and Policy além disso, descobriu que "em 2015, as mulheres representavam apenas 22% dos protagonistas e 18% dos antagonistas. Apenas 34% dos personagens principais e 33% de todos os personagens falantes nos 100 filmes de maior bilheteria nacional eram mulheres. "

O grupo também contribui com a criação de artigos que discutem como as mulheres são vistas no cinema, não apenas como cineastas, mas também como personagens de ficção.

Cinema feminino afro-americano

Julie Dash 's Daughters of the Dust (1991) foi o primeiro longa-metragem com lançamento nos cinemas geral escrito e dirigido por um americano Africano mulher. Desde então, várias mulheres africanas ou afro-americanas escreveram, produziram ou dirigiram filmes com lançamento nacional. Neema Barnette ( marca civil ), Maya Angelou ( Down in the Delta ), Kasi Lemmons ( Eve's Bayou ), Cheryl Dunye ( o pai do meu bebê ), Stephanie Allain ( motociclista Boyz ), Tracey Edmonds ( Soul Food ), Frances-Anne Solomon ( A Winter Tale ) e Dianne Houston ( City of Angels ), Leslie Harris ( Just Another Girl no IRT ) estão entre esses cineastas. Em 1994, Darnell Martin se tornou a primeira afro-americana a escrever e dirigir um filme produzido por um grande estúdio quando a Columbia Pictures apoiou I Like It Like That .

Até o momento, Nnegest Likké é a primeira mulher afro-americana a escrever, dirigir e atuar em um longa-metragem lançado por um grande estúdio, Phat Girlz (2006), estrelado por Jimmy Jean-Louis e Mo'Nique .

Para um relato muito mais completo da história mais ampla das cineastas negras, consulte o documentário de 62 minutos de Yvonne Welbon, Sisters in Cinema (2003).

Além disso, desde o início revolucionário do cinema, as cineastas negras têm lutado continuamente e ainda lutam para exibir seu trabalho em filmes de Hollywood. No entanto, isso não exclui o fato de que várias cineastas negras surgiram durante seu tempo e idade por causa de seu trabalho fenomenal nos bastidores. Jessie Maple é considerada uma das figuras mais reconhecidas pelos direitos civis da comunidade afro-americana e das mulheres negras na indústria cinematográfica. Sua carreira no cinema decolou quando ela trabalhou pela primeira vez como editora de cinema para o filme de drama policial Shaft's Big Score (1972) e The Super Cops (1974), que foi baseado em um livro. Ela continuou a trabalhar como editora de cinema por vários anos, mas acabou se tornando a única cameraperson do sindicato negro em seu tempo em Nova York. Com sua paixão devotada por cinema e ativismo crescendo a cada dia, Maple e seu marido, Leroy Patton, criaram a LJ Film productions, Inc. e quando estavam prestes a produzir vários curtas-metragens dentro da fronteira e do contexto da representação negra, como Black Economic Poder: realidade ou fantasia? (1977). Seus dois principais trabalhos, Will (1988) e Twice as Nice (1988), foram os primeiros filmes independentes criados e dirigidos exclusivamente por uma mulher afro-americana.

Alile Sharon Larkin é conhecida como diretora de cinema, produtora e escritora. Ela começou sua carreira no cinema enquanto fazia seu mestrado na UCLA em produção de cinema e televisão. Um de seus primeiros filmes, Your Children Come Back to You (1979) retrata o dilema contínuo que uma jovem afro-americana enfrenta ao escolher entre o desejo de sua tia de adotar um estilo de vida europeu enquanto sua mãe está estritamente intacta com suas raízes e cultura africanas . O segundo longa-metragem de Larkin, A Different Image (1982), ganhou seu reconhecimento e elogios populares e, por fim, ganhou o prêmio de primeiro lugar da Black American Cinema Society . Seu sucesso contínuo na indústria cinematográfica deu a ela o potencial e a oportunidade de formar seu próprio estúdio de produção a fim de criar e aprimorar vídeos educacionais e de televisão para crianças pequenas. Dreadlocks and the Three Bears (1992) e Mz Medusa (1998) são algumas das produções produzidas em seu estúdio durante a década de 1990.

África

A jornalista camaronesa Thérèse Sita-Bella dirigiu um documentário de 1963, Tam-Tam à Paris , e Sarah Maldoror , uma cineasta francesa de ascendência guadalupina, filmou o longa-metragem Sambizanga em Angola em 1972. Mas a primeira diretora de cinema africana a se internacionalizar reconhecimento foi a etnóloga senegalesa Safi Faye com um filme sobre a aldeia em que nasceu ( Carta da Aldeia , 1975). O Festival Internacional de Cinema Feminino de Créteil de 1989 incluiu curtas-metragens de Leonie Yangba Zowe da República Centro-Africana ( Yangba-Bola e Lengue , 1985) e Flora M'mbugu-Schelling da Tanzânia . Outras cineastas africanas incluem Anne Mungai , Fanta Régina Nacro ( A Noite da Verdade , 2004), Tsitsi Dangarembga ( Dia das Mães , 2004) e Marguerite Abouet , uma escritora de histórias em quadrinhos da Costa do Marfim que co-dirigiu um filme de animação baseado em sua história em quadrinhos : Aya de Yopougon (2012). O filme de maior sucesso da história de Nollywood , The Wedding Party , foi dirigido por Kemi Adetiba em 2016.

A camaronesa-belga Rosine Mbakam, que dirigiu dois documentários de longa-metragem, "As Duas Faces de uma Mulher Bamiléké" (2016) e "Chez Jolie Coiffure" (2018), foi descrita como "uma das principais cineastas do trabalho criativo de não-ficção agora mesmo."

