Mulheres artistas - Women artists

Bridget Riley , Bolt of Color , 2017–2019 Chinati Foundation , Marfa, Texas
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Embora as mulheres artistas tenham estado envolvidas na produção de arte ao longo da história, seu trabalho, quando comparado ao de seus colegas homens, tem sido frequentemente ofuscado, esquecido e subestimado. O cânone ocidental tem valorizado historicamente o trabalho dos homens em detrimento das mulheres. Muitas das obras femininas também foram erroneamente atribuídas a artistas homens. O reconhecimento generalizado do trabalho das artistas femininas tem se acelerado à medida que elas continuam a produzir trabalhos que complicam e desafiam o entendimento de cada um. Os estereótipos predominantes sobre os sexos fizeram com que certos meios de comunicação, como artes têxteis ou de fibras , fossem principalmente associados às mulheres, apesar de já terem sido categorias, como a arte da cerâmica , da qual homens e mulheres participaram. Além disso, as formas de arte que ganharam essa distinção são, como no caso das artes têxteis e de tecidos, rebaixadas a categorias como " artes e ofícios ", em vez de belas-artes .

As mulheres na arte enfrentam desafios devido aos preconceitos de gênero no mundo das artes plásticas. Freqüentemente, eles encontraram dificuldades para treinar, viajar e comercializar seu trabalho, bem como para obter reconhecimento. Começando no final dos anos 1960 e 1970, artistas feministas e historiadores da arte criaram um movimento de arte feminista que aborda abertamente o papel das mulheres, especialmente no mundo da arte ocidental , como a arte mundial é percebida, avaliada ou apropriada de acordo com o gênero. Além disso, explora o papel das mulheres na história da arte e na sociedade.

Era pré-histórica

Pinturas rupestres de Gwion Gwion encontradas na região noroeste de Kimberley, na Austrália Ocidental

Não há registros de quem foram os artistas das eras pré-históricas, mas estudos de muitos dos primeiros etnógrafos e antropólogos culturais indicam que as mulheres costumavam ser as principais artesãs nas culturas neolíticas , nas quais criavam cerâmica , tecidos, cestas, superfícies pintadas e joias . A colaboração em grandes projetos era comum, senão típica. A extrapolação para as obras de arte e habilidades da era paleolítica sugere que essas culturas seguiram padrões semelhantes. As pinturas rupestres dessa época costumam ter impressões de mãos humanas, 75% das quais são identificáveis ​​como femininas.

Arte cerâmica

Há uma longa história da arte da cerâmica em quase todas as culturas desenvolvidas e, muitas vezes, os objetos de cerâmica são todas as evidências artísticas deixadas de culturas desaparecidas, como a da cultura Nok na África há mais de 3.000 anos. As culturas especialmente notadas para a cerâmica incluem as culturas chinesa , cretense , grega , persa , maia , japonesa e coreana , bem como as culturas ocidentais modernas. Há evidências de que a cerâmica foi inventada de forma independente em várias regiões do mundo, incluindo o Leste Asiático, a África Subsaariana, o Oriente Próximo e as Américas. Não se sabe quem eram os artesãos.

Era histórica antiga

Cestaria tradicional em Ruanda e Burundi
Igiseke, cesta tradicional tecido feito por mulheres no vale do Rift região

Continente africano

A arte geométrica do Imigongo se originou em Ruanda, na África Oriental , e está associada ao status sagrado secular da vaca. Evoluiu a partir da mistura de esterco de vaca com cinza e argila e do uso de corantes naturais. A paleta é limitada às cores fortes da terra. A arte é tradicionalmente associada a mulheres artistas, assim como a elaborada arte da cestaria da região, com frisos regulares próprios.

Índia

"Por cerca de três mil anos, as mulheres - e apenas as mulheres - de Mithila têm feito pinturas devocionais dos deuses e deusas do panteão hindu. Não é exagero, então, dizer que esta arte é a expressão da maioria aspecto genuíno da civilização indiana. "

Europa Clássica e Oriente Médio

Os primeiros registros das culturas ocidentais raramente mencionam indivíduos específicos, embora as mulheres sejam retratadas em toda a arte e algumas sejam mostradas trabalhando como artistas. Antigas referências de Homero , Cícero e Virgílio mencionam os papéis proeminentes das mulheres nos têxteis, poesia, música e outras atividades culturais, sem discussão de artistas individuais. Entre os primeiros registros históricos europeus sobre artistas individuais está o de Plínio, o Velho , que escreveu sobre várias mulheres gregas que eram pintoras, incluindo Helena do Egito , filha de Timão do Egito. Alguns críticos modernos afirmam que Alexandre Mosaico pode não ter sido obra de Filoxeno , mas de Helena do Egito. Uma das poucas pintoras nomeadas que poderiam ter trabalhado na Grécia Antiga, ela tinha a reputação de ter produzido uma pintura da batalha de Issus, que estava pendurada no Templo da Paz durante a época de Vespasiano . Outras mulheres incluem Timarete , Eirene , Kalypso, Aristarete, Iaia , e Olímpia. Embora apenas algumas de suas obras tenham sobrevivido, na cerâmica da Grécia Antiga há uma caputi hydria na Coleção Torno em Milão . É atribuída ao pintor de Leningrado de c.  460–450 AC e mostra mulheres trabalhando ao lado de homens em uma oficina onde ambos pintaram vasos.

Europa

Período medieval

Artistas do período medieval incluem Claricia , Diemudus , Ende , Guda , Herrade de Landsberg e Hildegard de Bingen . No início do período medieval, as mulheres costumavam trabalhar ao lado dos homens. Iluminações de manuscritos, bordados e capitéis entalhados do período demonstram claramente exemplos de mulheres trabalhando nessas artes. Documentos mostram que eles também eram cervejeiros, açougueiros, comerciantes de lã e negociantes de ferro. Os artistas da época, incluindo mulheres, pertenciam a um pequeno subconjunto da sociedade cujo status lhes permitia libertar-se desses tipos mais extenuantes de trabalho. As mulheres artistas costumavam pertencer a duas classes letradas, ou mulheres aristocráticas ricas ou freiras. As mulheres na primeira categoria costumavam criar bordados e tecidos; aqueles na última categoria frequentemente produziram iluminações.

Na época, havia várias oficinas de bordado na Inglaterra, principalmente em Canterbury e Winchester; O Opus Anglicanum ou bordado inglês já era famoso em toda a Europa - um inventário papal do século 13 contava com mais de duzentas peças. Presume-se que as mulheres foram quase inteiramente responsáveis ​​por essa produção.

A Tapeçaria Bayeux

Artigo principal: Tapeçaria Bayeux

Um dos bordados mais famosos (não é uma tapeçaria) da época medieval é a Tapeçaria de Bayeux , que foi bordada com lã em nove painéis de linho e tem 70 metros de comprimento. É c. setenta cenas narram a batalha de Hastings e a conquista normanda da Inglaterra . A Tapeçaria de Bayeux pode ter sido criada em uma oficina comercial por uma senhora real ou aristocrática e seu séquito, ou em uma oficina em um convento. Sylvette Lemagnen, conservadora da tapeçaria, em seu livro de 2005, La Tapisserie de Bayeux, afirma:

A tapeçaria de Bayeux é uma das conquistas supremas do românico normando  .... Sua sobrevivência quase intacta ao longo de nove séculos é quase milagrosa ... Seu comprimento excepcional, a harmonia e o frescor de suas cores, seu acabamento requintado e o a genialidade de seu espírito-guia se combina para torná-lo infinitamente fascinante.

