David Gordon (coreógrafo) - David Gordon (choreographer)

Para outras pessoas com o mesmo nome, consulte David Gordon (desambiguação) .
David Gordon
Nascer ( 14/07/1936 )14 de julho de 1936 (85 anos)
Lower East Side de
Manhattan , cidade de Nova York
Nacionalidade americano
Educação Seward Park High School
Alma mater Brooklyn College
Conhecido por
Teatro de dança pós-moderno teatro
musical
Trabalho notável
 (ver artigo)
Movimento Judson Dance Theatre
Cônjuge (s) Valda Setterfield
Crianças Ain Gordon
Prêmios (veja abaixo )
Local na rede Internet Pegue Co (s) de Desempenho

David Gordon (nascido em 14 de julho de 1936) é um dançarino , coreógrafo , escritor e diretor teatral americano proeminente no mundo da dança e performance pós-moderna . Com sede em Nova York, o trabalho de Gordon foi visto nas principais salas de espectáculos nos Estados Unidos, Europa, América do Sul e Japão, e já apareceu na televisão na PBS 's Great Performances e Vivo TV , ea BBC e Channel 4 na Grã Grã-Bretanha.

Duas vezes bolsista do Guggenheim (1981 e 1987), Gordon foi palestrante dos painéis do programa de dança do National Endowment for the Arts e do New York State Council on the Arts , e presidente do primeiro. Ele é membro do Actors Studio e fundador do Center for Creative Research.

Gordon é casado com Valda Setterfield , dançarina e atriz nascida na Inglaterra , que foi por 10 anos solista da Merce Cunningham Dance Company . Ela aparece regularmente na obra de Gordon e tem sido referida como sua " musa ". Seu filho, dramaturgo, ator e diretor teatral Ain Gordon , colaborou com Gordon em vários projetos.

Estilo e processo

Como a maioria dos pós-modernistas na dança, Gordon emprega movimento pedestre em seu trabalho, mas ele é notável por seu uso frequente de diálogo falado, mesmo em peças de "dança", bem como sua rejeição brechtiana da ilusão associada a um interesse pela teatralidade. Ele é citado como tendo dito "Eu [quero] usar meios mundanos para um fim mágico." Um opositor por natureza, Gordon cria obras que são baseadas na clareza estrutural, que ele então rebaixa: "Eu sempre encontro uma maneira de bagunçar uma estrutura fabulosamente simples", disse Gordon, "Não consigo evitar isso."

Outra marca registrada de Gordon é seu gosto pela reciclagem de materiais usados ​​anteriormente, tanto coreográficos quanto físicos. De acordo com a crítica Arlene Croce : "Gordon é um colagista. Muitas de suas danças e cenários ... podem ser retirados do contexto e combinados com novo material para causar uma nova impressão." Isso é particularmente verdadeiro com o uso de gestos, que quando vistos em um contexto podem parecer sem sentido ou arbitrários, mas que adquirirão significado e parecerão deliberados quando, por exemplo, acompanhados por música ou texto. De acordo com Gordon:

O movimento é ambíguo até que você o coloque contra algum fundo. ... Eu uso muitas repetições com variações para tornar aparentes as ambigüidades do movimento. Explorar os possíveis significados alternativos do gesto é uma das minhas principais preocupações.

As peças de Gordon freqüentemente fazem referência a filmes e outros aspectos da cultura popular, e muitas vezes são autobiográficas, ou pelo menos aparentemente, com a distinção entre fatos verdadeiros e autobiografia ficcional deliberadamente obscurecida. Suas peças freqüentemente empregam humor, às vezes em autodepreciação, e ele tem sido chamado de um dos poucos "espíritos cômicos" produzidos pelo movimento de dança pós-moderno.

Juventude e carreira

Gordon, natural da cidade de Nova York, nasceu em 14 de julho de 1936, filho de Samuel e Rose Gordon. Ele cresceu no Lower East Side e em Coney Island e se formou na Seward Park High School . Depois, ele recebeu um BFA do Brooklyn College , onde estudou inglês e arte, ingressou no clube de dança moderna e, por insistência de um amigo, fez o teste e conseguiu o papel principal do menino feiticeiro na produção da faculdade Dark of a lua .

