Concerto para piano nº 3 (Prokofiev) - Piano Concerto No. 3 (Prokofiev)
Concerto para piano nº 3 em dó maior , op. 26, é um concerto para piano de Sergei Prokofiev . Foi concluído em 1921 usando esboços iniciados em 1913.
Composição e performances
Prokofiev começou seu trabalho no concerto já em 1913, quando escreveu um tema com variações que então deixou de lado. Embora tenha revisitado os esboços em 1916-1917, ele não se dedicou totalmente ao projeto até 1921, quando passou o verão na Bretanha .
O próprio Prokofiev fez o solo na estreia em 16 de dezembro de 1921 em Chicago com a Orquestra Sinfônica de Chicago dirigida por Frederick Stock . A obra não ganhou popularidade imediata e teve que esperar até 1922 para ser confirmada no cânone do século 20, depois que Serge Koussevitzky conduziu uma performance ricamente elogiada em Paris . A primeira apresentação soviética foi em 22 de março de 1925, de Samuil Feinberg , com a Orquestra do Teatro da Revolução de Konstantin Saradzhev .
Instrumentação
O concerto é pontuado para piano solo e orquestra com a seguinte instrumentação.
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Análise
O concerto consiste em três movimentos de duração aproximadamente igual que duram pouco menos de 30 minutos no total.
- Andante - Allegro
- Tema con variazioni (em mi menor)
- Allegro, ma non troppo
Dos cinco concertos para piano escritos por Prokofiev, o terceiro concerto para piano conquistou a maior popularidade e aclamação da crítica. O concerto irradia uma vitalidade nítida que testemunha a habilidade inventiva de Prokofiev em pontuar passagens líricas com dissonâncias espirituosas , enquanto mantém uma parceria equilibrada entre o solista e a orquestra . Ao contrário dos exemplos de concertos para piano definidos por muitos dos antepassados românticos de Prokofiev , a orquestra se eleva acima do acompanhamento subsidiário para desempenhar um papel muito ativo nesta obra.
I. Andante - Allegro
O primeiro movimento abre com um solo de clarinete andante , uma melodia longa e lírica que toda a orquestra eventualmente pega e expande. As cordas começam a seção de allegro com uma passagem escalar que parece acelerar em direção a um clímax de glissando ascendente , ponto no qual a entrada de allegro do piano solo inesperadamente quebra o clima lírico em uma explosão exuberante e harmonicamente fluida de brilho e ritmo, utilizando fragmentos de o primeiro tema . Piano e orquestra continuam em diálogo até que o piano introduza a estrutura harmônica para o segundo tema com um clímax alto e inesperado semelhante a uma marcha .
O segundo tema, consideravelmente mais dissonante e ambíguo em tonalidade, é primeiro abordado pela orquestra e depois expandido pelo solista. Isso leva ao que talvez seja o feito pianístico mais reconhecível do primeiro movimento: várias linhas de oitavas intercaladas com tons próximos acima ou abaixo (em um ritmo de tercina ), movendo-se para cima e para baixo no teclado com as mãos geralmente uma em cima da outra . Isso é seguido por uma reapresentação do tema do clarinete de abertura, tocado em voz alta por toda a orquestra, que faz a transição para uma variação assombrosa do tema pelo piano solo. Uma passagem rápida e escalar desde o início do movimento é agora assumida pelo piano, no que é indiscutivelmente a passagem mais difícil no primeiro movimento por seus desafios de dedilhado e fraseado.
Isso leva a uma recapitulação exata da entrada do piano, que agora leva a uma coda brilhante envolvendo várias figurações da idéia de oitavas-tercinas, bem como execuções no piano consistindo inteiramente de tríades paralelas ascendentes e glissandi. O segundo tema é reafirmado no registro agudo do piano, primeiro como acordes bloqueados, depois como arpejos frenéticos de semicolcheia . Várias escalas não melódicas permitem que a música desça até uma vibração tranquila na orquestra em um acorde dissonante, CA ♭ -D. A orquestra então retoma os Cs graves e pulsantes; o piano faz uma reapresentação abreviada da passagem escalar que levou à recapitulação, que agora é usada para encerrar o movimento, com uma harmonia dissonante seguida sarcasticamente por oitavas dó quase tonais abertas.
II. Tema con variazioni
O movimento do meio (em mi menor) é um tema e cinco variações e é um exemplo deslumbrante de Prokofiev expressando sua sagacidade ligeiramente sarcástica em termos musicais.
- A ideia central é expressa pela orquestra em uma gavota hesitante e picante .
