Annie-B Parson - Annie-B Parson

Annie-B Parson
Ocupação Diretor Artístico do Big Dance Theatre, Coreógrafo
Prêmios notáveis OBIE, Bessie, Doris Duke Performing Artist Award, Olivier Award de Melhor Coreógrafo
Cônjuge Paul Lazar
Local na rede Internet
bigdancetheater .org

Annie-B Parson é uma coreógrafa , dançarina e diretora americana que mora no Brooklyn , Nova York . Parson é notável por seu trabalho em dança / teatro, dança pós-moderna e música pop art. Parson é a diretora artística do Big Dance Theatre do Brooklyn , que ela fundou com Molly Hickok e seu marido, Paul Lazar. Ela também é conhecida por suas colaborações com Mikhail Baryshnikov , David Byrne , David Bowie , St. Vincent , Laurie Anderson , Jonathan Demme , Ivo van Hove , Sarah Ruhl , Lucas Hnath , Wendy Whelan , David Lang, Esperanza Spalding , Mark Dion , Salt 'n Pepa , Nico Muhly , ea Dança Martha Graham Co .

Infância e educação

Parson recebeu seu BA em Dança pelo Connecticut College em New London, Connecticut, em 1980.

Ela recebeu seu mestrado na Columbia University / Teacher's College em 1983.

Big Dance Theatre

Parson fundou o Big Dance Theatre em 1991 com Molly Hickok e Paul Lazar. Desde então, ela coreografou e co-criou dezenas de obras para a companhia, que vão desde peças de dança pura a adaptações de peças e literatura, a obras originais combinando materiais extremamente díspares. Seu trabalho com Big Dance foi encomendado pela Brooklyn Academy of Music , The National Theatre of Paris , The Japan Society e The Walker Art Center . Parson descreve o Big Dance como "um grupo de pessoas interessadas em levar a dança para o reino teatral e levar o teatro para o reino da dança". [1] Para ela, Big Dance tem uma "avidez total por todos os prazeres do teatro e da dança". A crítica Helen Shaw escreveu sobre Big Dance como uma "gangue fluida de performers e designers agrupados em torno dos co-diretores casados, a coreógrafa e diretora Annie -B Parson e o ator-diretor Paul Lazar. A companhia é - como está escrito na garrafa - um grupo híbrido, ignorando as divisões habituais entre dança e teatro ”. A empresa começou como uma aliança frouxa, mas dedicada e produtiva, composta em grande parte por mulheres, incluindo Stacy Dawson, Molly Hickok, Tymberly Canale, Cynthia Hopkins, Rebecca Wisocky e Kourtney Rutherford. Este grupo diminuiu e fluiu com outros se juntando ao longo dos anos.

O trabalho de Big Dance é quase sempre não linear e freqüentemente pouco inclinado a ter uma narrativa ("Eu não acho que a vida seja muito narrativa", diz Parson. "O meu não é. E os elementos narrativos que aconteceram em meu a vida, quando olho para trás, torna-se mais ficcional. ") Embora a falta de uma história linear às vezes deixe os críticos desnorteados, a intencionalidade, a ludicidade, a precisão técnica e o escopo ambicioso dos mundos que eles criam geralmente garantem que o crítico os faça. Não me importo de me sentir perdida. Nas palavras de Shaw, "a diferença entre um evento no Big Dance Theatre e o trabalho de alguém como, digamos, Richard Foreman é que o Big Dance o colocará em um estado de transe - e então balançar o dedo para você e piscar".

Quando questionado sobre a divisão entre teatro e dança, Parson disse:

"A separação entre dança e teatro - isso é uma irritação para toda a vida para mim! Na minha linha do tempo pessoal e muito subjetiva, a desconfiança no teatro de dança ocidental começou após o século XVIII. Desde então, nós, público (s) temos sido cada vez mais sujeitos à "realidade" entorpecente, não irônica e inequívoca no palco. Os Antigos, 2.000 anos atrás, essas peças eram todas dançadas e cantadas; na época de Shakespeare - os atores dançavam; no teatro clássico japonês, os alunos de atuação começam com anos de treinamento de dança. Nosso teatro contemporâneo sem corpo e sem dança - parece baseado no medo, (mas eu tendo a pensar que tudo é baseado no medo, então não confie em mim nisso!) Mas está relacionado ao nosso medo vitoriano do corpo , medo da corporeidade, do sexo? O divórcio decorre de nosso preconceito da mente sobre o corpo, ao invés de mente / corpo? Mas sim, a separação deve ter a ver também com a coroação hierárquica dos modernistas da primazia da "palavra" ; os modernistas consideraram a palavra honrosa, enquanto a dança ruim foi considerada tawdr y, o trabalho de prostitutas e ... mulheres! As coisas que a dança possui: ambigüidade, camada, mistério, abstração, a não narrativa - isso é obra do demônio! Eles se escondem, eles sugerem, eles implicam, eles não têm uma moralidade ou qualquer resposta. Então, no meu cantinho, tentei ressuscitar a dança no teatro. A dança é o objeto sagrado para mim; deve ser mantido próximo e protegido de danos, e restaurado ao seu lugar de direito no panteão da materialidade. "

Funciona com Big Dance Theatre

Sacrifício (1991)

Sacrifice foi o primeiro dos trabalhos de grande escala de Parson e seu primeiro trabalho no Dance Theatre Workshop , com curadoria de David White, que defenderia o trabalho de Parson por décadas. Situada em algo parecido com um salão de beleza, esta peça incorporou algum texto de Harold Pinter e foi acompanhada por uma série de gestos repetitivos executados por cinco pares de homens e mulheres.