Ásia

Índia

A indústria cinematográfica indiana tem sido um sucesso contínuo desde o início revolucionário de seus musicais e dramas familiares românticos. A maioria desses populares filmes “Masala” são geralmente dirigidos por homens. Os papéis femininos na indústria cinematográfica restringiam-se exclusivamente a atuar, cantar e dançar. No entanto, recentemente as mulheres se destacaram e assumiram a liderança como diretoras de sucesso, produzindo filmes que giram principalmente em torno de questões femininas na sociedade. Como a maioria das mulheres em todo o mundo, as Mulheres na Índia têm se esforçado para provar seu ponto de vista. Os filmes feitos por mulheres geralmente eram categorizados como filmes de arte ou filmes do cinema paralelo. As cineastas indianas não podiam ter acesso total a fundos e publicidade cinematográfica como os cineastas homens. O cinema mainstream na Índia consiste basicamente nos “ Filmes Masala ”, que inclui vários gêneros como comédia, ação, vingança, tragédia, romance combinados para criar um filme inteiro. As mulheres enfrentam continuamente lutas na tentativa de obter uma fração dos milhões de dólares gastos com esses filmes de masala. Isso força as mulheres a se afastarem do gênero masala para obter algum reconhecimento, o que muitas vezes pode causar controvérsias e levantar suspeitas. .

Diversas cineastas indianas conhecidas alcançaram um sucesso comercial surpreendente com seus filmes, incluindo Mira Nair , Aparna Sen , Deepa Mehta , Gurinder Chadha e Manju Borah . No entanto, há várias outras cineastas indianas que fizeram alguns filmes notáveis ​​que vão além do entretenimento; eles aproveitam sua plataforma para abordar uma série de questões sociais e políticas. Outras cineastas indianas notáveis ​​incluem Vijaya Nirmala , Nisha Ganatra , Sonali Gulati , Indu Krishnan , Eisha Marjara , Pratibha PJaaparmar , Nandini Sikand , Ish Amitoj Kaur , Harpreet Kaur , Leena Manimekalai e Shashwati Talukdar , Rima Das .

Deepa Mehta

Deepa Mehta é conhecida como uma cineasta transnacional cujo trabalho no cinema é reconhecido internacionalmente nos mais altos níveis. Seus filmes premiados e emocionantes foram exibidos em quase todos os principais festivais de cinema do mundo e são considerados favoritos entre muitos. Produziu o filme Heaven on Earth , em 2008, com estreia no Festival Internacional de Cinema de Toronto . Desde o seu lançamento, o filme se tornou uma ferramenta útil para profissionais que se especializam em assistir mulheres vítimas de abuso, olhando especificamente para as circunstâncias das mulheres imigrantes em ambientes abusivos, uma vez que foi exibido em conferências de procuradores, juízes e profissionais de saúde a fim de para ajudá-los a compreender melhor a situação dessas mulheres. Fire (1997) é a história de duas cunhadas que vão contra suas tradições e cultura com o objetivo de começar uma nova vida juntas. Quando o filme foi exibido pela primeira vez em Bombaim, ele causou uma reação de alguns partidos políticos, como o Shiv Sena . A maioria dos cinemas parou de exibir o filme por causa dos violentos ataques de multidões que causaram sérios danos à sala do teatro e às propriedades. Os agressores não queriam que o filme fosse exibido porque ia contra suas crenças e era uma violação da “cultura indiana”. A sociedade indiana ainda não está equipada para compreender e aceitar as relações gays e lésbicas em sua comunidade. Por outro lado, há quem elogie o filme de Mehta por mostrar as questões sociais que a Índia estava enfrentando.

Alguns de seus outros trabalhos bem conhecidos incluem sua trilogia elementar: Terra (1996), Fogo (1998), Água (2005), onde os valores masculinos dominantes e as práticas de opressão e exploração das mulheres são desafiadas nesta série de três partes convincente. O filme Terra de Mehta (1998) foi inspirado em " Cracking India ", de Bapsi Sidhwa , que era uma história sobre a partição Índia-Paquistão de 1947 e teve um desfecho bem-sucedido. Mehta começou a trabalhar em seu último filme, Water (2005) , em sua trilogia. O filme foi ambientado na década de 1930, quando a Índia lutava pela independência contra o domínio colonial britânico. O filme retrata um grupo de viúvas que lutam contra a pobreza na cidade de Varanasi . Também analisa a dinâmica entre uma das viúvas, que almeja se libertar das restrições sociais impostas às viúvas, e um homem de classe social inferior e seguidor de Mahatma Gandhi. Questões sociais feministas são destacadas, como maus-tratos a viúvas, misoginia religiosa e noivas crianças nas áreas rurais da Índia. Mehta foi forçado a interromper a produção do filme por causa do partido político de extremistas hindus em relação ao Bharatiya Janatha Party (BJP), respondeu afirmando que o filme mancha a imagem da Índia e foi associado na tentativa de organização da igreja cristã de se revoltar contra o hinduísmo . Ela recebeu uma indicação ao Oscar por Água em 2007. Outros filmes notáveis ​​dela são Bollywood / Hollywood (2002) e a adaptação de Midnight's Children (2012).

Mira Nair , uma talentosa e talentosa cineasta indiana, escreveu, produziu e dirigiu uma infinidade de documentários premiados. Sua capacidade única de provocar espectadores ocidentais e não ocidentais de várias maneiras a levou a ser vista como uma cineasta não tradicional que não tem medo de criar polêmica por meio de seu trabalho. So Far From India (1983) descreveu a história de um jovem imigrante indiano na cidade de Nova York e sua experiência angustiante de aculturação. Enquanto lida com suas próprias novas lutas na América, ele também tem que se preocupar com sua esposa grávida em casa. India Cabaret (1986), é um filme em estilo documentário que emprestou voz a strippers ou dançarinas de cabaré em Mumbai . Além desses trabalhos impressionantes, ela também tem uma lista de filmes em seu currículo; seu filme de estreia, Salaam Bombay! (1988), que detalhou a devastação urbana criada pela prostituição e pela pobreza, foi indicado ao Oscar de Melhor Filme Estrangeiro em 1988, ganhou o Prix du Publique para a entrada mais popular no Festival de Cannes , a Camera D'Or por melhor primeiro longa, além de 25 outros prêmios internacionais.

