Composição com Natureza-Morta -Composition with Still Life

Composição com Natureza-Morta é uma pintura do artista americano Edwin Dickinson (1891–1978). Iniciado em 1933 e concluído em 1937, é a maior obra de Dickinson. Pintada em óleo sobre tela e quase monocromática, acomposição alegórica retrata dois nus sem cabeça em um cenário misterioso em meio aelementos de natureza morta . A pintura está na coleção do Museu de Arte Moderna de Nova York.

História

Em novembro de 1933, Dickinson decidiu deixar de lado sua grande pintura Woodland Scene , que ele não conseguira resolver de forma satisfatória, e começou uma nova pintura - a maior - que acabou dando o nome neutro de Composição com Natureza-Morta . Adotando um método de pintura mais sistemático do que o usado anteriormente, ele começou misturando lotes de tintas em valores incrementais, saturação evidentemente limitada, e com o valor mais escuro consideravelmente mais alto na chave do que em suas fotos anteriores mais escuras, um método que ele empregou em Stranded Brig também. O trabalho progrediu de forma constante em 1934, exceto pelo período em que Dickinson trabalhou em Stranded Brig , seguido por uma hospitalização por dores nas costas e úlceras, e por dois meses no início de 1935, quando ele terminou o trabalho em Woodland Scene a pedido de seu patrono , Esther Hoyt Sawyer. Apesar de dar aulas de pintura no Art Institute of Buffalo no outono de 1934 e na primavera seguinte, Dickinson, com o uso do estúdio de pintura de Esther, conseguiu 216 sessões em 16 de junho de 1935. Onze dias depois, no retorno da família a Provincetown , a polícia os deteve para informar que o irmão mais velho de Edwin, Howard, havia sido assassinado em Detroit. A morte de Howard o atingiu fortemente e ele parou de trabalhar na pintura. Embora tenha feito algumas tentativas para retomar o trabalho na pintura, e apesar de sua aguda consciência da importância para sua carreira de completá-la com rapidez e qualidade, só em maio de 1936 ele retomou o trabalho constante. A partir de então, ele trabalhou nisso com bastante firmeza, apesar de algumas interrupções, até 14 de março de 1937, quando as sessões totalizaram 396. Dezenove sessões foram feitas a partir de 27 de junho e, em seguida, uma longa pausa até 20 de setembro, após o que, rapidamente de atividade, ele acrescentou mais cinquenta sessões. Ele pintou o objeto final de seu quadro, uma rosa azul-claro, entre 30 de outubro e 1º de novembro, dia em que escreveu em seu diário que o quadro estava pronto.

Análise

Adler achou a Composição com Natureza-Morta especialmente difícil de fornecer uma interpretação psicológica, mas achou que sugeria "uma imagem do fim da jornada ou do último porto". Ele observou que a apresentação de objetos e figuras "- vazios, abandonados, inúteis, caídos - transmite uma sensação de impotência, frigidez ou morte". Mitchell Kahan reconheceu neste trabalho, como em outras pinturas de Dickinson, "uma iconografia da ocultação", criada mostrando apenas partes das coisas, confundindo fronteiras e obscurecendo relacionamentos. Ele percebeu o efeito como "uma sensação obsessiva de perda", o produto paradoxal do "olhar incessante de Dickinson e o estudo prolongado da forma", e neste trabalho combinado com uma sensação de decapitação e morte. Driscoll reconhece o simbolismo da água sugestivo de desastre e morte no mar nas imagens e o relaciona aos naufrágios que ocorreram em Provincetown, alguns dos quais ele testemunhou.

Ward destaca que o título que Dickinson deu à pintura, assim como seu nome original, Figures and Still Life, parecem refletir sua determinação em desencorajar a interpretação. Ele sugere, porém, que deve ter se dado conta do efeito das imagens à medida que a pintura se desenvolvia e que talvez seja significativo que em 1945, expressando insatisfação com o título da imagem, ele tenha escrito a Esther: "" Eu. . . acho que devo chamá-lo de 'The Flying Dutchman ' ", o nome do lendário navio condenado a navegar para sempre com sua tripulação de homens mortos, apesar do fato de que as imagens não suportam esse assunto específico. Ward concorda com outros escritores sobre os fortes sensação de morte criada pelas figuras sem cabeça, as árvores desnudas, os vasos horizontais, os degraus em ruínas e corrimão descendo para a escuridão, o objeto em espiral, usado para circular a água, mas jazendo inútil, e uma forma sugerindo um osso quebrado no primeiro plano à direita . Ele compara a entrada da imagem, levando ao vazio escuro abaixo, à entrada em The Glen ( Balão de Andrée ). É comparável também à área de escuridão no primeiro plano de Stranded Brig , que Dickinson chamou de "um abismo profundo", e a entrada para Inland Lake , embora aqui não em um vazio escuro. Ward sugere que Composition with Still Life é a obra de Dickinson mais explicitamente apresentada como um sonho por meio da combinação de formas sólidas e detalhadas w om passagens que se fundem em substâncias gasosas ou se dissolvem umas nas outras. Ele observa que esta é a primeira das grandes pinturas em que não há uma figura central cujo sonho as imagens possam representar e que a descida na escuridão representa uma descida na mente inconsciente do artista "para chegar a um acordo com suas perdas e curar-se. " Ele argumenta que não apenas as imagens, mas o processo representa uma viagem ao desconhecido, que para Elaine de Kooning representa uma maior disposição para enfrentar o inesperado do que o processo dos expressionistas abstratos. Ward sugere que a imagem pode muito bem ter sido afetada pela morte de Howard e que a decisão de Dickinson de declará-la concluída em 1º de novembro, apesar de ter deixado grandes áreas sem solução, como a seção no canto superior esquerdo, pode ter sido determinada pelo fato de que foi o aniversário da morte de Herbert Groesbeck.

De certa forma, Dickinson viu a pintura como um triunfo sobre a morte, descrevendo sua rápida conclusão de trabalho escrevendo que foi "arrancada do túmulo em poucas semanas". Ward destaca que esta pintura foi a que mais se conectou com sua vida, tendo começado no aniversário da data em que ele se envolveu romanticamente com sua futura esposa e pouco antes disso ele fez seu pai batizar seu filho no estúdio . A rosa aparece novamente, e Ward a associa ao arquétipo de "o consolador, o nutritivo, a 'boa' mãe - jovem e bela - que nos era conhecida, e até mesmo provada, no passado mais remoto". Mas também pode ser visto (à luz de suas associações com o estudante de arte sueco que deu a Dickinson uma rosa quando seu irmão morreu) como tendo sido colocado no quadro em memória de todos os seus entes queridos mortos.

Notas

Referências

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