The Gag (1993)

The Gag estreou no Dance Theatre Workshop em 1993. Este trabalho em grande escala foi baseado no mito da figura de Cassandra na mitologia grega e a peça incorporou o texto da escritora feminista radical Andrea Dworkin . Molly Hickok desempenhou o papel central, iniciando uma colaboração de décadas entre ela e Parson. A peça também foi inspirada nos escritos de Christa Wolff com texto de Ésquilo , Pinter e Marguerite Yourcenar . Apresentava música original de Walter Tompson , tocada ao vivo. Quatro monitores no chão incluíam filmagens de bebês pequenos animais correndo. O New York Times descreveu The Gag como "uma bouillabaisse de uma peça de dança de teatro ... Há uma pequena tragédia grega, um pouco de Harold Pinter, um toque de Tennessee Williams e uma grande dose de moda e brincadeiras cômicas".

Liberdade de Bremen (1993)

Apresentado pelo Cucaracha Theatre e originalmente feito para estudantes da NYU, Bremen Freedom , do dramaturgo alemão ocidental Rainer Fassbinder , contou a história de Geesche, uma mulher tão cansada de ser controlada pelos homens em sua vida que os envenenou metodicamente, e, finalmente, ela mesma. The Village Voice escreveu que a produção incluiu “um pequeno cabaré, algum travesti, alguns bocados de disjunção, bastante produção de quadros estilizados, uma pitada de imagens católicas, várias atrizes desempenhando o mesmo papel, um pouco de adorável / canto coral assustador, e montes daquela dança boba desmotivada que fez Brace Up uma piada. " Embora as críticas fizessem referência a algumas das semelhanças performativas com Cabaret, (Stacy Dawson como o mestre de cerimônias lembra Joel Gray ), o Village Voice insistiu que “essas crianças vêm como inovadores, não como imitadores, e eles sabem como fazer um espetáculo musical quente." Embora altamente coreográfico, este trabalho foi a primeira “peça” que Big Dance, uma companhia amplamente baseada na dança, encenou.

Lúcifer chutando a noite toda (1994)

Cidade das Noivas (1995)

Em 1995, Parson foi apresentado no Young Choreographers and Composers no American Dance Festival na Carolina do Norte. Ela foi emparelhado com o compositor Richard Einhorn e os dois criaram “Cidade de Noivas”, realizado por cinco mulheres descalças e acompanhado por uma pontuação complexo para piano, violino e violoncelo com base em de Stravinsky Les Noces. Esse seria o primeiro trabalho de “apagamento”, termo de Parson para coreografar uma peça musical e depois apagá-la, de forma que, embora a música nunca fosse ouvida pelo público, o material de movimento inspirado em seus ritmos perdurasse.

O News & Observer escreveu que “Parson é um talento a ser reconhecido.” Um revisor do Toronto Arts Journal CallTime escreveu que Parson era a "voz mais refrescante entre uma nova geração de coreógrafos" e que sua mistura de dança e teatro "criou uma linguagem de movimento acessível a qualquer membro do público, independentemente da idade, raça, gênero ou conhecimento prévio da dança ”A peça também foi apresentada no Dance Theatre Workshop em NYC (1995), Fall for Dance Festival em NYC (2004) e no Spoleto Festival em Charleston, Carolina do Sul.

Hula Girl (1995)

Don Juan Retorna da Guerra (1996)

Don Juan Comes Back from the War estreou na Classic Stage Company NYC em 1996. Foi uma produção conjunta da Classic Stage Company e do Cucaracha Theatre, com Lazar e Parson como co-diretores e sua coreografia. O New York Times elogiou sua direção, escrevendo que eles haviam construído uma "interpretação inteligente e elegante" dapeça agridocede Odon von Horvath . A peça acompanha Don Juan quando ele volta para casa da Primeira Guerra Mundial em busca de seu noivo, que, sem o seu conhecimento, morreu. Seu fantasma o segue durante toda a peça. Horvath, um dramaturgo húngaro que escreveu na Alemanha até fugir dos nazistas, ambientou sua peça imediatamente após a Primeira Guerra Mundial, mas a peça está cheia de "zombarias filosóficas" contra seus inimigos. Parson e Lazar animaram essas idéias com “coreografias altamente estilizadas e arranjos musicais” (de Christopher Berg) que aludem tanto a Don Juan quanto à música popular alemã dos anos 1920. O resultado pode ter incomodado Horvath, que era notoriamente exigente com a encenação, mas eles provavelmente permitiram que o público americano entendesse seu significado, e certamente seu humor, melhor do que qualquer apresentação mais literal poderia. "

The Gas Heart (1997)

“The Gas Heart” (1921) é um “clássico” dadá de Tristan Tzara, um dos fundadores desse movimento. Na representação de Big Dance da peça, o texto lírico e cômico feroz ganha vida com uma encenação que é distintamente coreográfica e coreografia distintamente teatral. É como se Tzara escrevesse a peça para a Big Dance Company.