A Alta Idade Média

No século 14, uma oficina real está documentada, baseada na Torre de Londres , e pode ter havido outros arranjos anteriores. A iluminação do manuscrito nos permite muitos dos artistas nomeados do período medieval, incluindo Ende , uma freira espanhola do século 10; Guda , uma freira alemã do século 12; e Claricia , uma leiga do século 12 em um scriptorium da Baviera. Essas mulheres, e muitos mais iluminadores sem nome, se beneficiaram da natureza dos conventos como os principais locais de aprendizagem para as mulheres no período e a opção mais sustentável para os intelectuais entre elas.

Em muitas partes da Europa, com as reformas gregorianas do século 11 e o aumento do feudalismo, as mulheres enfrentaram muitas restrições que não enfrentaram no início do período medieval. Com essas mudanças sociais, o status do convento mudou. Nas Ilhas Britânicas, a Conquista Normanda marcou o início do declínio gradual do convento como uma sede de aprendizagem e um lugar onde as mulheres poderiam ganhar poder. Os conventos tornaram-se subsidiários aos abades masculinos, em vez de serem chefiados por uma abadessa, como eram anteriormente. Em Pagan Escandinávia (na Suécia) a única mulher historicamente confirmada Runemaster , Gunnborga , trabalhou no século 11.

Hildegarda de Bingen Scivias I.6: Os Coros dos Anjos. Do manuscrito de Rupertsberg , fol. 38r.

Na Alemanha, porém, durante a Dinastia Otoniana , os conventos mantiveram sua posição como instituições de ensino. Isso pode ser parcialmente porque os conventos eram freqüentemente chefiados e habitados por mulheres solteiras de famílias reais e aristocráticas. Portanto, a maior obra feminina do período medieval tardio origina-se na Alemanha, como exemplificado por Herrade de Landsberg e Hildegard de Bingen . Hildegard de Bingen (1098-1179) é um exemplo particularmente bom de intelectual e artista medieval alemão. Ela escreveu As Obras Divinas de um Homem Simples , A Vida Meritória , sessenta e cinco hinos, uma peça milagrosa e um longo tratado de nove livros sobre as diferentes naturezas de árvores, plantas, animais, pássaros, peixes, minerais e metais. Desde cedo, ela afirmava ter visões. Quando o papado apoiou essas reivindicações da diretora, sua posição como uma importante intelectual foi galvanizada. As visões passaram a fazer parte de uma de suas obras seminais em 1142, Scivias (Conheça os Caminhos do Senhor) , que consiste em trinta e cinco visões que relatam e ilustram a história da salvação. As ilustrações no Scivias , conforme exemplificado na primeira ilustração, retratam Hildegard tendo visões enquanto estava sentada no mosteiro de Bingen . Eles diferem muito de outros criados na Alemanha durante o mesmo período, pois são caracterizados por cores brilhantes, ênfase na linha e formas simplificadas. Embora Hildegard provavelmente não tenha escrito as imagens, sua natureza idiossincrática leva a crer que foram criadas sob sua supervisão.

O século 12 viu o surgimento da cidade na Europa, junto com o aumento do comércio, das viagens e das universidades. Essas mudanças na sociedade também geraram mudanças na vida das mulheres. As mulheres podiam dirigir os negócios de seus maridos se fossem viúvas. A esposa do banho em Chaucer 's contos O Canterbury é um tal caso. Durante esse tempo, as mulheres também podiam fazer parte de algumas associações de artesãos . Os registros da guilda mostram que as mulheres eram particularmente ativas nas indústrias têxteis de Flandres e do norte da França. Os manuscritos medievais têm muitas marginálias retratando mulheres com fusos. Na Inglaterra, as mulheres foram responsáveis ​​pela criação do Opus Anglicanum , ou ricos bordados para uso eclesiástico ou secular em roupas e vários tipos de tapeçarias. As mulheres também se tornaram mais ativas na iluminação. Provavelmente, várias mulheres trabalharam ao lado de seus maridos ou pais, incluindo a filha de Maître Honoré e a filha de Jean le Noir . No século 13, os manuscritos mais iluminados eram produzidos por oficinas comerciais e, no final da Idade Média, quando a produção de manuscritos se tornou uma indústria importante em certos centros, as mulheres parecem ter representado a maioria dos artistas e escribas empregados, especialmente em Paris. O movimento para a impressão e ilustração de livros para as gravura técnicas de xilogravura e gravura , onde as mulheres parecem ter sido pouco envolvido, representado um revés para o progresso de mulheres artistas.

Enquanto isso, Jefimija (1349-1405) uma sérvia , nobre, viúva e freira ortodoxa tornou-se conhecida não apenas como uma poetisa que escreveu um lamento por seu filho morto, Uglješa, mas também como uma hábil costureira e gravadora. Seu lamento por seu filho amado, que imortalizou a tristeza de todas as mães enlutadas por seus filhos falecidos, foi esculpido nas costas do díptico (ícone de dois painéis representando uma Virgem e o Menino) que Teodosije, Bispo de Serres , havia apresentado como um presente ao infante Uglješa em seu batismo. A obra de arte, já valiosa por causa do ouro, pedras preciosas e belas esculturas em seus painéis de madeira, tornou-se inestimável depois que o lamento de Jefemija foi gravado em seu verso.

Na Veneza do século 15, a filha do artista do vidro, Angelo Barovièr, era conhecida por ter sido a artista por trás de um design de vidro particular de Murano veneziano . Ela era Marietta Barovier , uma artista veneziana do vidro . Aparentemente, vários séculos se passaram antes que as mulheres pudessem seguir o meio na arte do vidro .

Renascimento

Miniatura do retrato de Elizabeth I por Levina Teerlinc Levina Teerlinc , Retrato de Elizabeth I. c. 1565

Artistas da era renascentista incluem Sofonisba Anguissola , Lucia Anguissola , Lavinia Fontana , Fede Galizia , Diana Scultori Ghisi , Caterina van Hemessen , Esther Inglis , Barbara Longhi , Maria Ormani , Marietta Robusti (filha de Tintoretto), Properzia de 'Rossi , Levina Teerlinc , Mayken Verhulst e Santa Catarina de Bolonha (Caterina dei Vigri) .

Lucia Anguissola , Doutora de Cremona , 1560, Museu do Prado, Madrid

Este é o primeiro período da história ocidental em que várias artistas seculares ganharam reputação internacional. O aumento no número de mulheres artistas durante este período pode ser atribuído a grandes mudanças culturais. Uma dessas mudanças veio da Contra-Reforma reagindo contra o protestantismo e dando origem a um movimento em direção ao humanismo , uma filosofia que afirmava a dignidade de todas as pessoas, que se tornou central para o pensamento renascentista e ajudou a elevar o status das mulheres. Além disso, a identidade do artista individual em geral foi considerada mais importante. Artistas importantes desse período, cujas identidades são desconhecidas, praticamente deixam de existir. Dois textos importantes, On Famous Women e The City of Women , ilustram essa mudança cultural. Boccaccio , um humanista do século 14, escreveu De mulieribus claris (Latim para On Famous Women ) (1335–1359), uma coleção de biografias de mulheres. Entre as 104 biografias que incluiu estava a de Thamar (ou Thmyris), um antigo pintor de vasos da Grécia. Curiosamente, entre as iluminuras manuscritas do século 15 de On Famous Women , Thamar foi retratado pintando um autorretrato ou talvez uma pequena imagem da Virgem com o Menino. Christine de Pizan , uma notável escritora, retórica e crítica francesa do final da Idade Média, escreveu o Livro da Cidade das Damas em 1405, um texto sobre uma cidade alegórica em que mulheres independentes viviam livres da calúnia dos homens. Em seu trabalho, ela incluiu artistas mulheres reais, como Anastasia , que foi considerada uma das melhores iluminadoras parisienses, embora nenhum de seus trabalhos tenha sobrevivido. Outros textos humanistas levaram a uma maior educação para as mulheres italianas.

