Artaud (álbum) - Artaud (album)

Artaud
Álbum de estúdio de Pescado Rabioso ( Luis Alberto Spinetta )
Liberado	Outubro de 1973
Estúdio	Phonalex, Buenos Aires
Gênero	Art rock folk
Comprimento	36 : 56
Língua	espanhol
Rótulo	Talent-Microfón
Produtor	Luis Alberto Spinetta Jorge Álvarez
Cronologia Pescado Rabioso
Pescado 2 (1973) Artaud (1973)
Cronologia solo de Luis Alberto Spinetta
Spinettalandia y sus amigos (1971) Artaud (1973) A 18 'del sol (1977)
Solteiros de Artaud
"Todas las hojas son del viento / Superchería" Lançado em 1973

Artaud (francês:[aʁto] ; comumente pronunciado[aɾ.ˈto] por hispanophones ) é consideradoa obra-prima docantor e compositor Luis Alberto Spinetta e um dos álbuns mais influentes do rock de língua espanhola . Ele foi selecionado como o maior álbum da história do rock argentino, em várias ocasiões, mais notavelmente Rolling Stone Argentina ' s As 100 Maiores Álbuns de rock nacional em 2007.

Foi lançado em outubro de 1973 na Talent-Microfón. Embora creditado à banda de rock argentina Pescado Rabioso , é essencialmente o segundo álbum solo de Spinetta, que usou o nome do grupo apesar de sua separação no início daquele ano. O álbum leva o nome e é dedicado ao poeta francês Antonin Artaud , e foi concebido como uma reação aos seus escritos. A embalagem original do álbum é famosa por seu formato estranho, ao qual a gravadora inicialmente resistiu. Spinetta apresentou a Artaud dois shows matinais no Teatro Astral da Avenida Corrientes , acompanhado apenas por seu violão. Cada membro da audiência recebeu uma cópia do manifesto Rock de Spinetta : Música dura, la suicidada por la sociedad , em que apresentava sua visão do movimento rock contracultural argentino .

Plano de fundo e registro

Última formação do Pescado Rabioso, por volta de 1973. Da esquerda para a direita: Luis Alberto Spinetta , David Lebón , Black Amaya e Carlos Cutaia.

Após a dissolução de 1970 do Almendra - uma banda fundadora do crescente movimento de rock argentino junto com Manal e Los Gatos - três novos grupos surgiram à medida que seus ex-membros buscavam criar novos projetos. Edelmiro Molinari formado Cor Humano , Rodolfo García e Edelmiro Molinari criado Aquelarre , e Luis Alberto Spinetta juntos Pescado Rabioso juntamente com o baterista Preto Amaya e baixista Osvaldo Frascino. O curto Pescado Rabioso foi uma mudança consciente da música acústica e melódica anterior de Spinetta, favorecendo um estilo mais violento, "elétrico, cru e poderoso" influenciado por suas novas amizades dentro da cena do rock "mais pesado" de Buenos Aires , que incluía artistas como Pappo's Blues , Manal e Tanguito . O próprio Spinetta se referiu a isso como seu " momento punk ". O projeto passou por várias mudanças de formação (uma característica de quase todas as bandas de rock locais naquela época) e lançou dois álbuns de estúdio - Desatormentándonos (1972) e Pescado 2 (1973) - antes de se separar. Quando Pescado 2 foi lançado, em março de 1973, a banda já havia se separado. Amaya disse ao Crítica Digital em 2009 que David Lebón e Carlos Cutaia deixaram Pescado Rabioso para seguir as suas carreiras a solo e que comunicaram a sua dissolução a Spinetta no teatro Planeta, que considerou uma grande ofensa. Ele também afirmou ter sido o último membro a deixar a banda e ter ensaiado para Artaud . Um dos motivos era que Oscar López, seu empresário na época, queria que Lebón se tornasse o vocalista e guitarrista e que Spinetta tocasse baixo. De acordo com Spinetta, seus companheiros de banda não compartilhavam da visão mais "lírica" ​​que ele estava desenvolvendo e queriam mudar o estilo da banda para rock and roll e blues . Amaya e Cutaia disseram que gostariam de tocar algo "mais blues", com a última explicando que queriam que Lebón participasse mais como compositor e se distanciasse das composições mais complexas de Spinetta. No entanto, Lebón e López negaram que houvesse um plano para transformar Pescado Rabioso em uma banda de blues. Spinetta disse a Eduardo Berti em 1988:

Eu experimentei isso como um grande paradoxo: Pescado Rabioso era eu, e poderia ter tido aqueles músicos como outros; Queria tocar minhas músicas, expressar como me sentia, e parecia uma deformidade começar a fazer músicas de rock e blues como se fosse a época de Manal. Naquela época ainda havia aquela mania de tocar rhythm & blues , mas logo depois David [Lebón] lançou seu álbum solo e não era só nesse estilo. Afinal, ele era tão lírico quanto eu.

Spinetta por volta de 1973.