Haifa Al-Mansour

A maioria das cineastas na Índia tenta mudar a indústria cinematográfica trazendo questões sociais reais, em vez dos filmes massala convencionais pelos quais a Índia é conhecida. Daman (2001) é dirigido por Lajma, que decidiu assumir um tema único, mas distinto, aumentando a conscientização sobre o estupro conjugal. A atriz principal ganhou um prêmio por seu excelente desempenho bruto, que reviveu filmes indianos que tentam aumentar a conscientização sobre uma questão social séria.

Arábia Saudita

Haifa Al-Mansour é a primeira cineasta saudita e é considerada a criadora de filmes mais polêmica da Arábia Saudita, especialmente depois de seu filme icônico que gerou polêmica , Wadjda . Ela completou seus estudos de graduação na American University no Cairo, em seguida, continuou seu mestrado em produção cinematográfica na University of Sydney, na Austrália. Um de seus três curtas-metragens de sucesso, Mulheres Sem Sombras, inspirou centenas de cineastas sauditas em revolta, além de levantar questões sobre a questão da abertura pública dos cinemas na Arábia Saudita. Seus filmes têm sido celebrados e criticados pelo fato de seu trabalho trazer sérios temas sociais que os sauditas enfrentam em relação a sua cultura e tradições conservadoras.

Em Wadjda , o personagem principal, Waad Mohammed decide ir contra as normas sociais impostas a uma menina de dez anos no reino. Ela se torna uma pária por causa da bicicleta que ela anda em público. No entanto, o filme termina com uma nota leve e inspiradora que liberta Wadjda de todas as restrições sociais impostas a ela. Haifa al Mansour reflete uma parte da sociedade saudita que se recusa a aceitar o modo submisso de vida tradicional. No entanto, Wadjda promove uma quantidade de liberdade para os direitos femininos que precisam mais do que uma mudança da noite para o dia em uma cultura tão conservadora e restrita.

Japão

No Japão, por muito tempo, Kinuyo Tanaka foi a única mulher a fazer longas-metragens. Ela foi capaz de fazer isso contra uma resistência feroz porque desfrutava do status de atriz estrela. Usando convenções de gênero, ela mostrou mulheres "com uma afeição humorística rara no cinema japonês da época" (Philip Kemp).

Atualmente, a cineasta mais conhecida do Japão pode ser Naomi Kawase ; Em 2007, ela ganhou o Grand Prix em Cannes , enquanto Memórias de uma Figueira , a estreia na direção da conhecida atriz Kaori Momoi , viu a luz do dia em 2006. O filme de aventura sociócrita K-20: A Lenda da Máscara de Shimako Sato foi S um avanço em um orçamento maior; estrelou Takeshi Kaneshiro e foi lançado em todo o mundo.

Coreia do Sul

Da mesma forma, na Coreia do Sul , Yim Soon-rye conseguiu um sucesso de bilheteria com Forever the Moment , enquanto So Yong Kim recebeu alguma atenção por seu filme In Between Days e Lee Suk-Gyung fez o tema feminino e sutilmente feminista The Day After .

China

Um dos mais importantes cineastas da quinta geração da China é Ning Ying, que ganhou vários prêmios por seus filmes; em contraste com a polêmica sobre alguns de seus colegas de sexta geração, como Zhang Yimou , que foi acusado de ter esgotado seus ideais, Ning Ying passou a realizar pequenos filmes independentes com temas fortemente ligados ao cotidiano chinês, portanto, também um elo entre a 5ª e a 6ª geração. A Sexta Geração tem visto um número crescente de cineastas como Liu Jiayin , mais conhecida por seu filme Oxhide , e Xiaolu Guo ; em 2001, Li Yu causou um grande rebuliço com sua história de amor lésbica Fish and Elephant .

A cineasta mais famosa de Hong Kong é, sem dúvida, Ann Hui , que fez uma grande variedade de filmes, do gênero wuxia ao drama; Ivy Ho e a taiwanesa Sylvia Chang também são nomes conhecidos na indústria de Hong Kong, enquanto em Taiwan o cineasta queer Zero Chou foi aclamado em festivais ao redor do mundo.

Lindan Hu documentou o ressurgimento pós- Mao do desejo feminino no cinema feminino dos anos 1980 na China continental. Os filmes que Hu considera são Enfermeira do Exército dirigido por Hu Mei e Mulheres na Longa Marcha dirigida por Liu Miaomiao .

Malásia

Yasmin Ahmad (1958–2009) é considerado um dos diretores mais importantes da Malásia ; originalmente uma diretora comercial, ela mudou para o cinema relativamente tarde e ganhou aclamação internacional ao mesmo tempo em que gerou polêmica entre os conservadores em seu país natal.

Paquistão

No Paquistão, onde a indústria cinematográfica não é muito grande, alguns diretores proeminentes e brilhantes estão trabalhando. A indústria do cinema convencional conta com diretores como Sangeeta e Shamim Ara que fazem filmes com temas feministas. Especialmente para crédito de Sangeeta, existem alguns filmes baseados em questões. Agora, alguns novos diretores da indústria da televisão também estão chegando ao meio de filmes. Sabiha Sumar e Mehreen Jabbar são dois novos nomes para filmes no Paquistão e estão fazendo filmes brilhantes. Ambos os realizadores fizeram filmes não apenas temáticos, abordando questões nacionais, mas também ganharam prémios internacionais em diferentes festivais de cinema.

Irã

Rakhshan Bani-Etemad , escritora e diretora, é provavelmente a cineasta mais conhecida e certamente a mais prolífica do Irã. Ela se estabeleceu como a estadista mais velha do cinema iraniano com documentários e filmes que tratam da patologia social. O poeta iraniano contemporâneo Forugh Farrokhzad (1935-1967) também foi cineasta. Seu filme mais conhecido é The House is Black (Khane siah ast, 1962), um documentário sobre uma colônia de leprosos no norte do Irã. Samira Makhmalbaf dirigiu seu primeiro filme, The Apple, quando tinha apenas 17 anos e ganhou o Prêmio do Júri de Cannes em 2000 pelo filme seguinte, The Blackboard . Sua madrasta Marzieh Meshkini fez "O dia em que me tornei uma mulher" e a irmã de Samira, Hana Makhmalbaf, começou sua carreira com "The Joy of Madness", um documentário de bastidores sobre o filme de Samira " At Five in the Afternoon ", e posteriormente fez dois longas-metragens, Buda Desmoronou da Vergonha e "Dias Verdes", filme sobre a Revolução Verde que foi proibido no Irã.