Da crítica do NYTimes “... O triunfo cômico Here is The Gas Heart, de Tristan Tzara, um Dadaísta espirituoso enfrentando sofisticados de vanguarda trabalhando, flertando, executando sem esforço passos de dança impossíveis, parecendo tão elegantes quanto os retratos de Cecil Beaton e trocando brincadeiras de som superior que é um total absurdo. Poucas peças Dada sobreviveram; este é requintado e executado com primor. ”

A Simple Heart (1997)

Esta adaptação para dança e teatro de A Simple Heart, de Gustave Flaubert, segue a história de Félicité, uma criada que observa como cada ser a quem está conectada morre ou a deixa lentamente. Parson escalou duas dançarinas (Stacy Dawson e Molly Hickock) para interpretar Félicité, que ocasionalmente dançava em uníssono, paralelamente e às vezes se separava totalmente, permanecendo sempre conectada. Eles se separam pela primeira vez quando Félicité morre. A peça empregou um uso mínimo da linguagem, em vez disso, contando com “vinhetas ricas, mas ricas” para contar essa história simples com uma ternura seca, destinada a coincidir com a tonalidade do Flaubert.

The Village Voice escreveu que Parson e Lazar criaram um “mundo frio e atraente de desintegração emocional”. A Simple Heart estreou no GIFT Festival em Tbilisi, Geórgia, em 1997. Também foi apresentada no Dance Theatre Workshop , NYC, Classic Stage Company , NYC, Jacob's Pillow Dance Festival , Massachusetts, Hitchcock Center, Dartmouth New Hampshire, Middlebury College em Vermont, Museu de Arte Contemporânea de Chicago e o Festival Spoleto na Carolina do Sul.

Girl Gone (1998)

Girl Gone , escrita por Mac Wellman com canções de Cynthia Hopkins, estreou no Flea Theatre em 1998 e foi exibida no Kitchen NYC em 1999. A peça explora a possibilidade de construir realidades alternativas como três adolescentes, Lissa, Lisa e Elyssa , realizar rituais com o objetivo de “ir embora” para uma terra de fantasia. Eles são tão bem-sucedidos que trazem muito do resto de seu mundo com eles.

Em um artigo do Village Voice , a relação de trabalho de Parson e Lazar foi descrita como tão próxima que os cinemas muitas vezes não têm certeza de como dar crédito a seu trabalho. Para Girl Gone , Parson sonhou com danças inspiradas nas extravagantes direções de palco de Wellman; “Eles fazem o Spinal Fusion”, escreve Wellman, “Eles fazem o Full Cleveland”.

Ao descrever a peça, a Time Out New York desistiu dos rótulos teatrais e, em vez disso, voltou-se para a terminologia psicológica, escrevendo que "a obra é esquizofrênica, maníaca, ocasionalmente melancólica e, mais frequentemente, histérica". Assistir foi "uma experiência alienante e encantadora".

Outra coisa telepática (2000)

Outra coisa telepática foi inspirada no conto de moralidade de Mark Twain , "O estranho misterioso", e é descrito como "uma parábola prismática e complexa do teatro de dança". Foi tocada por Tymberly Canale, Stacy Dawson, Molly Hickok, Cynthia Hopkins, Paul Lazar e David Neumann, e contou com música original de Cynthia Hopkins. “Ao mesmo tempo cínico e espiritual, o trabalho centra-se em um estranho carismático cuja visita destrói a paz de uma aldeia mítica. O cenário medieval é ecoado por uma realidade contemporânea de Hollywood, com um roteiro que entrelaça a escrita sublime de Twain com o texto "encontrado" de anos de audições. Ele culmina em uma exploração sutil e surpreendente da fragilidade de nossa condição humana. ”

A peça foi apresentada no Dance Theatre Workshop NYC , (2000), STUC Theatre, Belgium, (2000), Performing Garage NYC (2000), Rotterdam, Ghent and Munster, Germany (2001), e Walker Art Center , Minneapolis Minnesota ( 2002), onde foi a primeira na vitrine de Walker de 2002 de performances de flexão de gênero apropriadamente intitulada a série “Out There”. O final da peça, em que Satanás faz um discurso final que descreve a existência humana como nada mais que "um pensamento sem-teto" e depois desaparece, foi descrito pelo Star Tribune como uma "conclusão poderosa e inflexível para esta meditação ontológica". também extremamente bem recebido na Alemanha. A crítica Susanne Lang descreveu o palco como “um globo de neve que pode ser sacudido para ver o mundo, pelo menos por um momento, através da enxurrada de flocos de neve artificiais… tudo está se movendo, tudo é carregado a música." O Münstersche Zeitung elogiou a peça como uma "mistura de grande sucesso de dança e teatro falado ... espaços acústicos são criados através da fala e da música, que criam perfeitamente uma superestrutura para a dança. Ao trazer esta peça, Pumpenhaus não trouxe apenas uma estreia para Münster, trouxe uma peça excepcional de dança-teatro ”.

Jonathan Demme filmou uma performance ao vivo da peça em 2000 no Dance Theatre Workshop em NYC. O filme foi exibido no Baryshnikov Arts Center em Nova York em junho de 2015. Em 2000, Big Dance ganhou um Obie pela música em Another Telepathic Thing . Esta peça, considerada uma obra de assinatura do Big Dance, foi transformada em um livro publicado pela 53 State Press, que inclui o texto da peça, desenhos feitos por Parson dos figurinos e adereços e entrevistas com os performers sobre como a obra foi gerada.