O mais notável deles foi Il Cortegiano ou The Courtier , do humanista italiano do século 16 Baldassare Castiglione . Este trabalho enormemente popular afirmava que homens e mulheres deveriam ser educados nas artes sociais. Sua influência tornou aceitável o envolvimento das mulheres nas artes visuais, musicais e literárias. Graças a Castiglione, este foi o primeiro período da história do Renascimento em que mulheres nobres puderam estudar pintura. Sofonisba Anguissola foi o mais bem-sucedido desses pequenos aristocratas que primeiro se beneficiaram da educação humanista e depois passaram a ser reconhecidos como pintores. O Cremona -born Anguissola era ao mesmo tempo um modelo pioneiro e papel para as futuras gerações de mulheres artistas. Artistas que não eram nobres também foram afetados pela ascensão do humanismo. Além do tema convencional, artistas como Lavinia Fontana e Caterina van Hemessen começaram a se retratar em autorretratos, não apenas como pintores, mas também como músicos e acadêmicos, destacando assim sua formação completa. Fontana se beneficiou das atitudes iluminadas de sua cidade natal, Bolonha , onde a universidade admitia acadêmicas desde a Idade Média. Junto com o aumento do humanismo, houve uma mudança de artesãos para artistas. Esperava-se agora que os artistas, ao contrário dos artesãos anteriores, tivessem conhecimento de perspectiva, matemática, arte antiga e estudo do corpo humano. No final do Renascimento, a formação dos artistas começou a se deslocar da oficina do mestre para a Academia , e as mulheres começaram uma longa luta, não resolvida até o final do século 19, para obter acesso total a essa formação. O estudo do corpo humano exigia trabalhar com nus e cadáveres masculinos. Este foi considerado um pano de fundo essencial para a criação de cenas de grupo realistas. As mulheres geralmente eram proibidas de treinar nus masculinos e, portanto, eram impedidas de criar tais cenas. Essas representações de nus eram necessárias para as composições religiosas em grande escala, que receberam as encomendas de maior prestígio.

Embora muitas mulheres aristocráticas tivessem acesso a algum treinamento em arte, embora sem o benefício de desenhar figuras de modelos masculinos nus, a maioria dessas mulheres escolheu o casamento em vez de uma carreira na arte. Foi o que aconteceu, por exemplo, com duas irmãs de Sofonisba Anguissola. As mulheres reconhecidas como artistas nesse período eram freiras ou filhas de pintores. Dos poucos que surgiram como artistas italianos no século XV, os que hoje são conhecidos estão associados a conventos. Esses artistas que eram freiras incluem Caterina dei Virgi , Antonia Uccello e Suor Barbara Ragnoni . Durante os séculos 15 e 16, a grande maioria das mulheres que obtiveram um mínimo de sucesso como artistas eram filhos de pintores. Provavelmente, isso aconteceu porque eles puderam obter treinamento nas oficinas de seus pais. Exemplos de mulheres artistas que foram treinadas por seus pais incluem a pintora Lavinia Fontana , a retratista em miniatura Levina Teerlinc e a pintora de retratos Caterina van Hemessen . As mulheres artistas italianas durante este período, mesmo as formadas por suas famílias, parecem um tanto incomuns. No entanto, em certas partes da Europa, particularmente no norte da França e Flandres, era mais comum os filhos de ambos os sexos exercerem a profissão do pai. Na verdade, nos Países Baixos, onde as mulheres tinham mais liberdade, havia vários artistas no Renascimento que eram mulheres. Por exemplo, os registros da Guilda de São Lucas em Bruges mostram não só que eles admitem mulheres como membros praticantes, mas também que, na década de 1480, vinte e cinco por cento de seus membros eram mulheres (muitos provavelmente trabalhando como iluminadores de manuscritos).

Última Ceia de Nelli

A Última Ceia , um óleo sobre tela de 7 x 2 metros, preservado na Basílica de Santa Maria Novella , é a única obra assinada por Plautilla Nelli que sobreviveu.

Um frágil rolo de lona de 22 pés recentemente redescoberto em Florença revelou-se um tesouro extraordinário. Mas para as ações inovadoras da filantropa americana Jane Fortune (falecida em 2018) e da autora residente em Florença, Linda Falcone e sua organização, Advancing Women Artists Foundation , o rolo pode ter juntado mais poeira. Quatro anos de restauração meticulosa por uma equipe liderada por mulheres, revela o brilho do século 16, autodidata, suor Plautilla Nelli , uma freira, e única mulher renascentista conhecida por ter pintado a Última Ceia . A obra foi exposta no Museu Santa Maria Novella em Florença em outubro de 2019. Desde o início de 2020, a AWA patrocinou a restauração de 67 obras de artistas femininas, descobertas em coleções florentinas.

Era barroca

Artistas da era barroca incluem: Mary Beale , Élisabeth Sophie Chéron , Maria Theresa van Thielen , Katharina Pepijn , Catharina Peeters , Johanna Vergouwen , Michaelina Wautier , Isabel de Cisneros , Giovanna Garzoni Artemisia Gentileschi , Judith Leyster , Maria Sibylla Merian , Louise Moillon , Josefa de Ayala mais conhecida como Josefa de Óbidos, Maria van Oosterwijk , Magdalena de Passe , Clara Peeters , Maria Virginia Borghese (filha da colecionadora de arte Olimpia Aldobrandini ), Luisa Roldán conhecida como La Roldana , Anna Maria Ruysch , Maria Theresa van Thielen , Anna Maria Ruysch van Thielen , Françoise-Catherina van Thielen e Elisabetta Sirani . Como no período da Renascença, muitas mulheres entre os artistas barrocos vieram de famílias de artistas. Artemisia Gentileschi é um exemplo disso. Ela foi treinada por seu pai, Orazio Gentileschi , e trabalhou ao lado dele em muitas de suas encomendas. Luisa Roldán formou-se na oficina de escultura de seu pai ( Pedro Roldán ).

As mulheres artistas desse período começaram a mudar a maneira como as mulheres eram retratadas na arte. Muitas das mulheres que trabalharam como artistas no período barroco não puderam treinar com modelos nus, que sempre foram homens, mas conheciam bem o corpo feminino. Mulheres como Elisabetta Sirani criaram imagens de mulheres como seres conscientes, em vez de musas isoladas. Um dos melhores exemplos dessa nova expressão está em Judith decapitando Holofernes , de Artemisia Gentileschi , em que Judith é retratada como uma mulher forte determinando e vingando seu próprio destino. Letizia Treves, curadora da exposição Gentileschi da National Gallery 2020 de Londres, comentou: "você não pode ver sem pensar em Tassi estuprando Gentileschi". Os elementos do quadro são "equilibrados com tal habilidade que falam de um pintor que priorizou o virtuosismo à paixão". Enquanto outros artistas, incluindo Botticelli e a mulher mais tradicional, Fede Galizia , retrataram a mesma cena com uma Judith passiva, em seu tratamento original, Judith de Gentileschi parece ser um ator hábil na tarefa em mãos. A ação é a essência dele e outra pintura dela de Judith saindo de cena. A natureza morta emergiu como um gênero importante por volta de 1600, principalmente na Holanda. As mulheres estiveram na vanguarda dessa tendência da pintura. Este gênero era particularmente adequado para mulheres, pois elas podiam acessar os materiais para a natureza morta com facilidade. No Norte, esses praticantes incluíam Clara Peeters , uma pintora de banketje ou peças de café da manhã, e cenas de artigos de luxo arranjados; Maria van Oosterwijk , a pintora de flores de renome internacional; e Rachel Ruysch , uma pintora de arranjos de flores visualmente carregados. Em outras regiões, a natureza-morta era menos comum, mas havia importantes mulheres artistas do gênero, incluindo Giovanna Garzoni , que criou arranjos vegetais realistas em pergaminho, e Louise Moillon , cujas pinturas de natureza morta com frutas eram conhecidas por suas cores brilhantes.

século 18

Os artistas deste período incluem Rosalba Carriera , Maria Cosway , Marguerite Gérard , Angelica Kauffman , Adélaïde Labille-Guiard , Giulia Lama , Mary Moser , Ulrika Pasch , Adèle Romany , Anna Dorothea Therbusch , Anne Vallayer-Coster , Elisabeth Vigée-Le Brun , Marie-Guillemine Benoist e Anna Rajecka , também conhecida como Madame Gault de Saint-Germain.