No livro de Ezequiel Abalos de 1995, Historias del rock de acá , Amaya relembrou: “Ele se sentiu abandonado porque queria continuar tocando com a banda, pois ficou sozinho e ainda estava pendente a gravação de outro álbum com Microfón, ele gravou Artaud com as músicas que ele tinha para Pescado Rabioso. Quando ouvi o disco, tive vontade de [morrer]. " Como resultado, Spinetta convocou seu irmão Gustavo e os ex-membros do Almendra Emilio del Guercio e Rodolfo García para tocar no álbum. Spinetta explicou a Berti que decidiu lançar o álbum com o nome de Pescado Rabioso por achar que usar o seu próprio seria "muito pomposo" e "para provar aos antigos membros do grupo que Pescado Rabioso era [ele]". O uso do nome da banda também foi descrito como uma obrigação contratual. Artaud foi gravado no estúdio Phonalex no bairro de Belgrano , a poucos quarteirões da casa Spinetta. O jornalista Miguel Grinberg descreveu as sessões como "uma cerimónia muito privada". Segundo Rodolfo García, as canções foram "praticamente feitas em estúdio" e gravadas em poucos takes. Afirmou que em "Superchería" e "Las habladurías del mundo", "o conceito com o qual as faixas foram criadas era semelhante: tocá-las com absoluta liberdade [e] o maior swing de que somos capazes". Spinetta compôs e gravou quase todo o álbum com um violão Harptone que ele chamou de "o Standel". O letrista Roberto Mouro afirmou que Spinetta usou uma guitarra elétrica Hagström em "Todas las hojas son del viento", enquanto o jornalista Juan Carlos Diez lembrou que o músico lhe disse que gravou o álbum inteiro com um violão Gibson acústico cor de mogno . Artaud foi produzido pela editora Jorge Álvarez para sua gravadora Microfón, subsidiária da gravadora Talent. Álvarez fundou a Microfón após o fechamento de 1970 de sua companhia Mandioca, a primeira gravadora independente de rock argentino. Durante o final dos anos 1960 e início dos anos 1970, a circulação da bibliografia de Artaud se intensificou e Álvarez teve um papel importante nesse processo ao publicar uma antologia do poeta em 1968.

Spinetta e Patricia Salazar em 1976. O emparelhamento em 1973 foi uma grande influência em Artaud .

A criação do álbum foi profundamente influenciada por mudanças na vida pessoal do músico. Spinetta, de 23 anos, considerou que era hora de se acalmar e se afastar dos excessos, por isso decidiu voltar para a casa dos pais em Belgrano . Nessa época, iniciava uma relação com Patrícia Salazar, com quem permaneceria mais de vinte e cinco anos e teria quatro filhos. Seu irmão Gustavo Spinetta afirmou em 2009 que a música e a letra de Artaud eram o resultado do "clima de muito amor" em que viveram Luis Alberto e Salazar.

Os escritores costumam analisar Artaud em relação ao convulsivo contexto sociopolítico da Argentina em 1973, com a queda da ditadura militar , a vitória eleitoral de Héctor José Cámpora e a notícia da volta de Perón trazendo "uma esperança de liberdade em meio à opressão . " Este curto período sob o governo de Cámpora é conhecido como a " Primavera Camporista " (em espanhol: " primavera camporista ") e foi caracterizado por um novo sentido de libertação e otimismo entre os jovens. Discutindo o contexto social em que Spinetta produziu "Artaud", Grinberg disse à Rolling Stone: "Naquela época éramos todos peronistas . Depois de conhecidos os resultados do triunfo de Héctor Campora, lembro que havia um espírito de fervor de libertação total. De repente, um um caminhão cheio de gente passou pelo Teatro General San Martín e vejo um Luís pendurado abraçando um bando de jovens ”. No verão de 1973, a arte underground e a imprensa cresceram em dimensão, com parques e revistas alternativas sendo seus meios de comunicação. Spinetta participou dos encontros dominicais de jovens que Miguel Grinberg organizou no Parque Centenário por meio de seu programa de rádio El son progresivo , onde se formaram grupos dedicados ao rock nacional , poesia, teatro, psicologia e artes plásticas; e editou uma revista feita coletivamente todos os domingos. Alguns dos outros músicos que foram ao Parque Centenário incluíram Emilio Del Guercio, Rodolfo García, Gustavo Spinetta, Miguel Abuelo e, "sem integrar tanto", Raúl Porchetto e León Gieco . Essas reuniões, que conseguiram reunir 500 pessoas, foram descritas pela Rock.com.ar como "uma verdadeira experiência de integração comunitária, [com] debates ocorrendo entre as pessoas do parque e os eventuais transeuntes". Segundo Del Guercio, eles “se preocuparam em saber qual seria o lugar da arte e da cultura na sociedade por vir, como a transformação pessoal de cada um e a compreensão do outro poderiam modificar a sociedade”; de acordo com Schanton, Artaud é " fruto dessa liberdade total".

Conceito

Antonin Artaud em 1926. Spinetta ficou profundamente impressionado com o sofrimento transmitido em seus escritos.

Artaud foi descrito como "o disco mais literário do rock nacional ", junto com o álbum La Biblia , de Vox Dei , de 1971 . O escritor Juan Pablo Bertazza considerou que o álbum “chega ao ponto mais próximo, fértil e visceral que pode haver entre a música e a poesia, ou melhor: entre a música e a literatura”. Spinetta era um leitor ávido e a literatura foi uma influência fundamental ao longo de sua carreira; como Julio Cortázar em Almendra, Carlos Castaneda em Spinetta Jade e Carl Jung e a filosofia chinesa em Invisível. No momento da Artaud 's composição, a poètes maudits literatura e surrealista foram uma grande influência sobre ele. Além de Antonin Artaud, Spinetta leu outros poetas franceses como Arthur Rimbaud , René Daumal , Charles Baudelaire , Jean Cocteau , André Breton e Conde de Lautréamont .