Shunkin (2001)

Antigone (2002)

Em 2002, o Big Dance Theatre criou uma adaptação de Antigone, sua segunda colaboração com o dramaturgo Mac Wellman . Ele estreou no Dance Theatre Workshop em Nova York e viajou para On the Boards em Seattle, Washington, UCLA Live em Los Angeles, Kampnagel em Hamburgo, Alemanha, Theatre im Pumpenhaus em Muenster, Alemanha, o Museu de Arte Contemporânea em Chicago, Illinois e Classic Stage Company em Nova York, NY. O New York Times chamou o programa de "uma experiência curiosa e hipnotizante, embora em grande parte impenetrável", e disse que Parson havia criado um movimento "cuja inteligência ágil é, por si só, significativa o suficiente".

Plano B (2004)

Plan B, peça original com texto de Len Jenkin e a empresa, estreada em 2004 no Walker Arts Center em Minneapolis.

“Como em um prato bem cozido”, escreveu o New York Times, “os ingredientes se misturam nas obras do Big Dance Theatre, criando sabores e texturas indescritíveis”. O plano B combinou elementos das fitas do Watergate de Nixon e dos diários adultos de Kaspar Hauser, a “criança selvagem” do século 19 que foi encontrada aos 16 anos nos portões da cidade de Nuremberg, depois de viver abandonada em uma floresta alemã por 12 anos. Sua socialização subsequente foi trágica. Lazar explicou que os dois textos se conectaram quando descobriram uma seção das fitas em que Nixon e seus conselheiros estavam tentando encontrar a pessoa certa para fazer certas coisas em seu nome. “Que contraste perfeito Kaspar pode ser”, disse Lazar, “porque ele é tão maleável e tão inocente.” Adicione a esses elementos fragmentos do Antigo Testamento, dança Kabuki e música de filme taiwanês e você tem 'Plano B', “uma vertente cintilante de narrativa evocativa que consegue sugerir muito sobre a inocência em todas as suas formas”. “Combinar todas essas fontes díspares pode ter sido uma receita para o desastre nas mãos erradas”, escreve Susan Reiter para os momentos de exibição de dança, “mas o Big Dance Theatre os mistura e os transforma com uma visão segura ... criando um trabalho que revela uma peculiaridade , conto ambíguo com estranheza ressonante e beleza delicada. ”

Plan B também tocou na Bonn Biennale na Alemanha (2004), Dance Theatre Workshop NYC (2004), Under the Radar Festival em NYC (2005) e no Philadelphia Live Arts Festival em PA (2005).

O Outro Aqui (2007)

The Other Here foi um trabalho original baseado na escrita de Masuji Ibuse . Foi encomendado pela Japan Society, que pediu que a peça, de alguma forma, estivesse envolvida com a cultura japonesa. O diretor da sociedade japonesa, Yoko Shioya, sugeriu que considerassem as obras de Masuji Ibuse.

Parson e sua equipe começaram com uma seleção de materiais de base - as histórias chekhovianas de Ibuse, texto literal de transcrições de conferências de seguro de vida americanas, danças tradicionais japonesas, música pop japonesa, uma grande mesa e uma cítara. Lentamente, por meio da exploração coletiva, os temas entre esses materiais díspares são descobertos e uma história começa a emergir. Um homem que tenta fazer um discurso em uma conferência é interrompido para assistir a uma dança de palmas, para executar sua própria dança e para receber um peixe de presente. O peixe torna-se central.

O Theatre Forum observou que a peça existe naquele ponto de colisão entre a forma e a substância ”e que“ a complexidade dessa paleta emocional sutil é uma de [suas] grandes forças ".

The Other Here foi desenvolvido no CUNY Festival of New Work em NYC, 2005. Em seguida, tocou no Lincoln Center Out of Doors (2006) e na University of Maryland (2006). Sua estreia oficial foi na The Japan Society em fevereiro de 2007.

Orestes (2009)

Da pena de “um dos poetas mais empolgantes escrevendo em inglês” (New York Times) vem a estreia mundial das novas traduções vibrantes de Anne Carson do mito de ORESTEIA. Esta grande compilação caleidoscópica reúne as obras de Ésquilo, Sófocles e Eurípides para contar a queda da poderosa casa de Atreu.

Uma apresentação da Classic Stage Company de três peças em três atos. “Agamemnon” e “Elektra” dirigidos por Brian Kulick e Gisela Cardenas. “Orestes” dirigido por Paul Lazar e Associate dirigido e coreografado por Annie-B Parson.

Esta peça apresentada na Classic Stage Company, em Nova York, em março de 2009.

Comme Toujours Here I Stand (2009)

Esta peça original foi inspirada no filme francês e preto e branco Nouvelle Vague de 1962 de Agnès Varda , Cleo From 5 to 7 , e foi encomendada pelo French Institute Alliance Française . O filme segue Cleo, uma jovem cantora pop que espera ansiosamente os resultados de um teste de biópsia para câncer. O filme a segue quase em tempo real por duas horas, enquanto ela se distrai com compositores, amantes, amigos, uma cartomante e um soldado. A produção do Big Dance simultaneamente honrou, se apropriou, reinventou e se afastou do modelo do filme. Nas palavras de Philip Lopate, escrevendo para o Performance Arts Journal, Parson “se concentra no tema francês (pense em La Rochefoucauld) da crueldade egoísta da humanidade”. Ao criar a peça, Parson usou o roteiro, mas só assistiu ao filme no final do processo, para não ficar (nas palavras de Lazar) “sob as garras” da influência de Varda. O New York Times escreveu que na peça, "o significado resulta de uma interação complexa, mas discreta, de ações e objetos: uma canção folclórica francesa, vídeo de Jeff Larson, trajes e adereços exuberantes que evocam a alta-costura francesa, até mesmo uma rotina de dança divertida que refere-se à coreografia de um filme de Godard. ”

A peça estreou no Festival Ça Tchatche de Les Subsistance em abril em Lyon, França. Também tocou no Le Quartz em Brest, França, Le Theatre National em Rennes, França, MCA / Chicago, The Kitchen , NYC outubro de 2009, e New York Live Arts , NYC. É um trabalho de assinatura da empresa e toda a empresa e equipe de design ganharam um Bessie por ele em 2010.