Em muitos países da Europa, as Academias eram as árbitras do estilo. As Academias também eram responsáveis ​​por treinar artistas, expor obras de arte e, inadvertidamente ou não, promover a venda de arte. A maioria das academias não era aberta para mulheres. Na França, por exemplo, a poderosa Academia de Paris tinha 450 membros entre o século 17 e a Revolução Francesa, e apenas quinze eram mulheres. Destas, a maioria eram filhas ou esposas de membros. No final do século 18, a Academia Francesa decidiu não admitir nenhuma mulher. O auge da pintura durante o período foi a pintura de história , especialmente composições em grande escala com grupos de figuras representando situações históricas ou míticas. Na preparação para criar tais pinturas, os artistas estudaram moldes de esculturas antigas e desenharam nus masculinos. As mulheres tinham acesso limitado ou nenhum acesso a esse aprendizado acadêmico e, como tal, não existem pinturas históricas em grande escala feitas por mulheres desse período. Algumas mulheres fizeram seu nome em outros gêneros, como o retrato. Elisabeth Vigee-Lebrun usou sua experiência em retratos para criar uma cena alegórica, Peace Bringing Back Plenty , que ela classificou como uma pintura histórica e usou como base para sua admissão na Academia. Após a exibição de seus trabalhos, foi exigida a frequência de aulas formais, ou perderia a licença para pintar. Ela se tornou a favorita da corte e uma celebridade, que pintou mais de quarenta autorretratos, que ela conseguiu vender.

Na Inglaterra, duas mulheres, Angelica Kauffman e Mary Moser , foram membros fundadores da Royal Academy of Arts de Londres em 1768. Kauffmann ajudou Maria Cosway a entrar na Academia. Embora Cosway tenha obtido sucesso como pintor de cenas mitológicas, ambas as mulheres permaneceram em uma posição um tanto ambivalente na Royal Academy, como evidenciado pelo retrato do grupo The Academicians of the Royal Academy por Johan Zoffany agora na Royal Collection . Nele, apenas os homens da Academia estão reunidos em um grande ateliê de artistas, ao lado de modelos masculinos nus. Por motivos de decoro face aos modelos nus, as duas mulheres não aparecem como presentes, mas sim como retratos na parede. A ênfase na arte acadêmica nos estudos do nu durante o treinamento permaneceu uma barreira considerável para as mulheres que estudavam arte até o século 20, tanto em termos de acesso efetivo às aulas quanto em termos de atitudes familiares e sociais para que mulheres de classe média se tornassem artistas. Depois desses três, nenhuma mulher se tornou um membro pleno da Academia até Laura Knight em 1936, e as mulheres não foram admitidas nas escolas da Academia até 1861. No final do século 18, houve passos importantes para os artistas que eram mulheres. Em Paris, o Salon, a exposição de trabalhos fundada pela Academia, tornou-se aberto a pintores não acadêmicos em 1791, permitindo que as mulheres apresentassem seus trabalhos na prestigiosa exposição anual. Além disso, as mulheres eram mais freqüentemente aceitas como estudantes por artistas famosos como Jacques-Louis David e Jean-Baptiste Greuze .

século 19

Pintores

Mulheres artistas do início do século 19 incluem Marie-Denise Villers , que se especializou em retratos; Constance Mayer , que pintou retratos e alegorias; Marie Ellenrieder , que se destacou principalmente por suas pinturas religiosas no estilo nazareno ; Louise-Adéone Drölling , que seguiu os passos do pai e do irmão mais velho como pintora e desenhista.

Na segunda metade do século, Emma Sandys , Marie Spartali Stillman , Eleanor Fortescue-Brickdale e Maria Zambaco eram mulheres artistas do movimento pré-rafaelita . Também influenciados pelos pré-rafaelitas foram Evelyn De Morgan e a ativista e pintora Barbara Bodichon .

Pintores impressionistas Berthe Morisot , Marie Bracquemond , e os Americanos , Mary Cassatt e Lucy Bacon , envolveu-se em francês impressionista movimento da década de 1860 e 1870. A impressionista americana Lilla Cabot Perry foi influenciada por seus estudos com Monet e pela arte japonesa no final do século XIX. Cecilia Beaux foi uma pintora retratista americana que também estudou na França. Além de Anna Bilińska-Bohdanowicz , Olga Boznańska é considerada a mais conhecida de todas as artistas polonesas e foi estilisticamente associada ao Impressionismo.

Rosa Bonheur foi a artista feminina mais conhecida de seu tempo, reconhecida internacionalmente por suas pinturas de animais. Elizabeth Thompson (Lady Butler), talvez inspirada por suas classes sociais de figuras blindadas na Escola do Governo , foi uma das primeiras mulheres a se tornar famosa por grandes pinturas históricas, se especializando em cenas de ação militar, geralmente com muitos cavalos, a mais famosa Escócia para sempre! , mostrando uma carga de cavalaria em Waterloo .

Kitty Lange Kielland foi uma pintora de paisagens norueguesa.

Elizabeth Jane Gardner foi uma pintora acadêmica americana que foi a primeira mulher americana a expor no Salão de Paris . Em 1872, ela se tornou a primeira mulher a ganhar uma medalha de ouro no Salon.

Em 1894, Suzanne Valadon foi a primeira mulher admitida na Société Nationale des Beaux-Arts na França. Anna Boch foi uma pintora pós-impressionista , assim como Laura Muntz Lyall , que expôs na Exposição Mundial Colombiana de 1893 em Chicago, Illinois , e depois em 1894 como parte da Société des artistes français em Paris.

Escultura

The South Bank Lion em Coade stone 1837, Londres
Edmonia Lewis The Death of Cleopatra , mármore, 1876 Smithsonian American Art Museum

Antes do início do século 19, uma excepcional mulher de negócios independente emergiu na Inglaterra georgiana, que descobriu seu próprio talento artístico na meia-idade. Ela era Eleanor Coade (1733 - 1821). Ela ficou conhecida por fabricar estátuas neoclássicas , decorações arquitetônicas e ornamentos de jardim feitos de pedra Lithodipyra ou Coade por mais de 50 anos, de 1769 até sua morte. Lithodipyra ("pedra queimada duas vezes") era um grés de cerâmica moldado durável e de alta qualidade . Estátuas e elementos decorativos desta cerâmica ainda parecem quase novos hoje. Coade não inventou a "pedra artificial", mas provavelmente aperfeiçoou a receita da argila e o processo de cozimento. Ela combinou manufatura de alta qualidade e gosto artístico, junto com habilidades empresariais, comerciais e de marketing, para criar os produtos de pedra de grande sucesso de sua época. Ela produziu grés para a Capela de St George, Windsor , The Royal Pavilion, Brighton , Carlton House, Londres e Royal Naval College, Greenwich .