Sri Lanka

Sumitra Peries é uma diretora de cinema veterana do cinema do Sri Lanka e esposa do grande Lester James Peries . Ela também ocupou o cargo de embaixadora do Sri Lanka na França, Espanha e nas Nações Unidas no final da década de 1990.

Inoka Sathyangani é um diretor de cinema e produtor do Sri Lanka aclamado internacionalmente. No ano de 2002, ela recebeu vários prêmios de número por seu trabalho inaugural Sulang Kirilli, que trata do tema do aborto. O filme garantiu o maior número de prêmios ganhos por um único filme na história da indústria cinematográfica do Sri Lanka.

Mulheres latino-americanas no cinema

Colômbia

Marta Rodriguez é uma documentarista colombiana.

Argentina

Embora as mulheres tenham desempenhado um papel "mínimo" no desenvolvimento do cinema na Argentina, duas mulheres pioneiras foram a diretora María Luisa Bemberg e a produtora Lita Stantic . Lucrecia Martel é uma figura importante da "buena onda" argentina, o novo cinema pós-crise econômica. Lucia Puenzo é a outra diretora argentina contemporânea de destaque. Cada um deles fez três recursos até o momento (2014). Além disso, María Victoria Menis escreveu e dirigiu vários filmes aclamados pela crítica, incluindo La cámara oscura (2008) e María y el araña (2013).

Brasil

O cinema brasileiro tem várias cineastas cujas obras datam da década de 1930. A era mais prolífica das diretoras brasileiras se desenrola a partir da década de 1970. Alguns nomes contemporâneos incluem: Ana Carolina , Betse De Paula, Carla Camurati , Eliane Caffé , Helena Solberg , Lúcia Murat , Sandra Kogut , Suzana Amaral e Tata Amaral .

México

Mariana Chenillo se tornou a primeira diretora mulher a ganhar o Prêmio Ariel de Melhor Filme em 2010.

Mulheres cineastas da América Latina, especificamente do México, sofrem com o abandono absoluto da indústria cinematográfica e do público. Mimí Derba fundou uma das primeiras produtoras mexicanas, a Azteca Filmes. Ela teve uma carreira de sucesso no vaudeville antes de entrar no cinema. Derba foi a primeira diretora feminina do México. Então Matilde Landeta foi uma cineasta e roteirista mexicana, que foi a primeira mulher a servir nesses papéis durante a Idade de Ouro do cinema mexicano . Seus filmes se concentraram na representação de protagonistas femininas fortes e realistas em um mundo patriarcal. Landeta ganhou o Prêmio Ariel em 1957 de Melhor História Original pelo filme El camino de la vida, que coescreveu com seu irmão Eduardo. O filme também ganhou o Ariel de Ouro de 1957, o Filme Ariel de Prata de Grande Interesse Nacional e Melhor Direção e dois outros prêmios em 1956 no Festival Internacional de Cinema de Berlim sob o nome de Alfonso Corona Blake . Nas décadas de 1980 e 1990, as coisas começaram a mudar. As cineastas mexicanas finalmente tiveram a oportunidade de criar e produzir longas-metragens profissionais. Os dois mais populares seriam El secreto de Romeila (1988), dirigido por Busi Cortés e Los pasos de Ana (1990), de Marisa Sistach. Esses dois filmes foram considerados as portas que abriram oportunidades para cineastas no México, bem como criaram um novo gênero com o qual as pessoas não estavam familiarizadas, rotulado como 'cinema feminino'. O crescimento fenomenal do 'cinema feminino', não apenas significou que haveria uma expansão infinita na lista de nomes femininos como cineastas ou criadores; na realidade, criou um gênero cinematográfico assustador ao objetivar as mulheres, bem como deslocá-las dentro da indústria cinematográfica.

Arcelia Ramírez atriz mais conhecida por Verónica (2017), Instruções Não Incluídas (2013) e Tal É Vida (2000).

A maioria das cineastas do México se reconhece como feminista. A principal razão para muitas delas se comprometerem a ser cineastas era retratar histórias de mulheres em sua essência original e verdadeira, bem como se esforçar para readaptar papéis femininos na tela mexicana. De acordo com Patricia Torres San Martín, uma ilustre acadêmica de cinema, há um novo tema emergindo na indústria cinematográfica mexicana que é conhecido como a 'nova identidade feminina'. Essa nova mudança estrutural no cinema criou uma mudança cultural geográfica no México devido ao seu novo conceito revelador que surgiu na indústria cinematográfica. Um dos primeiros curtas-metragens de Maria Novaro (obra escolar: An Island Surrounded by Water , 1984) foi adquirido pelo Museu de Arte Moderna de Nova York para sua coleção permanente de filmes e distribuído nos Estados Unidos pela Women Make Movies. O filme de 1994 de Maria, El Jardín del Edén (O Jardim do Éden), obteve uma segunda indicação ao Prêmio Ariel de Melhor Filme, o primeiro para uma mulher no México. No Jardim do Éden, três mulheres muito diferentes se encontram na cidade fronteiriça mexicana-americana de Tijuana, cada uma com seu próprio objetivo. As mulheres: a lutadora artista Elizabeth ( Rosario Sagrav ), Jane ( Renée Coleman ), que está procurando seu irmão, e Serena ( Gabriela Roel ), uma viúva que acaba de chegar à cidade com sua família a reboque. Embora o trio venha de diferentes origens culturais - Serena é mexicana, Jane é americana e Elizabeth é mexicana-americana - todas as três estão igualmente em busca de uma nova direção.