Supernatural Wife (2010)

Durante uma residência no Getty Museum em Los Angeles em 2010, Parson e Lazar começaram a trabalhar em Supernatural Wife , uma adaptação da peça de Eurípides, Alkestis. Parson editou a tradução de Anne Carson para criar um esqueleto sobressalente para a peça. A peça é baseada no mito do Rei Admeto, a quem Apolo oferece a vida eterna com a condição de enviar uma substituta para o submundo em seu lugar. Sua esposa, Alcestis, é voluntária. Parson descreve o assunto como primordial: "questões de nascimento, morte, luto, luto e os deuses." Supernatural Wife teve sua estreia americana no Jacob's Pillow Dance Festival em 2011. Ella Buff, a diretora executiva e artística do festival, observou que “ao integrar material de fontes distantes, [Parson e Lazar] criam sua própria mitologia”. A peça extraída de filmes mudos iídiche, a partitura física das rotinas de Dean Martin e Jerry Lewis, imagens de vídeo de um tratador de cavalos e a gravação de um monólogo de Rosalind Russell. Annie-B Parson fez sua estreia na Brooklyn Academy of Music no Harvey Theatre com Supernatural Wife em 2011. A peça viajou para La Filature em Mulhouse, França, Les Subsistances em Lyon, França, Le Quartz em Brest, França, Théâtre National de Chaillot em Paris, França, e o Walker Arts Center em Minneapolis, MN.

Ich, Kurbisgeist (2012)

Ich, Kurbisgeist foi co-comissionado pela The Chocolate Factory e Performance Space 122 . Ele estreou em outubro de 2012 na Fábrica de Chocolate no Queens, em Nova York, e mais tarde tocou no NYLA em 2013.

O show foi criado em colaboração com a dramaturga Sibyl Kempson e foi escrito em uma linguagem inventada pela dramaturga, que ninguém no mundo, exceto os envolvidos na produção, fala ou tem qualquer conhecimento. ” Esta peça "impressionantemente inescrutável" é, nas palavras do dramaturgo, uma "velha peça de vingança agrícola para o Dia das Bruxas". A peça foi ambientada na Idade Média, em uma terra amplamente árida que parece produzir nada além de abóboras, muitas das quais seriam esmagadas durante a apresentação.

Quando questionada sobre como Ich, Kurbisgeist se encaixa na história do que Big Dance faz, Parson disse que ansiava por fazer algo onde a linguagem fosse abstrata como movimento, algo "minúsculo e íntimo" e sentiu que deveria ser visto "em algum tipo de site específico, local muito, muito íntimo. Achei que precisava ser algo de que você fosse muito próximo, então você não está pensando apenas na linguagem como um significado, mas também está pensando na linguagem como uma experiência cinética, porque a linguagem é extremamente cinética. ”

Escrevendo para a L Magazine , Alexis Clements observou que Parson e Lazar parecem “gostar de se sentir estranhos observando uma cultura ou assunto com o qual não estão familiarizados”. Para eles, havia um “valor na experiência de ter que reconhecer a própria ignorância”, que os liberava para receber informações que contradiziam suas formas de pensar anteriores, permitia que fizessem algo familiar de uma maneira totalmente nova.

O New York Times escreveu que “Muito parecido com as palavras ditas pelos tolos astutos de Shakespeare, as mensagens são embaralhadas. No entanto, o mundo de “Ich, Kürbisgeist” é completo e surpreendentemente poderoso. Às vezes, o intestino entende melhor do que o cérebro. ”

Man in a Case (2013)

Man in a Case , colaboração de Parson com o dançarino Mikhail Baryshnikov , estreou em 2013 no Hartford Stage e ironicamente apresentou Baryshnikov, considerado o maior dançarino de sua geração, como um homem que se recusa a dançar. Parson coreografou e dirigiu a peça, que usou suas adaptações originais de dois contos menos conhecidos de Tchekhov , “Man in a Case” e “About Love”, em combinação com música ao vivo, dança e vídeos em estilo de vigilância. O desempenho de Baryshnikov foi amplamente elogiado, e Elizabeth Bruce descreveu a "nitidez melancólica" do desempenho como "totalmente tchekhoviano". A peça foi apresentada na Shakespeare Theatre Company em Washington, DC, Berkeley Repertory Theatre em Berkeley, CA, ArtsEmerson em Boston MA, Broad Stage em Santa Monica, CA, e no Museu de Arte Contemporânea em Chicago, IL.

Alan Smithee dirigiu esta peça: um filme triplo (2014)

Alan Smithee dirigiu esta peça: um filme triplo foi co-comissionado por Les Subsistances (Lyon) e Brooklyn Academy of Music . Estreou em Les Subsistances na França em março de 2014 e depois tocou em Jacobs Pillow , Les Subsistances, Tanz im August Berlin e Brooklyn Academy of Music .