Acabado de sair da escola, um encontro casual no Washington Square Park em 1957 - "uma cena saída de Hollywood", em suas palavras - levou Gordon a ingressar na companhia de dança do coreógrafo James Waring , onde conheceu Setterfield, que a havia seguido recentemente amigo David Vaughan da Inglaterra. As aulas de composição ministradas por Judith e Robert Dunn o tornaram um dos artistas fundadores dos concertos do Judson Dance Theatre na Judson Church , que começaram em 1962 e continuaram até 1966. Gordon fez solos e duetos para si mesmo e Setterfield, que apresentou em o Living Theatre e a Paula Cooper Gallery , entre outros espaços no centro. Ele também participou do "First New York Theatre Rally", organizado por Steve Paxton e Alan Solomon.

Os primeiros trabalhos de Gordon incluíram:

  • Mama Goes Where Poppa Goes (1960) - seu primeiro dueto para ele e Setterfield,
  • Dança do manequim (1962),
  • Helen's Dance (1962),
  • Random Breakfast (1963) - em que Setterfield fez um strip-tease e Gordon se fez passar por Milton Berle se passando por Carmen Miranda ; e
  • Silver Pieces (Fragments) (1964).

Gordon e Setterfield foram descritos durante este período como "amáveis ​​sabotadores ... [com] a habilidade estilística de antigos comediantes de salão de música ... [e] um humor perversamente perceptivo."

Em 1966, a resposta negativa do público à sua peça solo Walks and Digressions - Gordon escreveu que "[o] público vaiou, assobiou, bateu palmas, bateu os pés e caminhou pela área de atuação enquanto eu estava trabalhando" - levou-o a pare de fazer danças por cinco anos.

A crítica foi devastadora, e eu não fui inteligente o suficiente para entender ou usar a possível notoriedade ligada àquela performance (afinal, obviamente ninguém estava entediado) em um movimento positivo na carreira. Eu descobri que executar publicamente meu próprio trabalho me colocava em uma posição extremamente vulnerável emocional e fisicamente, e eu não queria nada disso. Acredito agora que estava basicamente descompromissado com meu trabalho e incapaz de assumir publicamente a responsabilidade por minhas decisões. Trabalhei principalmente para obter a resposta positiva dos meus colegas e do público, não orientando o meu trabalho para essa resposta, mas esperando-a como os dividendos de ter trabalhado. Quando o público e meus colegas se voltaram contra mim, peguei minhas bolinhas de gude e fui para casa. Eu simplesmente decidi parar de fazer trabalho.

Ele continuou a se apresentar como membro da companhia de Yvonne Rainer e, de 1970 a 1976, como membro fundador do grupo de dança de improvisação The Grand Union , que se desenvolveu a partir da companhia de Rainer e incluía Rainer, Trisha Brown , Barbara Dilley , Douglas Dunn , Nancy Lewis e Steve Paxton, entre outros.

Gordon credita essas primeiras experiências como o alicerce de seu processo artístico:

Jimmy [Waring] foi uma educação para mim, como foi para a maioria das pessoas que entraram em contato com ele. ... [Ele] me ensinou arte e desenvolveu meu gosto, mas eu não comecei a entender como fazer trabalho até mais tarde com Yvonne Rainer. Com ela descobri o que é ser um artista - uma pessoa que faz escolhas e as apoia. Então, trabalhando com Trisha Brown no Grand Union, aprendi como editar, como reduzir uma coisa até sua essência. A abordagem de Jimmy era muito mais caprichosa. Sua forma de trabalhar levou você - ou pelo menos me levou - a aceitar qualquer ideia como válida simplesmente porque eu pensei nela. Pensei nisso e guardei, e o que veio a seguir foi o que pensei a seguir. Não acredito que Jimmy pretendesse absolver-me de toda a responsabilidade pelo meu trabalho, mas tive a impressão de que suposições intuitivas selvagens eram tudo o que eu precisava fazer para fazer arte. Eu nunca joguei nada fora. Lembro-me claramente de que Jimmy disse: "Se você não gosta agora, pode começar a gostar. Se você não pode gostar, quem disse que você tem que gostar?" O objetivo era desmistificar a arte e libertar o artista das limitações de seu próprio gosto. Havia uma grande sensação de libertação que se originou da defesa de John Cage dessa filosofia, e Jimmy, entre outros, estava estabelecendo alternativas para o tipo de ensino que havia dominado a composição da dança moderna até então.