Eleanor Coade desenvolveu seu próprio talento como modeladora, exibindo cerca de 30 esculturas sobre temas clássicos na Sociedade de Artistas entre 1773 e 1780, conforme listado em seu catálogo de expositores da época. Após sua morte, seu grés Coade foi usado para reformas no Palácio de Buckingham e por escultores notáveis ​​em seus trabalhos monumentais, como o South Bank Lion de William Frederick Woodington (1837) na Westminster Bridge , Londres . A estátua foi feita em partes separadas e seladas em uma estrutura de ferro.

O século produziu mulheres escultoras no Oriente, Seiyodo Bunshojo (1764-1838), uma escultora japonesa netsuke e escritora de Haiku . Ela era filha de Seiyodo Tomiharu . Seu trabalho pode ser visto no Museu de Arte de Walters . Enquanto no Ocidente, estavam: Julie Charpentier , Elisabet Ney , Helene Bertaux , Fenia Chertkoff , Sarah Fisher Ames , Helena Unierzyska (filha de Jan Matejko ), Blanche Moria , Angelina Beloff , Anna Golubkina , Margaret Giles (também medalhista ), Camille Claudel , Enid Yandell e Edmonia Lewis . Lewis, uma artista afro - ojibwe - haitiana americana de Nova York começou seus estudos de arte no Oberlin College . Sua carreira de escultora começou em 1863. Ela estabeleceu um estúdio em Roma, Itália e exibiu suas esculturas de mármore pela Europa e Estados Unidos.

Fotografia

Constance Fox Talbot pode ser a primeira mulher a tirar uma fotografia. Mais tarde, Julia Margaret Cameron e Gertrude Kasebier tornaram-se conhecidas no novo meio da fotografia , onde não havia restrições tradicionais e nenhum treinamento estabelecido para contê-las. Sophia Hoare , outra fotógrafa britânica, trabalhou no Taiti e em outras partes da Oceania .

Na França, o berço da médium, havia apenas Geneviève Élisabeth Disdéri (c.1817-1878). Em 1843, ela se casou com o fotógrafo pioneiro André-Adolphe-Eugène Disdéri , fazendo parceria com ele em seu estúdio de daguerrótipos de Brest no final da década de 1840. Depois que seu marido foi para Paris em 1852, Geneviève continuou a dirigir o ateliê sozinha. Ela é lembrada por suas 28 vistas de Brest, principalmente arquitetônicas, que foram publicadas como Brest et ses Environs em 1856. Em 1872, ela se mudou para Paris, abrindo um estúdio na Rue du Bac, onde foi possivelmente assistida por seu filho Jules. Listagens comerciais indicam que ela continuou a operar seu estúdio até sua morte em um hospital de Paris em 1878. Ela foi um dos primeiros fotógrafos profissionais do sexo feminino no mundo, ativo somente logo após o alemão Bertha Beckmann eo sueco , Brita Sofia Hesselius .

Educação feminina no século 19

Beatrix Potter 's Goody and Mrs. Hackee, ilustração para The Tale of Timmy Tiptoes , 1911
Beatrix Potter , sistema reprodutivo de Hygrocybe coccinea , 1897

Durante o século, o acesso às academias e ao treinamento formal em arte se expandiu mais para as mulheres na Europa e na América do Norte. A British Government School of Design, que mais tarde se tornou o Royal College of Art , admitia mulheres desde sua fundação em 1837, mas apenas em uma "Escola Feminina" que era tratada de forma um tanto diferente, com "vida" - aulas consistindo de vários anos de desenho um homem vestindo uma armadura.

As escolas da Royal Academy finalmente admitiram mulheres a partir de 1861, mas os alunos desenharam inicialmente apenas modelos com drapeados. No entanto, outras escolas em Londres, incluindo a Slade School of Art da década de 1870, eram mais liberais. No final do século, as mulheres eram capazes de estudar a figura nua, ou quase nua, em muitas cidades da Europa Ocidental e da América do Norte. A Society of Female Artists (agora chamada de The Society of Women Artists ) foi fundada em 1855 em Londres e tem realizado exposições anuais desde 1857, quando 358 obras foram apresentadas por 149 mulheres, algumas usando um pseudônimo. No entanto, uma mulher a quem foi negado o ensino superior ou especializado e que ainda "se destacou" foi a cientista natural, escritora e ilustradora Beatrix Potter (1866-1943).

Pintoras inglesas do início do século 19 que expuseram na Royal Academy of Art

século 20

Margaret Macdonald Mackintosh , The May Queen , 1900

Artistas mulheres notáveis ​​deste período incluem:

Hannelore Baron , Vanessa Bell , Lee Bontecou , Louise Bourgeois , Romaine Brooks , Emily Carr , Leonora Carrington , Mary Cassatt , Elizabeth Catlett , Camille Claudel , Sonia Delaunay , Marthe Donas , Joan Eardley , Marisol Escobar , Dulah Marie Evans , Audrey Flack , Mary Frank , Helen Frankenthaler , Elisabeth Frink , Wilhelmina Weber Furlong , Françoise Gilot , Natalia Goncharova , Nancy Graves , Grace Hartigan , Barbara Hepworth , Eva Hesse , Sigrid Hjertén , Hannah Höch , Frances Hodgkins , Malvina Hoffman , Irma Hünerfauth , Margaret Ponce Israel , Gwen John , Elaine de Kooning , Käthe Kollwitz , Lee Krasner , Frida Kahlo , Hilma af Klint , Laura Knight , Barbara Kruger , Marie Laurencin , Tamara de Lempicka , Séraphine Louis , Dora Maar , Margaret Macdonald Mackintosh , Maruja Mallo , Agnes Martin , Ana Mendieta , Joan Mitchell , Paula Modersohn-Becker , Gabriele Münter , Alice Neel , Louise Nevelson , Georgia O'Keeffe , Betty Parsons , Aniela Pawlikowska , Orovida Camille Pis sarro , Irene Rice Pereira , Paula Rego , Bridget Riley , Verónica Ruiz de Velasco , Anne Ryan , Charlotte Salomon , Augusta Savage , Zofia Stryjeńska , Zinaida Serebriakova , Sarai Sherman , Henrietta Shore , Irmã Maria Stanisia , Marjorie Strider , Carrie Sweetser , Annie Louisa Swynnerton , Franciszka Themerson , Suzanne Valadon , Remedios Varo , Maria Helena Vieira da Silva , Nellie Walker , Marianne von Werefkin e Ogura Yuki .

Hilma af Klint (1862–1944) foi uma pintora abstrata pioneira, trabalhando muito antes de seus homólogos masculinos expressionistas abstratos. Ela era sueca e exibia regularmente suas pinturas lidando com o realismo, mas as obras abstratas só foram exibidas 20 anos após sua morte, a seu pedido. Ela se considerava espiritualista e mística.

Margaret Macdonald Mackintosh (1865–1933) foi uma artista escocesa cujas obras ajudaram a definir o "Estilo de Glasgow" da década de 1890 e do início do século XX. Ela frequentemente colaborou com o marido, o arquiteto e designer Charles Rennie Mackintosh , em obras que tiveram influência na Europa. Ela expôs com Mackintosh na Secessão de Viena de 1900 , onde acredita-se que seu trabalho tenha influenciado os Secessionistas como Gustav Klimt .