Spinetta descobriu Artaud através de Jorge Pistocchi, jornalista e artista plástico. Em uma entrevista de Pescado Rabioso de novembro de 1972 para a revista Gente , Spinetta discutiu sua afinidade com a poesia e descreveu Rimbaud como "um cara do rock cem anos atrás", pois ele "se desenvolveu de forma a expressar sua sensualidade interior e expressar sua própria energia em uma forma luminosa ". Ele também mencionou Artaud da mesma maneira, afirmando que ele: "viveu a vida de um roqueiro, como o Hendrix ... As vibrações que Artaud lançava para que outros homens entendessem eram pensando, você vê, pensando e pensando, pensando mesmo no que é isso que acontece. Musicalmente, é o Hendrix, por exemplo. " A influência de Artaud foi ligada ao " espírito iconoclasta e libertário " do álbum.

Spinetta foi particularmente influenciado por seus ensaios Heliogabalus; ou, o Anarquista Coroado (francês: " Héliogabale ou l'anarchiste couronné ") e Van Gogh, O Homem Suiciado pela Sociedade (francês: " Van Gogh le suicidé de la société "). Ele imaginou o álbum como um "antídoto" para a mensagem niilista e "contágio de dor" transmitidos na obra de Artaud. Spinetta disse ao autor Eduardo Berti em 1988: “Quem o leu não pode escapar de uma cota de desespero. Para ele a resposta do homem é uma loucura; para [John] Lennon é o amor. Acredito mais no encontro da perfeição e da felicidade através da a supressão da dor do que pela loucura e sofrimento. Acredito que só se nos preocuparmos em curar a alma, evitaremos distorções sociais e comportamentos fascistas, doutrinas injustas e totalitarismo, políticas absurdas e guerras deploráveis. A única maneira de levantar o peso é com amar."

Composição

O álbum foi descrito como "uma peça monumental de folk psicodélico e pastoral". Escrevendo para o site da Gibson em 2011, Kiko Jones descreveu o som do álbum: "Mostrando influências do rock progressivo e toques psicodelia junto com sua sensação de cantor e compositor, Spinetta habilmente consegue criar em Artaud uma espécie de ponte musical entre a corrente do rock de final dos anos 60 e início dos anos 70. " Da mesma forma, o jornalista musical americano Richie Unterberger observou: "Se é algo como um disco progressivo / psicodélico, tem mais a ver com a justaposição dos estilos do final dos anos 60 e início dos anos 70 em exibição do que com a própria música . " Germán Arrascaeta de La Voz del Interior descreveu o conteúdo do álbum em 2015 como "psicodelia abrasiva". Artaud foi associado a um período de "psicodelia reflexiva" no rock argentino durante os anos 1970, evidente nas letras de Molinari, Pappo e Nacho Smilari de Vox Dei . Gustavo Spinetta disse ao jornalista Oscar Jalil em 2013: "Éramos loucos por Neil Young 's Harvest, que tem uma fluência muito caseira. De alguma forma, eu senti como se estivesse tocando aquela música." Jornalista de música Claudio Kleiman sentiu que John Lennon 1970 álbum de John Lennon / Plastic Ono Band foi um antecedente de Artaud por causa de sua 'nudez emocional e musical', ao mesmo tempo, observando semelhanças em sua 'instrumentação despojado' eo fato de que tanto Spinetta e Lennon escolheu gravar com alguns velhos amigos.

O álbum foi produzido em uma época em que havia rivalidade dentro do rock argentino, entre quem tocava música acústica e quem preferia um estilo elétrico, "mais pesado". Nesse sentido, considera-se que Artaud conseguiu unir esses dois movimentos opostos.

Escrevendo para o jornal chileno La Tercera em 2017, Alejandro Jofré sentiu que Spinetta usa sua voz como outro instrumento.

As canções "complexas" do álbum denotaram uma marcada incorporação harmônica do jazz na música de Spinetta, prefigurando sua influência central nos anos seguintes. Enquanto ele incorporava ainda mais influências do jazz com Invisible , uma banda que formou como Artaud estava sendo lançada, Spinetta mergulhou completamente no jazz rock com o álbum A 18 'del sol de 1977 , inaugurando um "período do jazz" em sua discografia que alienou fãs e durou até meados de 1980.

Spinetta refletiu em 2008 que o álbum "representa um retorno muito interessante à fonte criativa das canções [dele]" e que estabeleceu a possibilidade de desconstruir seu trabalho anterior com Pescado Rabioso para "continuar crescendo". Para Umberto Pérez, da revista espanhola Efe Eme, Spinetta "voltou à fonte para quebrá-la", pois "invocou o espírito acústico e livre de Almendra para captar um dos momentos mais íntimos de sua vida".

Lado um

"Todas la hojas son del viento"

Spinetta com Cristina Bustamante, a quem se refere "Todas las hojas son del viento", por volta de 1970.