Em 1971, Gordon voltou a fazer danças quando Rainer o colocou no comando de suas aulas enquanto ela foi para a Índia, de onde veio o material que se tornou Sonambulismo , primeiro apresentado no Oberlin College e depois em Nova York. Gordon formou a Pick Up Performance Company naquele ano - incorporada em 1978 como uma organização sem fins lucrativos - para apoiar e administrar seu trabalho em performances ao vivo e mídia. Seu trabalho durante este período incluiu:

  • The Matter (1972) - que utilizou não dançarinos voluntários que haviam se inscrito em um show do Grand Union para participar do próximo projeto de Gordon. A peça foi remontada em 1979, com acréscimos e subtrações, como The Matter (Plus e Minus) , e mais tarde foi a inspiração para The Matter / 2012: Art and Archive , realizado no Danspace Project na St. Mark's Church in-the -Bowery , assim como The Matter no MoMA / 2018 , apresentada no Museu de Arte Moderna como parte da exposição retrospectiva Judson Dance Theatre: The Work is Never Done .
  • Times Four (1975),
  • Inventário Pessoal (1976) - no qual Gordon e Setterfield tiveram que improvisar 500 movimentos diferentes cada um, contando-os à medida que avançavam,
  • Wordsworth and the Motor (1977),
  • Objetivos Não Necessariamente Reconhecíveis (1977) - pelo qual Gordon ganhou o primeiro Prêmio Soho Arts de Notícias Semanais do SoHo em Dança de Vanguarda,
  • What Happened (1978),
  • Uma audiência com o Papa (ou foi aqui que eu vim) (1979)

e a seminal Chair (1974), dueto de Gordon e Setterfield em que atuam com cadeiras dobráveis ​​de metal, cujo uso se tornou uma marca registrada de sua obra. A crítica Deborah Jowitt escreveu sobre suas obras durante esse período que "o processo e o polimento estavam ligados em belos paradoxos".

Nessa época, Gordon e Setterfield haviam desenvolvido uma reputação de "o casal mais intrigante do mundo da dança. Companheiros ideais, opostos ideais, yin e yang, masculino e feminino, comunicação total". Também durante este período e na década de 1980, Gordon, um opositor natural, não se autodenominou "coreógrafo", mas classificou suas peças como "construídas" por ele. Embora tenha colaborado com artistas visuais e designers como Power Boothe, Red Grooms e Santo Loquasto , Gordon muitas vezes, geralmente sem ser creditado por isso, desenhou os figurinos, decoração e adereços para suas peças. Ao fazer isso, ele frequentemente utiliza o conteúdo de brechós e faz uso de materiais mundanos como papelão , espuma e fita adesiva , bem como itens produzidos comercialmente, como prateleiras de roupas e escadas rolantes.

A trilha sonora feita à mão de Gordon para One Part of The Matter - um trecho de The Matter para dançarina solo (Setterfield) - que consistia em recortes de poses selecionadas de fotografias de Eadweard Muybridge coladas em folhas de papel, está na coleção de desenhos de o Museu de Arte Moderna de Nova York. A pontuação surgiu porque Setterfield estava em turnê com a empresa Cunningham, e Gordon lhe enviou as poses para que ela pudesse memorizá-las em seu quarto de hotel. Quando ela voltou, eles trabalharam juntos nas transições entre as poses. Desde então, Setterfield apresentou One Part of the Matter em muitos locais ao redor do mundo.

Década de 1980

Em 1980, Gordon desistiu do emprego de criador de vitrines, que por 18 anos sustentou seu trabalho e sua família - seu filho Ain nasceu em 1962 - para trabalhar em tempo integral como performer e coreógrafo. Ele também apareceu em dois documentários seminais sobre dança pós-moderna, Beyond the Mainstream: The Postmoderns , parte da série PBS Dance in America , e Michael Blackwood 's Making Dances , que se concentrou em sete coreógrafos: Brown, Lucinda Childs , Gordon, Douglas Dunn , Kenneth King , Meredith Monk e Sara Rudner .