Annie Louisa Swynnerton (1844-1933) foi uma artista retratista, paisagística e "simbolista" , considerada por seus pares, como John Singer Sargent e Edward Burne-Jones , uma das melhores e mais criativas artistas de sua época, mas ainda era não tem acesso ao treinamento da escola de arte convencional. Ela se mudou para o exterior para estudar na Académie Julian e passou grande parte de sua vida na França e em Roma, onde as atitudes mais liberais lhe permitiram expressar uma ampla gama de assuntos de composição. Ela ainda não era formalmente reconhecida na Grã-Bretanha até 1923, aos 76 anos, quando se tornou a primeira mulher admitida na Royal Academy of Arts .

Wilhelmina Weber Furlong (1878–1962) foi uma das primeiras modernistas americanas na cidade de Nova York. Ela fez contribuições significativas para a arte americana moderna por meio de seu trabalho na Art Students League e no Whitney Studio Club . Aleksandra Ekster e Lyubov Popova foram artistas construtivistas , cubo-futuristas e suprematistas bem conhecidos e respeitados em Kiev , Moscou e Paris no início do século XX. Entre as outras mulheres artistas proeminentes na vanguarda russa estavam Natalia Goncharova , Varvara Stepanova e Nadezhda Udaltsova . Sonia Delaunay e seu marido foram os fundadores do Orfismo .

Na era Art Déco , Hildreth Meiere fez mosaicos em grande escala e foi a primeira mulher homenageada com a Medalha de Belas Artes do Instituto Americano de Arquitetos. Tamara de Lempicka , também desta época, foi uma pintora Art Déco polonesa . Irmã Maria Stanisia tornou-se uma notável retratista, principalmente do clero. Georgia O'Keeffe nasceu no final do século XIX. Ela ficou conhecida por suas pinturas, com flores, ossos e paisagens do Novo México . Em 1927, a pintura Morning de Dod Procter foi eleita a Imagem do Ano na Royal Academy Summer Exhibition e comprada pelo Daily Mail para a galeria Tate . Sua popularidade resultou em sua exibição em Nova York e em uma turnê de dois anos pela Grã-Bretanha. O surrealismo , um estilo artístico importante nas décadas de 1920 e 1930, teve várias artistas mulheres proeminentes, incluindo Leonora Carrington , Kay Sage , Dorothea Tanning e Remedios Varo . Houve também outliers, como o autodidata britânico, muitas vezes observador cômico, Beryl Cook (1926-2008).

Entre as mulheres artistas da Europa Central e Oriental, destacam-se as seguintes: Milein Cosman (1921-2017), Marie-Louise von Motesiczky (1906-1996), Else Meidner (1901-1987), Sanja Iveković (nascida em 1949), Orshi Drozdik ( nascido em 1946)

Fotógrafas femininas

Dorothea Lange . Mãe migrante, ( Florence Owens Thompson , e sua família) c. 1936

Lee Miller redescobriu a solarização e se tornou um fotógrafo de alta moda. Dorothea Lange documentou a Depressão. Berenice Abbott criou imagens de arquitetura e celebridades conhecidas, Margaret Bourke-White criou as fotografias industriais que foram apresentadas na capa e no artigo principal da primeira Life Magazine . Diane Arbus baseou sua fotografia em estranhos à sociedade. Os trabalhos de Graciela Iturbide trataram da vida mexicana e do feminismo, enquanto Tina Modotti produziu "ícones revolucionários" do México na década de 1920. O trabalho fotográfico de Annie Leibovitz foi do rock and roll e outras figuras de celebridades. Outras mulheres a romper o teto de vidro incluem: Eve Arnold , Marilyn Silverstone e Inge Morath da Magnum , Daphne Zileri , Anya Teixeira , Elsa Thiemann , Sabine Weiss e Xyza Cruz Bacani .

Designers teatrais

Mulheres artistas gráficos e ilustradores, como a fêmea rara cartunista , Claire Bretécher , deram um contributo generoso para seu campo. Em uma escala maior, entre os designers de teatro, os seguintes foram notáveis: Elizabeth Polunin , Doris Zinkeisen , Adele Änggård , Kathleen Ankers , Madeleine Arbor , Marta Becket , Maria Björnson , Madeleine Boyd , Gladys Calthrop , Marie Anne Chiment , Millia Davenport , Kirsten Dehlholm , Victorina Durán , Lauren Elder , Heidi Ettinger , Soutra Gilmour , Rachel Hauck , Marjorie B. Kellogg , Adrianne Lobel , Anna Louizos , Elaine J. McCarthy , Elizabeth Montgomery , Armande Oswald , Natacha Rambova , Kia Steave-Dickerson , Karen TenEyck , Donyale Werle

Multimídia

Magdalena Abakanowicz , Europos parkas , Lituânia

Mary Carroll Nelson fundou a Society of Layerists in Multi-Media (SLMM), cujos membros artistas seguem a tradição de Emil Bisttram e do Transcendental Painting Group, bem como Morris Graves da Pacific Northwest Visionary Art School. Na década de 1970, Judy Chicago criou The Dinner Party , uma obra de arte feminista muito importante . Helen Frankenthaler foi uma pintora expressionista abstrata e foi influenciada por Jackson Pollock . Lee Krasner também era um artista expressionista abstrato casado com Pollock e aluno de Hans Hofmann . Elaine de Kooning era uma estudante e mais tarde esposa de Willem de Kooning , ela era uma pintora figurativa abstrata . Anne Ryan era uma colaboradora. Jane Frank , também aluna de Hans Hofmann , trabalhou com mídia mista na tela. No Canadá, Marcelle Ferron foi um expoente do automatismo .

A partir da década de 1960, o feminismo aumentou muito o interesse pelas mulheres artistas e seus estudos acadêmicos. Contribuições notáveis ​​foram feitas pelos historiadores da arte Germaine Greer , Linda Nochlin , Griselda Pollock , curadora Jasia Reichardt e outros. Alguns historiadores da arte , como Daphne Haldin , tentaram restabelecer o equilíbrio das histórias voltadas para os homens compilando listas de mulheres artistas, embora muitos desses esforços permaneçam inéditos. Figuras como Artemisia Gentileschi e Frida Kahlo emergiram da relativa obscuridade para se tornarem ícones feministas . As Guerilla Girls , um grupo anônimo de mulheres formado em 1985, eram "a consciência do mundo da arte". Eles falaram sobre indiferença e desigualdades de gênero e raça, principalmente no mundo da arte. As Guerilla Girls fizeram muitos pôsteres como uma forma de chamar a atenção, geralmente de forma humorística, para a comunidade para aumentar a conscientização e criar mudanças. Em 1996, Catherine de Zegher foi curadora de uma exposição de 37 grandes mulheres artistas do século XX. A exposição, Inside the Visible , que viajou do ICA em Boston para o National Museum for Women in the Arts em Washington, o Whitechapel em Londres e a Art Gallery of Western Australia em Perth, incluiu obras de artistas dos anos 1930 aos anos 1990 apresentando Claude Cahun , Louise Bourgeois , Bracha Ettinger , Agnes Martin , Carrie Mae Weems , Charlotte Salomon , Eva Hesse , Nancy Spero , Francesca Woodman , Lygia Clark , Mona Hatoum e a aclamada Magdalena Abakanowicz que usou têxteis em suas instalações, entre outras.