Talvez o "momento mais acessível" em Artaud , abridor de "Todas las hojas son del viento" (em inglês: "Todas as folhas pertencem ao vento") é uma balada de folk rock com um som predominantemente acústico, embora contenha um solo de guitarra elétrica em o fim. O violão de Spinetta percorre as notas musicais Sol , Fá e Ré , com um fraseado irregular que era característico de sua música. Ele foi descrito como "talvez Artaud ' momento mais acessíveis s". Pedro Ogrodnik C., da revista colombiana Rockaxis, notou a simplicidade e o "clima quente" da pista curta, e sentiu que lembra muito o trabalho de Sui Generis . É um conhecido clássico de Spinetta.

A letra da música trata da paternidade de uma perspectiva contracultural, embora Spinetta ainda não tivesse sido pai. Em vez disso, ele foi inspirado pela gravidez de sua ex-namorada, Cristina Bustamante. Tinha "selado a relação" com Bustamante em "Blues de Cris" , faixa incluída no álbum de estreia de Pescado Rabioso de 1972, mas continuaram a ver-se. Spinetta escreveu a música depois de lhe dizer que tinha dúvidas sobre a continuidade da gravidez, a qual ela acabou continuando. Ele disse a Berti: “Escrevi 'Todas las hojas son del viento' porque naquele momento ela era como uma folha ao vento, tendo que decidir tal coisa”. Pablo Schanton comparou a música a " Teach Your Children " de Graham Nash e ao Pink Floyd, pois "fornece instruções leves para roqueiros que amadurecem e formam famílias, e devem enfrentar a paternidade enquanto são antipaternais".

"Clube Cementerio"

Walter Gazzo do MDZ Online descreveu "Cementerio Club" como "uma faixa no estilo blues rock , muito elétrica e nítida, que contém letras enigmáticas e depressivas". As influências do jazz têm sido notadas, principalmente para "a escolha harmônica, em escala menor , bem como o realce dos tempos fracos".

Spinetta descreveu sua letra como uma " ironia controlada ", destinada a transmitir a frieza de uma mulher que o deixou; com versos como "Como estarei triste e solitário neste cemitério / Como será quente sem você no verão" (espanhol: " Qué sólo y triste voy a estar en este cementerio / Qué calor hará sin vos en el verano ") e" Ei, baby, diga-me, onde você vê agora em mim, algo que você não detesta? " (Espanhol: " Oye, dime nena, ¿adónde ves, ahora algo en mí, que no detestes? ").

"Por"

Escrita ao lado da parceira Patricia Salazar, a letra de "Por" ( preposição espanhola ) é uma das mais atípicas da carreira de Spinetta, composta por quarenta e sete substantivos soltos escolhidos para se adequar às linhas melódicas pré-existentes. Por exemplo, o poema começa: "Árvore, folha, salto, luz, aproximação, mobília, lã, gosto, pé, chá, mar, gás, olhar" (em espanhol: " Árbol, hoja, salto, luz, aproximación, mueble, lana, gusto, pie, té, mar, gas, mirada "). A técnica foi comparada à poesia concreta e ao corpo primoroso dadaísta .

Além de escolher as palavras que se encaixam na música, a dupla também o fez por causa de seu significado. Spinetta explicou: "['Por' foi um exercício sobre] como eu poderia fazer a música dizer uma palavra e ao mesmo tempo contar uma narrativa, por assim dizer. Embora não seja exatamente isso que eu estava procurando, narrar algo , mas para que as palavras acompanhem a música e falem [sobre algo]. " A faixa foi descrita como uma "desarticulação máxima do discurso poético", uma "ruptura do sintagma " e "talvez a canção mais radicalizada e surrealista [de Spinetta]". Quando questionado se as palavras respondiam a uma lógica oculta, Spinetta respondeu: "É uma espécie de lógica surreal. [...] Como a música já estava escrita, era tudo uma questão de as palavras entrarem direto na métrica. ' Gesticulador '(espanhol: ' gesticulador ' ), por exemplo, está programado para se enquadrar. "

Sobre a letra da música, Pablo Schanton, da Rolling Stone Argentina, refletiu: “Há uma redescoberta da dimensão poética das palavras que só pode ser alcançada libertando-as da frase”. Alejandro Jofré, do La Tercera , acha que "Por" "prova que Spinetta foi um criador livre e moderno."

"Superchería"

Spinetta deixa sua veia acústica em "Superchería" (inglês: "superstition" "charlatão" "swindle" (particularmente praticado no ignorante) "malandragem"), uma canção que, segundo o jornalista Walter Gazzo, "caberia muito bem" em Pescado Álbuns anteriores do Rabioso. Ele a descreveu como uma faixa de rock "típica" que apresenta "cortes rítmicos e climáticos" que a aproximam do jazz. Rockaxis ' s Pedro Ogrodnik C. sentiu que 'Superchería' possuía 'um ar mais típico de Almendra', devido à participação de Emilio Del Guercio e Rodolfo García. A música tem pelo menos três seções diferentes que estão interligadas. Começa com uma cadência de métrica tripla semelhante a uma valsa , com Spinetta cantando a lírica "Superstição" (em espanhol: " Superstición ") e uma espécie de dispersão .