Na década de 1980, sua Pick-Up Company fez uma turnê pelos Estados Unidos, apresentando peças íntimas como:

  • Close Up (1979) - um dueto de Gordon e Setterfield - e
  • Dorothy e Eileen (1980), em que duas dançarinas improvisam um diálogo sobre suas mães - que tem sido chamado de "uma de suas peças concebidas e executadas com mais sucesso";

bem como obras em grande escala, incluindo:

  • TV Reel (1982),
  • Trying Times (1982) - que termina com Gordon sendo levado a julgamento por seus dançarinos; esta peça e a Estrutura que a seguiu apresentam "dispositivos visuais" - como molduras abertas de madeira, telas pintadas com listras diagonais e placas pintadas de Masonite , bem como uma construção de dupla dobradiça de painéis de papelão pesados ​​com moldura de madeira que foi manipulada por os dançarinos em inúmeros padrões diferentes que depois interagiram com - pelo artista Powers Boothe, alguns dos quais irão também ser usado posteriormente em dança Henry V .
  • Framework (1983),
  • My Folks (1984) - com música klezmer ,
  • Four Men Nine Lives (1985),
  • Transparent Means for Traveling Light (1986) - executado com uma pontuação de John Cage ,

e os gigantescos Estados Unidos (1988–1989), que foi co-comissionado por 26 apresentadores em 16 estados e tem tantas seções que existem em versões diferentes, mas relacionadas, que nunca foram todas executadas juntas. Muitas das peças de Gordon desse período tiveram sua estreia no Dance Theatre Workshop de David White .

Gordon também trabalhou para outras empresas durante esse período, incluindo:

  • Grote Ogen ("Big Eyes") para Wekcentrum Dans na Holanda (1981),
  • Pas et Par para Theatre du Silence in Lyons (1981),
  • Counter Revolution (1981), Field Study (1984) e Bach e Offenbach (1986) para o Extemporary Dance Theatre de Londres,
  • Piano Movers to music de Thelonious Monk para Dance Theatre of Harlem (1984),
  • Beethoven e Boothe (1985) para o Grupo Recherche Choreographique de l'Opera de Paris, e
  • Companheiros de Rambert Dance Company (1988).

Ele também fez Field, Chair and Mountain (1985) e Murder (1986) para o American Ballet Theatre (ABT) com Mikhail Barishnikov . Murder mais tarde tornou-se parte do Made in USA de David Gordon , um programa de televisão encomendado pela WNET and Great Performances em 1987 como parte da série Dance in America . Gordon recebeu o prêmio Primetime Emmy pelo programa.

Para a Brooklyn Academy of Music (BAM) em 1983, Gordon coreografou o Ato III, a seção de dança, de The Photographer , uma peça multimídia sobre Eadweard Muybridge com música de Philip Glass , na qual incorporou o solo anterior de Setterfield One Part of the Matéria . Além disso, dirigiu Renard , uma ópera-balé de câmara em um ato de Igor Stravinsky , para o Spoleto Festival USA em 1986.

Década de 1990

Os mistérios e o que há de tão engraçado? (1991), em que Marcel Duchamp - interpretado por Setterfield - é a figura central em torno da qual toda a ação gira, recebeu um prêmio Bessie e um Obie . Foi escrito, dirigido e coreografado por Gordon com música novamente de Philip Glass e design visual de Red Grooms . O roteiro foi publicado no Grove New American Theatre . Gordon então colaborou com seu filho, o dramaturgo Ain Gordon , em The Family Business , que estreou no Dance Theatre Workshop na cidade de Nova York em fevereiro de 1994, recebeu um Obie Award e foi apresentado no New York Theatre Workshop e no Mark Taper Forum em Los Angeles em 1995. O elenco de The Family Business consistia em Gordons, pai e filho, e Setterfield.

Em 1994, para o American Repertory Theatre (ART) em Cambridge, Massachusetts e o American Music Theatre Festival (AMTF) na Filadélfia , Gordon dirigiu e coreografou um musical original , Shlemiel the First , adaptado por Robert Brustein , a partir das histórias de Isaac Bashevis Singer e com música klezmer tradicional com novas letras de Arnold Weinstein . As produções subsequentes foram vistas no Geffen Playhouse em Los Angeles - pelo qual Gordon ganhou o Drama-Logue Awards por sua direção e coreografia em 1997 - e no American Conservatory Theatre (ACT) em San Francisco . O show também viajou pela Flórida e em Stamford, Connecticut , e foi remontado em 2010 no Alexander Kasser Theatre da Montclair State University por Peak Performances. Esta produção foi re-montado pelo Teatro para uma nova audiência em Manhattan, New York City no final de 2011, na Universidade de Nova York 's Skirball Center for the Performing Arts , em associação com a National Yiddish Theater Folksbiene .