Têxteis

Os têxteis femininos foram anteriormente relegados à esfera privada e associados à domesticidade, em vez de serem reconhecidos como arte. Anteriormente, havia uma exigência da arte para demonstrar o "gênio artístico", que estava associado à masculinidade; onde os têxteis eram vistos como funcionais, não eram considerados arte. Isso fez com que as mulheres evitassem técnicas associadas à feminilidade, desde os têxteis até o uso de linhas delicadas ou certas cores 'femininas', porque não queriam ser chamadas de artistas femininas. No entanto, nos anos mais recentes, isso foi desafiado e os têxteis foram usados ​​para criar arte que é representativa das experiências e lutas femininas. 'The Subversive Stitch', de Parker, demonstra feministas subvertendo o bordado para fazer declarações feministas e desafiar a ideia de que os têxteis devem ser associados apenas à domesticidade e à feminilidade. Michna acha que as práticas artísticas desafiadoras que excluem as mulheres expõe a política e o preconceito de gênero da arte tradicional e ajuda a quebrar as divisões patriarcais e baseadas na classe. Essas formas de expressão tradicionalmente femininas agora são usadas para empoderar as mulheres; desenvolver o conhecimento e recuperar as habilidades tradicionais das mulheres que a sociedade antes havia desvalorizado.

Veja também Craftivismo .

Cerâmica

O ressurgimento no final do século 19 da criação de objetos de arte de cerâmica no Japão e na Europa tornou-se conhecido como cerâmica de estúdio , embora englobe escultura e também tesselas , os cubos de mosaico que remontam à Pérsia no terceiro milênio aC. Várias influências contribuíram para o surgimento da cerâmica de estúdio: a cerâmica artística no trabalho dos irmãos Martin e William Moorcroft , o movimento Arts and Crafts , a Bauhaus e a redescoberta da cerâmica artesanal tradicional e a escavação de grandes quantidades de cerâmica Song na China.

As principais tendências da cerâmica de estúdio britânica no século 20 são representadas por homens e mulheres: Bernard Leach , William Staite Murray , Dora Billington , Lucie Rie e Hans Coper . Leach (1887–1979) estabeleceu um estilo de cerâmica, o pote ético , fortemente influenciado pelas formas chinesas, coreanas, japonesas e inglesas medievais. Seu estilo dominou a cerâmica britânica em meados do século XX. A influência de Leach foi disseminada em particular por seu A Potter's Book e o sistema de aprendiz que ele dirigia em sua olaria em St Ives, Cornwall .

Outros ceramistas exerceram influência por meio de suas posições em escolas de arte. Dora Billington (1890–1968) estudou na Hanley School of Art, trabalhou na indústria de cerâmica e tornou-se chefe de cerâmica na Central School of Arts and Crafts . Ela trabalhou em mídia que Leach não fez, por exemplo, cerâmica esmaltada de estanho e influenciou ceramistas como William Newland , Katherine Pleydell-Bouverie e Margaret Hine .

Desde 1960, uma nova geração de ceramistas, influenciada pela Escola de Arte de Camberwell e pela Escola Central de Arte e Design , incluindo Alison Britton , Ruth Duckworth e Elizabeth Fritsch, que começou a experimentar objetos de cerâmica abstratos, superfície variada e efeitos de esmalte para aclamação da crítica. Elizabeth Fritsch tem trabalhos representados nas principais coleções e museus em todo o mundo. Além disso, a reputação dos ceramistas britânicos atraiu talentos de todo o mundo e lançou artistas notáveis ​​na área. Eles incluem: indiana Nirmala Patwardhan , queniana , Madalena Odundo e iraniana, Homa Vafaie Farley .

Como na Grã-Bretanha, a cerâmica foi parte integrante do movimento Arts and Crafts dos Estados Unidos no final do século 19 e início do século 20. Charles Fergus Binns , que foi o primeiro diretor da Escola de Cerâmica e Trabalho com Argila do Estado de Nova York na Alfred University , foi uma influência importante. Alguns ceramistas nos Estados Unidos adotaram a abordagem de movimentos emergentes de cerâmica em estúdio na Grã-Bretanha e no Japão. Artistas de todo o mundo e europeus que vêm para os Estados Unidos têm contribuído para a apreciação pública da cerâmica como arte, incluindo Marguerite Wildenhain , Maija Grotell , Susi Singer e Gertrude e Otto Natzler . Os ceramistas de estúdio importantes nos Estados Unidos incluem Otto e Vivika Heino , Beatrice Wood e Amber Aguirre .

Enquanto isso, nas redutoras florestas primitivas da região dos Grandes Lagos africanos, no Vale do Rift , há um povo que se apega ao seu modo de vida ancestral de forrageamento. Eles são os Batwa , uma das pessoas mais marginalizadas do mundo, cujas mulheres (e ocasionalmente homens) continuam o costume secular de fazer cerâmica que tem sido usada como escambo com os camponeses e pastores da região. Seus vasos variam de simples a altamente decorados.

Artistas contemporâneos

Samira Alikhanzadeh , série No.7 the Persian Carpet - impressão digital em perspex, tapete Borchalou e fragmentos de espelho a bordo, 2011 (Assar Art Gallery) Teerã

Em 1993, Rachel Whiteread foi a primeira mulher a ganhar o Prêmio Turner da Tate Gallery . Gillian Wearing ganhou o prêmio em 1997, quando havia uma lista só de mulheres, as outras indicadas sendo Christine Borland , Angela Bulloch e Cornelia Parker . Em 1999, Tracey Emin ganhou considerável cobertura da mídia por sua entrada My Bed , mas não ganhou. Em 2006, o prêmio foi concedido ao pintor abstrato Tomma Abts . Em 2001, uma conferência chamada "Mulheres Artistas no Milênio" foi organizada na Universidade de Princeton . Um livro com esse nome foi publicado em 2006, apresentando historiadores de arte importantes, como Linda Nochlin, analisando artistas mulheres proeminentes como Louise Bourgeois , Yvonne Rainer , Bracha Ettinger , Sally Mann , Eva Hesse , Rachel Whiteread e Rosemarie Trockel . Internacionalmente proeminentes artistas contemporâneos que são mulheres também incluem Magdalena Abakanowicz , Marina Abramovic , Jaroslava Brychtova , Lynda Benglis , Lee Bul , Sophie Calle , Janet Cardiff , Li Chevalier , Marlene Dumas , Orshi Drozdik , Marisol Escobar , Bettina Heinen-Ayech , Jenny Holzer , Runa Islam , Chantal Joffe , Yayoi Kusama , Karen Kilimnik , Sarah Lucas , Yoko Ono , Tanja Ostojić , Jenny Saville , Carolee Schneeman , Cindy Sherman , Shazia Sikander , Lorna Simpson , Lisa Steele , Stella Vine , Kara Walker , Rebecca Warren , Bettina Werner e Susan Dorothea White .

As pinturas, colagens, esculturas suaves, arte performática e instalações ambientais do artista japonês Yayoi Kusama compartilham uma obsessão por repetição, padrão e acumulação. Seu trabalho mostra alguns atributos do feminismo , minimalismo , surrealismo , Art Brut , pop art e expressionismo abstrato , e é infundido com conteúdo autobiográfico, psicológico e sexual. Ela se descreve como uma "artista obsessiva". Em novembro de 2008, a casa de leilões Christie's New York vendeu seu quadro nº 2 de 1959 por US $ 5.100.000, o preço recorde em 2008 para uma obra de uma artista viva. Durante 2010-2011, o Centro Pompidou em Paris apresentou a escolha de seus curadores de artistas contemporâneas em uma exposição de três volumes chamada elles @ Centrepompidou . O museu mostrou obras de grandes artistas mulheres de sua própria coleção. Em 2010, Eileen Cooper foi eleita a primeira mulher 'Keeper of the Royal Academy'. 1995 viu Dame Elizabeth Blackadder na história de 300 anos feita 'pintora e flexível de Sua Majestade na Escócia, ela foi premiada com o OBE em 1982.