A peça foi uma adaptação / mashup dos filmes Termos do Carinho , Le Cercle Rouge e Doutor Jivago . Tudo começou quando Les Subsistances sugeriu que Annie-B Parson e Paul Lazar trabalhassem com um pequeno trecho do filme policial franco-italiano de 1970, Le Cercle Rouge. Querendo trabalhar com outros filmes icônicos de outros períodos e países, eles adicionaram Doutor Jivago e Termos de Ternura. Na forma clássica de Big Dance, a peça juntou estilos de performance díspares e incluiu sete performers falando texto, dançando e executando precisamente os movimentos dos atores dos filmes, que foram, por sua vez, sendo projetados em uma grande parede de persianas atrás deles . Um momento de encenação teatral pode ser acompanhado por uma partitura inteira de coreografia, uma dança pode ser sublinhada por um teatro totalmente encenado. Parson diz que está mais interessada em “sistemas simultâneos pressionando uns aos outros e vendo o que acontece. Esse é o ponto mágico. ”

O nome no título, Alan Smithee , é o pseudônimo usado pela Directors Guild of America até 2000, quando um diretor ficou tão insatisfeito com um filme que pôde provar satisfatoriamente à guilda que não tinha sido capaz de exercer controle criativo e, portanto, recusou-se a receber crédito pelo produto final. Ele foi então creditado como Alan Smithee.

Short Form (2015)

O formato curto teve sua estreia em Nova York no Kitchen em janeiro de 2015 e foi em parte uma celebração do 25º aniversário da empresa. O espetáculo contou com cinco curtas com foco na dança. O intervalo foi uma festa de aniversário no palco completa com jogos, comida e Lazar como MC. O show foi “Inspirado por disciplinas do conciso - novelas, contos populares, anotações de diário, desenhos a lápis, esboços em miniatura e uma única página de um caderno”, e apresentou cinco trabalhos, que “abrangem o breve, granular, de perto, anedótico e microscópico. O downsizing é valorizado. ” A peça teve sua estreia mundial no Solange MacArthur Theatre no American Dance Institute em Rockville, MD em 2015. Sua estréia em Nova York foi no Kitchen em New York, NY, e viajou para o Fusebox Festival em Austin, Texas.

Esta página foi deixada intencionalmente em branco (2016)

Esta página intencionalmente deixada em branco fez sua estreia mundial na Universidade de Houston Cynthia Woods Mitchell Center for the Arts 'CounterCurrent Festival 2016. Esta turnê docente baseada em performance desconstruiu “o papel do docente e da turnê de áudio do museu por meio de um encontro com teatro e dança , subvertendo e reconsiderando como o docente normalmente leva os espectadores a observar a arte no contexto do museu. ” O Big Dance buscou democratizar o espaço do museu, para “perturbar, despertar, desmontar, confundir e assim reavivar a percepção de arte do espectador”. O público usava fones de ouvido e percorria o espaço em grupos de vinte, enquanto o docente (Tymberly Canale) falava sobre a arte com um ("não olhe para isso", diz ela a certa altura, "isso não faz parte do " O movimento e o teatro gradualmente começaram a dominar a peça e, por fim, o público passou a fazer parte da performance.

A peça também foi apresentada no Mass MoCa - Museu de Arte Contemporânea de Massachusetts, em janeiro de 2016.

Cage Shuffle (2017)

Cage Shuffle fez sua estreia mundial no Abrons Arts Center durante o American Realness Festival em 2016. Em Cage Shuffle, Paul Lazar fala uma série de histórias de um minuto de John Cage de sua partitura Indeterminacy de 1963 enquanto simultaneamente executa a coreografia de Annie-B Parson. As histórias são contadas em uma ordem aleatória, sem relação predeterminada com a dança. O acaso serve sua mistura inevitável de conexões estranhas e misteriosas entre texto e movimento. Com fita ao vivo e colagem digital com trilha sonora e interpretada pela compositora Lea Bertucci.

A peça também foi apresentada na The Poets House em março de 2017; David Bryne's: This Is How Music Works in June 2017; O Walker Art Center de Minneapolis em julho de 2017; APE Ltd. Gallery of Northampton em agosto de 2017; Links Hall of Chicago em outubro de 2017; DeBartolo Performing Arts Center da University of Notre Dame, IN em outubro de 2017

17c (2017)

17c é a mais nova obra de conjunto do Big Dance Theatre, construída em torno dos problemáticos diários de Samuel Pepys do século 17. Pepys dançou, cantou, dedilhou, fez compras, se esforçou, intimidou e apalpou - e ele registrou tudo isso em seu diário, completamente sem filtro. Dos joanetes, às infidelidades, às perversões e aos encontros com o rei, ele precisava colocar sua vida diária no papel, ou se sentia perdido. Um precursor surpreendente de nossa própria cultura de mídia social, Pepys possuía uma compulsão semelhante de atribuir um significado quase constante em tempo real à sua existência diária, para examinar a si mesmo e relatá-lo obsessivamente. "

Em sua última peça, Parson e sua equipe incorporaram os abundantes diários de Pepys, a peça feminista radical do século 17 de Margaret Cavendish, O Convento do Prazer, três séculos de marginália e as anotações contínuas dos devotos baseados na web em www.pepysdiary. com. A peça "desmonta uma figura histórica incontestável e incorpora as vozes femininas omitidas do retrato íntimo de Pepys de sua vida"

17c foi apresentado como um trecho de trabalho em andamento como parte do American Realness Festival no Agnes Varis Performing Arts Center de Gibney Dance em janeiro de 2017. Em seguida, foi apresentado no Philadelphia Fringe Festival de 7 a 9 de setembro.