Gordon recebeu um National Theatre Artist Residency Grant, financiado pelo Pew Charitable Trusts e administrado pelo Theatre Communications Group , para trabalhar com o Guthrie Theatre em Minneapolis , onde dirigiu e coreografou The Firebugs de Max Frisch para seu palco principal em 1995.

Ain e David Gordon colaboraram novamente no livro e direção de Punch & Judy Get Divorced , com música de Edward Barnes e letras de Arnold Weinstein , que estreou na AMTF em 1996 e posteriormente apresentada pela ART. A peça começou em 1991 como um programa de televisão de um ato feito para a KTCA para sua série da PBS , Alive TV , e teve uma segunda vida como peça de dança, musicada por Carl Stalling , para o White Oak Dance Project de Barishnikov em 1992. Em 1999 , os Gordons trabalharam juntos mais uma vez, desta vez em um musical sobre mulheres diretoras nos primeiros dias do cinema, The First Picture Show , com música de Jeanine Tesori , para a ACT em San Francisco e o Mark Taper Forum em Los Angeles.

2000 - 2020

Outras produções que Gordon criou como escritor, diretor e coreógrafo incluem Autobiography of a Liar (1999), FAMILY$DEATH@ART.COMedy (2001) - pelo qual recebeu seu terceiro Bessie Award - e Private Lives of Dancers (2002), todas apresentado originalmente na Danspace em Nova York. Em 2000, ele foi contratado pela ACT para escrever uma adaptação de Kenneth Grahame 's O Vento nos Salgueiros , com música de Gina Leishman, chamado Some Kind of Wind in the Willows . Esta produção foi paralisada, mas nunca foi produzida. Nesse mesmo ano, montou e dirigiu para o White Oak Project de Baryshnikov um programa retrospectivo de dança pós-moderna, PAST / Forward , que incluiu peças de Gordon, Simone Forti , Steve Paxton, Deborah Hay , Yvonne Rainer, Lucinda Childs e Trisha Brown.

Em 2004, Gordon fez Dancing Henry Five , que utilizou a música de William Walton para o filme de Laurence Olivier sobre o Henry V de Shakespeare , bem como diálogos do filme e recitações dramáticas gravadas do texto de Christopher Plummer e outros. Esta produção recebeu uma bolsa- prima americana do National Endowment for the Arts Dance Program, e foi vista em Nova York; o Walker Arts Center em Minneapolis ; a Universidade do Kansas ; a Universidade de Maryland ; Lexington, Kentucky ; e ODC / Dance em San Francisco . Em 2011, foi revivido e apresentado na Montclair State University em New Jersey , Columbia College em Chicago e na University of Albany , Nova York.

Gordon também adaptou, dirigiu e coreografou uma série de obras clássicas de teatro:

Em outubro de 2012, Gordon montou para Danspace Project The Matter / 2012: Art and Archive , baseado em seus primeiros trabalhos The Matter (1972/1979), e incluindo versões de Mannequin (1962) e Chair (1974). A peça fazia parte da série Platform 2012: Judson Now , ligada à comemoração dos 50 anos das primeiras apresentações do Judson Dance Theatre , e foi chamada pelo The New York Times de "uma noite de dança de tirar o fôlego que homenageia seus primeiros dias . "

Em abril de 2013, Gordon foi nomeado como um dos vinte artistas que receberam o Doris Duke Artist Award da Doris Duke Charitable Foundation , um prêmio plurianual irrestrito de $ 225.000 mais valores adicionais para desenvolvimento de público e "reservas pessoais ou exploração criativa durante o que comumente anos de aposentadoria para a maioria dos americanos ".