- A primeira variação é uma reapresentação ampla e lenta pelo piano, começando com um longo trinado seguido por uma corrida semelhante a glissando no teclado, em antecipação floreada do clarinete solo executado no início da Rapsódia em azul de Gershwin , escrita mais tarde em 1924.
- A segunda variação é apresentada pela orquestra em um ritmo galopante, com o piano proporcionando emoção com longas corridas para cima e para baixo no teclado.
- A terceira variação é uma desconstrução fortemente sincopada do tema principal com uma pesada batida jazzística.
- A quarta variação, possivelmente a mais famosa, é uma meditação inquietante e errante do tema principal, com diálogo livre entre o piano e a orquestra; um motivo recorrente de terços frios e etéreos caindo do piano contribui para o clima ligeiramente sobrenatural definido por esta seção.
- A quinta variação é outra brincadeira de allegro para solista e orquestra, começando em uma tonalidade maior ensolarada, mas modulando em águas de transição conforme o tema principal é fragmentado e jogado em pedaços de tempo duplo , em seguida, construindo e diminuindo no
- Coda. A orquestra toca o tema principal em sua forma original, na velocidade original (metade da variação anterior), com o piano fornecendo acompanhamento de obbligato em tempo duplo .
- Uma curta finalização andante insinuando uma finalização em Mi maior dá ao piano a última palavra com um acorde EG de oitava baixa (ambíguo entre Mi menor ou Dó maior)
III. Allegro, ma non troppo
O terceiro movimento, que o próprio Prokofiev chamou de "discussão" entre solista e orquestra, começa com uma declaração em Lá menor do tema principal em fagotes e cordas pizzicato, interrompida pela entrada assertiva do piano com um tema conflitante. A interação entre o piano e a orquestra ganha força, com uma breve aceleração do tempo (prenunciando o longo Coda) antes de chegar a um tema secundário lírico lento (C♯ maior / menor) nos instrumentos de sopro. O piano oferece uma resposta um tanto sarcástica, e o tema lento se desenvolve, por meio de outra reafirmação esquisita de Rachmaninoff e outra exploração etérea (o solista subindo e descendo o teclado suavemente sobre sopros suaves suavemente dissonantes), em um clímax unido com piano e cordas em uníssono, então desaparecendo no Coda.
Esta é a seção mais virtuosística do concerto, com uma reapresentação do tema principal em allegro, novamente em fagotes , mas em mi menor. O piano o reenquadra inicialmente em Ré maior, depois desliza para um obbligato bitonal contra um sol maior que sustenta as cordas. Em seguida, a coda explode em uma batalha musical entre solista e orquestra, com ornamentação de piano proeminente sobre a orquestra (incluindo arpejos de notas duplas famosos e difíceis , às vezes aproximados por pianistas com glissandos de teclado usando os nós dos dedos), eventualmente estabelecendo a chave final de Dó maior e terminando em um floreio com um fortíssimo C tônico de 9ª acorde .
Gravações
Existem mais de 120 gravações comerciais desta obra popular. O próprio Prokofiev fez o primeiro em junho de 1932 com a London Symphony Orchestra dirigida por Piero Coppola no Abbey Road Studios em Londres; é a única gravação que existe do compositor executando um de seus concertos. Martha Argerich gravou a obra em 1967 com Claudio Abbado para a Deutsche Grammophon ; ela gravou novamente em 1997 com Charles Dutoit para a EMI , desta vez ganhando um prêmio Grammy . Evgeny Kissin fez três gravações: em 1985, quando tinha 13 anos, com o maestro Andrei Tchistiakov para o selo exportador russo Mezhdunarodnaya Kniga, lançado no Ocidente pela RCA ; em 1993, ao vivo em Berlim, com Abbado pela Deutsche Grammophon; e em 2008, ao vivo em Londres, com Vladimir Ashkenazy regendo a Orquestra Filarmônica da EMI, um esforço que também rendeu um prêmio Grammy. A gravação final desta peça de Abbado foi com a pianista Yuja Wang no Festival de Lucerna em 2009. A gravação de 1990 do pianista Horacio Gutiérrez com Neeme Järvi e a Royal Concertgebouw Orchestra foi aclamada em seu primeiro lançamento e novamente quando relançada em 2009. Mas uma pesquisa sobre 70 gravações da International Piano Quarterly escolheram a gravação ao vivo de 1996 de Alexander Toradze com a Orquestra Kirov e Valery Gergiev como "Historicamente a Melhor da Gravação". Outras gravações foram feitas por Julius Katchen , Lang Lang , Nikolai Lugansky , Van Cliburn , Mikhail Pletnev , Yefim Bronfman e, mais recentemente, Behzod Abduraimov .