Em outubro foi apresentado no Mass MoCa, co-apresentado por Jacob's Pillow Dance em North Adams MA. Sua estreia mundial foi em novembro de 2017 no Carolina Performing Arts em Chapel Hill, NC, e sua estreia em Nova York foi no Next Wave Festival da Brooklyn Academy of Music em Brooklyn, Nova York, em novembro de 2017.

A estrada nos espera (2017)

Baseado vagamente em uma peça absurda de Ionesco, nesta estreia norte-americana, Annie-B Parson encena uma festa de aniversário para uma companhia de conceituados anciões da dança, incluindo Bebe Miller, Meg Harper, Keith Sabado, Sheryl Sutton, Douglas Dunn, Betsy Gregory, Brian Bertscher e Black-Eyed Susan. Esta peça foi originalmente criada para Sadler's Wells Elixir Co.

O histórico de desempenho inclui Sadler's Wells, Londres em junho de 2017 e NYU Skirball em novembro de 2019.

Antigonick (2018)

Antigonick do Big Dance Theatre é uma versão bruta da abordagem filosófica, radical-feminista e feminista de Anne Carson sobre a Antígona de Sófocles. Na perspectiva teatral de Carson sobre o papel de Antígona como humanista e antagonista, a empolgação intelectual de Antigonick reside em como ela perde, por que sua resistência pacífica é importante e nas consequências sérias do confronto Antígona / Kreon.

O Big Dance Theatre deu o primeiro workshop desta peça, dirigida por Paul Lazar, em 2016 no Suzanne Bocanegra e no Home Theater de David Lang. Em 2017, Antigonick foi encomendado e produzido originalmente pelo Williamstown Theatre Festival com o apoio de Mandy Greenfield. O grupo original do elenco incluía Yvonne Rainer, Chris Giarmo, Kirstin Sieh e Sheena See. Ambas as iterações foram dirigidas por Paul Lazar e co-dirigidas por Annie-B Parson, com design de som original de Chris Giarmo e produzido por Aaron Mattocks.

Antigonick foi apresentado pela primeira vez no Williamstown Theatre Festival, no verão de 2017. Ele também foi exibido no Abrons Arts Center em novembro de 2018.

dança de balé (2019)

Annie-B Parson assume o balé com sua própria voz coreográfica. Com base em sua experiência de assistir e re-assistir Agon de Balanchine, bem como o romance The Complete Ballet de John Haskell, ela cria um dueto a partir das imagens, as ações fundamentais, os objetos e as narrativas das tradições do balé.

A história da performance inclui o Spoleto Festival of Two World, Umbria, Itália em julho de 2019 e NYU Skirball em novembro de 2019.

Outros projetos notáveis

Fora da Big Dance, a Sra. Parson criou coreografias para bandas marciais, óperas, estrelas pop, teatro, balé, docentes, filmes, objetos, televisão, sinfonias e, mais recentemente, para um coro de 1.000 cantores sob a direção de Simon Halsey. Seu trabalho para teatro, MTV, ópera e cinema inclui trabalhos de Laurie Anderson, Salt n Pepa, Nico Muhly e peças como Walt Disney at Soho Rep, de Lucas Hnath, Orlando de Sarah Ruhl, Futurity at ART, bem como o quarteto de cordas ETHEL .

Here Lies Love (2013)

Em 2013, Parson coreografou Here Lies Love, um musical baseado na vida da primeira-dama da Fillipina, Imelda Marco , que tocou no Public Theatre com música de David Byrne. Parson era fã de Byrne desde que ela o vira se apresentar em seus tempos de faculdade. A admiração tornou-se colaboração; ela coreografou duas das turnês mundiais de Byrne antes mesmo de eles começarem a trabalhar em Here Lies Love. Byrne escreveu as letras e a música foi criada por Byrne e Fatboy Slim .

Sobre o processo, que foi sua primeira incursão no teatro musical tradicional, ela disse: “Normalmente, em minha própria companhia ou outro trabalho de concerto, eu crio de uma perspectiva formalista, ou seja, trabalho com linha, espaço, forma e o tempo de dança em si. A dança é o objeto sagrado. Quando crio para os shows de David, pergunto: 'O que a música anseia?' Mas em Here Lies Love, a música e a história são os principais candidatos ao trono, então eu sabia que a dança tinha que servir a esses dois. É aí que reside a luta - e o interesse - para mim neste projeto. "

Parson estudou os movimentos de Marco, remexendo em seus movimentos marcantes para criar uma coreografia para que o público pudesse ver seus gestos característicos ao vivo e nas telas de TV reproduzindo imagens históricas. A coreografia resultante ofereceu diversas frases que tinham "tudo, desde toques de banda de meninos e movimentos de clube contundentes a seções gestuais com mãos de flor de lótus e círculos de quadril ondulantes de luau". A confusão resultante criou um efeito visual impressionante, que a essa altura era conhecido como uma "marca registrada do Parson". Parson disse que sua forma de trabalhar veio de Merce Cunningham, que “disse que o sequenciamento e a hierarquia do movimento não são importantes. Posso fazer um movimento, depois outro, depois lançar os dados e trocar. ” O New York Times chamou sua coreografia de "descontroladamente diversa e espirituosa".