Em 2016, os arquivos de Gordon foram aceitos para doação pela Jerome Robbins Dance Collection da Biblioteca Pública de Nova York para as Artes Cênicas do Lincoln Center . A doação foi marcada por uma série de workshops denominados ARQUIVEOGRAFIA AO VIVO , apresentados no Auditório Bruno Walter da biblioteca , além de uma instalação David Gordon ARQUIVEOGRAFIA - Em construção na Galeria Vincent Astor da biblioteca de 6 de dezembro de 2016 a 6 de abril de 2017 No The New York Times , Gia Kouurlas referiu-se à exposição como "uma instalação maníaca e mágica". O comentário de Gordon sobre sua vida e obra é registrado em seu site de arquivo, cujo acesso faz parte da instalação. Uma terceira versão de ARQUIVEOGRAFIA AO VIVO , com o subtítulo "Coupledom or Twice-Cooked Pork and Re-Fried Beans", foi subsequentemente apresentada no ODC Theatre em maio de 2017 em San Francisco, e no The Kitchen em Nova York em junho, apresentado por Lumberyard .

Em 2018, o Museu de Arte Moderna de Nova York montou a retrospectiva Judson Dance Theatre : The Work Is Never Done , que incluiu outra versão de The Matter , chamada The Matter no MoMA / 2018 . Dois anos depois, Gordon levou The Matter para um novo meio com o lançamento de The Philadelphia Matter - 1972/2020 , uma performance em vídeo por uma "companhia de dança virtual" de artistas da Filadélfia fazendo "Song & Dance", "Close Up" e " Chair ", que foram transformadas e editadas por Gordon e pelo videoartista Jorge Cosineau no âmbito do Philadelphia Fringe Festival. O vídeo foi selecionado pelo The New York Times como um dos melhores da dança em 2020.

Em 14 de julho de 2021, Peak Performances lançou The New Adventures of Old David , uma peça em vídeo escrita, coreografada e dirigida por Gordon, que ele baseou em sua peça de 1978 "What Happened". Novas performances gravadas no Alexander Kasser Theatre da Montclair State University foram combinadas por Gordon e pelo editor Daniel Madoff com imagens de arquivo e seções recém-filmadas de Gordon, sua esposa Valda Setterfield e seu gerente de palco de longa data explicando como "What Happened" aconteceu.

Recepção

O trabalho de Gordon foi geralmente bem recebido pela crítica e pelo público, embora sua peça Field, Chair and Mountain para American Ballet Theatre, seu primeiro balé, tenha sido vaiado em sua estreia no Kennedy Center Opera House em Washington, DC em 1985. A resposta da crítica foi mais generosa, chamando-o de "notável", "irreverente e inteligente", "uma exploração hipnotizante de parcerias" e "um dos mais belos e distintos [balés] no repertório atual da ABT", e elogiando o "tom impassível de Gordon humor e ... evidente afeição nostálgica por coisas românticas ", e sua" energia e sagacidade ". No entanto, Arlene Croce no The New Yorker disse que o balé era "o tipo de loucura que avança até o limite da frivolidade com a força da paixão", e no The New York Times , Anna Kisselgoff escreveu que "Apesar de [seus] aspectos originais , "Field, Chair and Mountain" não acrescenta nada além de suas partes isoladas. As idéias de Gordon parecem adornadas com ornamentos de teatro de ópera que pendem como roupas mal ajustadas ".

Vinte anos depois, Gordon, que antes não se considerava um artista político, criou o Dancing Henry Five em resposta aos ataques de 11 de setembro e à guerra no Iraque . Ele também recebeu uma resposta crítica principalmente positiva. Foi chamada de "uma produção básica que criou um clima épico poderoso" por John Rockwell , que a comparou favoravelmente a uma produção do Lincoln Center . Outros críticos elogiaram seu "humor e movimento hábil", sua "mistura magistral de charme e aguilhão", e chamaram-no de "impressionante e provocativo", enquanto descreviam o movimento na peça de dança-teatro como "despojado e democrático". "É preciso um artesão espirituoso do teatro de dança como Gordon para transformar uma peça heroicamente chauvinista em um apelo irônico, mas fervoroso pela paz", escreveu um crítico sobre o renascimento mais recente da peça, enquanto outro escreveu que "Os meios são simples, o dançando longe de ser virtuoso; o pensamento e os significados são complexos. "