"La sed verdadera"

"La sed verdadera" (em inglês: "A verdadeira sede") foi considerada "uma das faixas mais inspiradas, íntimas e pessoais que Luis já gravou." Spinetta abre a música: "Sei bem que já ouviste falar de mim / E hoje nos vemos aqui / Mas a paz / Em mim você nunca a encontrará / Se não estiver em você / Em mim você nunca a encontrará" (Espanhol: " Sé muy bien que tem oído hablar de mí / Y hoy nos vemos aquí / Pero la paz / En mí nunca la encontrarás / Si no es en vos / En mí nunca la encontrarás ").

Spinetta afirmou que a letra da música é sobre a "intimidade" e "imensidão" do ser . A "verdadeira sede" do título refere-se ao que Spinetta descreveu como a necessidade de "cobrir, reconhecer e tornar o universo familiar". Ele explicou:

Não só o homem é feito do universo porque as moléculas são criadas no universo, que incumbe na Terra e em todos os planetas, mas também, ter sua alma estelar é o que faz o ser falar de sua imensidão interior. Quer dizer, não só pelo sentido crítico biológico , mas pela sua natureza poética e abissal.

A música parece explorar ou explorar sentimentos de angústia metafísica relacionados a ser / criar vs o nada:

"Da sua sala ou fora dela / Você não está / Mas tem alguém que está lá / E não sou eu / Só estou falando com você daqui / Deve ser / A música que você nunca fez" (Espanhol : "Por tu living o fuera de allí no estás / Pero hay otro que está / Yo no soy / Yo sólo te hablo desde aquí / Él debe ser / La música que nunca hiciste" )

e depois conclui:

"As luzes saltando ao longe / não estão esperando que você as apague / Nunca" (espanhol: "Las luces que saltan a lo lejos / No esperan que vayas a apagarlas / Jamás" )

Lado dois

"Cantata de puentes amarillos"

	"Cantata de puentes amarillos" Artaud ' central s, 'Cantata de Puentes amarillos' é organizado como uma suíte com várias distintas seções . Neste exemplo, a música muda de uma seção para outra.
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A acústica "Cantata de puentes amarillos" de 9 minutos (em inglês: " Cantata of yellow bridges") é a peça central do álbum e a canção "mais impactante". Mais uma vez, apresenta apenas Spinetta e sua guitarra, que montaram a música no estúdio de gravação sobrepondo vozes e guitarras que ele mesmo gravou. Foi descrito como uma combinação de folk progressivo inglês com música folclórica argentina.

Organizada como uma suíte , a música passa por cinco seções distintas que Spinetta chamou de "módulos". Neste sentido, é considerada uma "exploração semelhante" à sua composição anterior "Cristálida", incluída no Pescado Rabioso 2 de Pescado Rabioso . Spinetta observou que “enquanto os módulos da 'Cristálida' se repetem de forma rotativa, os da 'Cantata' são diferentes entre si”. Jorge Monteleone do CONICET descreveu a canção em 2010: "a voz de Spinetta se articula solitariamente em inesperadas resoluções harmônicas do violão e alterna ritmos onde as imagens e os registros enunciativos [...] se sobrepõem em módulos distintos entre si . " Ele considerou "Cantata de puentes amarillos" uma "pulverização da canção pop", ligando-a a "Cristálida" e " Um Dia na Vida " dos Beatles (do Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band ). Santiago Giordano de La Voz del Interior sentiu que na faixa, "Spinetta supera os esquemas formais do gênero canción ."

"Cantata de puentes amarillos" é a canção em que a influência dos escritos de Artaud é mais evidente. Devido à sua leitura de Van Gogh de Artaud , The Man Suicided by Society , Spinetta entrou em contato com as cartas de van Gogh para seu irmão Theo e incorporou várias imagens delas nas letras da música. Por exemplo, as "pontes amarelas" (espanhol: " puentes amarillos ") são presumivelmente inspiradas na Ponte Langlois em Arles , sua única pintura apresentando uma ponte amarela. Além disso, a pintura de van Gogh Estrada com cipreste e estrela é referenciada na letra: "Essas sombras da estrada azul / Onde estão? / Comparo -as com ciprestes que vi / Só em sonhos" (espanhol: " Aquellas sombras del camino azul / ¿Dónde están? / Yo las comparo con cipreses que vi / Solo en sueños "). Em uma de suas cartas, van Gogh reflete sobre o sofrimento de um pássaro enjaulado que tem alimentação e saúde, mas ainda deseja ser livre como os outros pássaros. Isso inspirou a letra de Spinetta: "Olhe para o pássaro, ele morre em sua gaiola" (em espanhol: " Mira el pájaro, se muere en su jaula ").

"Bajan"

"Bajan" é considerada a música mais beatlesca de Spinetta desde os anos de Almendra. É talvez a música mais otimista do disco, referindo-se à passagem do tempo desde o lugar da juventude com letras como "Tenho tempo para saber / se meus sonhos acabam em alguma coisa" (espanhol: " Tengo tiempo para sabre / Si lo que sueño concluye en algo "). Spinetta mais uma vez se refere à natureza, com imagens como "o velho carvalho ", "o dia que se senta para morrer", "a noite que nubla infinitamente" e o sol e a lua como duas faces ideais do ser humano. "Kleiman sentiu que as linhas finais "E além disso / Você é o sol / Tranquilamente também pode ser / A lua" (espanhol: " Y además / Vos sos el sol / Despacio también / Podés ser la luna ") têm uma "conexão clara com o hippie utopia, ainda presente tanto na mente de Luis quanto nos sonhos de sua geração ”.