Lista completa de outras obras

A Sra. Parson criou a coreografia para a turnê Love This Giant, de David Byrne e St. Vincent , e para a turnê Songs of David Byrne e Brian Eno, em 2008-2009. Ela também criou dança para a Digital Witness Tour de St. Vincent em 2014–2016. Ela dirigiu e coreografou para o quarteto de cordas Ethel . Suas danças são apresentadas no filme Ride, Rise, Roar sobre David Byrne. Ela coreografou para a ópera Dark Sisters de Nico Muhly , Walt Disney no Soho Rep, Sarah Ruhl's Orlando, Futurity na ART, The Broken Heart na TFNA, David Bowie's Lazarus, trabalho completo para The Martha Graham Dance Co. e um solo para Wendy Whelan no Linbury / Royal Opera House

  • "Eu costumava te amar" (2017) Coreografado por Parson para a Martha Graham Dance Co, este trabalho foi baseado no raramente visto 1941 Punch and Judy de Graham. Serviu para repensar e desconstruir a coreografia de Graham.
  • The Road Awaits Us (2017): Criado para a Elixir Co, uma empresa de Elders na Sadlers Wells em Londres, este trabalho nasceu do fascínio de Parson pelo absurdo em uma época absurda. Parson criou uma edição muito esquelética e não linear de The Bald Soprano de Ionesco para a Elixir Co. Os artistas tinham idades entre 60 e 89, um grupo de veteranos e adorados dançarinos da cena londrina. Parson encerrou o trabalho com uma edição resumida do quarto ato elegíaco de The Cherry Orchard.
  • Short Ride Out (2016) Um solo de Wendy Whelan para o The Royal Ballet, este curto solo foi dançado ao som de Julia Wolf. Estreou no Lynbbery Theatre em Londres em 2016.
  • Goats (2016) encomendado pela The Other Shore Dance Co., este trabalho estreou no BAC em Nova York e foi posteriormente apresentado pelo Big Dance Theatre at the Kitchen em 2016.
  • A neve cai no inverno : encomendado pela The Other Shore Dance Co, (Brandi Norton e Sonya Kostich), este trabalho baseado em A lição de Ionesco estreou no BAC em Nova York.
  • 2016 domínio público: a maior parte do festival de Mozart / obra coral de David Lang
  • 2016 Coreógrafo: David Bowie e Ivo van Hove : Lazarus
  • 2015 Criou um solo para Wendy Whelan comissionado pelo Royal Ballet
  • 2015 Trabalho criado para a Martha Graham Dance Company
  • 2014–2016 Coreógrafo: St. Vincent : Digital Witness Tour
  • 2013–2017 Coreógrafo: David Byrne: Here Lies Love
  • 2012 Coreógrafo: David Byrne e St. Vincent: Love This Giant Tour
  • 2008 Coreógrafo: David Byrne: Canções de David Byrne e Brian Eno Tour .
  • 2010 Coreógrafo: David Byrne: Ride, Rise, Roar sobre David Byrne
  • 2015 Coreógrafo: Rikki and The Flash , Filadélfia
  • 2020 Coreógrafo: David Byrne: American Utopia (filme) .

Ensino, redação e curadoria

Desde 1993, Parson é instrutor de coreografia no Experimental Theater Wing da New York University . Ela também ensinou nacional e internacionalmente, incluindo Tóquio e Spoleto, na Itália. Ela apareceu na revista BOMB e escreveu um artigo para a Dance USA sobre o estado da dança / teatro nos Estados Unidos. Como curadora, ela fez curadoria de programas incluindo: o memorial Merce Cunningham, Dancer Crush em NYLA e Sourcing Stravinsky em DTW . Parson leva uma palestra sobre abstração chamada "The Structure of Virtuosity" para universidades e para desenvolvimento de público. Seu livro recente, Dance by Letter , foi publicado pela 53rd State Press.

Desenhando a superfície da dança: uma biografia em gráficos

Solando na página, a coreógrafa Annie-B Parson repensa a coreografia como uma dança no papel. Parson desenha suas danças em novas estruturas gráficas chamando atenção para os fatos visuais da materialidade de cada trabalho de dança que realiza. Esses desenhos servem tanto como mapas de suas peças após a apresentação, quanto como uma consideração dos elementos da própria dança. Dividido em três capítulos, o livro abre com diagramas dos objetos de cada uma de suas peças agrupados em estruturas-gráficos. Esses gráficos reconsideram suas danças tanto da perspectiva da ressonância das coisas quanto de suas propriedades composicionais abstratas. No capítulo dois, Parson investiga a mente coreográfica, mapeando ideias como uma igualdade na percepção de objetos e movimento e a poética de uma gramática cinética. Gráficos de apagamento, camadas e linguagem servem como ferramentas dinâmicas e prismáticas para fazer dança. Por último, há um capítulo de fotografias do Big Dance Theatre 1991-2019. Como um adendo, concordando com a história das operações fortuitas na dança, Parson cria um jogo de cartas generativo de 52 elementos de composição para artistas de qualquer meio recortarem e jogarem como um método para criar novo material. Dentro da dualidade de forma e conteúdo, este livro explora os significados que a própria forma detém, e os mapas visuais de idéias coreográficas de Parson inspiram um novo pensamento em torno dos elementos compartilhados por trás de toda a criação de arte.

Prêmios, homenagens e bolsas

A Sra. Parson foi indicada para o Prêmio CalArts / Alpert sete vezes. Ela foi coreógrafa do YCC no American Dance Festival, onde trabalhou com o compositor Richard Einhorn para criar City of Brides.

Referências

links externos