No entanto, vários anos antes do sucesso de Dancing Henry Five , Gordon colaborou com Ain Gordon e a compositora Jeanine Tesori no musical teatral The First Picture Show , sobre diretoras do início da indústria do cinema, estrelado por Estelle Parsons e Ellen Greene . A peça foi amplamente realizada em um workshop e apresentada em San Francisco, no American Conservatory Theatre e em Los Angeles no Mark Taper Forum , que encomendou a peça. Após o sucesso de Shlemiel the First em Los Angeles, vários anos antes, as expectativas eram altas para o novo musical, mas a recepção da crítica não foi muito positiva - o crítico do Los Angeles Times escreveu: "Este projeto tentador, embora não formado, tem um tema vital demais , ou assuntos, por mera nostalgia. Ocasionalmente maravilhoso e nunca enfadonho, 'The First Picture Show' carece de uma certa urgência em sua narrativa. " - e a produção não teve transferência comercial após a execução da assinatura. Alguns anos depois, em resposta a uma pergunta sobre se sua carreira alguma vez "bateu na parede", Gordon disse: "Eu morri em LA", mas reconhece que então "voltou para Nova York e começou de novo, coreografando para mim empresa." Um dos resultados de recomeçar foi o Dancing Henry Five.

Análise e interpretação

Ao longo de sua carreira, os críticos resumiram Gordon e seu trabalho:

  • Gordon quer sensibilizar o espectador para uma dialética inconstante entre o gesto individual e a estrutura coreográfica mais ampla na qual está inserido. Em vez de destacar o gesto individual como tal, Gordon investiga de forma divertida as maneiras pelas quais um movimento discreto em uma frase de dança mudará em termos de como o percebemos como resultado da posição que ocupa em complexos coreográficos sistematicamente variados. ( Noël Carroll , 1978)

  • [Gordon] foi rotulado de formalista, estruturalista, mestre da palavra, comediante de vanguarda, satírico, parodista reflexivo. Seus trabalhos são investigações profundas de correspondências e colisões entre linguagem e movimento, exames dos processos criativos e performáticos, explorações de estruturas. Eles também são extremamente agradáveis e, muitas vezes, deliciosamente humorados. ( Amanda Smith , 1981)

  • Nas danças de David Gordon, frases de movimento simples são reiteradas até que você perceba não o movimento em si, mas a distinção dos corpos dos performers. A genialidade de Gordon reside tanto em sua escolha de dançarinos, principalmente em sua esposa e colaboradora de longa data Valda Setterfield, quanto em seu vocabulário gestual. Além disso, o uso da linguagem ressalta a mensagem de suas danças, que é que as ações e os sinais do corpo, como as palavras, podem mudar de significado dependendo do contexto. A formulação dos movimentos de Gordon é não flexionada, fluida, tendendo a deslizar confortavelmente pela memória, de modo que você deseja prestar atenção à própria maneira como essas figuras interessantes em particular fazem o que quer que estejam fazendo. ( Sally Banes , 1981)

  • Os observadores em tempo real do trabalho de Gordon teriam dificuldade em encontrar uma definição melhor do que um grande jogo que ele joga com Valda Setterfield. Seu senso de ironia tem saltado fora de seu nível, fachada despretensiosa por anos. Como ela é sempre perfeitamente heterossexual, o dom de Gordon para projetar a ambigüidade cômica na linguagem e no movimento pode brilhar ainda mais, com uma inocência além da mancha. Pode ser que, sem Setterfield como principal caixa de ressonância e cúmplice, ele não teria desenvolvido seu lado duplo - pelo menos, não no instrumento satírico inocente que é agora. ( Arlene Croce , 1982)

  • O que [Gordon] é, eu acho, é um punógrafo de plasario: dramaturgo / empresário / punster / coreógrafo. Ele também é o principal humanista do mundo da dança. Seu trabalho tem um calor, um brilho, um humor irônico e um amor abrangente pela vida. Os caprichos, pontos fracos e complexidades impossíveis de nosso ambiente urbano são vistos e mostrados como revigorantes e consoladores, frustrantes e estimulantes. (Allen Robertson, 1982)

  • ... Gordon, por natureza, é um crítico. Seu trabalho se apresenta e comenta sobre si mesmo. ... Gordon, no fundo, é um vaudevilliano, um tecelão de fios, um construtor de enigmas, um mágico que confunde as expectativas. A base do seu trabalho é o seu movimento. Imagens fotográficas, vídeo e, mais importante, a palavra falada e escrita são elementos colaborativos. A partir desses materiais, Gordon constrói anagramas de dança, cujo significado e tom mudam rapidamente. ... A historiadora Sally Banes comparou o trabalho de Gordon ao de um pintor cubista, observando sua laminação de imagens, movimentos e palavras. Outros comentaram sobre a inseparabilidade da vida e do trabalho em suas peças performáticas. (Sali Ann Krigsman, 1982)