"A Starosta, el idiota"

(Inglês "To Starosta, the idiot") Nos versos finais da música, Spinetta canta "O idiota / não há mais nada que eu possa fazer por ele / Ele vai queimar / olhando para o sol / E esta é a história daquele que está esperando / para acordar / Vamos sair daqui "(espanhol: " El idiota / ya nada puedo hacer por el / él se quemará / mirando al sol / y es esta la historia del que espera / para despertar / vámnos de aquí ") . Daniel Mecca e Martina Nudelman do Clarín sentiram que essas letras "colocam, como uma síntese, a raiz do conceito poético de Spinetta: não ficar fixo em um lugar". No interlúdio psicodélico , no final, uma pequena parte da gravação de "She loves you" dos Beatles pode ser ouvida.

"Las habladurías del mundo"

Richie Unterberger o descreveu como "um roqueiro de sabor latino tenso que lembra vagamente o antigo Santana ". Sergio Ariza Lázaro, do Diariocrítico.com, sentiu que a faixa parecia o segundo álbum do Almendra. O título significa "O bate-papo do mundo" ( habladurías : "fofoca", "bate-papo", "boato", lit. "provérbios") e parte da letra diz "Vejo que vejo que as palavras nunca são as melhores / para nos impedir de ficar nus ( "Veo veo las palabras nunca son / lo mejor para no / andar desnudos" ) com veo-veo (lit. "Entendo, Entendo") sendo também o nome de um tradicional jogo de adivinhação infantil , enquanto o refrão afirma "Não estou mais preso a nenhum sonho / As palavras do mundo não podem me prender" ( "No estoy atado a ningún sueño ya / Las habladurías del mundo no pueden atraparme" )

Lançamento e promoção

Flyer promovendo a apresentação de Artaud no "Domingo 26" - presumivelmente em agosto - no Teatro Astral de Buenos Aires. Apresenta um desenho de Spinetta.

Artaud foi lançado em outubro de 1973 pela Talent-Microfón. "Todas las hojas son del viento" foi lançado ao lado do lado B "Superchería" como o único single promocional do álbum no mesmo ano. Apesar da novidade da capa, a gravadora não concedeu a Artaud nenhuma campanha promocional especial e o álbum divulgou seu anúncio de outubro de 1973 junto com outros nove títulos, entre eles a estreia de Lebón, Color Humano 3 , Confesiones de invierno e Aquelarre 's Brumas . O jornalista e amigo Miguel Grinberg ajudou a promover a apresentação do concerto de Artaud entrevistando Spinetta na Rádio Municipal e imprimindo pôsteres e banners. Após o lançamento, um revisor da revista especializada Pelo elogiou o álbum como "a peça longa mais livre e bela que ouvi em muito tempo". Na edição seguinte, a revista afirmava: "Se ele quisesse, Spinetta poderia desenvolver uma grande parte de sua riqueza de material criativo como solista. Ele novamente demonstrou isso magicamente em Artaud ."

Spinetta apresentou a Artaud dois shows matinais no Teatro Astral da Avenida Corrientes , um dos poucos e mais emblemáticos locais onde os artistas do rock argentino puderam se apresentar durante o início dos anos 1970. Apesar do crescimento sustentado que o movimento rock nacional vinha experimentando, as casas de show eram disponibilizadas esporadicamente e apenas no período da manhã ou da madrugada, pois o gênero ainda não tinha "atingido o status necessário para merecer os horários centrais". Além de Spinetta como solista e ao lado de Pescado Rabioso e posteriormente Invisível, outros atos que se apresentaram no Teatro Astral durante esses anos incluem Manal, Moris , Color Humano, Sui Géneris e Crucis .

Spinetta apresentando Artaud no Teatro Astral de Buenos Aires em 28 de outubro de 1973.

Uma das apresentações do Teatro Astral ocorreu antes do lançamento do álbum e a outra algum tempo depois, embora as datas exatas sejam contestadas. Após o advento da Internet, gravações piratas dos programas apareceram no YouTube e em blogs dedicados a Spinetta, tornando-se um dos lançamentos não oficiais mais celebrados do artista. Das duas gravações que circulam na Internet, apenas a de 28 de outubro de 1973 é a data real do segundo programa. O primeiro, supostamente de 23 de outubro de 1973, não foi possível porque aquele dia era uma terça-feira e os dois shows aconteciam nas manhãs de domingo. Algumas publicações continuam fazendo uso indevido desta data. Em vez disso, a data correta pode ter sido 26 de agosto ou 23 de setembro. Berti apoiou a ideia de que a apresentação ocorreu em setembro, como fizeram alguns escritores contemporâneos. Após anos de circulação online, o bootleg de 28 de outubro de 1973 - feito por um jovem fã com um gravador monoaural Philips - finalmente recebeu seu lançamento oficial como álbum ao vivo em 2020, intitulado Presentación Artaud 1973 . As gravações foram masterizadas pelo engenheiro Mariano López, e a capa do álbum traz desenhos de Spinetta retirados dos flyers do show.