Outro gênero de arte feminina é a arte ambiental feminina. Em dezembro de 2013, o Diretório de Artistas Ambientais Femininos listava 307 mulheres artistas ambientais, como Marina DeBris , Vernita Nemec e Betty Beaumont . DeBris usa o lixo da praia para aumentar a conscientização sobre a poluição das praias e do oceano. e educar as crianças sobre o lixo da praia. Nemec recentemente usou o lixo eletrônico para demonstrar a complexidade da vida moderna. Beaumont foi descrito como um pioneiro da arte ambiental e usa a arte para desafiar nossas crenças e ações.

Representação fraudulenta na história da arte

As mulheres artistas costumam ser mal caracterizadas em relatos históricos, tanto intencionalmente quanto involuntariamente; tais deturpações têm sido freqüentemente ditadas pelos costumes sociopolíticos de determinada época e pela dominação masculina do mundo da arte. Há uma série de questões por trás disso, incluindo:

Judith Leyster , autorretrato , 1630, National Gallery of Art , Washington, DC
Marie-Denise Villers , Young Woman Drawing , 1801, Metropolitan Museum of Art
  • Escassez de informações biográficas
  • Anonimato - as mulheres artistas costumavam ser mais ativas em expressões artísticas que não eram tipicamente assinadas. Durante o início do período medieval, a iluminação do manuscrito era uma perseguição de monges e freiras.
  • Guildas de Pintores - Nos períodos medieval e renascentista, muitas mulheres trabalhavam no sistema de oficinas. Essas mulheres trabalhavam sob os auspícios de um chefe de oficina do sexo masculino, muitas vezes o pai do artista. Até o século XII não há registro de oficina chefiada por mulher, quando uma viúva poderia assumir o cargo anterior de seu marido. Freqüentemente, as regras da guilda proibiam as mulheres de alcançar os vários níveis que levavam ao mestre, então elas permaneceram "não oficiais" em seu status.
  • Convenções de Nomenclatura - convenção pela qual as mulheres tomam os sobrenomes dos maridos impede a pesquisa de artigos femininos, principalmente nos casos em que uma obra de origem desconhecida foi assinada apenas com a inicial do nome e o sobrenome. Mesmo as declarações biográficas mais simples podem ser enganosas. Por exemplo, pode-se dizer que Jane Frank nasceu em 1918, mas na realidade ela era Jane Schenthal ao nascer - Jane "Frank" não existia até vinte anos depois. Exemplos como esse criam uma descontinuidade de identidade para mulheres artistas.
  • Identidade equivocada e atribuição incorreta - Nos séculos XVIII e XIX, o trabalho das mulheres era frequentemente redesignado. Alguns negociantes inescrupulosos chegaram ao ponto de alterar as assinaturas, como no caso de algumas pinturas de Judith Leyster (1630) que foram reatribuídas a Frans Hals . Marie-Denise Villers (1774-1821) foi uma pintora francesa especializada em retratos . Villers foi aluno do pintor francês Girodet . A pintura mais famosa de Villers, Young Woman Drawing, (1801) é exibida no Metropolitan Museum of Art . A pintura foi atribuída a Jacques-Louis David em uma época, mas mais tarde foi percebida como obra de Villers.

Uma razão adicional por trás da relutância em aceitar as artistas mulheres é que suas habilidades provavelmente diferem das dos homens, como resultado de sua experiência e situação e, como tal, cria uma sensação de grandeza para a arte feminina que era temida.

No entanto, embora tenha havido uma deturpação das artistas mulheres, há um problema muito mais profundo que limitou o número de artistas mulheres. Não há comparações femininas com as obras de Divinci e Michelangelo. Isso não se deve à falta de habilidade, mas à opressão e ao desânimo das mulheres. A falha está na educação e na falta de oportunidades que foram oferecidas. É contra todas as probabilidades que as mulheres conseguiram alcançar habilidades artísticas em face do mundo da arte patriarcal e dominado pelos homens.

Mulheres na arte de Outsider

Artigo principal: Arte Outsider
Helen Martins, a Casa da Coruja
Anna Zemánková , sem título , anos 1960

O conceito de arte outsider surgiu no século 20, quando os praticantes, colecionadores e críticos tradicionais começaram a considerar a expressão artística de pessoas sem um treinamento convencional. Entre eles estariam, os autodidatas, crianças, artistas folclóricos de todo o mundo e internos de instituições psiquiátricas. Entre os primeiros a estudar este enorme e principalmente desconhecido espaço de arte estavam os membros do grupo Blaue Reiter na Alemanha, seguidos mais tarde pelo artista francês Jean Dubuffet . Algumas das mulheres notáveis ​​consideradas expoentes da "arte brut", a expressão francesa para arte outsider, são:

  • Holly Farrell , artista autodidata canadense do século 21 cujas pinturas incluem a série Barbie & Ken, é considerada uma artista estranha.
  • Madge Gill (1882-1961) foi uma artista mediúnica inglesa que fez milhares de desenhos "guiados" por um espírito que chamou de "Myrninerest" (meu descanso interior).
  • Annie Hooper (1897–1986), uma escultora de arte religiosa visionária de Buxton, Carolina do Norte , que criou cerca de 5.000 esculturas representando cenas bíblicas. Seu trabalho está agora na coleção permanente da North Carolina State University .
  • Georgiana Houghton (1814-1884), médium espírita britânica, conhecida por seus visionários 'desenhos de espíritos', consistindo em intrincadas aquarelas abstratas.
  • Mollie Jenson (1890–1973) criou uma série de esculturas de concreto em grande escala embelezadas com mosaicos de azulejos em River Falls, Wisconsin .
  • Susan Te Kahurangi King (nascida em 1951) é uma artista neozelandesa cuja capacidade de falar diminuiu aos quatro anos e parou de falar completamente aos oito. King é um autista savant que criou metodicamente todo um mundo análogo por meio de desenhos extraordinários usando caneta, grafite, lápis de cor, giz de cera e tinta. Ela desenhou prolificamente até o início dos anos 1990 e então, sem razão, parou de repente. King renovou o desenho em 2008 durante a filmagem de um documentário sobre sua arte.
  • Halina Korn (1902-1978) foi uma polonesa de ascendência judaica que se estabeleceu em Londres durante a Segunda Guerra Mundial . Ela foi originalmente uma escritora que se casou com o artista, Marek Żuławski , e estudou escultura e pintura na meia-idade. Ela pintou o cotidiano e expôs na Inglaterra, Escócia, Estados Unidos e Polônia.
  • Maud Lewis (1903–1970) foi uma artista folclórica canadense. Lewis pintou cenas brilhantes da vida rural da Nova Escócia em objetos encontrados, incluindo pranchas, materiais de construção, etc.
  • Helen Martins (1897–1976) transformou a casa que herdou de seus pais em Nieu-Bethesda, na África do Sul, em um ambiente fantástico decorado com vidro triturado e esculturas de cimento. A casa é conhecida como The Owl House .
  • Grandma Moses (1860–1961), amplamente considerada uma pintora de arte popular .
  • Judith Scott (1943–2005) nasceu surda e com síndrome de Down . Depois de ficar internada por 35 anos, ela frequentou o Creative Growth Art Center (um centro para artistas com deficiência em Oakland, Califórnia) e se tornou uma escultora de arte em fibra de renome internacional .
  • Anna Zemánková (1908–1986) foi uma pintora tcheca autodidata, desenhista e artista pastel. Seu trabalho foi apresentado em uma exposição coletiva na Hayward Gallery de Londres em 1979, e dezoito de suas peças foram exibidas na Bienal de Veneza em 2013.

Veja também

Notas

Leitura adicional

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