Mariana Chenillo se tornou a primeira diretora mulher a ganhar o Prêmio Ariel de Melhor Filme em 2010 pelo filme O Testamento de Nora . O Ariel é o Prêmio da Academia Mexicana de Cinema. No cinema, é considerado o equivalente mexicano ao Oscar ("Oscar") dos Estados Unidos. O filme dá uma fotografia misteriosa deixada debaixo da cama que levará a um desfecho inesperado que nos fará lembrar que às vezes as maiores histórias de amor estão escondidas nos menores lugares. Issa López escreveu os roteiros de diversos longas-metragens, três deles produzidos no México pelo Major Hollywood Studios e dois deles dirigidos por ela mesma; Efectos Secundarios ( Warner Bros. , 2006) e Casi Divas Almost Divas ( Sony Pictures , 2008). Casi Divas é o único filme mexicano com trilha sonora do aclamado compositor de Hollywood Hans Zimmer . Faz dela uma cineasta mexicana, um para assistir.

Europa

Bulgária

Binka Zhelyazkova foi a primeira mulher búlgara a dirigir um longa-metragem com Life Flows Quietly By ... em 1957 e foi uma das poucas mulheres em todo o mundo a dirigir longas-metragens nos anos 1950.

Irina Aktasheva, uma russa, fez vários filmes búlgaros durante as décadas de 1960 e 1970, incluindo Monday Morning em 1965. Radka Bachvarova foi uma diretora de animação búlgara. Lada Boyadjieva teve dois filmes concorrendo à Palma de Ouro de Curta-Metragem em 1961 e 1962 . Ivanka Grybcheva fez filmes nas décadas de 1970 e 1980.

Dinamarca

O primeiro longa-metragem dinamarquês dirigido por uma mulher foi Ud i den kolde sne, de 1934, dirigido por Alice O'Fredericks , que viria a ser um dos diretores dinamarqueses mais prolíficos. Ela inicialmente co-dirigiu seus filmes com Lau Lauritzen Jr. , mas na década de 1940 ela começou a dirigir filmes por conta própria. Ela é creditada por ter dirigido mais de 70 longas-metragens, bem como roteirizado de roteiros para mais de 30 filmes, tornando-se uma das diretores mais produtivos do cinema dinamarquês e entre seus filmes mais memoráveis ​​estão Far til Fire -films e a filmatização de os romances de Morten Korch , todos muito populares durante a Idade de Ouro do Cinema Dinamarquês . Ela também é conhecida por seus filmes enfocando as mulheres e os direitos das mulheres.

Na década de 1940, a atriz Bodil Ipsen e a roteirista Grete Frische juntaram-se a O'Fredericks na direção de longas-metragens convencionais. Ipsen iria, no final de sua carreira, co-dirigir com Lau Lauritsen Jr. e Fische iria co-dirigir Så mødes vi hos Tove com O'Fredericks.

Outros prolíficos diretores dinamarqueses incluem Astrid Henning-Jensen , que se tornou a primeira diretora mulher a ser indicada ao Oscar com Paw , Susanne Bier , a primeira diretora mulher a ganhar um Globo de Ouro , um Oscar, um Emmy e um Filme Europeu Award e Lone Scherfig , cujos filmes foram indicados ao Oscar, BAFTAs e ao European Film Award .

O mais antigo prêmio de cinema dinamarquês é nomeado Bodil Award em homenagem a Bodil Ipsen e Bodil Kjer , e o Alice Award , que é concedido à melhor diretora feminina no Festival Internacional de Cinema de Copenhague, é nomeado em homenagem a Alice O'Fredericks.

França

Na era do cinema mudo, as cineastas francesas foram proeminentes, Alice Guy-Blaché dirigiu cerca de 700 filmes e é responsável por introduzir a forma narrativa. Germaine Dulac foi uma das mais criativas cineastas de arte e passou a ser a líder do movimento cinéclub francês. Marie-Louise Iribe deixou de ser atriz e passou a ser dona de uma produtora e diretora de longas-metragens importantes.

Agnes Varda

Durante a "idade de ouro" do cinema francês "clássico", Jacqueline Audry foi a única mulher a dirigir filmes comerciais. Em 1959 escritor Marguerite Duras escreveu o roteiro de Alain Resnais " Hiroshima Mon Amour . Ela começou a dirigir com La Musica em 1966. Entre as cineastas francesas mais conhecidas estão Agnès Varda , Claire Denis , Diane Kurys , Danièle Huillet , Nelly Kaplan e Catherine Breillat . O trabalho de muitas outras cineastas francesas raramente é exibido fora da França. Outros incluem Zabou Breitman, Julie Delpy , Virginie Despentes , Valérie Donzelli , Pascale Ferran, Alice Guy-Blaché, Maïwenn (Le Besco), Mia Hansen-Love, Agnès Jaoui, Isild le Besco, Noémie Lvovsky, Tonie Marshall, Christelle Raynal, Céline Sciamma, Coline Serreau e Danièle Thompson.

O cinema da França é um dos países mais fortes na formação de filmes. É o berço do cinema que contribuiu tanto para a expressão artística como para o próprio processo de produção cinematográfica. São três cineastas pioneiras que deixaram sua herança e registraram sua história no começo, no meio e no fim. Diretora feminina, Alice Guy existia durante o nascimento do cinema. Germain Dulac girou em torno do cinema de vanguarda durante a década de 1920. Por fim, Agnés Varda (1954) acompanha o movimento da Nova Vaga . Todos os três cineastas chegaram ao poder pelos mesmos caminhos. Alice Guy foi secretária de Leon Gaumont antes de fazer seu primeiro filme, que foi um ano depois do nascimento do cinema, 1854 para ser mais exato. Por outro lado, Germain Dulac estudou música primeiro, depois se tornou um lógico de cinema e jornalista. Ela se concentrou de perto na fotografia estática pouco antes de fazer seu primeiro filme em 1926. Enquanto, Agnés Varda fascinou com a história da arte no início, mas depois foi para o cinema e a fotografia em 1954. Todos esses fundos prematuros os tornaram poderosos mais tarde, através da prática e do trabalho árduo, são capazes de distinguir técnicas cinematográficas diferentes e criativas. Todos eles têm a mesma crença na linguagem cinematográfica, na qual o cinema pertence às mãos de uma mulher e que o cinema é a sua própria ferramenta tecnológica para espaçar as coisas da maneira que desejarem.