  • Formado pela polêmica década de 1960, Gordon parece ser, por natureza, um ironista, com uma apreciação do paradoxo, um fascínio pela psicologia da parceria, uma ambivalência sobre o glamour e a fama. Ocasionalmente, ele revelou um temperamento crítico e, à maneira pós-moderna (ou balanciniana), um interesse por alusões em camadas. Ele também cria temas e efeitos. ( Mindy Aloff , 1985)

  • Gordon é um verdadeiro opositor; ele sempre parece trabalhar contra a corrente. ... A mitologia do [ Judson Dance Theatre ] freqüentemente iguala toda a era ao manifesto de renúncia de Yvonne Rainer . ... Não às transformações e magia? Não para David Gordon. (Embora seja essencial apontar que sua atitude em relação à transformação e à magia tem mais em comum com o trabalho de ilusionistas antilusionistas como Penn e Teller do que com o superproduzido e misterioso / glamour de David Copperfield .) Gordon é o tipo de mágico que mostra onde o coelho está escondido no chapéu. ... [E] e não é o primeiro coreógrafo a dar uma grande contribuição para o teatro. ... Mas Gordon é a primeira "pessoa da dança" que é tanto um dramaturgo quanto um coreógrafo. ( Roger Copeland , 1996)

  • David Gordon não é um coreógrafo comum. Ele sabe como manipular texto e dançar para que o resultado evoque um lugar revigorante, onde o teatro atencioso assume a aparência de ser casual. Nunca é apenas isso. ... [Ele] brinca com muitas peças de frases aparentemente díspares antes de serem transformadas em um todo eloqüente. Em muitos aspectos, ele é um respigador de seu próprio trabalho, que arquiva com a possibilidade de revisitá-lo no futuro. ... Mas, por mais que ele reviva o material após recontextualizá-lo, o mais fundamental para a vitalidade de [seu] repertório não é a aparência do movimento ou mesmo o que as palavras dizem, mas a maneira sedutora como elas se encaixam. Ele é um diretor que conhece dança. E embora tenha de tudo em seu trabalho - humor, musicalidade, movimento exuberante - ele é imprevisível. (Gia Kourlas, 2002)

  • [Talvez o que mais importa para Gordon - ainda mais do que as interminavelmente ambíguas sobreposições de vida e arte - seja a maneira como o presente é a câmara de eco do passado. [In The Matter no MoMA / 2018 ] você vê dançarinos mais jovens trabalhando em material de movimento que o Sr. Gordon fez anos atrás para a Sra. Setterfield e para ele; você vê filmes e fotos do Sr. Gordon e - especialmente - da Sra. Setterfield.

    E você vê filmes de grandes casais de filmes antigos: Lillian Gish e Richard Barthelmess em Broken Blossoms , Celia Johnson e Trevor Howard em Brief Encounter , Elizabeth Taylor e Montgomery Clift em A Place in the Sun . Esses relacionamentos de tela, por sua vez, tornam-se arquétipos em cujas sombras a parceria Gordon-Setterfield (como inúmeros outros relacionamentos românticos e conjugais) se desenvolveu. ( Alastair Macaulay , 2018)

  • "Espirituoso" pode ser a palavra favorita dos críticos de dança para descrever David Gordon e Valda Setterfield . O pioneiro diretor e dançarino são conhecidos pelo humor pungente de seu trabalho juntos - seu estranho senso de ironia encontrou o veículo ideal em sua fachada britânica puritana. ... Tanto um dramaturgo quanto um coreógrafo, Gordon habilmente usou texto, gestos e repetição em trabalhos elogiados para sua própria Pick Up Performance Co (s) , bem como companhias como American Ballet Theatre . ( Jennifer Stahl , 2019)

Premios e honras

Veja também

Referências

Notas informativas

Citações

Bibliografia

  • Banes, Sally (ed.) (2003) Reinventing Dance in the 1960s: Everything Was Possible University of Wisconsin Press. ISBN  0-299-18014-X
  • McDonagh, Don (1971) The Rise and Fall and Rise of Modern Dance . Nova York: New American Library. ISBN  0451611179

links externos