O espetáculo do Teatro Astral é considerado "um dos concertos mais lendários" da história do rock argentino. Apresentaram Spinetta acompanhado apenas de seu violão, e antes de se apresentar ele projetou os filmes O Gabinete do Dr. Caligari e Um Cão da Andaluzia , além de entregar a cada espectador uma cópia de seu manifesto Rock: Música dura, la suicidada por la sociedad .

Apesar da iminência de sua estreia com Invisible , Spinetta voltou a apresentar o álbum em dezembro no estádio Atenas de La Plata , capital da Província de Buenos Aires . Foi acompanhado por Grinberg, Robertone e o irmão Gustavo, que também o ajudaram nos concertos do Astral. O evento foi divulgado como concerto de despedida de Pescado Rabioso. Como nos concertos de teatro Astral, a data exata do espetáculo em La Plata é disputada.

Embalagem

A embalagem original em exposição na Biblioteca Nacional . Conforme visto nesta cópia, a capa era geralmente perfurada para ser pregada ou pendurada na parede devido ao seu design exclusivo.

A capa original do álbum é notória por seu formato "trapézio irregular" único, apresentando uma composição verde e amarela que faz alusão a uma frase escrita por Antonin Artaud 1937, que pode ser lida no encarte do disco: "Não são verdes e amarelos cada um dos cores opostas da morte, verde para ressurreição e amarelo para decomposição e decadência? " Uma pequena fotografia do poeta aparece em seu ângulo superior direito. Artaud ' cover s foi baseado em um esboço por Spinetta e desenhado por Juan Gatti , um designer, fotógrafo e artista plástico (que tem resistido mais tarde para fora para ser o autor de desenhos gráficos relacionados com Pedro Almodóvar ' filmes s), que também fez o obras de arte de vários outros artistas do rock argentino dos anos 1970, como Moris , Crucis , Pappo's Blues, La Pesada del Rock and Roll e Sui Generis. Gatti disse que o objetivo era fazer "um objeto incômodo e incômodo, algo que incomoda", e o descreveu como um produto de sua época, quando o sentimento de desafiar o estabelecido prevalecia entre os jovens. Ele também lembrou em 2013: “O disco eu acho que foi mais uma conclusão do Luis que estava super empolgado com o Artaud e antes do disco já estávamos falando dele e de outros poetas franceses. Então era normal aquele disco sair. [ ...] Estávamos no presente e o que realmente nos interessava era a diversão, talvez de todos nós fosse o Luis quem tinha as pretensões mais culturais e perecíveis.

Artaud continha um grande livreto que também o diferenciava de outros registros; foi inspirado em folhetos médicos, algo que foi vinculado ao objetivo do álbum de ser um "remédio" para os escritos do poeta francês. Escrevendo para a Rolling Stone argentina em 2013, Fernando García considerou a "lendária capa em forma de estrela" uma obra de arte, pois "rompe com a função de um objeto de design" e "sua geometria empurra lentamente o recorde para a margem do inútil, do inutilizável. " Ele também refletiu: "Talvez Artaud , a capa, seja um elo perdido entre a arte concreta e a pop art ." Na entrada do álbum na lista dos 100 melhores álbuns do rock argentino 2007 da revista, Pablo Schanton analisou a capa:

... o objeto-registro era um desajustado: denunciava com sua deformidade a quadratura, a falta de liberdade e a submissão à geometria industrial do resto. Que melhor síntese sobre a vida e a obra de Antonin Artaud. [...] Para a neurose de colecionadores, é impossível encontrar uma capa de Artaud original sem pontas gastas: aquele desafio aos patronos geométricos e industriais (pais) foi pago com degradação. Outra maneira de falar sobre o destino trágico de Artaud.

O álbum exigia um tipo diferente de exibição, geralmente pregado na parede ou pendurado.

Artaud ' versão original s é um objeto valorizada entre os colecionadores de discos custando cerca de 30.000 pesos a partir de 2016.

Reedições

A primeira edição do CD de Artaud , lançado na Microfón em 1992, incluía erroneamente cinco canções de Nito Mestre . A empresa decidiu não retirar esses CDs de circulação, mas aguardar que sejam totalmente vendidos antes de corrigir o erro. Hoje este lançamento é um item de colecionador valioso.

No início da década de 2010, o fenômeno do renascimento do vinil atingiu a Argentina e a gravadora Sony Music decidiu relançar vários clássicos do rock argentino nesse formato. Artaud foi a "ponta de lança" desta série de relançamentos, que incluiu títulos de Soda Stereo , Virus , Charly García e várias bandas de Spinetta. A série foi lançada em 21 de maio de 2015 e foi um grande sucesso, com as reedições esgotadas em poucos dias. A reedição de Artaud foi de longe o vinil mais vendido do grupo. O presidente da Sony Music Argentina, Damián Amanto, atribuiu isso ao fato de que o relançamento reproduziu a arte histórica do disco, o que fez do lançamento original de 1973 um dos álbuns mais solicitados pelos colecionadores. Ele disse ao biógrafo Sergio Marchi em 2019: "Claro, Artaud vende mais discos de vinil do que Ricardo Arjona . [Mas também] mais do que AC / DC e os Beatles. Além da qualidade de sua música, eu não saberia dizer o motivo. [ ...] Artaud está completamente fora de cogitação , pois Pescado 2 também é um dos discos mais vendidos, mas Artaud supera em muito. Spinetta é um dos artistas mais editados em vinil em suas diferentes formações, pois tem muitas obras . E ele é um dos mais vendidos nesse formato, senão o mais. "