Como Alice Guy trabalhava para a Gaumont, ela era responsável no lado da produção da empresa por ser a diretora, a cineasta e a manjedoura do set. De secretária a chefe, ela havia criado 406 filmes durante esse período. A maioria de seus filmes tinha entre 20 e 90 minutos, um filme a ser criado para tanto durante esse tempo seria considerado um curta-metragem, mas saber o fato de que foi feito antes é excepcional durante os primeiros anos. Alice Guy teve a chance de rodar alguns de seus filmes de uma maneira diferente da do precursor de Gaumont, os Irmãos Lumiere . Os irmãos estavam mais interessados ​​em fazer filmes que mostrassem o que as câmeras podem capturar e não o que expressam. Por exemplo, tiros de trens ou militares marchando repetidamente. Guy não estava tão interessado na repetitividade nos filmes, embora ela fosse ligeiramente influenciada por eles, ela decidiu pensar em algo melhor e cômico. Aqui, ela deu um monte de curtas-metragens de comédia para Gaumont e aprovou seus filmes. Esse foi o primeiro passo para ser pioneiro. Isso permitiu que ela experimentasse o lado futurista do cinema. Um ano depois de sua apresentação de curtas-metragens, eles se tornaram um sucesso completo. Seu filme La Passion ou La Vie du Christ foi uma obra de arte na qual ela trabalhou durante anos. Isso incluiu vinte e cinco sets junto com um número de áreas externas e cerca de trezentas cenas de multidão.

Na época em que Germain Dulac estava filmando para fazer seu primeiro filme em 1916, a indústria cinematográfica na França estava em um estado incomum por causa do boom inicial que aconteceu em 1901-1904. Durante 1910, cerca de sessenta a setenta por cento dos filmes foram enviados para todo o mundo a partir de Paris, no entanto, durante 1914 a indústria começou a declinar esses filmes porque faltava investimento e ferramentas de produção para as práticas. Mais tarde, ao longo dos anos, em 1920, o novo cinema na França começou por causa do cinema de vanguarda e do primeiro movimento da teoria do cinema, no qual Dulac se interessou. Dulac começou como jornalista para revistas feministas chamadas La Fraciase e La Fronde , que mais tarde combinou com o interesse pela fotografia que a fez pensar e fazer ligações entre a lente da câmara e o feminismo. Ela tinha uma forte crença no cinema, ela sabia que o cinema pode demonstrar muito significado através de uma lente. Usar a cinematografia era uma forma de expressar estruturas rítmicas e significados no cinema. Ela foi muito influenciada pela música em sua infância, na qual se incorporou aos filmes para ver visualmente o movimento da música. Ela fez seus filmes soarem poéticos para mostrar e expressar emoções e até teve o pensamento de representar as mulheres a partir de sua inspiração de ser uma jornalista feminista. O trabalho de Dulac a fez implantar a ideia de escrever para o cinema para poder marcar a subjetividade feminina. Ela também foi muito inspirada por Guy e pegou uma de suas técnicas de fotografia em movimento e deu a ela uma voz feminina. Um dos filmes pelos quais ela é famosa se chama La Souriante Madame Beudet ( A Sorridente Madame Beudet ), criado em 1923. Este filme é considerado um dos melhores filmes feministas que existe. Ele gira em torno da ideia de ter uma mulher trabalhadora em um relacionamento indesejado.

O trabalho de Agnes Varda centra-se em relacionar os seus filmes com a vida, ela faz com que os seus factos fictícios e não fictícios sejam mostrados através do filme. Ela mostra a vida de uma pessoa internamente e fora do mundo para poder provar a realidade da vida. Varda estruturou um de seus filmes tendo narrações lado a lado, ou seja, duas narrações ao mesmo tempo. O primeiro atributo estrutural que ela usou para filmar foi a objetividade, que mostrava distanciamento da história real. Sem objetividade haveria subjetividade em seus filmes, o que mais tarde faria a objetividade parecer arranjada e irreal. Alguns de seus filmes não mostram profundidade porque ela própria está desligada dos personagens. A maioria dos personagens mostrados não são tão centrais quanto quaisquer outros personagens em um filme que o espectador verá, ela dramatiza a narração já do que ela é dramatizada. Em seu filme, La Pointe Courte, ela decidiu fazer parecer diferente para que o público avaliasse seu filme de forma eficaz.

Alemanha

The Economist escreveu sobre Leni Riefenstahl que Triunfo da Vontade "selou sua reputação como a maior cineasta do século 20".

As cineastas alemãs Helke Sander e Cristina Perincioli também são pioneiras do movimento feminista. Outras cineastas proeminentes incluem Margarethe von Trotta e Helma Sanders-Brahms . Monika Treut também ganhou reconhecimento por suas representações de sexualidade queer e alternativa. As diretoras contemporâneas de língua alemã notáveis incluem Maren Ade , Barbara Albert , Doris Dörrie , Frauke Finsterwalder , Katja von Garnier , Jessica Hausner , Nicolette Krebitz , Caroline Link e Angela Schanelec .

Os filmes feministas alemães foram ajudados e elogiados por todos os tipos de organizações; Festivais, cinemas só para mulheres (Frauenkino), jornal "frauen und film", associação de cineastas ... Aqueles tendiam a ser exclusivamente femininos, argumentando que queriam trazer equilíbrio. Objetivos diferentes foram perseguidos com essas organizações: mais atenção, mais discussão e reivindicações como 50% do subsídio permitido aos cineastas deveriam ser dados a cineastas.

Hungria

Na Hungria, Marta Meszaros faz filmes importantes há décadas.

Itália

Elvira Notari foi uma pioneira do cinema italiano, seguida por outras proeminentes cineastas como Lina Wertmüller e Liliana Cavani .

Bélgica

Chantal Akerman foi uma notável diretora belga. Seu filme mais conhecido é Jeanne Dielman, 23 quai du Commerce, 1080 Bruxelles (1975).