Legado

Artaud é considerado a obra-prima de Spinetta , além de um dos álbuns mais revolucionários e influentes do rock argentino, tendo sido considerado o maior álbum da história do gênero em diversas ocasiões. Eduardo Santos do Noisey o descreveu em 2016 como “um dos discos-chave da história do rock argentino e latino-americano que, graças a essa viagem entre o real e o onírico manifestado em suas nove canções, ficou gravado na história da música. " Em 2014, o jornal peruano Trome descreveu o Artaud como o álbum mais influente do rock en español . O jornal chileno El Ciudadano escreveu em 2016 que o álbum "marcou gerações de artistas em todo o continente". Após a morte do músico em 2012, o autor Juan Pablo Bertazza considerou que Artaud é o álbum que "melhor explica porque Spinetta elevou o nível cultural argentino". O jornalista Walter Medina refletiu: “Imaginei nossa história cultural sem Artaud e não precisei de maiores ausências imaginárias para chegar à certeza total de que, mesmo com a riqueza que a caracteriza, a história da música e da cultura argentinas seria [uma história totalmente diferente ] sem o trabalho de [Spinetta]. "

Uma pesquisa de julho de 1985 do jornalista Carlos Polimeni para o Clarín classificou Artaud como o terceiro maior álbum da história do rock argentino. Entre seus cinquenta entrevistados estavam os jornalistas Pipo Lernoud, Miguel Grinberg e Víctor Pintos; e os músicos Charly García , Gustavo Cerati , Pappo, León Gieco , Oscar Moro e Litto Nebbia . O álbum foi ainda mais reavaliado ao longo do tempo; e no número 67 da edição argentina da Rolling Stone , lançada em outubro de 2003, Oscar Jalil escreveu: “Acima de qualquer revisionismo, Artaud é a obra perfeita da cultura do rock, carregada de flechas direcionadas a diferentes disciplinas artísticas”. Em 2007, a revista acabou por colocá-lo em primeiro lugar na lista dos "100 Melhores Álbuns do Rock Argentino". Em seu verbete, Pablo Schanton o descreve como "um evento cultural libertador" e "uma aura de algo irrepetível [...] A aura de fazer e ser rock de maneira mais direta, mais artística, mais artesanal e menos massiva". O jornal online espanhol Diariocrítico.com incluiu o álbum em sua edição de 2016 dos "20 melhores discos da Argentina", com o jornalista Sergio Ariza Lázaro o qualificando como "provavelmente o melhor álbum desta lista e um dos melhores álbuns de rock feitos em castelhano . " O jornal chileno La Tercera classificou Artaud em segundo lugar em sua lista de 2017 dos "20 Melhores Álbuns do Rock Argentino".

No livro Los 138 discos que nadie te recomendó de 2017 , os escritores Sergio Coscia e Ernesto Gontrán Castrillón sentiram que "Cantata de puentes amarillos" "poderia muito bem ser um hino nacional alternativo".

A revista americana Al Borde classificou "Todas las hojas son del viento" em 220º lugar em sua lista de 2007 das "500 [canções] do rock ibero-americano".

Ramón Garibaldo Valdéz e Mario Bahena Urióstegui afirmam que seu lançamento fez do rock argentino o maior movimento musical dissidente do continente.

Diego Huerta, do Clarín , descreveu-o em 2012 como "uma obra revolucionária e contracultural ".

Para Sergio Pujol, do CONICET , a libertação de Artaud significou o culminar de um processo de amadurecimento e distanciamento das pressões comerciais.

Em uma entrevista de 1992, o ícone do rock argentino Charly García chamou Spinetta de uma de suas influências e, quando questionado sobre qual de suas canções gostaria de compor, respondeu: " Artaud , o disco inteiro".

Em junho de 2019, o selo argentino RGS lançou um álbum tributo em CD intitulado Artaud: un homenaje a un gran disco (em inglês: "Artaud, uma homenagem a um grande disco"), que reproduz a arte original e inclui as nove faixas na mesma ordem , cada um com a versão de um artista diferente.

Em 23 de janeiro de 2020, o Google comemorou o que seria o 70º aniversário de Spinetta com um Doodle que, além da Argentina, apareceu na Áustria, Bolívia, Bulgária, Chile, Colômbia, Equador, Alemanha, Islândia, Itália, Paraguai, Peru, Espanha, Suíça , Uruguai e Vietnã. Predomina verdes na homenagem, comemorando Artaud ' capa do álbum icônico s.

Lista de músicas

Todas as faixas são escritas por Luis Alberto Spinetta.

Pessoal

Créditos adaptados das notas de encarte de Artaud , exceto onde indicado o contrário.

Veja também

• 1973 na Argentina
• 1973 na música
• Impacto cultural dos Beatles
• Musica da argentina
• Origens do rock argentino
• Era psicodélica
• Rock psicodélico na América Latina

Notas

Referências

Bibliografia

links externos

• Artaud at Discogs (lista de lançamentos)
• Estatísticas, marcação e visualizações de Artaud naLast.fm
• Artaud e avalie sua música