Noruega

Novas cineastas norueguesas

As cineastas norueguesas não chamavam muita atenção do público e, portanto, estavam sendo negligenciadas. Com esta geração atual, muitas cineastas norueguesas mostraram um desenvolvimento corajoso, provando a importância das cineastas. As diretoras de cinema Anja Breien , Vibeke Lokkeberg e Laila Mikkelsen são consideradas as principais cineastas que mostraram grande avanço nos filmes noruegueses. A maioria dos documentários apresenta críticas cruciais sobre a discriminação de mulheres. Esses três líderes mostraram a diferença entre a atual geração de cineastas da Noruega e suas gerações anteriores. Aspectos sociais e econômicos são duas categorias que levaram as mulheres a se tornarem cineastas. Brien, Lokkeberg e Mikkelsen foram fortemente influenciados por cineastas do sexo masculino e adaptaram algumas técnicas de cinema em seus próprios documentários.

Importantes diretores do sexo masculino, como Tancered Ibsen e Arne Skouen, são as duas figuras mais proeminentes que viveram nos Estados Unidos para aprender e emprestar diferentes técnicas e estilos de cinema. Por exemplo, Ibsen percorreu áreas nos Estados Unidos, como Hollywood, para aprender diferentes técnicas estilísticas. Uma técnica que ele emprestou foi o som sincronizado, que incorporou em muitos filmes. Mais tarde, Skouen também conhecido como jornalista, surgiu para coletar algumas dessas técnicas e adotá-las em alguns de seus próprios filmes, o que o ajudou a se tornar não apenas um cineasta, mas também um crítico e romancista. A maior parte do trabalho de Skouen é mostrada com atores homens e algumas mulheres. Seus filmes são geralmente baseados em personagens heróicos que mostram liderança e ação masculina. Um dos filmes que criou chama-se Nine Lives , que se baseia na personagem de um grupo que pretende destruir uma torre aérea. Enquanto, o trabalho de Ibsen geralmente mostra um pouco mais de figuras femininas em seus filmes de comédia que se concentram nos padrões sociais. Para ele, a caracterização é o componente chave para fazer filmes de sucesso. Ele prefere filmar cenas por causas naturais ou condições climáticas diferentes. É aqui que as três principais líderes femininas aparecem. Essas duas importantes figuras masculinas foram o que fizeram os três diretores de cinema tomarem emprestadas essas técnicas criativas. Por exemplo, as técnicas usadas por Ibsen nas filmagens de ambientes externos e longas tomadas de câmera se voltaram para Brein, no qual ela incorporou em seus próprios filmes, como Witch Hunt. Por outro lado, os estilos de filmagem de Skouen sobre questões sociais foram usados ​​pelo filme de Mikkelsen chamado Growing Up e The Story of Kamilla de Lokkeberg . A partir disso, podemos ver uma grande mudança de diretoras do passado para o presente. Os filmes que eles criaram são exibidos e caracterizados como o principal e o centro das atenções. Existem semelhanças com os diretores homens, que era o uso de técnicas, mas as diferenças são as abordagens que as diretoras estão tentando transmitir.

Portugal

O filme Gloria , da editora e realizadora portuguesa Manuela Viegas , de 1999 , estreado em competição na 57ª Berlinale , é considerado no seu país o clímax de um cinema de sensibilidade feminina. Outras cineastas portuguesas incluem Teresa Villaverde , Catarina Ruivo , Raquel Freire , Margarida Gil , Cláudia Tomaz e Rita Azevedo Gomes . A actual Presidente da Associação Portuguesa de Directores é Margarida Gil .

Espanha

Ana Mariscal foi uma pioneira entre as cineastas espanholas. Ela também foi uma atriz prolífica nas décadas de 1940 e 1950. No início dos anos 1950 ela se tornou produtora e logo depois começou a dirigir e escrever seus próprios filmes. Seu filme mais conhecido talvez seja El camino (1963), uma adaptação do romance de Miguel Delibes . Outros filmes incluem Segundo López, aventurero urbano (1953) inspirado no neo-realismo italiano ou Con la vida hicieron fuego (1959), sobre um ex-combatente da facção republicana que tenta começar uma nova vida enquanto luta contra as memórias assombrosas da Guerra Civil Espanhola .

Josefina Molina , também romancista, iniciou sua carreira na década de 1960. Ela foi a primeira mulher a se formar na Escola Nacional de Cinema da Espanha em 1967. Seu prolífico currículo na TV inclui a minissérie de grande sucesso Teresa de Jesús (1984), uma dramatização da vida de Teresa de Ávila . Seus trabalhos no cinema incluem Vera, un cuento cruel (1974), Función de noche (1981) ou Esquilache (1989), que participou do 39º Festival Internacional de Cinema de Berlim .

Pilar Miró foi uma célebre diretora e roteirista de cinema e TV, cujos trabalhos notáveis ​​incluem Gary Cooper, Who Art in Heaven (1980), Prince of Shadows (1991), que ganhou o Urso de Prata por excelente contribuição artística no 42º Festival Internacional de Cinema de Berlim e El perro del hortelano (1996), uma adaptação de uma peça de Lope de Vega que ganhou 7 prêmios Goya, incluindo Melhor Filme e Melhor Diretor. Ela também foi responsável pela TVE de transmissão nacional da Espanha de 1986 a 1989.

Icíar Bollaín estreou-se como atriz ainda adolescente sob a direção de Víctor Erice em El sur (1983). Ela passou a dirigir e escrever em 1995 com Hola, ¿estás sola? o que lhe rendeu uma indicação ao Prêmio Goya de Melhor Novo Diretor . Sua filmografia subsequente inclui Flores de otro mundo (1999), vencedora do prêmio Grand Prix na Semana Internacional da Crítica no Festival de Cannes de 1999 , Te doy mis ojos (2003), que lhe rendeu um Prêmio Goya de Melhor Diretor e uma indicação para um European Film Award de Melhor Diretor ou Even the Rain (2010), que foi selecionado em janeiro para o Oscar de Melhor Filme Estrangeiro .

Isabel Coixet dirigiu vários comerciais durante os anos 1990 para clientes como IKEA , Pepsi ou Ford . Ela costuma filmar em inglês com atores internacionais. Alguns de seus filmes mais conhecidos incluem My Life Without Me (2003), estrelado por Sarah Polley , Mark Ruffalo , Scott Speedman e Deborah Harry , The Secret Life of Words (2005), mais uma vez estrelado por Polley, bem como Tim Robbins e Julie Christie , um segmento no filme omnibus Paris, je t'aime (2006) e a adaptação de Philip Roth Elegy (2008) estrelada por Ben Kingsley , Penélope Cruz , Dennis Hopper e Patricia Clarkson .

Gracia Querejeta foi aclamada por seus dramas ensemble By My Side Again (1999), Héctor (2004) e Seven Billiard Tables (2007). Ela também dirigiu documentários e episódios de TV.

Outros cineastas notáveis ​​incluem María Ripoll ( sopa de tortilla , O homem com chuva em seus sapatos ), Patricia Ferreira, Chus Gutiérrez, María Lidón também conhecida como Luna ( encalhada: Náufragos , Moscou Zero ), Rosa Vergés, Lydia Zimmermann ou Laura Mañá.

Reino Unido

Joy Batchelor foi uma animadora, diretora, roteirista e produtora inglesa. Casou-se com John Halas em 1940 e, posteriormente, co-fundou os desenhos animados Halas e Batchelor , cuja produção mais conhecida é o longa-metragem Animal Farm (1954), que a tornou a primeira mulher diretora de um longa-metragem desde Lotte Reiniger .

Muriel Box foi uma roteirista e diretora inglesa, dirigindo seu primeiro filme em 1941.

Na Grã-Bretanha, Jane Arden (1927–82), seguindo seu drama de televisão The Logic Game (1965), escreveu e estrelou o filme Separation ( Jack Bond 1967), que explora a paisagem mental de uma mulher durante uma separação conjugal. Arden passou a ser a única mulher britânica a ganhar um crédito solo de direção de longa-metragem por The Other Side of the Underneath (1972), um estudo perturbador da loucura feminina filmado principalmente em South Wales. O trabalho abertamente feminista de Arden foi negligenciado e quase perdido até que o British Film Institute redescobriu e relançou seus três filmes , e o curta Vibration (1974), em 2009.

Andrea Arnold ganhou um Oscar de 2005 pelo curta Wasp e ganhou duas vezes o Prêmio do Júri no Festival de Cinema de Cannes, em 2006 por Red Road e em 2009 por Fish Tank .

Dois dos primeiros curtas-metragens de Lynne Ramsay ( Small Deaths e Gasman ) ganharam o Prêmio do Júri no Festival de Cinema de Cannes e seus quatro filmes subsequentes, Ratcatcher (1999), Morvern Callar (2002), We Need to Talk About Kevin (2011) e You Were Never Really Here (2017) foram exibidos no Festival de Cannes.

Georgina Willis fez sua estreia em Cannes com o polêmico filme feminista Watermark

. Mamma Mia! dirigido por Phyllida Lloyd se tornou o 5º filme de maior bilheteria de 2008 e o filme de maior bilheteria de todos os tempos no Reino Unido. O próximo filme de Lloyd, a cinebiografia de Margaret Thatcher, The Iron Lady (2012), arrecadou US $ 114 milhões em todo o mundo. Debbie Isitt dirigiu filmes de grande sucesso, incluindo "Confetti" e "Nativity!" trilogia.

Cinenova é uma organização com sede em Londres que distribui filmes produzidos por mulheres.

Sally Potter é uma proeminente cineasta feminista britânica. Georgina Willis é diretora e fotógrafa cujo primeiro filme foi selecionado para Cannes Watermark

Os cineastas britânicos Ngozi Onwurah e Pratibha Parmar exploram os legados do colonialismo.

Parcialmente como resultado do financiamento do UK Film Council (dissolvido em 2010), uma nova geração de cineastas britânicas surgiu no século 21, incluindo Penny Woolcock , Carol Morley , Joanna Hogg , Clio Barnard , Sally El Hosaini , Amma Asante e Tina Gharavi . Os artistas da galeria Gillian Wearing e Sam Taylor-Wood mudaram-se para o cinema, com Taylor-Wood (agora Taylor-Johnson) nomeado como o diretor da adaptação de Fifty Shades of Grey .

Austrália

Filmes góticos australianos

Os filmes góticos incorporam elementos góticos e podem ser inseridos em diferentes gêneros, como terror, romance, ficção científica e comédia. Os filmes góticos australianos têm sido um gênero comum desde os anos 1970. Filmes góticos australianos significam fazer filmes que são diversos e usam técnicas de câmera de maneiras diferentes para questionar o que o público pode perceber. Um dos filmes góticos australianos criados por cineastas: Suzan Dermody e Elizabeth Jacka, chamado The Screening of Australia (1987) , mostra diferentes termos temáticos estilísticos e foi o mais bem-sucedido em mostrar o que é chamado de ocker. O ocker é um termo para descrever um homem selvagem australiano. Fora isso, há uma forte relação entre os filmes góticos australianos e a literatura gótica. Os personagens e as ações que acontecem em um romance gótico são transformados em um filme gótico. A maioria dos romances góticos durante a década de 1970 se referia a personagens femininas e seus valores culturais australianos. Embora o filme Picnic at Hanging Rock (1975) tenha sido dirigido por um cineasta, ele foi escrito por uma contadora de histórias Joan Lindsay . Lindsay decidiu fazer este filme culturalmente relacionado às questões da sociedade australiana do dia-a-dia. Seu filme incluiu materiais góticos e deu um toque de terror que mais tarde o diretor mostrará através da mise-en-scene e da cinematografia. O uso de materiais góticos foi oferecido pelos cineastas Dermody e Jacka a outros filmes góticos australianos que se abriram para uma análise mais temática. Outros filmes góticos foram feitos para ampliar as características e recursos australianos, um filme chamado Smoke Em If You Got 'Em (1988), produzido por Jennifer Hooks, apresentou o protagonista de uma forma horrível sobrenatural, mas também adicionou um toque cômico para não perder sua caracterização do estilo do filme.

Filmes (seleção)

1890 a 1940

1950 a 1960

Década de 1970

Década de 1980

Década de 1990

Década de 2000

Década de 2010

Década de 2020

Festivais de cinema

Veja também

Referências

Fontes

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Diários

links externos